«L'arte, come tutti gli universi creativi, si porta dietro un tono semiserio e smitizzante e nella commedia si recita a soggetto, improvvisando su un canovaccio». Con questo spirito - che ha animato tutta la sua vita e l'attività di critico, docente, curatore - Luca Beatrice ha scritto le riflessioni qui dedicate al contemporaneo. Curioso e appassionato, mai accomodante e sempre stimolante, si interroga sul destino dell'arte nell'era degli influencer e degli «artivisti», dove sembrano prevalere l'appiattimento su alcuni temi alla moda e la rincorsa dell'ultima causa umanitaria, mentre si rinuncia a realizzare opere epocali capaci di entrare in pianta stabile nel nostro patrimonio culturale. Ricostruisce le nuove geografie del politicamente corretto, rievoca le mostre storiche che hanno rivoluzionato il sistema e la tendenza recente dei curatori a scegliere chi meglio aderisce a un teorema, a discapito della qualità. L'autore mette in luce le trasformazioni dei musei in un mondo abituato a vedere l'arte sui social, e l'affermarsi della Street Art e dell'arte pubblica, che spesso, oltre le buone intenzioni della riqualificazione, si rivelano pura demagogia. Analizza il declino della contestazione, che prima l'arte veicolava e da cui ora viene presa di mira, vittima delle incursioni di attivisti e oppositori. Punta il dito contro censure preventive e cancel culture, individuando nel nostro paese anticorpi che permettono di fare i conti con il passato senza considerarlo un peso. Assieme a uno specchio dei tempi, ci consegna un'importante eredità, legata all'idea «che l'arte deb

"Disegna, dipinge, scolpisce, scrive, qualche volta canta. Per Domenica Regazzoni vita e arte sono la stessa cosa, coincidono perfettamente, e davvero non è un modo di dire, ma la pura verità". Inizia così il saggio che Luca Beatrice, curatore del volume, dedica all'artista. Nata in Valsassina nel 1953, Domenica Regazzoni inizia il proprio percorso negli anni Settanta includendo figurazione e astrazione, pittura e scultura. La sua opera è volta a valorizzare le affinità elettive tra diverse espressioni artistiche partendo da un dna personale e familiare che vede, nella musica, il filo conduttore: il padre Dante è stato uno dei più grandi liutai del Novecento. Le mostre, nate dai sodalizi con Mogol e Lucio Dalla, oppure ispirate all'arte della liuteria o della poesia Haiku, hanno viaggiato soprattutto in Cina e Giappone. Tra le numerose pubblicazioni, la raccolta di poesie di Antonia Pozzi Canto Segreto, per la collana all'insegna del pesce d'oro di Vanni Scheiwiller, 1992, ColoreIncanto, Gribaudo, 1996, Regazzoni & Dalla, Galleria Blu, Milano 1998, Haiku Viennepierre, 2000, Dal legno al suono a cura di Gillo Dorfles, SKIRA, 2003, Scolpire la musica a cura di Martina Corgnati, SKIRA, 2008, Convergenze parallele, a cura di Ivan Quaroni, Allemandi 2015, Haiku a cura di Silvia Evangelisti, Silvana Editoriale, 2021.

"Rio ari o..." Con queste tre parole cominciava "Ci stiamo sbagliando", la traccia divenuta presto celebre di Luca Carboni. Era il 1984 e il testo dell'iconica canzone raccontava con rara intensità di ragazzi che camminavano sul mondo con i piedi di piombo; di commesse dei negozi del centro che vivevano mezze giornate e no, non erano fate; di ladri di mille lire, che cercavano il modo di non morire e far passare la notte; di cento milioni di cuori e cento milioni di matti, pronti a graffiare per poi fare le fusa, come i gatti. Insomma, "Ci stiamo sbagliando" raccontava l'Italia di ieri, con un intimismo magico capace di farsi storia universale in cui immedesimarsi. Raccontava l'Italia di ieri intercettandone a pieno lo spirito dei tempi e, forse, anticipandone quelli a venire. Questa capacità e profondità, del resto, ha sempre avuto la poetica e musica di Luca Carboni: una parabola artistica cominciata a metà degli anni '70 e proseguita per quasi mezzo secolo diventando la colonna sonora esistenziale di moltissimi fan. "Rio Ari O" è anche il titolo del catalogo della mostra curata da Luca Beatrice e dedicata ai 40 anni tra musica e arte di Luca Carboni. A esprimersi (anche) con le immagini Luca ha cominciato fin da subito, fin da quando si rese conto dell'importanza e dell'attenzione che doveva dedicare alle cover dei suoi album. Colori, foto, lettering: tutto esigeva armonia, così come le parole e le note di una canzone. E allora, matita, acrilici, tempere, china e pennarelli alla mano, Luca ha iniziato a disegnare, raffigurare, pitturare, e ha continuato a farlo lungo tut

Critico e curatore eclettico, rabdomante eterodosso, da anni Luca Beatrice racconta il mondo dell'arte come luogo di scambio simbolico ma anche come teatro di accesi conflitti. Rimettendo al centro del discorso critico i legami tra personalità artistiche e contesto storico-culturale, tra riflessione ed esecuzione, spinge a rivalutare le tante realtà della penisola e la loro capacità di esprimere e interpretare interi universi di senso. Nel confronto con venerati maestri e picareschi compagni, artisti le cui poetiche si traducono in pratiche quotidiane, attraversa i decenni che vanno dal boom economico alle atmosfere cupe degli anni settanta, dal fermento della Transavanguardia e del punk agli anni novanta, che individua come «l'ultimo momento in cui si poteva identificare un'arte italiana», fino ai giorni nostri. Dai prodromi dell'Arte Povera alle ultime sperimentazioni del contemporaneo, si susseguono le vite, tra gli altri, di Giulio Turcato, Carla Accardi, Mario Schifano, Michelangelo Pistoletto, Carol Rama, Emilio Isgrò, Maria Lai, Salvo, Antonio Trotta, Sandro Chia, Corrado Levi, Marco Lodola, Maurizio Cattelan, Vanessa Beecroft, Francesco Vezzoli. Al controcanone accedono anche personaggi che a vario titolo hanno rivoluzionato il modo di concepire e narrare l'arte, da Umberto Allemandi a Giancarlo Politi, da Francesco Bonami a Roberto D'Agostino. Tra aneddoti, curiosità e qualche cattiveria, divagazioni e note critiche, un viaggio nel tempo e nello spazio, un'incursione negli studi d'artista e nelle osterie dove scambiare idee e materiali, alla ricerca di quell'«Itali

Protagonisti, movimenti e linguaggi dal Novecento a oggi. Domande e risposte per orientarsi nell'arte contemporanea. Storie e personaggi che hanno cambiato le regole del gioco nell'arte. Le opere irrinunciabili, dal museo alla strada.

Monografia pubblicata in occasione della mostra "Willy Verginer. Rayuela", 15 ottobre 2020 - 28 febbraio 2021, Studio d'Arte Raffaelli, Trento. Odles, Steles, Paja, e Planadices: con queste quattro parole ladine, che indicano ciascuna un diverso stadio del legno, Willy Verginer descrive la materia con cui lavora, dando vita a narrazioni sul filo dell'assurdo. Per Rayuela, la sua prima personale allo Studio d'Arte Raffaelli di Trento, l'artista gardenese presenta una nuova serie di lavori il cui tema ruota attorno al "gioco del mondo", presente in tutte le culture e paradigma della vita stessa. A partire dall'omonimo libro cult di Julio Cortázar, il lavoro di Verginer si snoda attraverso un percorso scultoreo in cui protagonista principale è la materia lignea, lavorata con sapienza artigianale e dipinta secondo la densità simbolica del colore.

Vietare le mostre di Paul Gauguin perché si suppone abbia avuto rapporti sessuali con minorenni. Rimuovere un dipinto di Balthus perché sarebbe un inno alla pedofilia. Trattare i disegni di Egon Schiele alla stregua di materiale pornografico. Sono solo gli episodi più eclatanti del nuovo oscurantismo censorio che colpisce oggi l'arte visiva, proprio mentre i social, dove chiunque può scrivere e pubblicare ciò che vuole, oscurano dipinti e fotografie di nudo. E quando non basta ci si mette di mezzo la politica, con il caso delle statue coperte durante la visita di Hassan Rouani in Italia nel 2016.

La musica che ascoltiamo è rivelatrice dei tempi che stiamo attraversando: parte da questa suggestiva teoria l'affascinante viaggio nella storia del nostro paese in cui ci conduce Luca Beatrice. Una canzone per ogni anno, o quasi, dai Sessanta a oggi, per costruire una storia della vita sentimentale degli italiani. Cambia la società, cambiano gli equilibri economici, i valori e le convenzioni, e di pari passo cambia il modo in cui si vivono e si raccontano le storie d'amore: dagli anni del boom economico, in cui dietro famiglie modello si celano spesso relazioni clandestine come quelle evocate nel "Cielo in una stanza", agli anni Settanta, in cui Guccini racconta con "Eskimo" un nuovo rapporto di coppia, trasformato dalla rivoluzione sessuale, passando per la solitudine femminile messa in scena nell'"Appuntamento" di Ornella Vanoni e per l'amore tra adolescenti raccontato da Mogol e Battisti nella "Canzone del sole". Negli anni Ottanta Luca Carboni canta il bisogno di libertà, trasgressione e passione dei ventenni, nei Novanta l'indie rock degli Afterhours dà voce ai trentenni inquieti che vivono amori ai limiti, "amori molesti". Poi arriva il rap arrabbiato e provocatorio di Fabri Fibra, e infine l'estetica hipster e rétro degli anni Dieci, con lo struggente romanticismo di ritorno dei Thegiornalisti. Endrigo, Celentano, Vecchioni, Gaber, Dalla, e poi Gianna Nannini, Renato Zero, Vasco, De Gregori, Zucchero, Mia Martini e ancora Jovanotti, Laura Pausini, gli Articolo 31, Ligabue, gli 883, Battiato, Tiziano Ferro, i Negramaro, Elisa, i Subsonica, Marracash: sono solo alcuni

L'installazione "Paesaggiointerno" di Alessandro Papetti è di recente entrata a far parte delle collezioni permanenti di Intesa Sanpaolo e sarà successivamente esposta in alcuni palazzi storici della Banca a Venezia e a Napoli per poi rientrare a Milano. L'inquietudine sottesa all'arte di Alessandro Papetti richiama, in "Paesaggiointerno", a cui questo libro è dedicato, le diverse stratificazioni della sua intensa ricerca sul rapporto tra il "sé" e il "fuori di sé". L'opera pittorica è concepita strutturalmente come un vero e proprio spazio architettonico. È un invito a sperimentare, ancora una volta e a un anno dal precedente ciclo, una visione immersiva della sua arte. Durante l'osservazione lo spettatore, spostandosi all'interno dell'opera, diventandone contemporaneamente complice e artefice, ripropone il concetto stesso di movimento che ha generato il gesto pittorico. Chiamato ad "abitare" l'opera entra in sintonia non solo emotiva, ma anche fisica, diventando parte in un gioco di rimandi tra dentro e fuori. L'analisi critica dell'opera è affidata a Luca Beatrice e Marco Bazzini. Il volume raccoglie anche un testo di Massimo Recalcati che prende in esame una serie di precedenti lavori dell'artista.

Che cosa può spingere un critico d'arte contemporanea a scrivere la biografia del «suo» mito che lo ha accompagnato dall'adolescenza all'età matura? Prima di tutto la Zerofollia, credo assoluto al di là delle mode e del tempo. Così Luca Beatrice ripercorre la storia del grande Renato dagli esordi, il primo singolo è del 1967, a oggi, leggendo con passione e rigore filologico la sua carriera e i suoi successi. La vicenda del funambolico cantante romano si intreccia così con quella della canzone italiana, ma anche della cultura in generale, in un'analisi che coinvolge l'arte e il teatro, la performance e la televisione. Ancora oggi Renato Zero canta e balla negli stadi, nei teatri e nei palasport davanti a nonne e mamme, quarantenni e ragazzini, rocchettari e teledipendenti. Perché? Forse è inspiegabile, eppure disco dopo disco, generazione dopo , generazione, non c'è in Italia un solo artista capace meglio di lui di interpretare i sentimenti più autentici. Ogni nota racchiude quelle tracce indelebili di un romanzo umano e creativo condiviso da milioni di persone. Canta direttamente al cuore, diventando così la colonna sonora dei migliori anni della nostra vita. Prefazione di Marco Travaglio.

Lucio Dalla è uno dei più grandi musicisti italiani di sempre. Riservatissimo nella sua vita privata, ha invece sempre dato tutto di sé nei concerti, nei dischi e nelle apparizioni pubbliche. Finalmente un libro racconta la sua vita e le sue opere, grazie anche alle testimonianze di chi lo ha conosciuto. Una vita intensa e sempre vissuta controcorrente che lo ha portato a diventare un classico della nostra cultura nazionale.

"Se volete sapere tutto di Andy Warhol vi basta guardare la superficie dei miei quadri, dei miei film, della mia persona. Ed è lì che sono io. Dietro non c'è niente."

Il ruolo di Berlusconi come innovatore nel linguaggio ha caratterizzato fortemente un periodo che si avvia a essere riconosciuto come una sorta di "secondo ventennio italiano, anni in cui la commistione di generi e la ricerca assoluta dell'esposizione di sé sono diventate colonne portanti di un nuovo modo di essere, punto di partenza di un mutamento ben più radicale della sola trasformazione della comunicazione. Nel 2009 la rivista "Rolling Stone" dedica la copertina a Silvio Berlusconi, nominandolo rockstar dell'anno. Il disegno è opera dello street-artist Obey, noto per le sue elaborazioni di ritratti come quello, diventato un'icona, di Barack Obama. Si tratta di un'ulteriore consacrazione per il Cavaliere, la cui figura ha fatto il giro del mondo ed è diventata oggetto di rappresentazioni multiformi nel mondo dell'arte. Questo impatto è rintracciabile nell'opera di artisti di fama internazionale, come Maurizio Cattelan, Vanessa Beecroft, Francesco Vezzoli e molti altri: Beatrice spiega l'eredità iconografica dell'Italia recente e del berlusconismo attraverso i fatti dell'arte e dei media.

Parafrasando la canzone di Lou Reed, questo libro è scritto dalla parte sbagliata. Otto anni (dal 2007 al 2014) di articoli pubblicati prima su "Libero" e poi su "Il Giornale", i due quotidiani di riferimento per il centrodestra in Italia. Il mestiere di critico militante, dunque, che consiste nel cogliere a caldo un fenomeno senza proteggersi con la necessaria distanza storica, può trovare spazio anche in un palcoscenico che i luoghi comuni vorrebbero considerare inadatto. Eppure In questi fogli raccolti, dalla scrittura ficcante e diretta, si respira un'aria di grande libertà che va di pari passo con l'impegno. Altro segno distintivo è la contaminazione tra i linguaggi: non solo arte dunque, ma anche musica, letteratura, moda e costume, tutto questo nel segno dei tempi che stiamo vivendo. Protagonisti gli artisti più famosi, da Cattelan a Hirst, da Lady Gagà a Kate Moss, ma anche realtà emergenti, figure di culto, autentiche passioni. Un vademecum per capire il presente, per aiutarci a definire la cultura del nuovo millennio.

Catalogo della mostra di Roberto Floreani "La città ideale" presso il Palazzo della Gran Guardia dal 22 novembre al 31 gennaio 2015. Mostra organizzata dalle Associazioni Culturali "Quinta Parete" di Verona e "La Centrale" di Padova.

Il rapporto tra arte e industria ha radici profonde, fin dal realismo pittorico di fine 800, dove rappresentazioni di vita reale prendono il posto di ambientazioni scenografiche e bucoliche di matrice romantica, per giungere al Futurismo che fonda le basi del proprio pensiero culturale ed espressivo nel dinamismo meccanico, nella velocità, nell'enfasi modernista. La maggior parte degli artisti opera in un ambiente metropolitano e globale, dove l'importanza dell'industria e il valore del lavoro sono intesi e vissuti come principi fondanti di una società competitiva, nonostante il periodo di contrazione economica. In questo senso si inseriscono le esperienze di Chris Gilmour e Jill Mathis.

Il presente lavoro nasce dalla volontà molto "umanistica" di sensibilizzare il lettore all'importanza del corpo e della propria fisicità nell'ottica del raggiungimento o mantenimento di un benessere psichico, emotivo e affettivo. Attraverso la rilettura in chiave umanistica e bioenergetica del protocollo ormai da tempo noto del Training Autogeno e la descrizione di numerose altre tecniche, fra cui quella della "Sagoma Corporea" e delle Fantasie Guidate, viene invitata la persona ad avvicinarsi al proprio corpo, all'ascolto dello stesso e alla sua conoscenza profonda, in quanto canale privilegiato di contatto con l'emotività autentica. Contattare le proprie emozioni, saperle riconoscere e direzionarle verso i propri scopi e autorealizzazione sono infatti i 3 capisaldi della cosiddetta "Intelligenza emotiva"; capacità fondamentale per una qualità di vita ricca e gratificante. Attraverso il corpo e le emozioni è possibile liberarsi dalle "zavorre" e dai "blocchi" che ostacolo il nostro naturale essere, entrando così da protagonisti nella nostra vita. Per questo motivo il libro diviene un buon "navigatore" per "Anime in cerca del proprio Corpo".

Julio Larraz è uno dei pittori più interessanti nel panorama internazionale odierno. Entrare nel suo mondo significa accettare una sfida complessa e affascinante. Dotata di uno stile subito riconoscibile, la sua arte celebra la commistione con altri linguaggi, soprattutto con quello cinematografico, rincorre la varietà di soggetti, situazioni e storie e si caratterizza per sperimentazioni e soluzioni formali sorprendenti. In questa monografia, la più completa realizzata in Italia, oli su tela, disegni, acquerelli e sculture rivelano il ventaglio di tematiche affrontate dal pittore cubano: la satira nei confronti del potere, del militarismo, della corruzione, ma anche l'erotismo e il potere della seduzione femminile; il surreale mondo circense e il suo teatro popolare di acrobati, clown, mangiatori di fuoco e ballerine; l'isola e il mare con il suo colore blu, che rimandano alla sua origine cubana. In questo universo tanto multiforme, Larraz si dimostra a tutti gli effetti un artista versatile e apolide, per il quale la pittura e la scultura conoscono una libertà espressiva altrove sconosciuta.

Ecco come si descrive lo stesso artista: "All'anagrafe sono registrato come Francesco De Molfetta. Ma nessuno mi chiama così. Sono da sempre per tutti il 'Demo'. So per certo che il mio lavoro riguarda l'infanzia. La mia soprattutto. Credo che tutto abbia origine da lì. Quando da piccolo mi facevano la fatidica domanda 'che cosa vuoi fare da grande?', io non avevo dubbi, rispondevo: 'il giocattolaio: voglio vendere i miei giocattoli'. In un certo senso è quello che faccio. Vendo giocattoli che parlano di me, della mia poetica e dei miei drammi. Resine, colori e plastiche prendono forma per trasmettere contenuto". La generazione dei trenta/quarantenni è oggi intrisa di cultura anni Ottanta. DEMOcracy è, in parte, il personalissimo omaggio di Francesco De Molfetta al periodo storico che l'ha visto bambino, ai suoi vitelli d'oro, ai suoi miti di cartapesta. Come sempre, quando ci troviamo di fronte ai lavori di questo artista, che è giovane solo da un punto di vista biografico - vanta, infatti, un curriculum di tutto rispetto che l'ha visto più volte protagonista di esposizioni di alto livello e oggetto di un ricercato e affezionato collezionismo - si rimane piacevolmente spiazzati dalla forza dissacrante delle sue opere, dalla dose di ironia, dal recupero di quel gusto duchampiano e, molto italianamente, dedominicisiano, per il gioco di parole, per il sovvertire le certezze, per trovare nuove chiavi di lettura.

In aperta polemica con chi sostiene che il Sessantotto abbia marcato la linea di confine anche della nuova arte italiana, Luca Beatrice sposta il vero momento della rivoluzione nel 1979. Di colpo ci si accorge che il colore e le immagini hanno la meglio sul grigio degli anni di piombo e dai pittori della Transavanguardia prende le mosse il nostro presente, avviato verso un "nuovo rinascimento". Fra curatori-star, artisti pop, promesse mancate, comunicatori di talento, aste in TV e scandali in laguna, l'autore racconta con semplicità e chiarezza dove sta andando l'arte contemporanea nel Belpaese, nel quadro più ampio della storia culturale, musicale e televisiva degli ultimi trent'anni. Per tutti coloro che vogliono sapere che cosa è successo davvero, la prima storia revisionista dell'arte italiana dalla penna del "trasgressivo" e discusso curatore del Padiglione Italia alla Biennale di Venezia del 2009.

"Miami swing" nasce dall'incontro di Alida Cappellini e Giovanni Licheri con Renzo Arbore, ispiratore di una linea di arredamento, scaturita dal suo modo di vivere, dalla sua filosofia di vita: dall'altra domenica all'altra tv all'altro design. Il volume non è però un catalogo di mobili disegnati da Arbore, poiché potrebbe arrivare un messaggio falso che accomunerebbe Arbore ad altri vip che, arrivati all'apice della carriera, sfruttano il loro nome come designer improvvisati. Piuttosto Arbore è la musa ispiratrice per gli scenografi-designer Cappellini e Licheri che hanno creato una linea caratterizzata da mobili e arredi colorati, luccicanti e comodi che rimandano all'atmosfera della swing-house.