In occasione del centenario del Movimento surrealista il Mart dedica una rassegna all'arte fantastica italiana. Rimasta troppo a lungo nell'ombra, il surrealismo in Italia è finalmente al centro di recenti studi e riscoperte. L'Italia è estranea al movimento surrealista, la cui invenzione e maturazione avviene esattamente cento anni fa in Francia sotto la guida di André Breton e si deve allo stesso Breton l'individuazione di due preziosi antecedenti al movimento nell'opera di Giorgio de Chirico e Alberto Savinio, inconsapevoli predecessori di una pittura rivolta ai luoghi più reconditi dell'anima, agli spazi dell'immaginazione e del sogno. 160 opere di oltre 70 artisti nati prevalentemente nella prima metà del XX secolo. Una compagine quanto mai completa che include Ugo La Pietra, Gaetano Pesce, Gaetano Pompa, Arturo Nathan, Gustavo Foppiani, Lorenzo Alessandri, Corrado Costa, Sergio Vacchi, Valerio Miroglio, Giordano Falzoni, Ugo Sterpini, Enrico Donati, Romano Parmeggiani. Un dialogo aperto sul passato che ha in de Chirico l'inquieto capostipite novecentesco, sino alle influenze che caratterizzano alcune espressioni del Futurismo, della scena Pop o post-informale.

Il volume ripercorre le vicende artistiche del primo Cinquecento a Ferrara, dagli anni del passaggio di consegne dal duca Ercole I d'Este al figlio Alfonso I (1505) fino alla scomparsa di quest'ultimo (1534), committente raffinato e di grandi ambizioni, capace di rinnovare gli spazi privati della corte come quelli pubblici della città. Il tramonto della generazione di Cosmè Tura, Francesco del Cossa ed Ercole de' Roberti pone Ferrara di fronte alla difficile sfida di un ricambio di alto livello. All'inizio del nuovo secolo si sviluppa una nuova scuola, più aperta agli scambi con altri centri, che ha come protagonisti quattro maestri: Ludovico Mazzolino, pittore dall'estro bizzarro che orienta il suo linguaggio in senso anticlassico; Giovanni Battista Benvenuti detto Ortolano, sempre caratterizzato invece da un naturalismo convinto e sincero; Benvenuto Tisi detto Garofalo, il principale interprete locale della maniera di Raffaello; e Giovanni Luteri detto Dosso, che sviluppa uno stile originale, colto e divertito, influenzato tanto da Giorgione e Tiziano quanto dalla Roma di Michelangelo. Queste pagine raccontano di una stagione incredibilmente ricca, dove l'antico e il moderno, il sacro e il profano, la storia e la fiaba si fondono in un mondo figurativo che può definirsi, in una parola, ferrarese.

La storia delle grandi famiglie che hanno governato Genova dalle origini del Comune sino alla caduta della Repubblica aristocratica rappresenta la "chiave di lettura" per comprendere una realtà storico-culturale complessa e peculiare quale è stata, e forse ancora oggi è, quella genovese e ligure. La vitalità di queste famiglie e dei personaggi che ne furono la diretta espressione si manifestò in un panorama internazionale, dove i Genovesi primeggiarono per le intuizioni nei campi mercantile e finanziario, ma anche militare e diplomatico, tanto da essere spesso chiamati dai sovrani europei come consiglieri e ministri. Se poi, come avviene in questo volume, si ripercorre la storia dei Pallavicino, che del gruppo di potere in Genova fecero parte senza soluzione di continuità, non vi è aspetto di questo contesto storico-culturale che non venga indagato e meglio compreso. I Pallavicino costituiscono un elemento significativo dell'identità culturale di quella che è stata una capitale di antico regime sempre più spesso posta all'attenzione del mondo moderno...

Ercole de' Roberti (1450-1496) e Lorenzo Costa (1460-1535) sono due artisti in apparenza piuttosto diversi. Ercole fu il grande erede della tradizione ferrarese, condusse la scuola locale al suo punto più alto e terminò la sua breve vita mentre era pittore di corte degli Este. Lorenzo spese una lunga parte della sua carriera lontano dalla patria e morì settantacinquenne a Mantova, al servizio dei Gonzaga. Tuttavia i due pittori furono accomunati da una incessante volontà di misurarsi con le più importanti novità che attraversavano l'Italia e l'Europa, vissero il loro tempo da assoluti protagonisti ponendosi tra le principali personalità del Rinascimento nell'Italia settentrionale. Dalle atmosfere tese e distillate di Ercole de' Roberti alla moderna pacatezza di Lorenzo Costa, il volume accompagna il visitatore attraverso sei decenni cruciali che hanno cambiato il volto dell'arte ferrarese, e non solo.

La mostra Klimt e l'arte italiana mette in luce l'influenza che Gustav Klimt esercitò su numerosi artisti italiani del primo Novecento, contribuendo al delinearsi di una delle pagine più affascinanti dell'arte del secolo scorso. L'esposizione e il catalogo che l'accompagna analizzano per la prima volta le opere di pittori e scultori che accolsero le suggestioni del maestro austriaco, dopo l'eco suscitata dalla sua partecipazione alla Biennale di Venezia del 1910 e all'Esposizione Internazionale di Roma del 1911. Sono eccezionalmente riunite in questa occasione le due opere "italiane" di Klimt, Giuditta II (1909) e Le tre età della donna (1905), acquistate dallo Stato per le collezioni pubbliche nazionali. I due capolavori sono il perno di un percorso che prende in esame l'opera di pittori attivi a Venezia, quali Vittorio Zecchin e i giovani "dissidenti" di Ca' Pesaro, o coinvolti nelle grandi imprese decorative della Biennale (Galileo Chini). Altre sezioni sono dedicate ad artisti, quali il trentino Luigi Bonazza o il triestino Vito Timmel, che, per prossimità geografica e storica, furono particolarmente vicini al clima delle Secessioni. La cultura mitteleuropea ispirò inoltre Adolfo Wildt, che diede vita a un linguaggio personalissimo, tanto da essere definito "il Klimt della scultura". Attraverso circa 200 opere provenienti da importanti collezioni pubbliche e private, la mostra illustra un panorama ampio e vario, nel quale discipline diverse - dalla pittura alle arti decorative - convivono sotto il segno del gusto sontuoso e decadente della Secessione.

Ispirata dalla tragica morte di Pier Paolo Pasolini, l'esposizione si articola in una serie di declinazioni artistiche, dipinti, sculture, disegni, progetti architettonici, musiche e video realizzati da Nicola Verlato in dialogo con Napoli e in suo territorio, luogo particolarmente caro a Pasolini. Oltre ad avervi girato il film "Il Decamerone," Pasolini scrisse più volte di Napoli e dei suoi abitanti, i napoletani, sottolineandone il carattere di assoluta unicità L'installazione vuole rappresentare il grande poeta-scrittore al cospetto dell'incarnazione mitologica più antica e misteriosa delle origini della città di Napoli: la Ninfa Partenope, figura bellissima, ma anche mostruosa che, secondo Verlato, dà una spiegazione più approfondita ai misteri di Napoli e di Pasolini.

"Ha una radice profondamente romantica, non nell'accezione più comune e banale del termine, ma in quella storico-culturale, l'ispirazione più genuina di Anna Maria Poggi, sia che si esprima per iscritto o per disegni. Un animo, il suo, alla costante ricerca del sentimento come strumento messo a disposizione dal cuore per stabilire un equilibrio interiore con gli altri esseri e con la natura, senza temere il rischio che ad assecondarlo fino in fondo si possa anche cadere nei gorghi della passione. Un animo convinto che il segreto delle cose vada rintracciato nel loro travalicamento, nel modo in cui la psiche le metabolizza trascendendole, conferendo loro una vita nuova sotto i colpi rigeneratori dell'immaginazione, alata anche quando parrebbe inabissata, col paradiso mai troppo distinto dall'inferno, forse in grado di rivelare dietro le apparenze il segno di un'essenza più autentica." (Dalla nota critica introduttiva di Vittorio Sgarbi)

"Ha una radice profondamente romantica, non nell'accezione più comune e banale del termine, ma in quella storico-culturale, l'ispirazione più genuina di Anna Maria Poggi, sia che si esprima per iscritto o per disegni. Un animo, il suo, alla costante ricerca del sentimento come strumento messo a disposizione dal cuore per stabilire un equilibrio interiore con gli altri esseri e con la natura, senza temere il rischio che ad assecondarlo fino in fondo si possa anche cadere nei gorghi della passione. Un animo convinto che il segreto delle cose vada rintracciato nel loro travalicamento, nel modo in cui la psiche le metabolizza trascendendole, conferendo loro una vita nuova sotto i colpi rigeneratori dell'immaginazione, alata anche quando parrebbe inabissata, col paradiso mai troppo distinto dall'inferno, forse in grado di rivelare dietro le apparenze il segno di un'essenza più autentica." (Dalla nota critica introduttiva di Vittorio Sgarbi)

La mostra che il Mart dedica alla figura di Albrecht Dürer si snoda attorno a due tematiche universali: la maternità e la melanconia. Le rappresentano la celebre "Madonna col Bambino", eseguita alla fine del XV secolo nel corso di uno dei noti viaggi di formazione in Italia del Maestro di Norimberga, e la "Melencolia I", accompagnata da altre preziose incisioni, provenienti dalle prestigiose collezioni della Fondazione Magnani-Rocca. Oggetto di studio e soggetto prediletto di filosofi, artisti, teologi, scrittori, medici e pensatori fin dalla notte dei tempi, i due leitmotiv vengono affrontati attraverso il confronto tra opere d'arte antica, moderna e contemporanea. I capolavori di Dürer sono presi a simbolo supremo e nel contempo punto di partenza dell'esposizione che annovera anche due incisioni di Rembrandt van Rijn e pone l'antico a confronto con l'opera di altri artisti come Giovanni Segantini, Medardo Rosso, Adolfo Wildt, Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Felice Casorati, Giorgio Morandi, Arturo Martini, per giungere a un dialogo con il contemporaneo...

Catalogo della prima edizione della mostra di scultura contemporanea a cura di Vittorio Sgarbi presso il Museo Gypsotheca Antonio Canova di Possagno.

Catalogo della mostra "Canova e il dolore. Le stele Mellerio. Il rinnovamento della rappresentazione sepolcrale", ideata da Vittorio Sgarbi e curata da Francesco Leone e Stefano Grandesso, con la direzione artistica di Contemplazioni, che trova il suo apice nella ricomposizione, per la prima volta dal loro smembramento, dei due monumenti Mellerio, voluti dal conte Giacomo Mellerio in memoria dello zio Giovanni Battista e della moglie Elisabetta Castelbarco, dopo aver visitato lo studio romano di Canova. In mostra, oltre a questa straordinaria ricomposizione, si potranno ammirare opere provenienti da collezioni pubbliche e private nazionali e internazionali. Il catalogo della mostra, riccamente illustrato, ha testi di Vittorio Sgarbi, Moira Mascotto, Francesco Leone, Stefano Grandesso e Sandro Gazzola.

Il 5 maggio 2022 inaugura al Museo Gypsotheca Antonio Canova di Possagno (Treviso) il secondo appuntamento espositivo degli Anniversari Canoviani, iniziativa che celebra i 200 anni dalla morte del genio del Neoclassicismo. La mostra "Canova e il dolore. Le stele Mellerio. Il rinnovamento della rappresentazione sepolcrale" - aperta al pubblico fino al 5 novembre 2022 - ideata da Vittorio Sgarbi e curata da Francesco Leone e Stefano Grandesso, trova il suo apice nella ricomposizione, per la prima volta dal suo smembramento, del monumento funebre Mellerio, voluto dal conte Giacomo Mellerio in memoria dei suoi cari dopo aver visitato lo studio romano di Canova. In mostra, oltre a questa straordinaria ricomposizione, si potranno ammirare opere provenienti da collezioni pubbliche e private nazionali e internazionali. Il catalogo della mostra, riccamente illustrato, ha testi di Vittorio Sgarbi, Moira Mascotto, Francesco Leone, Stefano Grandesso e Sandro Gazzola.

Nel panorama della grande arte americana del secondo dopoguerra, Alex Katz (New York, 1927) rappresenta un'anomalia. Sebbene non sia assimilabile ad alcuna scuola, la sua opera è una felice e originale sintesi delle esperienze artistiche del Novecento. Il volume illustra l'estesa avventura pittorica dell'artista attraverso una selezione di opere e un'antologia di alcuni tra i più importanti saggi critici, inediti in lingua italiana. La vicenda pittorica di Katz evidenzia la distanza dalle tentazioni politiche e sociali che animano molta arte contemporanea, restituendo alla pittura il piacere di contemplare se stessa e la vita. Spesso associato al movimento della Pop art, Katz rielabora i riferimenti della cultura di massa, della società americana, della televisione, del cinema, della pubblicità. Nello stesso tempo, si appropria dei principi minimalisti spogliandoli però dalle durezze ideologiche, soffermandosi sui caratteri più squisitamente formali che definiscono il gusto collettivo, lo stile di vita e quindi in ultima istanza il rapporto con ciò che ci circonda.

Antonio Ligabue, uno dei protagonisti dell'arte del XX secolo, un grande espressionista, al pari di Van Gogh e Munch, si presenta come un "uomo arcaico" tra noi, le sue pulsioni, le sue rivolte, il picchiarsi il naso con un sasso per renderlo aquilino, le ferite alle tempie per farne sgorgare il sangue con le pulsioni negative, rigettando le forze maligne, richiamano i temi della "automutilazione sacrificale" di Van Gogh. Uomo mitico, nel senso che partecipava ad una visione mitica dell'esistenza, immersa con le forze della natura, a contatto con una realtà insieme dispersa, molteplice, fenomenica, che percepiva, intuiva, condivideva con empatia, più che con logica. Il volume, catalogo della mostra "Ligabue. Un altro mondo" (Asiago, Museo Le Carceri, 28 maggio - 30 ottobre 2022) offre la riproduzione a colori, in alta qualità delle oltre settanta opere presenti in mostra - 61 dipinti, 6 sculture e 5 disegni - un esemplare excursus nel mondo di Antonio Ligabue.

Hostia. Pier Paolo Pasolini, progetto espositivo ideato dall'artista Nicola Verlato e curato da Lorenzo Canova e Vittorio Sgarbi, prodotto e organizzato da Associazione MetaMorfosi in collaborazione con il Museo nazionale di Matera e il patrocinio della Regione Basilicata, del Comitato Nazionale per le celebrazioni del centenario della nascita di Pier Paolo Pasolini e della Quadriennale di Roma. Ispirata dalla tragica morte di Pier Paolo Pasolini, l'esposizione è pensata come un omaggio che si articola in una serie di declinazioni artistiche, dipinti, sculture, disegni, progetti architettonici, musiche e video realizzati da Nicola Verlato in dialogo con Matera e il suo territorio, luogo particolarmente caro a Pasolini che lo scelse per girarvi nel 1964 Il Vangelo Secondo Matteo. La mostra arriva a Palazzo Lanfranchi in occasione delle celebrazioni del centenario della nascita dell'artista, nato a Bologna il 5 marzo 1922 e morto a Roma nel 1975.

La vicenda giottesca aveva avuto grande fortuna già nella pittura europea dell'Ottocento, che riproponeva l'episodio celeberrimo di Giotto e Cimabue, per trasformarlo in un esempio di narrazione romantica. I venti delle avanguardie artistiche allontaneranno la pittura e la scultura contemporanea da questa necessità di esemplarità e si concentreranno piuttosto sulle modalità lessicali, formali, alla ricerca di una nuova espressività, di una nuova lingua. In un clima ancora futurista e avanguardista nel 1916 Carlo Carrà pubblica sulle pagine della rivista "La Voce" un testo dedicato a Giotto, la sua Parlata su Giotto, aprendo la sua ricerca allo studio di questo artista, studio che riprenderà nella monografia del 1924 edita da Valori Plastici. È la concezione dello spazio che affascina i protagonisti del Novecento italiano, con un obiettivo programmatico, che asseconda il tempo e la politica italiana di quegli anni: riproporre la grandezza culturale dell'Italia.