La mostra "Depero. Cavalcata fantastica", realizzata in occasione della Florence Art Week, si tiene nelle storiche sale del Museo di Palazzo Medici Riccardi. Curata da Sergio Risaliti con Eva Francioli, l'esposizione presenta per la prima volta a Firenze l'opera di Fortunato Depero (Fondo, 1892 - Rovereto, 1960), artista poliedrico che ha saputo coniugare l'elemento popolare a una fervida immaginazione figurativa. Prendendo le mosse dal Nitrito in velocità, dipinto proveniente dalla collezione Alberto Della Ragione esposto presso il Museo Novecento di Firenze, la mostra si articola su alcune delle tematiche più affascinanti della produzione di Depero - dal mito del progresso e della velocità, ai teatrini popolati da modernissimi pupazzi, alla ricca produzione di arazzi - narrati attraverso le opere provenienti da collezione privata e dal MART di Trento e Rovereto.

Catalogo della retrospettiva dedicata a Davide Rivalta presso il Forte di Belvedere di Firenze. Oggetto dell'esposizione è la sua personale riproduzione figurativa del mondo animale, suo genere d'elezione, con sculture in bronzo in cui l'alterità del soggetto, più che apparire riprodotta secondo argomenti tradizionali e imitativi, sembra essere diversamente reale. Rivalta riesce a rendere presente e distante a un tempo l'animale, una bufala, un rinoceronte o un lupo, che riproduce maestosamente alieno per via di un processo formativo scultoreo che incorpora in un linguaggio informe la dimensione altra dell'animale nel suo essere non umanizzato, con tutta la sua energia indomita, quasi senza tempo, in un'invasione "barbara", "selvaggia" degli spazi trasformati da giardino in spazio libero. Ma non troviamo solo sculture: le sale al piano interrato del Forte ospitano disegni site-specific, con grandi figure di volatili abbozzate sui muri che illustrano e integrano il processo creativo dello scultore che anche nel tratto grafico esprime la forza della sua arte.

Catalogo della retrospettiva dedicata a Davide Rivalta presso il Forte di Belvedere di Firenze. Oggetto dell'esposizione è la sua personale riproduzione figurativa del mondo animale, suo genere d'elezione, con sculture in bronzo in cui l'alterità del soggetto, più che apparire riprodotta secondo argomenti tradizionali e imitativi, sembra essere diversamente reale. Rivalta riesce a rendere presente e distante a un tempo l'animale, una bufala, un rinoceronte o un lupo, che riproduce maestosamente alieno per via di un processo formativo scultoreo che incorpora in un linguaggio informe la dimensione altra dell'animale nel suo essere non umanizzato, con tutta la sua energia indomita, quasi senza tempo, in un'invasione 'barbara', 'selvaggia' degli spazi trasformati da giardino in spazio libero. Ma non troviamo solo sculture: le sale al piano interrato del Forte ospitano disegni site-specific, con grandi figure di volatili abbozzate sui muri che illustrano e integrano il processo creativo dello scultore che anche nel tratto grafico esprime la forza della sua arte.

Catalogo della mostra tenuta presso il Museo della città di Livorno dal 31 ottobre 2020. Oggetto dell'esposizione più di cento opere della Collezione Alberto della Ragione - oggi custodite stabilmente presso il Museo Novecento di Firenze - e della Collezione Giovanni Iannaccone, conservate a Milano. Due importanti collezionisti, di epoche diverse ma assai affini, accomunati da una straordinaria sensibilità e occhio critico, che ha permesso loro di raccogliere opere dall'importanza straordinaria di artisti molto noti al pubblico tra cui Carrà, Morandi, Guttuso e Vedova, senza tralasciare gli esponenti della Scuola di via Cavour (Mafai, Raphaël e Scipione) e altri protagonisti la cui opera ha segnato profondamente la nostra storia, come de Pisis, Rosai, Guidi, Birolli e tanti altri. Volume corredato da saggi critici e schede tecniche che aiutano a inquadrare il contesto storico e che accompagnano il visitatore in un vero e proprio viaggio alla scoperta dei Maestri che hanno reso grande e senza tempo l'arte italiana del Novecento, un viaggio reso possibile dalla profonda passione per l'arte dimostrata dai due collezionisti Dalla Ragione prima e Iannaccone poi. "Perché" come sottolinea il curatore Sergio Risaliti "di passione e di vita si tratta, come ci spiega Walter Benjamin quando, citando Balzac, afferma che i collezionisti sono "gli uomini più passionali che esistano al mondo". E "vissi d'arte" sottende questa passione univoca per l'arte e, in essa, una altrettanto convergente esperienza per peculiari produzioni artistiche".

Il volume propone un percorso negli anni più intensi dell'opera di Jannis Kounellis utilizzando come filo conduttore alcuni scatti fotografici delle sue performance. Con i modi del racconto e della descrizione narrativa, Sergio Risaliti accompagna il lettore nei luoghi delle performance dell'artista greco naturalizzato italiano, e nel flusso della descrizione fa emergere i risvolti simbolici ed espressivi che sono alla base di una commistione inestricabile di pittura trasformata in operazione meccanica finalizzata all'azione e rituali di memoria arcaica. Forte della propria lunga frequentazione con l'arte antica, compulsata con lo stesso spirito letterario che connota il suo approccio critico, l'autore fa emergere i temi di lungo periodo che riconnettono l'esperienza di Kounellis con iconografie di origini più remote e spirito romantico, registrandone la eco nel riscontro con le interviste e le testimonianze rilasciate dall'artista stesso. Su questa via, Risaliti propone un percorso di lettura anticanonico, insofferente ai rigidi steccati accademici, ma consapevole della necessità di guardare all'arte contemporanea con occhi, spirito ed emozione non diversa da quella che connota la fruizione dell'antico.

Fabio Viale torna a Firenze con una nuova mostra personale alla Galleria Poggiali, dopo una serie di apparizioni di successo alla Biennale di Venezia e alla Gipsoteca di Monaco. L'artista propone due installazioni: una per la sede di via della Scala, l'altra per lo spazio in via Benedetta. Gli spazi di via della Scala sono occupati da un gruppo di sculture già esposte nel Padiglione Italiano ai Giardini in occasione della Biennale veneziana (2019). In catalogo una dozzina di monoliti in pietra che replicano a misura reale quei pali in legno di rovere o di castagno alti tre metri e oltre che affiorano nella laguna di Venezia. Questi oggetti, denominati "bricole", servono da segnali per la navigazione, creano dei corridoi e aiutano, nei giorni di poca visibilità e nella notte, a prendere la giusta direzione.

Volume pubblicato in occasione della mostra al Museo del Novecento di Firenze.

Claudio Parmiggiani (Luzzara, 1943) è uno tra i maggiori protagonisti dell'arte contemporanea internazionale. Un cuore in ghisa, calchi di antiche statue in cera, strumenti musicali, una campana appesa come un impiccato, una biblioteca di cenere, una gigantesca àncora aggrappata con tutta la sua forza al muro rivestito di un vetro spesso e del colore dell'acqua gelata. Un catalogo di impianto museale, che si snoda come un discorso poetico ora drammatico, ora elegiaco, lirico e simbolico a un tempo. Parmiggiani ha definito le sue opere e le sue installazioni luoghi mentali, sottraendole ad una storia dell'arte in cui l'opera si è intesa come ready-made e l'installazione si è trasformata in messa in scena spettacolare. "Il desiderio è sempre più non quello di collocare generici oggetti in uno spazio, ma creare luoghi psicologici [...] luoghi mentali. Luoghi che abbiano una voce, un cuore che batte dentro lo spessore dei muri".

Le sette opere video di Grazia Toderi al festival F-LIGHT di Firenze ci proiettano verso un pianeta ancora disabitato, perlustrato da un mirino, unica presenza tecnologica in quel mondo disabitato. È cosa nota che l'uomo stia sviluppando le tecnologie adatte per la conquista del pianeta rosso, Marte, la cui natura sembra riservare molte sorprese, tra cui la presenza di elementi chimici validi allo sviluppo della vita nel suo ambiente. L'immaginario dell'artista è proteso al futuro prossimo, quando esploreremo altri pianeti, ma nelle immagini potenti di Grazia Toderi potremmo riconoscere anche la nostra madre Terra come era milioni di anni fa oppure la stessa madre Terra come sarà in un futuro lontano. L'arte non si pone limiti, il suo orizzonte è infinito come l'anelito verso l'assoluto, quel desiderio recondito di viaggiare nello spazio illimitato che persiste in tutti noi.

La grande scritta MUSEO, realizzata da Paolo Parisi, polarizza l'attenzione dei cittadini e dei turisti dalla piazza Santa Maria Novella di Firenze direttamente verso il loggiato, cerniera rinascimentale che apre e chiude la riconoscibilità e permeabilità del museo Novecento. La parola MUSEO, con la sua dimensione di monumento, sembra poter uscire fuori dalle arcate. La varietà cromatica e di lettering comunica nel contesto aureo del loggiato con armonie dissonanti e dissacranti, come un'esecuzione jazz in una cappella del Quattrocento. La parola è il risultato di un'operazione composita di prelievo e di citazione, di taglia e cuci, infine di un significativo sovradimensionamento. Le sagome di legno sono state ritagliate al massimo della misura consentita loro per ragioni di sicurezza, oltre quattro metri. Ogni lettera si appoggia alla cancellata ed è ancorata alla stessa. Parisi ha trovato il modo di interagire con la presenza qualificante dei segni rinascimentali, con la funzione comunicativa e non ultimo con alcune opere di maestri del Novecento presenti nel Museo al momento dell'ideazione: Ori, Cagli, Scheggi, Chiari e la testata di «Firenze Futurista» del 1921.

Excursus completo del percorso artistico di Barry X Ball (1955, Pasadena), il catalogo della mostra a Villa Panza a Varese e al Castello Sforzesco di Milano - curata da Anna Bernardini e Laura Mattioli, dal 12 aprile al 9 dicembre 2018 - illustra i passaggi stilistici, le sperimentazioni, le tecniche e i modelli di riferimento rielaborati ed interpretati dall'autore americano. Dalle opere minimaliste degli esordi, dai lavori dal fondo d'oro e da quelli in bilico tra figurazione e astrazione, Barry X Ball giunge a lavorare con il passato, punto di partenza di sculture da esperire in toto, dai particolari studiati e finemente progettati. I testi in catalogo interpretano il lavoro dell'artista, che attraverso la tecnologia più avanzata, la scansione 3D, la modellazione virtuale ma al contempo la scelta attenta di materiali preziosi e simbolici e il perfezionismo nella rifinitura dei dettagli, rilegge l'azione e il sentimento dell'uomo all'interno di una storia sempre contemporanea, anacronistica e immaginifica.

Gustav Klimt è uno dei maestri dell'arte moderna europea; opere come Il bacio, L'albero della vita o Giuditta sono icone ormai celebri della storia dell'arte ma anche della cultura popolare. Eppure, Klimt resta un artista ancora da scoprire e soprattutto da raccontare. Questo è l'obiettivo dell'agile monografia di Giovanni Iovane e Sergio Risaliti, che anche attraverso la puntuale descrizione delle opere aiuterà il lettore a ricostruire l'evoluzione dell'arte del padre fondatore della Secessione viennese, le tappe salienti della sua carriera, le grandi commissioni, le vicende sentimentali, dalla giovinezza all'età matura fino agli ultimi anni di attività quando, non pago dei risultati raggiunti, cambiò stile per vivere una nuova fase creativa meglio nota come la stagione dello stile fiorito.

Emilio Vedova e le opere giovanili presenti nella Collezione Alberto Della Ragione eseguite nel 1942 e dedicate a un libero esercizio di copia e rilettura di alcuni teleri di Tintoretto per la Scuola Grande di San Rocco a Venezia e altri dipinti noti della fine degli anni Cinquanta e inizio anni Sessanta. Quando Emilio Vedova scopre Tintoretto è una folgorazione. I "giganteschi ingorghi" del Maestro rivivono nelle pennellate vorticose dei dipinti di Vedova e l'energia esistenziale già opera a livello di struttura, ridefinendo l'oggetto quadro, il fare pittura, oltre i limiti della tradizione figurativa e prospettica. La stessa passione accomuna anche Vedova e Carlo Ludovico Ragghianti, grazie al quale giunge in catalogo Plurimo 1962/63, n. 7, "Opposti" (1962-1963), opera donata alla città di Firenze nel 1966 per il costituendo Museo Internazionale d'Arte Contemporanea. In essa la passione civile e l'impegno politico convivono con le contaminazioni della cultura di protesta e della dimensione scenico-musicale.

"Eliseo Mattiacci è certamente tra i grandi protagonisti dell'arte contemporanea, uno dei pionieri dell'avanguardia dopo gli anni Sessanta, artefice della sperimentazione e del rinnovamento in scultura, inventore di iconografie astronomico-cosmologiche e di nuove relazioni spaziali e concettuali tra arte e natura, tra uomo e ambiente." Con queste parole il curatore Sergio Risaliti presenta nella suggestiva location del Forte di Belvedere di Firenze "Gong", un viaggio alla scoperta di un artista che ha attirato su di sé l'attenzione dei più grandi critici contemporanei (Villa, Corà, Diacono e Celant) con il suo linguaggio basato "sull'immaginativa e la prefigurazione, scegliendo la via del simbolico e degli archetipi, riferendosi alla geometria e alla poesia, allo sciamanismo e all'alchimia per stare dentro la natura e il cosmo come fosse una seconda pelle". Attraverso un approfondito set fotografico e grazie ai contributi di Lara Conte e dell'astrofisico Emanuele Pace, il tutto corredato da un'attenta e accurata antologia critica, il catalogo offre al lettore la possibilità di ripercorrere la carriera artistica di Eliseo Mattiacci.

Emilio Vedova e le opere giovanili presenti nella Collezione Alberto Della Ragione eseguite nel 1942 e dedicate a un libero esercizio di copia e rilettura di alcuni teleri di Tintoretto per la Scuola Grande di San Rocco a Venezia e altri dipinti noti della fine degli anni Cinquanta e inizio anni Sessanta. Quando Emilio Vedova scopre Tintoretto è una folgorazione. I "giganteschi ingorghi" del maestro rivivono nelle pennellate vorticose dei dipinti di Vedova e l'energia esistenziale già opera a livello di struttura, ridefinendo l'oggetto quadro, il fare pittura, oltre i limiti della tradizione figurativa e prospettica. La stessa passione accomuna anche Vedova e Carlo Ludovico Ragghianti, grazie al quale giunge in catalogo Plurimo 1962/63, n. 7, "Opposti" (1962-1963), opera donata alla città di Firenze nel 1966 per il costituendo Museo Internazionale d'Arte Contemporanea. In essa la passione civile e l'impegno politico convivono con le contaminazioni della cultura di protesta e della dimensione scenico-musicale.

Le atmosfere magiche e irreali delle opere in mostra ci conducono in una realtà lontana da qualsiasi nostra esperienza. Un incessante peregrinare oltre l'apparenza delle cose, una paziente e profonda ricerca con la determinata volontà di sovvertire il concetto stesso di arte. 80 opere dei maestri italiani del Novecento, tra cui: Birolli, Campigli, Carrà, Casorati, de Chirico, de Pisis, Fontana, Guidi, Guttuso, Mafai, Manzoni, Marini, Marussig, Migneco, Rosai, Scipione.

Almeno una volta nella vita ognuno ha tracciato su un foglio segni con la matita, provando l'ebbrezza dell'apparizione di forme e contorni più scuri sulla carta. Solo gli artisti, però, hanno studiato veramente il disegno, impadronendosi lentamente di quest'arte. Acquisire abilità grafica ha significato, da un certo punto in poi della storia dell'arte occidentale, arrivare a possedere il segreto della creazione, e ciò è accaduto da quando l'attività artistica è stata giudicata alla pari delle altre attività liberali, distinguendola così dall'artigianato. Nel segno di queste analogie, il Museo Novecento avvia un progetto espositivo che si fonda sull'idea di disegno in rapporto alle altre discipline artistiche o alle scienze. "Il disegno dello scultore", prima mostra e primo catalogo, presenta opere grafiche firmate da Adolfo Wildt, Jacques Lipchitz, David Smith, Louise Bourgeois, Luciano Fabro, Rebecca Horn e Rachel Whiteread, alternando figurazione e astrazione, studi sul corpo e indagini sullo spazio, schizzi e progetti.

Manfredi Beninati ha presentato una serie di nuovi lavori: pittura, scultura, fotografia, ma anche bronzi, light-box, bassorilievi in gesso, assemblage. La strategia espositiva che Beninati ha adottato, con lo scopo di attirare e sedurre lo spettatore, presenta cambi di scena, di ritmo, di materiali, di luce, d'iconografie, etc. Vince la varietà, la voglia di stupire e d'incantare, d'incuriosire e di affascinare piacevolmente. L'arte per Beninati è un'esperienza iniziatica, orfica; si trova in strada, nelle pieghe dell'inconscio, tra gli scaffali della memoria collettiva; è un attimo di grazia, d'illuminazione. L'artista si fa veggente e chiaroveggente, sciamano e alchimista...

Catalogo dell'esposizione multimediale "Monet Experience e gli impressionisti".

A journey in search of the sources of Salvatore Ferragamo’s creativity. This beautiful catalog is a journey in search of the sources of Salvatore Ferragamo’s creativity and his ability to assimilate the spirit of the times.

La prima raccolta poetica di Sergio Risaliti comprende testi scritti nell'arco di un decennio (2001-2012) caratterizzati da slancio vitalistico e forte tensione etica. Lo sguardo trasfigurante del poeta si rivolge allo stesso tempo al proprio vissuto, alla società e alla storia, intessendo le tematiche in un solido sistema poetico e musicale. La storia dell'arte, tema centrale nella biografia di Sergio Risaliti, è un elemento ricorrente in questo libro e innerva le tappe di un viaggio attraverso le età dell'uomo.