La collaborazione continuativa fra Accardi e Impellizzeri ha inizio alla metà degli anni Ottanta. Impellizzeri partecipa sin da giovanissimo alle attività dello Studio Accardi e, ancora oggi, con lo stesso amore e accudimento, continua ad occuparsi del lavoro di Carla, essendo uno dei membri del comitato dell'Archivio Accardi Sanfilippo. Il rapporto fra i due non si è mai limitato alle sole occasioni lavorative e in tale ottica, fuggendo qualunque intento antologico, il catalogo è stato pensato mettendo in scena una serie di accostamenti azzardati, di colloqui apparentemente impossibili ma efficaci, di chiacchierate fra opere diverse e fra autori distinti, ma non distanti. Accardi e Impellizzeri mostrano una modernissima mediterraneità ricca di rimandi e dall'esuberanza calibrata, senza paura di confrontarsi con la cultura araba o di incontrare e imbattersi nell'arabesco, dove colore, luce e segno trionfano.

Sin dal 2003 Michelangelo Pistoletto ha concepito un progetto artistico denominato Terzo Paradiso, ovvero la terza fase dell'umanità, che si realizza nella connessione equilibrata tra artificio e natura. Terzo Paradiso significa il passaggio a uno stadio inedito della civiltà planetaria, indispensabile per assicurare al genere umano la propria sopravvivenza. A tale fine occorre innanzi tutto riformare i principi e i comportamenti etici che guidano la vita comune. La collaborazione con la Nanyang Technological University di Singapore ha portato alla realizzazione del simbolo del Terzo Paradiso sul tetto verde e curvilineo della Art School. Un'installazione che si presenta anche come opera di design e di architettura; un intervento consapevole e responsabile che unisce e compenetra in senso collettivo la nuova educazione universitaria. Il superamento del dualismo tecnologia-natura e la ricerca di una dimensione in cui l'Uomo possa infine specchiarsi. Temi che l'artista ha discusso col Premio Nobel per la Chimica, Ben Feringa, nel corso di un'affollata tavola rotonda sul legame tra arte e scienza tenutasi alla NTU dopo l'inaugurazione dell'installazione.

Nella forma che diventa corpo, dipanandosi nello spazio e nel tempo, si radica l'opera di Guido Pinzani, il cui lavoro, che trae innegabilmente origine dalle esperienze scultorie sviluppatesi all'indomani della fine del Secondo conflitto mondiale, sempre coerente a se stesso e immutato nel tempo, solleva oggi, forsanche più di ieri, interrogativi nevralgici su cosa sia la scultura nell'età contemporanea. In questa antologica sono soprattutto le opere di grande formato ad essere protagoniste, molte delle quali inedite, mai esposte o pubblicate prima, esemplari unici come sempre nella sua ricca produzione, opere che chiariscono e confermano l'immutabilità del suo percorso. Un percorso che, maturato nel flusso dei favolosi anni Sessanta, e dopo avere assorbito, e soggettivato la lezione informale, non si è mai allontanato da visioni attente ai temi della forma, dell'oggetto e dalla ricerca di un puntuale profilo estetico.

Questo ciclo di ricerca indaga la similitudine nella pratica dell'inganno e dell'illusione nella rappresentazione della realtà da parte della magia scenica e della politica dei servizi segreti. Attraverso l'illusione, la velocità e l'abilità il mago concentra l'attenzione dello spettatore su alcuni elementi e ne nasconde altri. Rendendo il trucco realista inganna lo spettatore e lo rende cieco di fronte al palco, restituendo una sensazione di stupore infantile e incredulità. Le Untitled Views riproducono un ambiente naturale in modo artificiale, un paesaggio aereo all'interno dello studio grazie a una palette di fumogeni colorati e tossici. C'è un'estetica della distruzione alla base della ricerca, come i conflitti di piazza, gli scenari di guerra, gli attacchi terroristici, l'inquinamento industriale e gli incendi che si trasformano in delicati paesaggi, tramonti infuocati, aurore boreali artificiali, lune notturne che spuntano da nuvole blu.

Fabio Viale torna a Firenze con una nuova mostra personale alla Galleria Poggiali, dopo una serie di apparizioni di successo alla Biennale di Venezia e alla Gipsoteca di Monaco. L'artista propone due installazioni: una per la sede di via della Scala, l'altra per lo spazio in via Benedetta. Gli spazi di via della Scala sono occupati da un gruppo di sculture già esposte nel Padiglione Italiano ai Giardini in occasione della Biennale veneziana (2019). In catalogo una dozzina di monoliti in pietra che replicano a misura reale quei pali in legno di rovere o di castagno alti tre metri e oltre che affiorano nella laguna di Venezia. Questi oggetti, denominati "bricole", servono da segnali per la navigazione, creano dei corridoi e aiutano, nei giorni di poca visibilità e nella notte, a prendere la giusta direzione.

Catalogo sull'illustre artista giapponese Yayoi Kusama. Una selezione altamente curata di dipinti, sculture e opere su carta sono pubblicati con l'obiettivo di offrire un viaggio nelle realizzazioni artistiche di Kusama, 28 opere in totale, databili dal 1951 al 2008. Dalla sua iconica serie di sculture "Hi, Konnichiwa (Hello)!" ai dipinti pois "Infinity". L'artista disse una volta che "nell'universo ci sono il sole, la luna, la terra, e centinaia di milioni di stelle" e ha poi descritto la sua vita come un punto tra migliaia di altri punti. Kusama ha associato i pois con il sole e la luna, poiché i punti hanno la loro stessa forma, per cui il sole simboleggia l'energia e la luna rappresenta la tranquillità. Pubblicate anche le magnifiche opere su carta, prodotte dal 1951 al 1981. In seguito Kusama ha rivelato che i disegni sono stati la fonte delle idee artistiche che ha esplorato per oltre sei decenni.

Il titolo Truly in inglese significa "veramente" ed è stato scelto perché le opere dell'artista sono più vere del reale che rappresenta tramite la scultura in marmo. Per la prima volta l'artista propone in scala monumentale una serie di opere tatuate e appositamente realizzate per la città di Pietrasanta: nella piazza del Duomo dialogano tra loro alcune repliche classiche e un omaggio centrale a Michelangelo e al suo David. È un continuum storico con la società odierna con la quale l'artista spazia per l'intero percorso della mostra nella riacquisizione di un nuovo senso storico del gusto. Come un cortocircuito in cui l'autore sovverte quegli equilibri estetici con i quali siamo stati abituati a guardare la scultura: una bellezza classica e ideale che nessuno prima di lui aveva pensato di rivoluzionare con un'altra tradizione, forse anche molto più antica, quella dei tatuaggi, e nel suo caso specifico quelli giapponesi e sovietici. Due tradizioni che si scontrano e si accordano in un unico filo conduttore.

Il messaggio di Vinicio Berti scandisce momenti di grande dolore, ma anche di grande speranza. Egli sa che l'uomo è permeato di sottile ironia, difficile accorgersene ogni volta che il sogno svanisce e ci riporta nella dura realtà, ma egli diceva: arriverà il giorno in cui il sorriso abbraccerà tutti con la nascita dell'Uomo Nuovo, simbolo di una realtà priva di odio, di inutili egoismi, di inutili guerre, piena di tanto amore per la gioia dell'intera umanità. I lavori di questo grande artista, in mostra alla Galleria Civica di Bratislava e in catalogo, coprono un periodo che va dai primi anni Settanta alla seconda metà degli anni Ottanta: lavori dove esiste, con chiara intenzione, la continuità del suo pensiero di ricerca innovativa nato dopo i nefasti momenti della Seconda guerra mondiale con il Gruppo di Astrattismo Classico da lui fondato insieme agli amici Bruno Brunetti, Alvaro Monnini, Gualtiero Nativi e Mario Nuti.

Kennedy Yanko è un'artista metallurga afro-americana alle prese con maniere di approcciarsi alla scultura tradizionalmente maschili. Un'artista che dà il meglio di sé quando, contravvenendo alle aspettative, combina tra loro materiali duri e pesanti, come i rottami di metallo, e materiali soffici e leggeri, come le membrane di vernice essiccata che chiama "paint skins", "pelli di vernice", per dare vita a sculture tridimensionali che mutano forma al mutare della prospettiva da cui le si osserva. I suoi oggetti ibridi non solo ingannano l'occhio a livello materico, ma catapultano l'astrazione in una dimensione inesplorata; una dimensione in grado di ospitare contenuti politici e sociali. Parlando del collegamento tra i suoi oggetti ibridi ed il mondo, Kennedy si è espressa così: "il modo in cui i miei lavori decidono come vogliono essere osservati è indicativo anche di cosa io percepisca come identità... è una scelta, è mutevole ed è qualcosa che dobbiamo continuare a mettere in dubbio".

Catalogo della mostra di Pizzi Cannella presso la scenografia Mekane di Roma. La Mekane si contamina con il mondo dell'arte, degli artisti, delle opere che, a causa delle ampie dimensioni, necessitano di spazi enormi che difficilmente si trovano negli studi degli artisti. La bottega della scenografia, una volta, era in continuità con la bottega del pittore, non vi era nessuna distinzione: i pittori del Quattrocento iniziavano a cimentarsi con lo spazio scenico in modo parzialmente cosciente e poi sempre più consapevolmente, con una tradizione che continua ancora oggi. Le opere in mostra sono quattro: "Mappa di Roma" (2006), nata per coprire quasi l'intera lunghezza della la scalinata centrale di Villa Medici. "Doppio Shakespeare" (2006), composta da due sipari per due teatri attigui, allestiti nello spazio della Galleria L'Attico, che mettevano in scena simultaneamente, due a due, quattro drammi di Shakespeare. "Mappa del mondo, gli uccelli" (2018), scenografia per un concerto del Maestro Riccardo Muti. "Mappa per Napoli" (2019), grande mappa realizzata su tela da scenografia impiegata nel contesto della mostra "Almanacco Napoli".

Secondo capitolo di una prospettiva sull'arte contemporanea di artisti internazionali accomunati dalla ricerca di una nuova visione del mondo attuale, che il celebre collezionista Hubert Neumann raggruppa sotto la sigla di Aftermodernism. In questo secondo capitolo gli artisti Benjamin Edwards (Iowa City, IA, USA, 1970) e Tom Sanford (Bronxville, NY, USA, 1975) presentano una ventina di opere che ci restituiscono la loro visione della società e delle città contemporanee e che riflettono la prospettiva di Hubert Neumann, che "crede che la migliore arte prodotta oggi rifletta la cacofonia, l'asimmetria e l'indeterminatezza della nostra società". Ben Edwards esplora la società contemporanea attraverso paesaggi visionari e post-apocalittici, ritratti distopici e sfaccettati; Tom Sanford riflette la profonda ambivalenza insita nella cultura americana.

Catalogo della mostra "Stéphane Graff - Mille-Feuilles & Sugar Bytes", che racchiude opere su legno, ognuna composta di numerose strisce di legno che combinano le tecniche della pittura e della scultura. L'artista franco-inglese ha sviluppato la tecnica di pittura "millefoglie" attraverso l'utilizzo di strisce di legno orizzontali che possono scorrere ed essere riposizionate come in una sorta di riprogrammazione. Influenzato dalla teorie psicanalitiche e dal metodo scientifico di Freud e Jung, Graff si dedica spesso al tema dell'identità, del nascondimento, della memoria e del sacro.

Dall'idea di Francesco Signorini, 8 anni, e di sua mamma Sara Poggiali, medico e membro del consiglio direttivo del Rotary Club Valdelsa 2020-2021, nasce la Storia di Renato, un immaginario coronavirus preistorico che ha perso la sua battaglia contro i globuli bianchi degli esseri umani ed è diventato buono. Un modo per l'autrice di spiegare al figlio e ai bambini in generale come si comportano e si evolvono i virus, anche il SARS-COV2 che ha cambiato la vita di tutti. Il volume è corredato da disegni e pensieri di bambini da tutta Italia. Il ricavato delle vendite del libro sarà devoluto a sostegno della ricerca scientifica del Prof. Rino Rappuoli e della fondazione Toscana Life Sciences, eccellenza senese impegnata con l'Azienda Ospedaliera Universitaria di Siena e con l'Ospedale Spallanzani di Roma nello sviluppo degli anticorpi monoclonali anti SARS-COV2.

Claudio Parmiggiani (Luzzara, 1943) è uno tra i maggiori protagonisti dell'arte contemporanea internazionale. Un cuore in ghisa, calchi di antiche statue in cera, strumenti musicali, una campana appesa come un impiccato, una biblioteca di cenere, una gigantesca àncora aggrappata con tutta la sua forza al muro rivestito di un vetro spesso e del colore dell'acqua gelata. Un catalogo di impianto museale, che si snoda come un discorso poetico ora drammatico, ora elegiaco, lirico e simbolico a un tempo. Parmiggiani ha definito le sue opere e le sue installazioni luoghi mentali, sottraendole ad una storia dell'arte in cui l'opera si è intesa come ready-made e l'installazione si è trasformata in messa in scena spettacolare. "Il desiderio è sempre più non quello di collocare generici oggetti in uno spazio, ma creare luoghi psicologici [...] luoghi mentali. Luoghi che abbiano una voce, un cuore che batte dentro lo spessore dei muri".

Questo catalogo, con un taglio volutamente generazionale, è il primo di una serie di pubblicazioni periodiche di verifica e scoperta dei talenti del nostro paese. Dalla pittura alla scultura, dall'installazione alla fotografia, dalla ceramica alla tessitura, sono diversi i linguaggi e gli indirizzi di sperimentazione rintracciabili nell'attuale progetto che intende presentare un segmento della linea emergente dell'arte contemporanea italiana. Gli artisti sono: Dario Agrimi (Atri, 1980), Roberto Alfano (Lodi, 1981), Giulio Alvigini (Tortona, 1995), Canemorto (Milano, 2007, data di costituzione del trio), Diego Cibelli (Napoli, 1987), Francesco Levy (Livorno, 1990), Matteo Negri (San Donato Milanese, 1982), Francesco Pacelli (Perugia, 1988), Viola Pantano (Alatri, 1987), Laurina Paperina (Rovereto, 1980), Dario Picariello (Avellino, 1991) e Nicole Voltan (Mestre, 1984).

"Viaggio in Italia non è solo il titolo di una mostra di lavori su carta, ma è anche la descrizione di un procedimento, un percorso che porta al disegno, all'acquerello, alla tempera... Il viaggio in Italia è l'unico viaggio che valga la pena", dice Sandro Chia. Nella pittura di Sandro Chia vediamo il piacere di lavorare con colori accesi e segni sicuri, figli di una grande esperienza ma, nello stesso momento, di una grande curiosità, che sembra non esaurirsi mai. Nel catalogo il protagonista è l'uomo, il viandante, il poeta, in tutte le declinazioni possibili: in versione "classica", con il cane fedele, o circondato da pinguini, da colombe colorate, o, ancora, con calzamaglia colorata come nella migliore tradizione rinascimentale. L'uomo nuovo, l'esploratore moderno dallo sguardo curioso, allegoria di se stesso, senza sovrastrutture, senza zavorre, senza nostalgia. In queste opere ognuno di noi può, forse, riconoscersi. Forse siamo tutti viandanti, anche se non tutti siamo artisti, smarriti, a volte perplessi e insicuri, altre volte caricati di rinnovata speranza.

I quadri di Pizzi Cannella raccontano tutti una storia, o meglio un capitolo di una storia che si intrama e che si dipana aprendo più di un dilemma. Una storia di ricerca, di esplorazione, di viaggio. Qui, in questa nuova sequenza di dodici quadri, siamo di fronte a un nuovo capitolo che narra l'attraversamento dell'ombra, quando in opere del passato talvolta la luce sembrava illuminare non la cosa ma le tenebre stesse. Siamo ora di fronte al tentativo di riconquistare la luce e, con la luce, abbiamo anche la riconquista dei colori del mondo, come fossero colori mai visti prima. E poi, alla fine, la conquista del bianco, che è forse al di là sia dell'ombra che della luce, che di fatto, come scrive lo stesso Pizzi Cannella, nel suo eccesso è ombra, è invisibilità. È qui che si apre un nuovo capitolo della storia che l'artista ha via via tracciato con il suo lavoro nel corso della propria vita. Si apre un nuovo capitolo, si apre una nuova strada, un nuovo itinerario che deve essere ancora esplorato, su cui è necessario interrogarsi.

Il Comune di Napoli ospita nel prestigioso ambiente della Cappella Palatina, all'interno del Maschio Angioino, la prima personale di Pizzi Cannella nella città partenopea, dal titolo Almanacco Napoli. La frontalità e l'assenza di figura umana sono caratteri dominanti della pittura dell'artista. Una scelta estrema, archeologica e filosofica. Egli lascia che siano gli oggetti/reperti a raccontare un tempo e una storia dei quali, in qualche modo, bisogna accettare anche la scomparsa. Il chi e il quando sono le domande sottintese in ogni sedia, ventaglio, abito, collana, anfora. Il potere delle cose, separate dall'uso e tradotte in immagini iconiche, desiderabili, ricordate e irraggiungibili. Più forte di una fotografia, l'oggetto isolato e sospeso nel tempo evoca una presenza/assenza che si sovrappone confondendosi e tramutandosi in altro ancora. Ed è a questo ricordo, a questa immagine sfocata, a questa sospensione che la pittura incoraggia, quale fosse il vero antidoto al tempo che passa, alla corruzione dei volti e all'impermanenza del nostro stare.

Le sette opere video di Grazia Toderi al festival F-LIGHT di Firenze ci proiettano verso un pianeta ancora disabitato, perlustrato da un mirino, unica presenza tecnologica in quel mondo disabitato. È cosa nota che l'uomo stia sviluppando le tecnologie adatte per la conquista del pianeta rosso, Marte, la cui natura sembra riservare molte sorprese, tra cui la presenza di elementi chimici validi allo sviluppo della vita nel suo ambiente. L'immaginario dell'artista è proteso al futuro prossimo, quando esploreremo altri pianeti, ma nelle immagini potenti di Grazia Toderi potremmo riconoscere anche la nostra madre Terra come era milioni di anni fa oppure la stessa madre Terra come sarà in un futuro lontano. L'arte non si pone limiti, il suo orizzonte è infinito come l'anelito verso l'assoluto, quel desiderio recondito di viaggiare nello spazio illimitato che persiste in tutti noi.

Catalogo della mostra presso la Chiesa monumentale di San Francesco a Gualdo Tadino. Una selezione di capolavori - 70 opere di 40 artisti - della Collezione Massimo Caggiano, una delle raccolte d'arte contemporanea più significative e rappresentative in Italia, e non solo, sia per la qualità delle opere scelte, sia per l'ampiezza del panorama artistico. Per tutta la vita Massimo Caggiano (Salerno, 1958) ha cercato opere d'arte dei maestri figurativi contemporanei italiani e internazionali. L'amore per la bellezza lo ha sempre mosso, in maniera frenetica e infaticabile, verso l'acquisto di dipinti, disegni, tecniche miste, sculture, sulla base di precisi rimandi tematici, stilistici, cromatici, ma anche sentimentali, e sulla base di una precisa possibilità di collocazione nelle sue dimore o nel luogo del suo lavoro. Tra gli artisti, tutti conosciuti personalmente: Alberto Abate, Hermann Albert, Giuseppe Bergomi, etc...

Si definisce un astrattista alle prese con la realtà, un metafisico costretto a misurarsi con la caducità della natura. Luciano Ventrone aborre il termine iperrealista che, negli ultimi trent'anni, la critica ha riservato alle sue nature morte, così impressionantemente vere da essere inverosimili, di un realismo così eccessivo da non potersi dare paragone nella realtà. In questo senso si potrebbe usare il prefisso iper- intendendo il desiderio di andare "oltre" quel visibile che ci consentono gli occhi, per addentrarsi nei territori della pura speculazione, come sembra voler fare Ventrone, nelle cui opere c'è molto della tensione metafisica che è alle radici della pittura novecentesca ai suoi albori. E, se non bastasse, ciò che lo contraddistingue dagli "iper" è il modo raffinato con cui sceglie gli oggetti da rappresentare e come li mette in scena, perché la tecnica - scriveva Gillo Dorfles - può essere addirittura un impedimento, se non è accompagnata dal gusto, un gusto che, invece, nel caso di Ventrone, è stato educato alla scuola dell'antico e di Caravaggio consentendogli esiti straordinari, di sublime raffinatezza.

La grande scritta MUSEO, realizzata da Paolo Parisi, polarizza l'attenzione dei cittadini e dei turisti dalla piazza Santa Maria Novella di Firenze direttamente verso il loggiato, cerniera rinascimentale che apre e chiude la riconoscibilità e permeabilità del museo Novecento. La parola MUSEO, con la sua dimensione di monumento, sembra poter uscire fuori dalle arcate. La varietà cromatica e di lettering comunica nel contesto aureo del loggiato con armonie dissonanti e dissacranti, come un'esecuzione jazz in una cappella del Quattrocento. La parola è il risultato di un'operazione composita di prelievo e di citazione, di taglia e cuci, infine di un significativo sovradimensionamento. Le sagome di legno sono state ritagliate al massimo della misura consentita loro per ragioni di sicurezza, oltre quattro metri. Ogni lettera si appoggia alla cancellata ed è ancorata alla stessa. Parisi ha trovato il modo di interagire con la presenza qualificante dei segni rinascimentali, con la funzione comunicativa e non ultimo con alcune opere di maestri del Novecento presenti nel Museo al momento dell'ideazione: Ori, Cagli, Scheggi, Chiari e la testata di «Firenze Futurista» del 1921.

Ekaterina Vorona, artista russa che presenta il risultato degli ultimi cinque anni di produzione. Un limpido distillato figurativo sul paesaggio acquatico, una visione omogenea che metabolizza le ricerche europee di fine Ottocento con silenziosi ma significativi spostamenti concettuali. La Vorona si inoltra fisicamente nel paesaggio in esterni, lo vive con metodo e lenta fusione, ritrovando sul quadro la forza degli immensi paesaggi russi, la potenza delle stagioni, il vigore della trasformazione stagionale. Al contempo, l'immersione fisica è il tramite per un viaggio dai contorni sciamanici, difficile da spiegare a parole, un tuffo oltre le contingenze del quotidiano, in silente sintonia con gli sguardi di Monet verso le ninfee di Giverny. Paesaggi d'acqua che giungono da un lento processo metabolico, da una paziente osservazione di mari, laghi, fiumi, sorgenti, ruscelli e qualsiasi altra fonte liquida.

Il lavoro di Zhivago Duncan manifesta un parallelismo tra la sua passione per i diversi miti della Creazione e le connessioni che ne scaturiscono. Tutto prende vita dal poema sumero Enuma Elish, che lo tocca particolarmente, essendo egli per metà siriano. Nei primi batik l'artista dipinge paesaggi astratti ed eterei, che rimandano a scenari immaginari descritti nel poema. E così crea una propria narrativa. Tutto ciò si trasforma infine nello sviluppo dell'Epica della Creazione, che prende visivamente forma attraverso i successivi dipinti batik. "Sembra che in questo particolare momento, e non solo in Siria, così tanti dogmi storici stanno crollando o si trovano sull'orlo del collasso, nonostante la maggior parte dell'umanità rimanga tuttora ancorata a strutture religiose arcaiche". Su questa strada che unisce il nulla al non luogo Duncan tenta di ricostruire metaforicamente una realtà attuale riscrivendone le origini. La natura e l'isolamento sono fondamentali nel lavoro di Duncan e, malgrado la vita cittadina sia il contesto in cui l'opera continua a vivere oltre la propria creazione, la natura è l'ambiente in cui nasce.

"Poggibonsi. Camera con vista" racconta la città di Poggibonsi, in provincia di Siena, nel periodo che va dal 2003 al 2018: gli avvenimenti, gli eventi, i fatti curiosi, i mestieri, le trasformazioni che inevitabilmente accadono in sedici anni, a maggior ragione in una città così in movimento e in perenne divenire. Le bellissime fotografie in bianco e nero di Carlo Fiorentini documentano con eleganza ogni significativo angolo della città, i cui cambiamenti sono anche quelli dei suoi cittadini, visto che gli spazi rispondono alle mutate esigenze della società. La ricostruzione del teatro Politeama, il restauro delle mura medicee, il binario dismesso della ferrovia per Colle che diventerà una delle ciclo-pedonali che collegano il tessuto urbano al paesaggio circostante. E poi il raddoppio della linea ferroviaria con l'eliminazione dei passaggi a livello. E ancora via Sardelli, via Solferino, via Carducci... Un percorso di rigenerazione complessivo, che ha interessato edifici e luoghi della città e del territorio, restituiti alla comunità come spazi di relazione e di ricucitura e, quindi, come strumenti di partecipazione e di rafforzamento del senso di appartenenza e identità.

Con dieci opere di James Busby e quindici di Justin Samson, il progetto editoriale intende presentare in Italia un nuovo gruppo di artisti internazionali (prevalentemente americani o residenti in USA, ma con una discreta presenza anche di europei) riuniti sotto la sigla AFTERMODERNISM, da parte di uno dei più grandi e singolari collezionisti del nostro tempo, Hubert Neumann. Ottantasettenne con una passione smodata per l'arte contemporanea possiede una raccolta di oltre 2.600 opere del Cubismo, Astrattismo europeo, Scultura d'avanguardia, Espressionismo Astratto americano, Pop Art e Graffitismo, di alcuni dei più importanti artisti del XX secolo. Tra questi Picasso, Léger, Miró, Kandinsky, Kline, Giacometti, Dubuffet, Rauschenberg, Lichtenstein, Haring, Basquiat, Koons. L'unico filo conduttore è la conoscenza diretta degli artisti. Dotato di un fiuto eccezionale, Neumann ha continuato a selezionare, agli albori dei loro esordi, artisti che sarebbero poi diventati di fama internazionale. Negli ultimi anni la sua attenzione si è focalizzata su un gruppo di artisti che per lui è una vera e propria nuova corrente su cui investire, definita appunto Aftermodernism.