A più di cinquant'anni dall'ampia antologica del 1972, la GAM di Torino torna a celebrare Fausto Melotti. Colto, raffinato, ironico e a lungo incompreso dalla critica, Melotti è considerato oggi uno dei grandi protagonisti dell'arte italiana del XX secolo. La mostra ripercorre le sue stagioni poetiche, dagli anni trenta alla maturità, attraversando la produzione astratta, i Teatrini, la ceramica e le leggere sculture in metallo. L'attualità di Melotti, artista capace di parlare alle generazioni più giovani, si manifesta nella vitalità lirica e giocosa della sua opera e nell'abilità a fondere insieme linguaggi anche molto distanti tra loro.

Dal 30 ottobre 2024 al 16 marzo 2025, la GAM - Galleria d'Arte Moderna di Torino accoglie la prima retrospettiva italiana dedicata all'opera di Mary Heilmann, straordinaria artista statunitense i cui lavori sono impregnati di memorie, influenze estetiche e sogni.

Presentazione di Claudio Trognoni. Introduzione di Elisabetta Marino.

Veneziano di origine, Edmondo Bacci è stato uno dei pochissimi artisti italiani capaci di raggiungere il successo in vita, esponendo nelle maggiori gallerie e musei in Italia e all'estero. La forza e la qualità della sua opera sono riuscite ad attirare su di sé l'attenzione di alcuni tra i più attenti critici e collezionisti internazionali che animavano, intorno agli anni cinquanta del Novecento, una vivacissima Venezia. La Peggy Guggenheim Collection di Venezia rende omaggio a questo artista con una mostra centrata sul periodo più lirico e felice della sua opera, gli anni cinquanta, che segnarono il suo successo internazionale. Cuore della mostra e del volume che l'accompagna è lo straordinario nucleo di lavori della serie Avvenimenti, che proprio in quegli anni furono acquistati da diversi collezionisti statunitensi grazie alla mediazione di Peggy Guggenheim e Alfred H. Barr Jr, allora direttore del Museum of Modern Art di New York. Intorno al 1956 molte tele di Bacci cominciarono a varcare l'oceano per diffondersi negli Stati Uniti, aprendo così un importante periodo espositivo americano culminato nella mostra personale tenutasi alla storica Seventy-Five Gallery di New York nello stesso anno. Il volume raccoglie i contributi di Chiara Bertola, Barry Schwabsky, Riccardo Venturi, oltre a una ripresa critica di Toni Toniato, un'analisi dei materiali pittorici di Luciano Pensabene Buemi, e apparati bio-bibliografici di Martina Manganello.

Il catalogo, edito in occasione dell'omonima mostra (Venezia, Collezione Peggy Guggenheim, 1° aprile - 18 settembre 2023), raccoglie i capolavori del pittore in una monografia aggiornata sul grande artista, a distanza di oltre trent'anni dall'ultima pubblicazione. Il catalogo è la monografia più esaustiva dedicata all'artista veneziano Edmondo Bacci (1913-1978) con un'ottantina di opere, tra dipinti e disegni inediti, provenienti da musei e collezioni private nazionali e internazionali. Bacci è stato soprattutto un artista del mondo, uno dei pochi artisti italiani capaci di raggiungere il successo in vita, esponendo nei principali musei e gallerie d'arte. La forza e la qualità della sua opera hanno attirato l'attenzione di alcuni tra i più attenti critici e collezionisti italiani e stranieri, che intorno agli anni '50 animavano l'allora vivacissima Venezia, tra i quali naturalmente anche Peggy Guggenheim. Bacci si colloca entro la ristretta cerchia di eccellenze artistiche venete, tra cui figurano anche Tancredi Parmeggiani ed Emilio Vedova, che negli stessi anni ottengono successi e riconoscimenti internazionali. La mostra e il volume vogliono rendere omaggio all'artista concentrandosi sul periodo più lirico e felice della sua produzione, ovvero gli anni '50, che hanno segnato il suo successo, nella cornice veneziana, suo luogo di nascita e d'ispirazione, nonché la sua consacrazione alla XXIX Biennale Internazionale d'Arte di Venezia del 1958, che gli dedicò un'intera sala. Dopo una prefazione di Richard Armstrong, Direttore della Fondazione e Museo Solomon R. Guggenheim,

Per il terzo atto del programma di ricerca legato al Fondo Luigi Ghirri, la Fondazione Querini Stampalia presenta 'Un'evidenza fantascientifica. Luigi Ghirri, Andrea Zanzotto, Giuseppe Caccavale', un progetto che mette a confronto fotografia, pittura e poesia aprendo una nuova occasione di valorizzazione tra i linguaggi dell'arte. Dopo 'Paesaggi d'aria. Luigi Ghirri e Yona Friedman / Jean-Baptiste Decavèle' (2015) e 'Le pietre del cielo. Luigi Ghirri e Paolo Icaro' (2017), in questo caso il dialogo è a tre: un artista visivo come Giuseppe Caccavale e un grande poeta come Andrea Zanzotto si confrontano con le opere di Luigi Ghirri sul tema del paesaggio, fil rouge che lega tutti gli atti del Fondo. I linguaggi della fotografia, della poesia e della pittura vengono qui a comporre un paesaggio inedito tanto irriconoscibile e trasfigurato da sembrare il paesaggio di un altro mondo, fantascientifico appunto. Pubblicato in occasione della mostra omonima a cura di Chiara Bertola e Andrea Cortellessa alla Fondazione Querini Stampalia, il terzo Quaderno del Fondo Ghirri raccoglie i contributi dei curatori Chiara Bertola e Andrea Cortellessa, di Marigusta Lazzari, Silvana Tamiozzo Goldmann, Matteo Giancotti, Camilla Miglio, Valérie Da Costa e Giuseppe Caccavale.

Sophia de Mello Breyner Andresen è uno dei punti di riferimento del Novecento letterario portoghese, artefice di una scrittura in grado di unire classicismo e contemporaneità, di associare vita e morte (quel ballare «em redor da suspensão», per l'appunto) e, per dirla con le parole di Eduardo Lourenço, Apollo e Cristo. Al tempo stesso è anche stata figura essenziale nel dibattito civico e politico tra gli anni '50 e '70, raro esempio di intellettuale engagé in grado, per il tramite di una parola poetica che si vuole esatta e giusta, di partecipare attivamente alla formazione di una coscienza civile e di un dissenso antisalazarista di stampo intellettuale e non populistico, ma non per questo intellettualistico e chiuso in se stesso. Considerando la molteplicità di angolazioni sotto le quali leggere la sua opera e la sua figura, ma anche in virtù delle diverse modalità espressive adottate dalla scrittrice durante la sua lunga e prolifica carriera (Sophia non fu solo - giova ricordarlo - poeta, ma anche feconda autrice di narrativa e traduttrice), è possibile affermare che l'opera sophiana sia effettivamente molto letta e studiata, in patria così come all'estero.

Il volume, nell'accompagnare la seconda edizione della rassegna 'Polvere di Stelle' promossa dalla Fondazione Museo della Ceramica Vecchia Mondovì in collaborazione con il Circolo Sociale di Lettura di Mondovì Piazza, presenta importanti opere in ceramica dell'artista italiana Carla Accardi, una serie di fotografie di Franco Vimercati e l'installazione interattiva di Hilario Isola, accanto alle nuove opere di Elisabetta Di Maggio e alle porcellane dell'artista cinese Ai Weiwei, suggerite dal terremoto del 2008 in Cina. Opere di grande bellezza, che suggeriscono la vitalità della lavorazione della ceramica, nel mondo dell'arte contemporanea. Il volume è introdotto da un testo di Christiana Fissore, e completato dalle biografie degli artisti.

Il volume che accompagna l'omonima mostra, curato da Chiara Bertola e Giuliano Sergio, si inserisce come secondo appuntamento nel programma di ricerca legato al Fondo Luigi Ghirri, che ha visto la pubblicazione nel 2016 del primo Quaderno 'Paesaggi d'aria. Luigi Ghirri e Yona Friedman/Jean-Baptiste Decavèle'. Tale fondo mira a promuovere un'attività di indagine e valorizzazione dell'opera del fotografo emiliano, attraverso accostamenti tematici con artisti che ne evocano la sensibilità. Le sculture di Paolo Icaro scelte per la mostra sono principalmente in gesso, materiale che conserva l'impronta del gesto rapido che lo ha plasmato, evocando ciò che non si vede più e legandosi alla sua idea delle fotografie di Ghirri in cui lo vede capace di ritrarre 'lo spazio che lo separa dalle cose'.

Centro d'arte e laboratorio di ricerca e creazione contemporanea situato a Marsiglia, il Cirva accoglie artisti visivi, designer e architetti che desiderano cimentarsi con il vetro nel loro processo creativo. Questi artisti (che spesso si confrontano per la prima volta con questo difficile materiale) sviluppano i loro progetti di ricerca e realizzazione, assistiti dal team tecnico del Centro, secondo le modalità e le tempistiche adatte a ciascun progetto. Dal 1986, questo centro d'arte e di sperimentazione del vetro ha continuato a svilupparsi, adattarsi e reinventarsi a beneficio delle idee e dei progetti degli artisti con i quali collabora. Progettato come un vero laboratorio di ricerca, il Cirva ha costruito la sua ragione d'essere nell'incontro tra l'artista e l'artigiano del vetro, punto nodale in cui si apre un'ampia gamma di possibilità. Per oltre vent'anni, il Cirva ha ospitato oltre 200 artisti per vari progetti nel campo dell'arte contemporanea, oltre che del design e delle arti decorative. Nel grande laboratorio del vetro di Marsiglia hanno infatti lavorato artisti e grandi designer come Gaetano Pesce e Ettore Sottsass che dal 2004 realizza la serie delle Kachinas, ispirata alle omonime bambole votive indiane. Il Centro vanta una collezione di circa 700 opere esposte in mostre e nei musei e centri d'arte in tutto il mondo. Pubblicato in occasione della mostra veneziana e inserito nella collana 'Le stanze del Vetro', il volume ripercorre trent'anni di attività del Cirva e comprende i saggi dei due curatori della mostra, Isabelle Reiher e Chiara Bertola, e di Norma

'Transformare l'organizzazione dei luoghi di detenzione' studia una organizzazione liminale: quella dei carceri. E la condizione delle persone trans che le abitano, rende visibile come è dai margini che si può fecondare il centro. Generando inclusione. Di lungo periodo. Tratta la 'doppia detenzione' delle identità: individuale e organizzativa. Perché una sola prospettiva non è sufficiente a leggere la complessità del nostro agire. Perché il corpo non è macchina: strumento, veicolo che dal mondo sensibile genera la coscienza. Perché lo spazio non è serie lineare. E il tempo non è serie di istanti. Perché la percezione non è relativismo. Prefazione di Luigi Maria Sicca. Postfazione di Alexander Hochdorn.

La moda è spesso vista come il luogo di espressione della creatività libera dello stilista, al di fuori di vincoli e regole. Nella realtà della professione sono invece state elaborate nel tempo specifiche pratiche di ricerca e progettazione, che costituiscono un apparato strumentale indispensabile per il designer. Il testo propone una sintesi dei principali modelli organizzativi che caratterizzano il processo di ricerca e sviluppo dei prodotti moda, attraverso l'identificazione delle fasi e dei passaggi chiave all'interno di differenti contesti aziendali, dal prèt-à-porter al pronto moda. A partire da tali modelli di processo, viene proposta una rassegna degli strumenti progettuali utilizzati - analisi e pianificazione della varietà, metodi di ricerca e sviluppo di nuovi concept di prodotto, strumenti di analisi e definizione del colore e della materia tessile, tecniche di sviluppo tessile, tecniche di rappresentazione e visualizzazione - e dei principali output che caratterizzano ciascuna fase di processo - architettura di collezione, book tendenza e moodboard, cartella colori, cartella materiali, disegni tecnici, ecc.

La mostra, organizzata dall'Assessorato alla Cultura, Direzione Musei e Monumenti del Comune di Verona, in collaborazione con le gallerie Caterina Tognon Arte Contemporanea e Michela Rizzo di Venezia e con Art Verona, fa parte degli interventi site specific di artisti contemporanei proposti ormai da tempo negli spazi del Museo di Castelvecchio, che hanno visto la presenza di artisti e architetti come Giuseppe Caccavale, Eliseo Mattiacci, Peter Eisenman, Herbert Hamak, Anna Galtarossa, Andrea Galvani, Luca Trevisani. Il lavoro di Maria Morganti è un itinerario pensato in rapporto tanto all'architettura quanto alle collezioni museali. Opere di vetro, carta, pittura, pongo, attraversano il museo assumendo forma sempre nuova, lasciando tracce di colore, invitando a guardare con occhi nuovi ambienti noti. In dialogo con il castello medievale, con il restauro e riallestimento di Carlo Scarpa e con le opere esposte, il colore diventa per l'artista lo strumento di misura dello spazio, il segno del percorso individuale. Nata a Milano, Maria Morganti è cresciuta artisticamente nella sua città di origine e a New York, per poi trasferirsi a Venezia, dove oggi vive e lavora. Le sue opere sono state esposte, tra l'altro, a New York, Parigi, Milano, Mantova, Venezia, Firenze.

Il volume è di supporto all'omonima mostra aperta alla Fondazione Querini Stampalia a Venezia. Il libro documenta l'allestimento che Stefano Arienti ha creato nelle storiche sale della fondazione mettendo al centro il disegno, tema spesso presente nella sua opera, e ne indaga la vitalità quasi fosse un organismo. Il titolo del volume e della mostra, Disegni dismessi, è anche il titolo di un'opera realizzata da Arienti per questa esposizione, un vecchio mappamondo strappato, dove la parte stampata rimane in qualche lembo residuo incollato su un globo di vetro, minimamente inciso nei meridiani e paralleli.

Marguerite Duras, narratrice, ma soprattutto artista 'a tutto tondo', intellettuale nomade e inquieta, capace con la propria personalità di sconvolgere le convenzioni e di contaminare i generi, forgiando un universo assolutamente inimitabile, emerge come figura chiave del Novecento nei diversi contributi raccolti in questo volume. La forma letteraria e - in particolare quella romanzesca, il teatro, il cinema, nelle loro varianti codificate e, apparentemente, immutabili, diventano script, cineromanzo, testo teatro film ecc., abilmente scomposti e rivisitati dall'autrice di opere di grande tensione simbolica come Un barrage contre le Pacifique o Le ravissement de Lol V. Stein. Una sperimentazione aperta e stratificata, che avviene nel segno di una continuità esistenziale intessuta di echi e di rimandi di vario genere e che trova la propria ragion d'essere nell'indagine su un soggetto umano che si presenta come costitutivamente frammentato, disarticolato, scisso, nello scandaglio di una realtà storica mutevole e incompiuta, dove abbondano vuoti, assenze, rimpianti. A poco più di dieci anni dalla morte della Duras, i saggi qui presentati, oltre ad esaminare criticamente singoli aspetti della sua opera, la proiettano sullo sfondo più vasto delle pratiche letterarie e artistiche contemporanee.

Georges Adeagbo è un 'collezionista' che raccoglie e ordina sistematicamente fotografie, libri, ritagli di giornale, stoffe, object trouvé assemblati insieme con criteri diversi, a seconda del contesto in cui opera. Ne derivano grandi installazioni che colmano lo spazio con un'eterogenea molteplicità di segni, immagini e concetti messi in relazione tra loro in un sapiente gioco di significati, corrispondenze e rimandi. Il rapporto tra Africa ed Europa, la storia della colonizzazione, il dramma della guerra e della schiavitù, il cannibalismo culturale, la religione, la democrazia e l'arte sono i temi più cari all'artista che, interessato alle storie locali e agli eroi leggendari, mette in scena suggestive narrazioni i cui significati attraversano i confini tra paesi, culture, epoche, linguaggi. Per la Fondazione Querini Stampalia Georges Adeagbo realizza un progetto specifico e inedito nato dalla relazione con la storia di Venezia e la famiglia dei Querini Stampalia: uno sguardo straniante nato dall'incontro di due culture così diverse. I libri e le carte antiche della Biblioteca, la Presentazione di Gesù al Tempio di Giovanni Bellini, le scene di vita di Pietro Longhi, ma anche gli antichi strumenti musicali e i seicenteschi globi appartenenti alle collezioni della Fondazione diventano per l'artista una inesauribile fonte di ispirazione per costruire il suo incontro.

Il volume è il catalogo dell'attesa tappa fiorentina del Grand Tour di Georges Adéagbo, il più importante artista dell''Africa occidentale che ha avuto ampi riconoscimenti in Europa, Stati Uniti e Giappone. Adéagbo è un 'collezionista' che raccoglie e ordina sistematicamente fotografie, libri, ritagli di giornali, stoffe, object trouvés assemblandoli insieme con criteri diversi, a seconda del contesto in cui si trova ad operare. Il rapporto tra Africa ed Europa, la storia della colonizzazione, il dramma della guerra e della schiavitù, il cannibalismo culturale e la religione, la democrazia e l'arte sono i temi più cari ad Adéagbo che, interessato alle storie locali e agli eroi leggendari, mette in scena suggestive narrazioni i cui significati attraversano i confini tra paesi, culture, epoche, linguaggi. Le sue installazioni a Firenze sono pensate per coinvolgere un'intera città e ben due sedi espositive: il Museo di Palazzo Vecchio, centro politico e simbolo, e la galleria Frittelli.