Il volume presenta le ricerche sul tema del paesaggio realizzate da sei artisti italiani mid-career - Andrea Botto, Claudio Gobbi, Stefano Graziani, Giovanni Hänninen, Sabrina Ragucci e Filippo Romano - in occasione dell'acquisizione di oltre 110 opere, esposte nella mostra Paesaggio dopo paesaggio. Accompagnati dal curatore Matteo Balduzzi, gli artisti sono protagonisti di un dialogo ideale con la collezione del Museo di Fotografia Contemporanea e di una riflessione ad ampio spettro sulle vicende del paesaggio nella fotografia italiana - in qualità di testimoni consapevoli e privilegiati - dall'opera dei maestri fino al lavoro delle più giovani generazioni.

Il volume raccoglie i contributi del personale incontro di illustri militanti del mondo della conservazione e tutela, ex allievi e collezionisti d'arte, con Ottorino Nonfarmale, uno dei più importanti restauratori italiani. A corredo delle testimonianze dirette e dei ricordi di chi ha conosciuto e lavorato con Ottorino, le altre sezioni del volume riportano una selezione dei suoi scritti ed un estratto del ricchissimo archivio fotografico. Le immagini selezionate, per lo più inedite e databili tra la fine degli anni sessanta e il 2020, ritraggono Ottorino in alcuni dei cantieri più significativi condotti negli ultimi cinquant'anni in Italia: dalla fontana del Nettuno e la facciata di San Petronio a Bologna, ai grandi cicli pittorici di Schifanoia a Ferrara o all'abbazia di Pomposa, agli importanti lavori eseguiti in laboratorio come la Santa Cecilia di Raffaello o la Pietà di Tiziano, ma ancora, spostandoci in area veneta, ai restauri nella basilica di San Marco a Venezia, o alla preziosa Tempesta di Giorgione, solo per citarne alcuni. A fianco della figura professionale, l'intento del curatore del volume è stato raccontare anche la personalità conviviale e poliedrica di Ottorino - appassionato curioso, instancabile viaggiatore e raffinato acquarellista - proponendo una galleria di immagini dell'archivio privato che lo fotografano assieme alla famiglia e a quei colleghi con i quali ha sviluppato rapporti di profonda amicizia. Il laboratorio di restauro Nonfarmale, costruito nel 1969, è uno spazio operoso, tutt'oggi straordinariamente funzionale e perfettamente calibrato all

Crateri, voragini, gallerie, trasformazione dello spazio e della materia: gli scavi sono delle ferite al nostro suolo, cicatrici difficilmente sanabili, eppure le forme rimaste hanno creato nuovi volumi integrati col paesaggio in trasformazione, sono diventate giardini o piccole oasi naturali, teatri di un ambiente capace di riciclarsi. Il paesaggio delle cave diviene così un universo di suggestioni dove la natura e l'opera umana si fondono in una danza eterna tra creazione e sottrazione. Le cave, con le loro pareti scolpite e le profondità che si aprono verso l'ignoto, offrono un'esperienza visiva e sensoriale unica, invitando chi le osserva a immergersi in un mondo di meraviglia e mistero. È proprio questa la linea narrativa di Stefano Cioffi, raccontare il passaggio da luogo di scarto a luogo dal fascino insospettabile.

Il volume accompagna la mostra Belle Haleine dell'artista tedesco Georg Baselitz (1938) - figura di spicco nel mondo dell'arte contemporanea - ospitata nella splendida cornice della Galleria degli Antichi di Sabbioneta (Mantova), la Città Ideale fondata da Vespasiano Gonzaga Colonna. Fra le opere presentate - scelte fra le più significative del suo percorso artistico - spiccano imponenti sculture, grandi dipinti su tela, nonché le dieci provocatorie incisioni intitolate collettivamente Belle Haleine in omaggio a Marcel Duchamp, artista a cui Baselitz - in modo provocatorio - fa spesso riferimento nella sua opera, ed esposte per la prima volta nel 1963. Il volume offre un'ampia visione della poliedricità del pioniere dell'arte neo-espressionista, il cui tratto distintivo è quello di riprodurre le figure a testa in giù.

Questa nuova pubblicazione vuole introdurre il lettore al processo obbligato e indispensabile che precede e accompagna l'invenzione dei soffitti d'arte, quasi fosse un manuale per tutti coloro che volessero avvicinarsi alla complessità di questo universo. Ogni prodotto proposto include disegni in scala, alcuni dei quali in prospettiva, e puntuali illustrazioni chiarificatrici. Tali sono le creazioni della bottega di Vladimiro Di Folco a Sora, coadiuvato dalla moglie Giovanna De Gasperis e dai figli Giulia e Flavio: una realtà straordinaria nel suo genere che progetta e produce da quasi mezzo secolo soffitti riccamente ornati. Eseguiti manualmente in legno, stucco, gesso, pietre dure, finti marmi e altri materiali di pregio, questi pezzi unici, apposti in chiese, castelli e palazzi signorili, hanno restituito splendore e nobiltà a quei luoghi, recuperando una tradizione oggi in via di estinzione. Questo atelier rappresenta una delle eccellenze del settore e un esempio virtuoso della piccola e media impresa familiare italiana.

Da oltre quarant'anni, Fauciglietti Engineering incarna il perfetto connubio tra rigore metodologico e creatività progettuale. Con sede a Cantù, nel cuore della Brianza, il centro di ricerca indipendente fondato da Graziella Bianchi e Renzo Fauciglietti ha saputo coniugare ingegneria e design, produzione industriale e saper fare artigianale, tessendo relazioni locali e internazionali e dando vita a un metodo capace di mediare industria, tecnologia e cultura materiale. Questo volume ripercorre la storia e il metodo Fauciglietti attraverso conversazioni con i suoi protagonisti, riflessioni teoriche, memorie e considerazioni sul mestiere del progettista, restituendo il ritratto di un laboratorio di idee e sperimentazioni, dove il design si configura come un processo intellettuale e operativo strettamente legato alla realtà produttiva.

Con questo quarto volume si completa la serie di pubblicazioni promosse nel 2020 dal Comitato Nazionale per le celebrazioni del Centenario della nascita dello storico e critico d'arte Giovanni Carandente (Napoli, 1920 - Roma, 2009): Una vita per l'arte, Archives and Documents e Giovanni Carandente alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma (1955-1961). L'intenso rapporto che ha legato Carandente a Spoleto, a partire dalla leggendaria mostra Sculture nella città da lui ideata nel 1962, è testimoniato oggi dalla collezione che il critico donò nel 2001 alla Galleria d'Arte Moderna di Palazzo Collicola. Centoquaranta opere, tra sculture, bozzetti, dipinti, grafiche e libri d'artista, costituiscono un'eredità di notevole pregio, resa ancor più eccezionale dai documenti d'archivio e dagli oltre ventimila volumi con cui il curatore ha voluto lasciare integro il sedimento della sua lunga attività. Un insieme organico, che attesta non solo la qualità e l'ampiezza dei suoi interessi, ma anche le relazioni personali, spesso di sincera amicizia, coltivate con molti artisti, in primo luogo Alexander Calder. La collezione viene qui illustrata attraverso nuove ricerche e approfondimenti tematici, arricchiti da schede critiche sulle singole opere, in un percorso scandito da una folta sequenza di artisti internazionali, oggi eccezionalmente compresenti in uno spazio espositivo pubblico italiano.

Introduction by Ai Weiwei.

Le ricerche degli ultimi anni hanno prodotto numerose importanti scoperte sugli argenti realizzati negli Stati Sabaudi nel Seicento e all'inizio del Settecento. Si è potuto identificare e studiare attentamente un piccolo numero di oggetti, veri capolavori tutti di carattere religioso, prodotti in Piemonte in quell'epoca. Pochi di questi si trovano a Torino, la maggior parte è ad Asti, Oropa, Vercelli, in Sardegna, uno è conservato a Padova. Sono inoltre emersi oltre cento manufatti in argento d'uso domestico del XVIII secolo, fabbricati nelle terre dei Savoia, in gran parte inediti o ritrovati dopo molti anni di oblio. Questi oggetti costituiscono il corpus del libro e avvalorano la convinzione che l'argenteria "piemontese" qui illustrata, come tutta quella già nota da tempo, sia di pari livello a quanto realizzato nello stesso periodo nelle principali capitali europee.

In un ciclo di seminari rivolto agli studenti dell'Accademia di Brera, sette studiosi si sono confrontati con la complessità moderna di Luigi Sabatelli (1772-1850), autore di cicli decorativi e incisore le cui opere sono oggi conservate, in un significativo numero, nel Gabinetto Disegni e Stampe dell'Accademia. Tra questi esemplari, le serie de L'Apocalisse, La Peste e i Pensieri diversi hanno dato luogo a nuove letture nelle lezioni tenute per gli studenti dell'Accademia. Più che un omaggio alla carriera di un importante maestro, questa raccolta vuole essere un modo di raccontare e rilanciare la sua eredità artistica. Chiudono il volume una breve biografia e una campionatura che affronta la varietà delle forme di schedatura dell'opera d'arte.

La predisposizione del sepolcro nel Medioevo latino, bizantino e islamico rappresenta una pratica centrale nella società, caratterizzata da forme di espressione che assumevano innumerevoli declinazioni materiali e immateriali. Nei contesti di maggiore rilievo, tombe accompagnate da apparati evocativi talvolta assai complessi riflettevano l'importanza del defunto. Tuttavia, più frequentemente era la dimensione modesta, se non addirittura anonima, a trasmettere il senso di pietà verso i cari scomparsi. Il volume offre uno spaccato sull'arte funeraria e al contempo sulle ritualità legate alla predisposizione dell'ultima dimora terrena e alla perpetuazione della memoria oltre la morte. Vengono esplorati sia siti funerari ancora integri, sia quelli violati, distrutti, frammentari o persino privi di consistenza materiale. Emerge un mosaico denso di stimoli che considera innumerevoli aspetti legati al tema del sepolcro: i destinatari (santi, religiosi, laici), gli artisti, i valori culturali di riferimento, le modalità di esposizione, le forme e le tipologie di tombe, le espressioni linguistiche e le forme documentarie (le fonti, la liturgia, il culto, la devozione), i media artistici quali la scultura, l'architettura, l'arte monumentale, la pittura, l'epigrafia. Un'opera editoriale che, attraverso un'ampia prospettiva, svela le molteplici sfaccettature di un tema tanto universale quanto complesso.

Questa raccolta di testi è la testimonianza diretta di un singolare processo critico e intellettuale vissuto in prima persona, attraverso il dialogo con alcuni protagonisti della scena artistica contemporanea italiana e internazionale. Non una storia dell'arte - impresa impossibile senza concedere al tempo di sedimentare i fenomeni e distillare le essenze più resistenti - ma una riflessione profonda su esperienze, incontri e mostre che hanno segnato il percorso dell'autore. Con la sua trentennale esperienza curatoriale, Danilo Eccher traccia un itinerario che illumina i fenomeni più significativi dell'arte recente. Uno sguardo personale e parziale, certo, ma al tempo stesso diretto e privilegiato, capace di restituire la complessità e la vitalità di un mondo artistico inafferrabile.

Attraverso centoventisei opere provenienti dalla collezione Giuseppe Iannaccone e dai Musei Civici di Roma, viene documentata una delle stagioni più originali della cultura artistica italiana della prima metà del XX secolo, quella dell'espressionismo degli anni venti-quaranta. La rassegna riflette su alcune delle più importanti personalità artistiche come Scipione, Carlo Levi e Renato Birolli, tra gli altri, che, individualmente e nel contesto dei gruppi di tendenza della Scuola Romana, dei Sei di Torino e di Corrente a Milano, si sono fatti promotori di un linguaggio spiccatamente antiaccademico, incentrato sulla trascrizione del dato soggettivo interiore, di un colore antinaturalistico e ribelle, di un'idea di "deformazione" rispetto al canone "classico" di bellezza fissato dal Novecento di Margherita Sarfatti che, storiograficamente, dimostra ancora una volta come l'arte italiana fra le due guerre sia tutt'altro che "provinciale", avendo intessuto feconde e proficue interazioni con gli orizzonti europei.

Il volume, voluto dall'Associazione Amici dei Musei di Monza e Brianza, costituisce la prima pubblicazione dedicata al Cimitero Urbano di Monza, per far meglio conoscere un luogo di memoria, di arte e di storia legato al suo territorio: un vero museo a cielo aperto che merita di essere tutelato e valorizzato. Progettato da Ulisse Stacchini, già architetto della Stazione Centrale di Milano, e inaugurato nel 1916, sebbene i lavori si siano protratti nel decennio successivo, esso ospita monumenti dai primi decenni del Novecento a oggi, insieme a quelli più antichi, di fine Ottocento, provenienti dal soppresso cimitero di San Gregorio. I saggi accolti in queste pagine ripercorrono il contesto storico e le vicende costruttive del cimitero, offrendo altresì una puntuale descrizione storico-artistica delle opere scultoree più rilevanti realizzate da illustri artisti come Luigi Crippa, Luigi Secchi, Ernesto Bazzaro, Eugenio Bajoni, Gerardo Bianchi, Giannino Castiglioni, Emilio Agnati, Silvio Monfrini, Ettore Cedraschi, Riccardo Pitter, Francesco Messina, Enrico Pancera, Francesco Somaini, Antonio Sant'Elia, Geminiano Cibau, Felice Guidotti, Michele Vedani e, dell'ISIA di Monza, Arcadio Pinton, Alfonso Bisesti ed Ermanno Pittigliani. Nel volume trovano spazio anche le storie di alcune personalità sepolte nel cimitero monzese, che raccontano uno spaccato di storia cittadina. Chiudono la pubblicazione due approfondimenti dedicati alle tradizioni funerarie antiche sia nel territorio monzese sia, con uno sguardo più ampio, nelle diverse culture del mondo.

A un amico che le chiedeva consiglio su che cosa regalare alla donna che amava, Mademoiselle Chanel rispose senza esitazione: "Conosco le donne, le donne adorano le catene, regalale una catena e ti adorerà". Adorata da re e regine, simbolo delle manifatture delle antiche civiltà come delle controculture giovanili, ispirazione costante di artisti, stilisti e designer, la catena è tra i gioielli più amati nella storia del costume. Questo volume ripercorre con un saggio critico autorevole e un'ampia selezione di immagini, l'evoluzione simbolica ed estetica della catena dalla preistoria fino alla contemporaneità, le sue intersezioni tra arte, moda, design, artigianato e nuove tecnologie. Un percorso avvincente e sapientemente illustrato, che dimostra come da semplici elementi funzionali possano nascere gioielli straordinari, capaci di congiungere il passato al futuro nel segno della creatività, della bellezza e dell'innovazione.

Il volume accoglie saggi critici e approfondimenti volti a offrire una panoramica di ampio respiro sull'intensa stagione del Liberty palermitano nelle molteplici sfaccettature, nella poliedricità e nell'internazionalità che hanno contraddistinto questo vero e proprio fenomeno, ripercorrendone i tratti salienti anche grazie a un ricco apparato iconografico. Le trame del viaggio qui raccontato, simbolicamente inaugurato dal completamento del grandioso cantiere del Teatro Massimo e concluso con una serie di manifestazioni di alto livello ma ormai fuori tempo limite, riflesso di una società rimasta ancorata al mito della sua 'età d'oro', si dipanano così attraverso una ricca selezione di circa cinquecento opere. Esito di un tessuto imprenditoriale, artigianale e artistico di respiro europeo, si tratta di progetti architettonici e disegni di oggetti d'arte applicata, di arredi, dipinti, sculture, vetrate ma anche gioielli, abiti, accessori e, ancora, ceramiche, bozzetti decorativi e fotografie provenienti da svariate collezioni e archivi, sia pubblici sia privati. Testimonianze preziose qui chiamate a stimolare un nuovo affondo critico su questa stagione felicissima che vide all'opera alcuni dei principali protagonisti della cultura dell'epoca: da Ernesto Basile, Vittorio Ducrot, Paolo Bevilacqua, Michele Cortegiani ed Ettore De Maria Bergler, a Luigi Di Giovanni, Gaetano Geraci, Salvatore Gregorietti, Ettore Ximenes, Antonio Ugo e altri ancora.

Con il titolo Somnium Scipionis circolò dal Medioevo il frammento di un trattato di Cicerone che ossessionò, fra gli altri, Raffaello e Mozart. Vi si leggeva della natura immortale e onnipotente dell'anima. Tanto tempo dopo, appare in sogno un altro libro: un libro impossibile nel quale i pesci sono occhi che ci guardano dai flutti, gli amplessi generano esseri anfibi, e ogni parola innalza un edificio fantastico. Un libro che non si può leggere, e che tutti sanno a memoria. Con il Codex Seraphinianus - enciclopedia d'invenzione stampata nel 1981 da Franco Maria Ricci, e da allora libro di culto per intellettuali e ragazzi di tutto il mondo - iniziava il sogno di Luigi Serafini. Un sogno che si è materializzato in una mostra e ora di nuovo in un libro, questo (con la più ampia riproduzione delle opere dell'artista, commentate da saggi, con una ricca cronologia e conversazioni). Il sogno di un'arte senza nome che plasma insieme architettura, disegno, scrittura, pittura, scultura, musica e design. Davvero è un Marziano quello sbarcato al Mart: casa ideale che, proprio come in un sogno, ospita la riproduzione virtuale della prodigiosa casa-studio reale dell'artista, la cui salvaguardia è oggi oggetto di un'avventurosa disputa legale. Così ci si rivela la doppia valenza del genitivo. Il sogno fatto mezzo secolo fa da Serafini è il sogno che oggi tutti facciamo immaginandocelo, forse inventandolo. Perché, come ha dichiarato di recente, «io esisto solo negli occhi degli altri». Da un'idea di Vittorio Sgarbi.

Dopo circa due anni di un accurato e specialistico restauro da parte dei tecnici dell'ICR la scultura "L'Allieva di danza" (1958) di Venanzo Crocetti ritorna alla GAM - Galleria d'Arte Moderna di Roma. Acquistata nel 1960 dal Comune di Roma a seguito della VIII Quadriennale Nazionale d'Arte, l'opera rappresenta una delle prime sculture di Crocetti di grande formato dedicate al tema della danza, che già compare in vari bozzetti degli anni Quaranta e che, a partire dalla fine degli anni Cinquanta, diventerà tema ricorrente all'interno della sua produzione ma anche icona simbolo per molti scultori figurativi del secondo Novecento. Il volume, ricco di saggi scientifici, storici e critici, documenta l'intervento conservativo compiuto sulla scultura, e offre al contempo un'approfondita lettura dell'opera, dalla sua genesi alla tecnica di realizzazione. Viene altresì offerto un contributo importante per la conoscenza del validissimo artista, la cui figura non risulta ancora perfettamente messa a fuoco nelle sue tappe e nella sua effettiva posizione nella storia dell'arte italiana. Il volume è completato da apparati biobibliografici e da un glossario tecnico.

Benvenuti nel regno dello sberleffo e del paradosso. Benvenuti nel mondo di Donato Sansone. Lucano di origine, ma torinese di adozione, Sansone è artista nonché animatore e autore di brevi film, videoclip musicali, spot e altri "scherzi" audiovisivi. Il suo stile è all'insegna di un surrealismo ludico e provocatorio, che oscilla tra artigianale e digitale. Metaversi è la prima monografia sul suo lavoro, pubblicata in occasione della mostra personale dedicatagli dal Museo Nazionale del Cinema di Torino. Oltre alla graphic novel "Il gatto", nel volume sono presenti contributi di Niccolò Ammaniti, Simone Arcagni, Enrico Ascoli, Beatrice Borromeo, Paola Bristot, Max Casacci, Rosalba Colla, Max Cooper, Domenico De Gaetano, Andrea Laszlo De Simone, Bruno Di Marino, Beatrice Fiorentino, Simona Lisi, Chiara Magri, Andrea Martignoni, Marco Molinelli, Samuel Romano, Roberta Sammarelli, Nicolas Schmerkin, Paolo Spaccamonti e Sergio Toffetti.