Tra i più rilevanti artisti nel panorama italiano contemporaneo, Remo Salvadori (Cerreto Guidi, 1947) a partire dagli anni Settanta porta avanti una ricerca che, basata sull'interazione tra elementi quali l'acqua, il colore e i metalli, propone una rinnovata formulazione dell'opera definita per mutazioni alchemiche e flussi di conoscenza, in grado di offrire all'osservatore una nuova consapevolezza sul sé e sul mondo. Il volume monografico realizzato da Studio Celant con la curatela di Antonella Soldaini (il primo ad avere questa impostazione all'interno della bibliografia dell'artista) ripercorre in modo articolato e approfondito la vita e l'attività di Salvadori dal 1947 al 2024 tramite una ricca cronologia, scaturita da una ricerca di due anni all'interno dell'archivio dell'artista. La pubblicazione è corredata da oltre 600 immagini, molte delle quali inedite, di mostre personali e collettive, opere, eventi e documenti ed è introdotta da quattro saggi firmati da Antonella Soldaini, Davide Bondì, Filippo Bosco, Sharon Hecker che, attraverso diverse prospettive, contribuiscono ad ampliare la lettura critica sul lavoro dell'artista.

La poesia come atto di resistenza. La forza delle parole come tentativo di salvezza. È questo il senso più profondo delle trentadue poesie di autori palestinesi raccolte in questo volume, in gran parte scritte a Gaza dopo il 7 ottobre 2023, nella tragedia della guerra in Palestina, in condizioni di estrema precarietà: poco prima di essere uccisi dai bombardamenti, come ultima preghiera o testamento poetico (Abu Nada, Alareer), mentre si è costretti ad abbandonare la propria casa per fuggire (al-Ghazali), oppure da una tenda, in un campo profughi dove si muore di freddo e di bombe (Elqedra). Come evidenzia lo storico israeliano Ilan Pappé nella prefazione, «scrivere poesia durante un genocidio dimostra ancora una volta il ruolo cruciale che la poesia svolge nella resistenza e nella resilienza palestinesi. La consapevolezza con cui questi giovani poeti affrontano la possibilità di morire ogni ora eguaglia la loro umanità, che rimane intatta anche se circondati da una carneficina e da una distruzione di inimmaginabile portata». Queste poesie, osserva Pappé, «sono a volte dirette, altre volte metaforiche, estremamente concise o leggermente tortuose, ma è impossibile non cogliere il grido di protesta per la vita e la rassegnazione alla morte, inscritte in una cartografia disastrosa che Israele ha tracciato sul terreno». «Ma questa raccolta non è solo un lamento», nota il traduttore Nabil Bey Salameh. «È un invito a vedere, a sentire, a vivere. Le poesie qui tradotte portano con sé il suono delle strade di Gaza, il fruscio delle foglie che resistono al vento, il pianto dei bambin

Concepito da Germano Celant, il volume - a cura di Studio Celant in collaborazione con Studio Alberto Garutti - costituisce la più ampia ricognizione dedicata all'artista Alberto Garutti (1948-2023). Scopo del volume è stato quello di porre in evidenza, attraverso una densa sequenza temporale dei maggiori eventi accaduti durante la carriera di Garutti, il valore sperimentale e innovativo del suo linguaggio, fondato su alcuni concetti chiave divenuti negli anni imprescindibili per chiunque affronti il tema della produzione artistica site-specific nello spazio pubblico, come il rispetto per il luogo in cui l'opera viene collocata, l'attenzione per la realtà sociale circostante e la conoscenza approfondita del contesto. La monografia contiene un saggio di Antonella Soldaini, una cronologia storico-critica dal 1948 al 2023 curata da Eva Fabbris, sette testi tematici inediti di Alberto Garutti pensati specificamente per questa pubblicazione, e una ricca serie di illustrazioni e documenti per raccontare il percorso artistico di un autore che, sin dai suoi esordi negli anni '70, ha sempre cercato di interrogarsi sul ruolo e sulla responsabilità etica della figura dell'artista per la società contemporanea. La pubblicazione costituisce l'esito di un esaustivo lavoro di ricerca scientifica, verifica e ordinamento delle fonti. Le opere e le mostre principali dell'artista sono oggetto di schede ampiamente illustrate con fotografie e riproduzioni di documenti originali e la loro descrizione si avvale di una dettagliata ricognizione delle fonti critiche d'epoca. Le schede si innestano su

Catalogo della mostra aperta a Roma presso l'Accademia Nazionale di San Luca, Palazzo Carpegna dal 19 aprile al 15 luglio 2023. È questa l'occasione che Giulio Paolini attendeva per esprimere - tra le pareti cariche di Storia dell'Accademia Nazionale di San Luca - alcune considerazioni che altrove non avrebbero trovato accoglienza adeguata. Questo volume presenta una ricca documentazione fotografica delle opere dell'artista esposte nelle sale di Palazzo Carpegna. Quando con Paolini si è pensato a come impostare il catalogo in occasione della mostra, è stato scelto di seguire un sistema di ricerca e una struttura simili a quelli adottati nella pubblicazione che accompagnava la sua esposizione personale tenutasi presso la Fondazione Prada a Milano nel 2003. Il presente volume prosegue idealmente quell'analisi che si basava sullo studio, in ordine cronologico, delle mostre personali e collettive realizzate dall'artista dall'inizio della sua attività fino all'anno 1972.

Il volume, dal taglio monografico, accompagna la più ampia esposizione mai dedicata a Mario Nigro (Pistoia, 1917 - Livorno, 1992) con oltre centoquaranta opere dal 1947 al 1992, tra dipinti, lavori tridimensionali e su carta, insieme a una vasta selezione di documenti. Il volume ripercorre i diversi momenti del linguaggio artistico di Nigro: da un'attitudine sperimentale a partire dagli anni Quaranta, ad un deciso orientamento verso le strutture compositive astratte e geometriche degli ultimi anni. Le opere dell'artista suggeriscono un orizzonte narrativo ricorrente basato sul "ritmo", le "forme" e il "tempo", frutto di una visione in cui la conoscenza della musica e del sapere scientifico hanno un'influenza determinante. Il volume contiene un saggio di Antonella Soldaini, un'intervista di Elena Tettamanti con Tommaso Trini sul lavoro e la figura di Mario Nigro, un saggio di Francesca Pola dedicato all'opera su carta, una dettagliata cronologia e un aggiornato apparato bio-bibliografico per approfondire la figura del pittore toscano.

Il volume, dal taglio monografico, offre un approfondimento storico-critico sull'intera carriera di Marco Tirelli (Roma, 1956). Il suo lavoro - sorprendente ed enigmatico - spazia, indifferentemente, tra pittura, scultura, disegno, fotografia e installazione, attingendo a un repertorio infinito di immagini senza soluzione di continuità tra verosimile e astrazione. Le figure e le scene rappresentate sono costituite da un addensamento di particelle microscopiche di colore apparentemente ben definite, ma che, a uno sguardo ravvicinato, si scompongono in agglomerati di luce. Una pittura sottile dunque, intellettuale, frutto di un'indagine introspettiva, il cui anelito è arrivare a toccare, a lambire, tramite il gesto artistico, la dimensione dell'assoluto. La stessa tensione tra illusione e realtà, tra luce e ombra, caratterizza anche le sculture e le installazioni che, come documentato in queste pagine, creano molteplici trame di una narrazione continua, traendo linfa dall'immaginario, sia personale sia collettivo, di chi le osserva.

Ciò che ha portato Rosella e Carlo Nesi a dedicare la loro vita a ricercare e a collezionare opere d'arte moderna e contemporanea scaturisce da un trasporto emotivo capace di superare ogni barriera. Un sentimento che li ha accomunati e che ha fatto di loro due complici che condividono lo stesso obiettivo e lo stesso trasporto. Quando si chiede loro cosa li abbia spinti a intraprendere questa strada, Rosella e Carlo usano termini come "passione", "amore" e "desiderio", che sono gli stessi che si impiegano in un codice amoroso. Questo volume si presenta come uno strumento di ricerca che, oltre a fornire una testimonianza dell'operato dei Nesi e a dare un senso compiuto alla loro collezione, permette al lettore di allargare la prospettiva fino a comprendere la scena storica e culturale in cui ha preso vita e forma la loro raccolta d'arte. Da un progetto di Germano Celant.

Il volume indaga la produzione di opere di piccolo formato realizzate da Agostino Bonalumi, uno degli artisti italiani più conosciuti e apprezzati a livello internazionale, animatore fin dagli anni Sessanta del dibattito culturale europeo, all'interno del quale ha contribuito al superamento del linguaggio informale. Osservando le 'piccole gemme' qui presentate, si vive un'esperienza simile a quella di chi si trova davanti a una miniatura, un oggetto pregiato, che costituisce nel proprio essere qualcosa di minuto e prezioso, un microcosmo concluso in sé, il cui valore risiede proprio nelle sue qualità intrinseche e meno appariscenti. La sfida diventa quella di costruire un sistema di segni dentro uno spazio ben delimitato e ridotto all'indispensabile. L'opera diventa così un punto di incontro tra l'immaginario dell'artista e quello di chi la guarda.

La tenuta Ca' Corniani nel comune di Caorle (Venezia) è la più ampia delle venticinque di Genagricola - holding agroalimentare controllata da Generali Italia - con una storia plurisecolare, testimone di vicende legate alle bonifiche, alle mezzadrie, al valore sociale della trasformazione fondiaria e ora ai nuovi modelli di produttività agricola. Genagricola ha intrapreso un percorso di valorizzazione di questa tenuta seguendo il progetto paesaggistico di LAND, che associa agricoltura e arte. Esso punta a migliorare il paesaggio rurale introducendo forme innovative di integrazione ambientale per incrementare il benessere complessivo dell'intero territorio, attraverso una crescita intelligente e sostenibile. La realizzazione di un concorso artistico internazionale per le "Tre Soglie di Ca' Corniani" è stata curata da Eight Art Project, che ha invitato a partecipare Monica Bonvicini, Alberto Garutti, Carsten Höller, Tobias Rehberger e Remo Salvadori, un gruppo di artisti di provata esperienza a livello internazionale, la cui attività si contraddistingue per un'attenzione particolare verso lo spazio pubblico. La vittoria è andata al progetto "Tre storie di paesaggio" di Alberto Garutti, considerato perfettamente coerente con la storia e il territorio di Ca' Corniani: un grande tetto dorato per l'antico casale abbandonato, una scritta a led che si illumina a ogni fulmine che cade in Italia, delle sculture-ritratto dei cani e dei cavalli che vivono nel podere accoglieranno tutti coloro che entreranno a Ca' Corniani, varcando le Tre Soglie d'ingresso della storica tenuta di Genagr

Il volume è pubblicato in occasione del centenario della nascita di Mimmo Rotella, in concomitanza della più ampia mostra mai realizzata sull'artista. Ricco di contributi critici e di un vasto apparato iconografico, il volume ripercorre tutte le tappe della carriera dell'artista, nato a Catanzaro nel 1918: dalle prime opere astratte, alle esperienze informali degli anni '50, dalla relazione con il Nouveau Réalisme di Pierre Restany, alle tangenze con la Pop Art, al rapporto con l'America. Ampio approfondimento è dedicato alla sua ricerca più nota, quella intorno ai décollages e ai retro d'affiches, ma viene anche indagato il rapporto con città come New York, Roma, Parigi e Milano, con la critica d'arte e con gli artisti contemporanei. Completano il volume apparati biobibliografici. Testi di: Tobia Bezzola, Paola Bonani, Ester Coen, Vincenzo De Bellis, Veronica Locatelli, Lola Lorant, Elizabeth Mangini, Gianfranco Maraniello, Massimo Mininni, Luca Pietro Nicoletti, Massimo Romeri, Paul-Louis Roubert, Francesca Pola, Marta Sironi, Antonella Soldaini, Chiara Spangaro, Francesco Tedeschi, Giulia Tulino, Riccardo Venturi.

Il volume, curato da Germano Celant, è pubblicato in occasione del centenario della nascita di Mimmo Rotella, in concomitanza della più ampia mostra mai realizzata sull'artista. Ricco di contributi critici e di un vasto apparato iconografico, il volume ripercorre tutte le tappe della carriera dell'artista, nato a Catanzaro nel 1918: dalle prime opere astratte, alle esperienze informali degli anni '50, dalla relazione con il Nouveau Réalisme di Pierre Restany, alle tangenze con la Pop Art, al rapporto con l'America. Ampio approfondimento è dedicato alla sua ricerca più nota, quella intorno ai décollages e ai retro d'affiches, ma viene anche indagato il rapporto con città come New York, Roma, Parigi e Milano, con la critica d'arte e con gli artisti contemporanei. Completano il volume apparati biobibliografici. Testi di: Tobia Bezzola, Paola Bonani, Ester Coen, Vincenzo De Bellis, Veronica Locatelli, Lola Lorant, Elizabeth Mangini, Gianfranco Maraniello, Massimo Mininni, Luca Pietro Nicoletti, Massimo Romeri, Paul-Louis Roubert, Francesca Pola, Marta Sironi, Antonella Soldaini, Chiara Spangaro, Francesco Tedeschi, Giulia Tulino, Riccardo Venturi.

Il rame ha avuto un'importanza straordinaria nel cammino dell'uomo verso la civilizzazione, al punto che ha dato il nome a un periodo storico: l'Età del rame. Questo metallo è resistente, ma anche duttile, malleabile, e possiede un'alta capacità di conduzione. Per i suoi pregi funzionali è stato storicamente utilizzato nelle applicazioni della vita quotidiana e, in tempi recenti, quale componente particolare nella tecnologia più avanzata. Soggetto a ossidazione, il rame assume colore diverso passando dal rosso al verde al blu petrolio. Per queste sue caratteristiche, da sempre è stato oggetto di espressione decorativa e artistica e viene impiegato da esponenti di spicco provenienti da differenti esperienze. "Trame" propone un originale viaggio alla scoperta di questo materiale meraviglioso, un percorso attraverso opere d'arte, oggetti di design e d'architettura, applicazioni tecnico-scientifiche, documentazione fotografica e video ove il rame è il filo conduttore che accomuna autori che hanno sfruttato in modo fortemente innovativo le qualità formali, strutturali e plastiche di questo materiale.

Umberto Cavenago è una figura rara nell'arte contemporanea, in quanto è tra i pochi che cerca di fondere la passione per due culture, quella artistica e quella funzionale. Una caratteristica quest'ultima che lo rende un artista atipico e la cui forza sta nell'accettazione del mondo e nel tentativo di dare il suo personale contributo come attore non di un ambito ristretto e popolato da soli iniziati, ma sul proscenio della terrena quotidianità. Cavenago ha esposto i propri lavori a partire dal 1988 in occasione di numerose mostre personali e collettive. Insegna Sperimentazione artistica digitale presso l'Accademia Carrara di Belle Arti a Bergamo e Progettazione degli eventi multimediali all'Accademia di Belle Arti di Urbino.