La Galleria Borghese ha in corso un progetto sulle superfici lapidee delle sue sale. Il volume intende pubblicare gli esiti della ricerca, ai testi che muovono dallo studio storico-artistico e storico-architettonico dei parati seguono le classificazioni ragionate dei materiali e della loro messa in opera.

Questo volume traccia un percorso che esplora gli aspetti meno noti del lavoro di Arnaldo Pomodoro, presentando materiali per lo più inediti dal suo archivio. Un percorso che permette di esaminare la costante relazione nella ricerca dell'artista tra la micro-dimensione, quella legata soprattutto alla progettazione e alla realizzazione di gioielli d'artista, e interventi macro-dimensionali di natura architettonica e paesaggistica. "Arnaldo Pomodoro: il movimento possibile", raccoglie per la prima volta un gruppo di opere inedite realizzate a partire dalla seconda metà degli anni '50, offrendo al lettore l'opportunità unica di esplorare gli esordi e le tappe più importanti della carriera dell'artista, dando conto di amicizie e collaborazioni con poeti come Paolo Volponi, Attilio Bertolucci ed Emilio Villa. "Arnaldo Pomodoro: il movimento possibile", a cura di Alberto Salvadori e realizzato in collaborazione con la Fondazione Arnaldo Pomodoro, nasce dalla mostra tenutasi presso la Galleria Cortesi a Palazzo Morigi, Milano.

Pratza 'e Domo" non è solo una mostra, ma un dispositivo aperto che riflette sul confine tra domestico e pubblico, assenza e costruzione, memoria ed esilio. Curato da Giuliana Altea, Antonella Camarda e Luca Cheri, il progetto di Nairy Baghramian, una delle scultrici più influenti del panorama contemporaneo, attiva un dialogo tra le sue opere e quelle di Phyllida Barlow, Nicolas Hsiung, Janette Laverrière, Rosemary Mayer, Win McCarthy, Julie Mehretu, Oscar Murillo, Paulina Olowska, Monika Sosnowska e Mariantonia Urru, mettendo in tensione scultura, design e spazio condiviso. Il catalogo raccoglie i contributi di Giuliana Altea, Antonella Camarda e Andrea Lissoni, immagini e documenti visivi che restituiscono le complesse stratificazioni del progetto e del lavoro di Baghramian. Una narrazione collettiva che si muove tra teoria e forma, evocando la possibilità di una casa mai costruita, ma reale nella sua essenza concettuale, e fondamentale per esperire il presente.

Il nome di Giuliano Matteucci è legato all'omonimo Istituto, dedito da oltre vent'anni allo studio e alla catalogazione della cultura figurativa italiana del XIX e XX secolo. La sua vita professionale comincia a Milano, dove arriva nel 1967 da autodidatta dopo essersi formato al fianco di Mario Borgiotti ed avere frequentato i numerosi artisti e intellettuali che ogni estate gravitano in Versilia: Franco Russoli, Fortunato Bellonzi, Mario Tobino, Cesare Garboli, Mario Marcucci, Ardengo Soffici e Roberto Longhi. Gli esordi nel capoluogo lombardo lo vedono promotore di una prima esposizione alla Galleria Carini dedicata ad opere della Scuola toscana realista. Tra i numerosi collezionisti con cui instaura proficui rapporti di lavoro vi sono, tra gli altri, Giulia Falck, Bernardo Caprotti e Wally Toscanini. Nel 1975 riceve l'incarico da parte della Alte Pinakothek di Monaco di Baviera di ordinare una mostra sui Macchiaioli. Dal 1980 al2000 ricopre per la casa d'aste Finarte il ruolo di consulente per il settore della pittura dell'Ottocento e primo Novecento. Nel 1982 cura il catalogo generale di Cristiano Bantie cinque anni dopo quello di Silvestro Lega. Nel 1991 fonda la rivista "800", edita da Giunti. Risale al 1997-1999 la pubblicazione per De Agostini della enciclopedia "Pittori& pittura dell'Ottocento italiano". Nel 2013 dà vita alla Fondazione Matteucci per l'Arte Moderna, accreditata istituzione per l'ideazione e realizzazione di progetti espositivi incentrati sull'arte italiana dell'Otto-Novecento.

Attraverso l'esposizione Io che ti guardo nascosto e commosso, l'artista porta in scena, tra tele, carta e carboncini, una narrazione autobiografica in cui i confini tra artista e modello, soggetto e oggetto (del desiderio), si mescolano e si riversano in un libro d'artista fatto di domande, pensieri, disegni e opere inedite. Centrale nella produzione è il suo alter-ego su cui si riversano tutti i desideri, un personaggio, a volte baffuto, che appare continuamente in varie situazioni, talvolta idilliache, talvolta tormentate, riflettendo un'incessante indagine dell'io e la sua complessità emotiva. L'artista, tramite questa figura ricorrente, fatta di riferimenti mediterranei ed echi antichi, esplora le tematiche dell'identità, della solitudine e del desiderio, rivelando un frammento della propria realtà interiore. È come se ci stesse portando a riflettere sulle modalità contemporanee di vedere ed essere visti, sottolineando come il nostro punto di vista, da osservatori, possa trasformarsi in un processo di scoperta personale e di connessione emotiva o sensoriale.

I Quaderni dell'Intruso, due all'anno, sono dedicati allo sguardo di un artista o di un curatore invitato ogni volta a dialogare con le mostre e con le collezioni della GAM di Torino. L'intervento di questi ospiti sarà decisivo nel rimettere in moto traiettorie interpretative o percorsi cronologici ormai cristallizzati. Chiara Bertola, direttrice GAM Torino Stefano Arienti (1961) è l'artista "Intruso" di questo quaderno invitato a curare l'allestimento della mostra dedicata a Berthe Morisot. Nel corso della sua carriera, ha esplorato e reinterpretato i valori luministici e tattili della pittura impressionista in modo del tutto originale, utilizzando tecniche non convenzionali, pur rimanendo ancorato al linguaggio pittorico. Nella mostra di Berthe Morisot, l'intervento di Stefano Arienti si integra negli ambienti della mostra per evocare l'atmosfera domestica dei soggetti proposti dagli impressionisti. Rivestele pareti con carte da parati e nastri d'organza a righe o fiori, tipici dell'epoca, e introduce dettagli d'arredo come un pianoforte, un attaccapanni e una bacheca con la frutta di Francesco Garnier Vallett proveniente dal Museo della Frutta di Torino. I suoi "quadri di pongo" amplificano il tocco sfuggente, frastagliato e imprendibile di Morisot, aggiungendo una dimensione materiale e inaspettata alla pittura impressionista. Un tappeto trompe-l'oeil nella stanza del giardino d'inverno, infine, illumina l'ambiente, ricreando lo spazio ideale della pittura en plein air.

Il volume dedicato al lavoro di Gianni Cella, curato da Loredana Parmesani e Marianna Cappia, analizza il lavoro dell'artista nella sua lunga carriera ormai quarantennale. Gianni Cella è Gianni Cella ma è anche Plumcake. Il suo lavoro, lungo ormai quattro decenni, è diviso in due tempi: 1983 - 2000 Gianni Cella è Plumcake (con Romolo Pallotta e Claudio Ragni), 2000 ad oggi Gianni Cella diventa Gianni Cella. Cosa è accaduto dall'inizio degli anni Ottanta a oggi? Questo volume intende analizzare, avvalendosi di numerosi contributi critici, il lavoro di un artista che ha vissuto, con estrema coerenza due tempi, due ricerche, due identità artistiche. A partire dai primi anni Ottanta, Gianni Cella dà vita, con Romolo Pallotta e Claudio Ragni, a un sodalizio artistico che prende il nome di Plumcake, inventando un nuovo linguaggio formale. Nel 2000 Gianni Cella si stacca dal gruppo per proseguire autonomamente la propria ricerca artistica focalizzandosi maggiormente su aspetti che nascono da una sguardo non più solo concentrato sulla bella e seducente forma che ha caratterizzato il suo primo periodo, ma uno sguardo che diventa riflessivo su sé e su quanto accade intorno. Il libro intende analizzare e documentare, con un considerevole apparato di testi critici dell'epoca e inediti e numerose immagini il lavoro di un artista che ha saputo reinventare il proprio lavoro e elaborare un nuovo linguaggio.

Il catalogo documenta non solo un'esposizione, ma un progetto: Terza Terra. Michelangelo Pistoletto e Cittadellarte a Villa Manin. Per alcuni mesi la villa di Passariano ospita alcune fra le opere più importanti di Michelangelo Pistoletto a partire dai Quadri specchianti per giungere attraverso la Sfera di giornali, il Metro cubo d'infinito, la Venere degli stracci e altre ancora al Terzo paradiso in forma botanica realizzato nel parco. Oltre a essere ormai pietre miliari della storia dell'arte dell'ultimo secolo, le opere sono testimonianza del percorso compiuto da Pistoletto verso una concezione etica dell'arte come strumento di coinvolgimento e di progresso sociale. Ma Villa Manin non è solo sede della mostra restituita dalle immagini qui raccolte, ma interprete dello spirito di Cittadellarte, la fondazione creata da Pistoletto a Biella dove si intrecciano arte, etica e impegno sociale. Oltre alle immagini delle opere di Pistoletto, il catalogo raccoglie infatti quelle di artisti che a Cittadellarte, ma anche in Friuli Venezia Giulia, ne hanno interpretato lo spirito con creazioni che mirano a sensibilizzare il pubblico sullo sfruttamento eccessivo delle risorse, il consumo responsabile, rispetto dell'ambiente ecc. Intorno ai temi citati ha luogo inoltre a Villa Manin il forum della "Demopraxia", secondo il neologismo coniato a Cittadellarte: un programma di incontri pubblici che nello spirito della mostra, mirano a un coinvolgimento diretto di tutti gli attori del territorio. Questo volume e offre la testimonianza.

Attraverso l'esposizione Io che ti guardo nascosto e commosso, l'artista porta in scena, tra tele, carta e carboncini, una narrazione autobiografica in cui i confini tra artista e modello, soggetto e oggetto (del desiderio), si mescolano e si riversano in un libro d'artista fatto di domande, pensieri, disegni e opere inedite. Centrale nella produzione è il suo alter-ego su cui si riversano tutti i desideri, un personaggio, a volte baffuto, che appare continuamente in varie situazioni, talvolta idilliache, talvolta tormentate, riflettendo un'incessante indagine dell'io e la sua complessità emotiva. L'artista, tramite questa figura ricorrente, fatta di riferimenti mediterranei ed echi antichi, esplora le tematiche dell'identità, della solitudine e del desiderio, rivelando un frammento della propria realtà interiore. È come se ci stesse portando a riflettere sulle modalità contemporanee di vedere ed essere visti, sottolineando come il nostro punto di vista, da osservatori, possa trasformarsi in un processo di scoperta personale e di connessione emotiva o sensoriale.

Il catalogo raccoglie i contributi delle curatrici del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia elaborati per la mostra «Etruschi. Artisti e artigiani», che rappresenta la seconda tappa del percorso pluriennale «Storie dell'arte con i grandi musei», progetto avviato nel 2023 dall'Ufficio Cultura della Ripartizione Cultura Italiana della Provincia autonoma di Bolzano con la mostra «Antichi Egizi: maestri dell'arte», curata del Museo Egizio di Torino. Un'iniziativa che ha l'ambizione di accompagnare il pubblico in un viaggio alla scoperta delle civiltà antiche e moderne e di raccontare, anno dopo anno, come si è evoluta nel corso dei secoli la figura dell'artista. Ventisei opere di grande valore simbolico, legate alla sfera funeraria, privata e sacra e che rivelano i caratteri della società di cui esse sono espressione, sono illustrate in altrettante schede. Il lettore troverà anche brevi saggi introduttivi sugli aspetti peculiari delle produzioni artigianali etrusche che si manifestano attraverso le opere selezionate. Un approfondimento è dedicato anche alla pittura etrusca, un filone artistico fondamentale non rappresentabile, per motivi di spazio, in questo contesto espositivo.

I Quaderni dell'Intruso, due all'anno, sono dedicati allo sguardo di un artista o di un curatore invitato ogni volta a dialogare con le mostre e con le collezioni della GAM di Torino. L'intervento di questi ospiti sarà decisivo nel rimettere in moto traiettorie interpretative o percorsi cronologici ormai cristallizzati. Chiara Bertola, direttrice GAM Torino Stefano Arienti (1961) è l'artista "Intruso" di questo quaderno invitato a curare l'allestimento della mostra dedicata a Berthe Morisot. Nel corso della sua carriera, ha esplorato e reinterpretato i valori luministici e tattili della pittura impressionista in modo del tutto originale, utilizzando tecniche non convenzionali, pur rimanendo ancorato al linguaggio pittorico. Nella mostra di Berthe Morisot, l'intervento di Stefano Arienti si integra negli ambienti della mostra per evocare l'atmosfera domestica dei soggetti proposti dagli impressionisti. Rivestele pareti con carte da parati e nastri d'organza a righe o fiori, tipici dell'epoca, e introduce dettagli d'arredo come un pianoforte, un attaccapanni e una bacheca con la frutta di Francesco Garnier Vallett proveniente dal Museo della Frutta di Torino. I suoi "quadri di pongo" amplificano il tocco sfuggente, frastagliato e imprendibile di Morisot, aggiungendo una dimensione materiale e inaspettata alla pittura impressionista. Un tappeto trompe-l'oeil nella stanza del giardino d'inverno, infine, illumina l'ambiente, ricreando lo spazio ideale della pittura en plein air.

"Leitmotiv" è la prima mostra personale di Gaia De Megni (Santa Margherita Ligure, 1993) focalizzata su una riflessione autobiografica e sul ruolo del cinema nella costruzione delle identità sociali. Attraverso una selezione di lavori inediti, l'artista esplora la potenza comunicativa delle immagini, decostruendo i racconti tradizionali per svelarne i significati latenti e le loro implicazioni nei contesti sociali odierni. Il catalogo è accompagnato dai contributi critici di Francesca Guerisoli, Federico Nicolao e Tea Paci. La mostra Leitmotiv, a cura di Francesca Guerisoli, si è tenuta alla Fondazione La Rocca di Pescara, dal 14 novembre 2024 al 24 gennaio 2025.

In occasione dei 50 anni dalla fondazione della Galleria d'Arte Moderna di Bologna, il Mambo sta organizzando una grande mostra dal titolo Facile Ironia. l'Ironia nell'arte italiana tra XX e XXI secolo che si propone di ripercorrere la storia dell'arte italiana tra XX e XXI secolo tramite il tema dell'Ironia. Gli artisti in mostra e nel catalogo seguiranno un ordine cronologico e tematico che attraverserà un periodo di tempo di circa settant'anni, dagli anni Cinquanta ad oggi, con l'eccezione di alcune opere di grandi maestri del surrealismo e della Metafisica come Giorgio de Chirico e Alberto Savinio.

Il 10 gennaio 1993 il programma Radio Rai, Paesaggio con figure. Testimoni ed interpreti del nostro tempo ospita il pittore Piero Guccione. Un'intervista esclusiva - condotta in studio da Michele Gulinucci insieme ai critici d'arte, Lorenza Trucchi e Guido Giuffrè - che ha permesso di entrare nel mondo silenzioso di un artista che raccontava poco del suo lavoro e ancora meno di sé. In occasione del 90° anniversario della nascita del pittore (1935-2025), l'Archivio Piero Guccione propone la trascrizione della lunga intervista radiofonica durata oltre tre ore. Il volume è un emozionante viaggio nel personale universo della pittura di Guccione, impreziosito sia dalle pagine critiche di Dario Micacchi, Dominique Fernandez e Leonardo Sciascia che dalle parole di stima e profondo affetto espresse dallo scrittore Gesualdo Bufalino e dal drammaturgo e critico d'arte Giovanni Testori, intervenuti in diretta durante il programma radiofonico. Nei diciannove capitoli che compongono il libro, ciascuno accompagnato da un ricco apparato iconografico, si ripercorre la sua faticosa «avventura» di essere Pittore in un'epoca in cui «dipingere è molto arduo perché a volte si ha l'impressione di essere veramente dei Don Chisciotte, cioè di utilizzare lo scudo e la lancia in un tempo in cui ci sono i missili». Pittore del visibile, Guccione racconta la necessità di «inventarsi, giorno per giorno, il modo di fare chiarezza, anche dopo quarant'anni che si dipinge» affinché quell'emozione, provata dai suoi occhi e filtrata dalla mente, si faccia nuovamente (e lentamente) "chiara" sulla tela, sempre

Questo volume documenta le tappe del progetto di ricerca «Teramo a tavola. Una cucina italiana» e la mostra che ne ha sintetizzato i risultati. L'obiettivo dell'équipe di specialisti che hanno partecipato a questo lavoro era illustrare e valorizzare la storia e le caratteristiche distintive della gastronomia teramana in età moderna e contemporanea, fra matrice contadina ed elaborazione aristocratica e borghese, ed evidenziare i punti di contatto, le differenze e le divergenze rispetto alla storia della gastronomia italiana. L'approccio risolutamente interdisciplinare e la complessità delle pratiche messe in campo fanno di «Teramo a tavola. Una cucina italiana» un modello operativo unico sullo scenario italiano, che può essere replicato in altri settori del patrimonio culturale materiale e immateriale e su scala territoriale diversa.

Un grandissimo pittore, due dipinti magnifici e una Pinacoteca rinnovata. Questi gli elementi che caratterizzano una mostra raffinatissima, che vede protagoniste due pale d'altare, splendenti per qualità e rare per contenuto, di Ubaldo Gandolfi, che fu uno dei protagonisti della pittura italiana del secondo Settecento. A esse sono affiancati il disegno preparatorio per l'una e il bozzetto per l'altra, entrambe opere commentate e discusse da Donatella Biagi Maino, principale esegeta dell'arte di questo grande, per meglio comprendere non solo le modalità attuative delle sue lucenti pitture ma soprattutto i percorsi della sua ispirazione e del suo credo nell'età che fu segnata dalla presenza forte di Benedetto XIV, il cui lungo pontificato mutò le sorti della cultura cattolica, e non solo.

Il quaderno è la testimonianza di un'intrusione nella mostra Italo Cremona. Tutto il resto è profonda notte, allestita alla GAM di Torino dal 24 aprile all'8 settembre 2024. Dipinti, sculture e video appartenenti alle collezioni GAM, selezionati senza l'applicazione di filtri cronologici o filologici, fanno risuonare il momento dell'incontro tra ciò che sta fuori e ciò che sta dentro, tema portante nella pittura di Cremona. Lo sguardo si muove tra stanze in penombra e muri disadorni, finestre che si aprono su sconfinati orizzonti e desolanti visioni di periferie urbane, ordinati studi d'artista e assolate pareti di mattoni rossi, ambienti in cui la presenza umana è soltanto supposta, mai dichiarata esplicitamente.

Il quaderno è la testimonianza di un'intrusione nella mostra Italo Cremona. Tutto il resto è profonda notte, allestita alla GAM di Torino dal 24 aprile all'8 settembre 2024. Dipinti, sculture e video appartenenti alle collezioni GAM, selezionati senza l'applicazione di filtri cronologici o filologici, fanno risuonare il momento dell'incontro tra ciò che sta fuori e ciò che sta dentro, tema portante nella pittura di Cremona. Lo sguardo si muove tra stanze in penombra e muri disadorni, finestre che si aprono su sconfinati orizzonti e desolanti visioni di periferie urbane, ordinati studi d'artista e assolate pareti di mattoni rossi, ambienti in cui la presenza umana è soltanto supposta, mai dichiarata esplicitamente.

La chimica mette al servizio della storia dell'arte, e più in generale delle discipline umanistiche, una serie di tecniche diagnostiche utili per avere informazioni che permettano agli studiosi di apprezzare meglio le opere d'arte. Le analisi sono effettuate in maniera non invasiva, ovvero senza prelievo di campioni, impiegando strumentazioni portatili direttamente in situ. Nel caso della collezione di libri decorati all'interno della Collezione Cerruti, tali tecniche sono rivolte in particolare a valutare il pregio degli apparati decorativi di ogni libro in base al valore merceologico dei materiali pittorici impiegati, a formulare ipotesi sulla provenienza dei materiali stessi, a identificare eventuali ritocchi posteriori, a confermare la datazione e l'attribuzione storico-artistica e infine a valutare lo stato di salute delle decorazioni.

La peculiarità delle opere d'arte di Igor Mitoraj (1944-2014) è sempre stata quella di poter entrare indisturbate all'interno di musei, parchi archeologici e angoli di città storicamente preclusi ad un dialogo con la contemporaneità. L'intera creazione artistica del Maestro è pervasa dalla ricerca ossessiva della Bellezza e dell'Armonia attraverso una narrazione affidata alla materia.

Il nuovo catalogo delle maioliche e delle ceramiche del Museo Nazionale del Bargello di Firenze si è reso necessario visto il significativo incremento di pezzi rispetto all'ultimo studio risalente al 1971. A oggi la raccolta è composta da circa mille esemplari in maiolica e ceramica invetriata realizzati da officine italiane fra il X e il XX secolo e da una pregevole selezione di manufatti prodotti dai vasai moreschi attivi in Spagna; su tutti risalta per qualità e valenza storica il nucleo di vasellame istoriato di provenienza medicea confluito al Bargello con l'apertura al pubblico del museo nel 1865. L'ampliamento della collezione è stato possibile tramite le acquisizioni fatte dallo Stato e, soprattutto, grazie alle numerose donazioni di privati cittadini, collezionisti, antiquari e studiosi che dal 1866 continuano senza sosta sino a oggi, rivelandosi una risorsa preziosa per l'arricchimento delle raccolte museali.

Questo manuale di giardineria non è solo un testo irrinunciabile per tutti coloro che si interessano di giardini, professionisti o amatori, ma anche una piacevolissima lettura che non può mancare nel personale repertorio di ogni persona colta che sia consapevole del vitale rapporto dell'uomo con la natura.

La vita di un collezionista non si misura in anni ma in opere. Opere acquisite, desiderate o semplicemente opere che hanno un significato nella propria biografia, che scandiscono momenti importanti. Il risultato è una biografia avventurosa scandita da centinaia di mostre, aerei, amici, opere possedute o ripudiate, ma anche un manuale di sopravvivenza per chi si vuole avvicinare al mondo dell'arte.

Rurale. Termine perfetto per descrivere il lavoro di Hilario Isola che si è ispirato alla salvaguardia della natura e dell'ambiente con opere di tema rurale.

Catalogo della prima retrospettiva a Roma dedicata all'opra multiforme e pionieristica di Salvatore Scarpitta che ripercorre il percorso creativo dell'artista italoamericano, uno dei protagonisti più innovatori del linguaggio artistico della seconda metà del 900.

Pochi giardini al mondo esprimono l'idea di giardino dell'Eden come quello di Ninfa: un mondo antico e originario in cui ancora si avverte la presenza del mito. Una volta varcato il cancello d'ingresso di questo luogo di sogno, non c'è visitatore che non percepisca la differenza tra «un mondo di fuori» e «un mondo di dentro». Alla comparsa dell'uomo sulla terra quel mondo unitario e armonioso era la normalità, mentre oggi può essere apprezzato solo in proporzioni assai ridotte e fortemente minacciate. Il fascino unico di Ninfa risiede nel connubio tra l'avvolgente mistero delle imponenti e silenziose rovine e la natura circostante, piena di esuberanti fioriture, profumi inattesi, suono cristallino delle acque, canti di uccelli e voli di farfalle. Con il loro impegno appassionato, i Caetani hanno salvaguardato le vestigia di una storia millenaria, custodendo il genius loti di Ninfa e creando un giardino (inteso come «casa» di tutti gli esseri viventi, dalla magnolia al lombrico, dal cedro all'usignolo) la cui bellezza è offerta al godimento dell'umanità intera.

Viaggiando oltre il perimetro dell'immagine è una mostra che non punta solo a valorizzare lo straordinario lavoro di cinque artisti - Corrado Bonomi, Gianni Cella, Piero Gilardi, Plumcake e Aldo Spoldi - per la loro capacità di anticipare temi centrali della alienazione dell'individuo al tempo della sistematizzazione della comunicazione capitalizzata di massa. Viaggiando oltre il perimetro dell'immagine piuttosto, per non vivere esclusivamente in una dimensione teorica slegata dai problemi della nostra realtà post-internet, prende forma per mezzo di un dialogo proficuo con le sale fortemente caratterizzate di Palazzo Saluzzo Paesana di Torino del primo '700. Il risultato - documentato in questo catalogo - ha portato alla definizione non semplicemente di una collettiva tradizionale, bensì a sette mostre site specific, nate dall'esigenza di far convivere e far parlare opere di medium e anni differenti realizzate dallo medesimo artista nel corso della sua lunga carriera. Questo è sembrato l'unico modo per non ingabbiare ed etichettare, bensì per far emergere le molteplici sfumature delle ricerche di Bonomi, Cella, Gilardi, Plumcake e Spoldi. Sfumature che sono dovute proprio dalla loro scelta di relazionarsi con spirito critico e pungente ai cambiamenti della loro contemporaneità, dal '68 ad oggi. Conseguentemente si è scelto di evidenziare che le singole opere sono sempre state concepite al pari di interventi di tipo ambientale, ovvero in dialogo/risposta al contenitore che li ospita. Scelta che ha portato a rendere evidente la volontà di questi artisti di estendere il perime

La collezione miramART, con oltre 50 artisti e 80 opere, equamente divisa tra artisti italiani e stranieri, offre una panoramica ricca e diversificata del panorama artistico contemporaneo. Gli inizi sono stati casuali, con alcune opere esposte nel parco e nei saloni. La collezione è poi cresciuta, entrando anche negli spazi privati dedicati agli ospiti, accompagnandoli nel loro soggiorno. Da lì il desiderio di editare un catalogo, ora alla quarta edizione, per introdurre gli ospiti ai lavori presenti in hotel. L'arco stilistico è vario, si passa dal rigore negli scatti di Francesco Gennari alla sospensione nei colori di Becky Beasley, alla narrazione di Rà di Martino, fino agli stratagemmi per farci cambiare punto di vista di Uriel Orlow, per citarne alcuni. La fotografia costituisce il filone principale, seguita dalla scultura.

Dal 30 ottobre 2024 al 16 marzo 2025, la GAM - Galleria d'Arte Moderna di Torino accoglie la prima retrospettiva italiana dedicata all'opera di Mary Heilmann, straordinaria artista statunitense i cui lavori sono impregnati di memorie, influenze estetiche e sogni.