Le opere di Maurizio Donzelli presentate in questa occasione sono lavori di grande impatto e consentono di scoprire l'ultimo ciclo pittorico dell'artista bresciano, destinato a porsi come ulteriore elemento di sperimentazione e di discussione per lo sguardo dello spettatore. Donzelli costruisce le sue reti su supporti vari (carta, legno, tessuto, tela), sviluppando una visione lenticolare dove i frammenti di un mondo in divenire si depositano sulla superficie. Accanto ai Nets, il volume propone l'evoluzione di due cicli già ampiamente apprezzati, i Mirrors e gli O, la serie degli ori. L'aspetto fondamentale della ricerca condotta dall'artista è l'indagine sulla natura stessa dell'immagine e sulla nostra percezione. Come afferma Alberto Fiz, 'l'intera produzione di Donzelli orbita intorno al punto zero dove tutto è ancora possibile e lo spazio dell'arte torna ad ampliarsi'.

Tra le pagine del catalogo, le opere di Aldo Spoldi e i suoi personaggi fantastici si rincorrono, socializzano e danzano liberi, mettendo in scena La guerra dei mondi, un conflitto immaginario e giocoso. «Le opere si muovono, evolvono, si accoppiano, si riproducono. Radicate o rizomatiche si fanno avanti, si fanno linea. Assomigliano a uno squadrone che si mette in cammino: il 1968 attacca con garbo il 1977, il 1977 intende comandare il 2000 che intende a sua volta contrastare il 2023», racconta Spoldi con un'ironica metafora militare che ha dato il titolo alla sua mostra personale nelle sale della Fondazione Stelline di Milano, aperta nella primavera 2023. I venti lavori illustrati a colori sono accompagnati dai saggi di Alberto Fiz, curatore della mostra e del volume, di Loredana Parmesani e Alessandra Klimciuk e da un testo di Aldo Spoldi.

Il volume, che accompagna l'esposizione al Museo Comunale d'Arte Moderna di Ascona (aprile-giugno 2023), a cura di Alberto Fiz, in collaborazione con l'Archivio Nanda Vigo, offre l'opportunità di approfondire l'indagine di Nanda Vigo (1936-2020), tra le figure più significative e dirompenti del dopoguerra che nella sua ricerca ha saputo integrare arte, architettura e design. Attraverso un percorso tematico, il volume analizza l'iter creativo dell'artista dalla fine degli anni Cinquanta agli anni Duemila, documentando la sua vasta produzione a partire dai 'Cronotopi', le sue opere più famose, che rappresentano la fusione del tempo con lo spazio attraverso la luce. Ma l'approfondita pubblicazione descrive anche gli spettacolari ambienti immersivi e propone una selezione delle più celebri creazioni nell'ambito del design tra cui la 'Golden Gate', la sua lampada più emblematica, con la luce fluorescente che sembra scaturire dall'acciaio cromato. Il volume è arricchito dai saggi critici di Alberto Fiz, Ilaria Bignotti, Barbara Könches, Marco Meneguzzo, un testo di Riccardo Blumer, con le schede tematiche dell'Archivio Nanda Vigo.

Un nuovo capitolo del progetto triennale 'Una generazione di mezzo'. Maurizio Donzelli (1958), artista bresciano, nato nella seconda metà del XX secolo e noto a livello nazionale e internazionale, è protagonista insieme a Paola Pezzi di questo nuovo progetto di 'generazione di mezzo', sintetizzato nell'evocativo titolo 'Spellbound'. Spellbound, 'incantato', 'ammaliato': con questo termine, utilizzato da Alfred Hitchcock nel film omonimo del 1945 - in italiano 'Io ti salverò' - si fa allusione agli stati psico-emotivi dei due protagonisti, ovvero l'uomo interpretato da Gregory Peck affetto da amnesia in seguito a un trauma e il personaggio della dottoressa interpretata da Ingrid Bergman, psicoanalista incantata dall'amore. Con questo termine si vuole così alludere sia a quell'incantamento che il riguardante ha nei confronti dell'opera sia all'incontro tra due artisti (Maurizio Donzelli e Paola Pezzi), caratterizzati da linguaggi differenti ma parimenti efficaci. Maurizio Donzelli si interroga sull'inizio del processo iconico e sulle modalità dello sguardo, andando a cercare nell'ornamentale i ricami e i filamenti della nostra stratificata geografia culturale e filosofica. Le sue opere sono enigmi di immagini latenti che affiorano e si immergono nelle stratificazioni del colore e del segno, attivatori del patrimonio iconico di ciascun riguardante: opere come laboratori, capaci di generare una efflorescenza di immagini che l'una sull'altra s'intrecciano, tra lontani echi e latenti principi iconici. La sua opera potrebbe così rappresentare il valore dello spazio come geografia

Corrado Bonomi è tra gli interpreti più acuti di un'arte ironica, tutta italiana, che segue percorsi autonomi e totalmente liberi da condizionamenti. Questa prima monografia, a cura di Alberto Fiz, racconta attraverso 200 opere un'indagine di oltre quarant'anni che spazia da Topo Gigio a Stanley Kubrick passando attraverso René Magritte e Pino Pascali. Il principio è quello di trasformare in arte ogni dato, sia esso fumetto, testo letterario o film. Non ci sono limiti al desiderio di mettere in scena i più variegati aspetti dell'esistenza; da abile giocoliere, l'artista novarese si appropria di contenuti e soggetti utilizzandoli a suo piacimento. Il suo è un citazionismo ingannevole che non prevede la riproposizione dell'originale, bensì la metamorfosi visionaria nell'ambito di un contesto dove arte e vita vanno a braccetto. Bonomi, insomma, mette in crisi sapori e saperi.

Il volume dedicato a Felice Casorati, realizzato in occasione della mostra al Museo Archeologico Regionale di Aosta, presenta oltre cento opere tra dipinti, sculture, disegni e bozzetti teatrali dal 1904 al 1960 che consentono di analizzare il percorso creativo di uno tra i maggiori protagonisti del Novecento. Attraverso otto nuclei tematici, vengono affrontati gli aspetti fondamentali di una ricerca che non smette di sorprendere con un'attenzione specifica non solo alla pittura, ma anche a ambiti di ricerca assai meno indagati come l'arte plastica o la scenografia. Un'opera dunque che permette di rileggere a tutto tondo l'indagine di Casorati (non manca nemmeno un approfondimento sull'esperienza didattica e la sua Scuola) che in occasione della prima Quadriennale romana del 1931 aveva scritto: «Di fatto io non ho mai capito il movimento 'qui déplace les lignes' e adoro invece le forme statiche; e poiché la mia pittura nasce per così dire, dall'interno e mai trova origine dalla mutevole 'impressione' è ben naturale che queste forme statiche e non le mobili immagini della passione si ritrovino nelle mie figure». A questa testimonianza s'ispira il titolo della pubblicazione curata da Alberto Fiz che contiene saggi di Alessandro Botta, Luigi Cavallo, Daria Jorioz, Luca Motto, Patrizia Nuzzo, Francesco Poli, Sergio Risaliti.

L'arte di Corrado Bonomi è ironica e giocosa, ricca di visioni e immaginari legati all'infanzia, alle estati trascorse al mare, con la testa nell'acqua, come ricorda nelle pagine autobiografiche di questo libro. Acque chete è un viaggio nella sua ricerca concettuale e al tempo stesso ironica. Le venti opere pubblicate in questo catalogo, illustrate nelle tavole a colori attraverso vedute d'insieme e particolari, sono datate dal 1987 a oggi e comprendono l'inedito Nel ventre della balena. Sono le opere esposte in Acque Chete, la mostra personale concepita dall'artista per le sale dell'Acquario Civico di Milano. Tra i dipinti, le sculture e le installazioni, predomina il mare, il leitmotiv che fin dagli anni ottanta attraversa il sistema poetico di Corrado Bonomi, sensibile anticipatore di quella attenzione ambientale oggi divenuta così urgente. Come ha scritto Alberto Fiz, curatore della pubblicazione, «Appare quasi scontato affermare che le tante installazioni prodotte da Corrado Bonomi siano ecosostenibili, anticipando temi ambientali oggi di gran moda, assai meno alla fine degli anni ottanta. Ma la vera peculiarità di questi lavori sta nel desiderio ossessivo di archiviare l'infinito assegnando a ciascun elemento del puzzle una posizione all'interno di una mappa mentale dove compaiono oceani e continenti, disposti ogni volta in maniera differente».

l'Islàm rappresenta l'unica religione che ha una visione e precetti esaustivi in merito alla cura e il benessere degli animali, avendo Dio incaricato l'uomo, in quanto khalifa, di prendersi cura dell'intera creazione. Il libro si compone di due parti, la prima divisa in sei capitoli: 1- La Preoccupazione Islamica per gli Animali - con riferimenti dottrinali sia dal Corano che dagli ahadith; 2- Vegetarismo Vs Carnivorismo - con riferimenti alle principali religioni mondiali, è così necessario consumare carne?; 3- Il Maiale 'una spina nel fianco' - cosa dicono le principali religioni sul suo consumo?! Malattie trasmissibili dal consumo, il suo comportamento, ecc.; 4- Il Sacrificio animale - nelle principali religioni e in particolare nell'Islàm; 5- Carne Halal 'l'osso della discordia' - cosa è lecito e illecito consumare quando si tratta di carne; 6- Il metodo islamico della giugulazione - cosa comporta l'uso di metodi e mezzi moderni nella macellazione. La seconda parte raccoglie invece il lascito e gli scritti di studiosi, musulmani e non, che avevano conosciuto l'autore o ne avevano apprezzato gli scritti.

Il volume indaga i confini e le potenzialità della materia con la quale Fabio Viale instaura un dialogo a più voci. Nelle sculture, protagoniste della mostra diffusa di Arezzo (19 giugno - 30 settembre 2022), l'artista inserisce, quasi segretamente, un grammo di oro, metallo duttile e malleabile, ma allo stesso tempo 'minerale di conflitto', elemento significante, anche nella sua accezione più drammatica. Come nelle parole dello scultore: «L'oro ha in sé un potere seduttivo che esula dalla sua mera bellezza: è come il canto di una sirena, si percepisce la sua forza di attrazione mentre lo lavori, ha capacità, come il marmo, di tirarmi fuori dal tempo, di trascendere la sua perfezione per svelarne il pericolo».

Volume monografico, a cura di Alberto Fiz, dedicato all'artista Davide Maria Coltro (Verona, 1967) con testi di Aida Accolla, Chiara Canali, Luigi Codemo, Joseph Di Pasquale, Alberto Fiz, Marcello Francolini, Maria Fratelli, Patrizia Nuzzo. 'L'opera aperta di Coltro sfida l'infinito e si manifesta di fronte allo spettatore costretto a confrontarsi con una visione frammentata e problematica con il Quadro Mediale che agisce come apparizione instabile cancellando ogni volta le tracce mnemoniche. Non c'è più un tempo di contemplazione, bensì la prospettiva del cambiamento secondo una logica che sembra assorbire le nevrosi e le idiosincrasie della contemporaneità. Per sua natura il Quadro Mediale non torna indietro e non contiene tracce del proprio passaggio, ma innesca un processo di progressiva trasformazione secondo il volere dell'artista che ha potere di vita e di morte sulle proprie creazioni. Coltro può intervenire sul soggetto introducendo una sequenza o una colorazione rinnovata. Oppure modificare l'immagine appesa alla parete di casa trasformando magicamente un paesaggio in un ritratto'. Dal testo 'La rivoluzione del Quadro Mediale' di Alberto Fiz

Il catalogo documenta l'opera permanente realizzata da Pistoletto con grandi sassi levigati dal tempo sul Monte Verità, nel Canton Ticino, e le 40 opere, tra dipinti, quadri specchianti e installazioni da lui esposte nelle sale del museo comunale d'arte moderna di Ascona nel 2021.

Lo Studio Museo Francesco Messina prosegue nella sua ricerca attorno ai modi e alle ragioni della scultura contemporanea mettendo a confronto la ricerca di tre artisti in una trilogia dal titolo 'Perimetri'. Entro il 'perimetro' dello spazio di pertinenza si muovono infatti le loro sculture, risolte come linee e piani che costruiscono spazi e definiscono ambienti. Le singole ricerche trovano nella dimensione laboratoriale dello Studio Museo un'occasione di esposizione e di pubblica discussione. Il museo rimane infatti il momento del confronto con la storia, della verifica del nuovo e della messa in valore delle riflessioni e delle scelte da tramandare al futuro. Lo Studio Museo Francesco Messina conferma quindi il suo ruolo di laboratorio di ricerca, promotore della feconda realtà artistica della città e della ricerca critica che la valorizza; di questa realtà vuole essere mentore e, con i suoi cataloghi, promuoverne e salvaguardarne la memoria.

«Ciò che mi ha sempre coinvolto nella fotografia è il rapporto di scarto tra la visione dell'occhio e le abilità del mezzo». Olivo Barbieri coglie le contraddizioni e le sfaccettature, le ambiguità e le sfumature del reale attraverso gli espedienti offerti dal mezzo fotografico, riprendendo ad esempio scene di paesaggi dall'alto, evidenziandone alcuni elementi e lasciandone sfocati degli altri. Il catalogo della mostra al Centro Saint-Bénin di Aosta (a cura di Alberto Fiz, dal 15 novembre 2019 al 19 aprile 2020) risale il percorso dell'artista dal 2002 al 2019, con un focus particolare sulle tematiche del paesaggio e dell'ambiente. Fotografie inedite che hanno come soggetto le montagne della Val d'Aosta e i parchi naturali si susseguono alle immagini della produzione scultorea di Barbieri insieme ai cicli dedicati alla storia dell'arte antica e moderna. Come nelle parole di Alberto Fiz, l'interesse dell'artista «è quello di condurre la fotografia sino alle estreme conseguenze sperimentando una personale esperienza del visibile dove l'osservatore si trova di fronte a nuove scoperte.»

Il volume, a cura di Alberto Fiz, indaga l'esperienza del collezionismo privato, attraverso una ricca selezione di oltre 150 opere provenienti da diciotto raccolte di arte contemporanea, tra le più importanti in Italia. Dipinti, sculture, installazioni, fotografie e video svelano ciò che il collezionista rappresenta: non un semplice acquirente di opere d'arte, ma l'artefice di un mondo, di un progetto che cresce grazie alla sua personalissima sensibilità. Nell'aprire le porte a queste raccolte private, il mecenate del terzo millennio assume anche un ruolo da protagonista nel panorama culturale odierno offrendo un'occasione unica per far conoscere capolavori altrimenti nascosti. Da Piero Manzoni a Tomás Saraceno, da Marina Abramovic a Maurizio Cattelan, il volume propone un grande affresco collettivo, una 'collezione delle collezioni' legata alla passione e al gusto del nostro tempo.

Monografia pubblicata in occasione della mostra di Fabrizio Plessi alle Terme di Caracalla, Roma (18 giugno - 29 settembre 2019). Il nuovo progetto di Fabrizio Plessi, artista legato a Roma da precedenti esperienze di grande rilievo e successo a partire dalla mostra Mediterraneo ai Mercati di Traiano del 1991, prende spunto dal recente restauro e dall'apertura al pubblico dei sotterranei delle Terme di Caracalla, straordinario tesoro riaperto proprio in occasione di questa mostra. Nelle gallerie sottostanti l'esedra del Calidarium, un tempo cuore del sistema idraulico delle antiche Terme, si snoda, per oltre 200 metri, un percorso immersivo e spettacolare, che tocca elementi e temi da sempre al centro del lavoro di Plessi: Fuoco, Acqua, Vento, Mosaico, Colonna, Teste, Classico, Lava, Lampi, Otri, Fumo sono i soggetti delle videoinstallazioni che danno vita a un'esperienza sensoriale di notevole impatto e profonda suggestione. Qui, come scrive Plessi, 'il fiume della storia non si ferma e attraversa impaziente altre storie'. Il volume presenta, fotografate in loco e valorizzate dal grande formato, le videoinstallazioni di Plessi, completandone la presentazione attraverso importanti contributi testuali e una ricca documentazione iconografica (fotografie, progetti e disegni), che contestualizzano questo nuovo lavoro nell'ambito della ricerca, ormai pluriennale, di Plessi. Non semplicemente il catalogo di una mostra, dunque, ma una vera e propria monografia aggiornata su uno degli artisti più interessanti del panorama artistico contemporaneo.

«C'è un tempo che allontana e un tempo che avvicina. Mio padre è mancato ma è tornato nella mia arte» (Michelangelo Pistoletto) La relazione archetipica tra padre e figlio, ovvero tra l'arte di Michelangelo Pistoletto e quella di Ettore Pistoletto Olivero, consente di rileggere gli scambi che abitano il tempo, travalicando - di questo rapporto - l'aspetto privato e familiare. Il catalogo della mostra ('Ettore Pistoletto Olivero Michelangelo Pistoletto. Padre e figlio', 17 aprile-13 ottobre 2019, curata da Alberto Fiz a Biella e a Trivero, con sedi Palazzo Gromo Losa, Cittadellarte-Fondazione Pistoletto e Casa Zegna) raccoglie i saggi e le ricerche sugli artisti e sulla tematica così attuale con contributi da studiosi di ambiti differenti come la storia dell'arte e la psicanalisi, un'intervista a Michelangelo Pistoletto, focus specifici e un apparato iconografico completo che documenta il percorso espositivo. Le nature morte di Ettore Olivero e le opere di Michelangelo Pistoletto, tra i maggiori maestri contemporanei, dialogano sul filo di uno specchio che «indica l'impossibilità di progredire se non considerando ciò che sta dietro di noi: la riflessione sul passato».

«C'è un tempo che allontana e un tempo che avvicina. Mio padre è mancato ma è tornato nella mia arte» (Michelangelo Pistoletto) La relazione archetipica tra padre e figlio, ovvero tra l'arte di Michelangelo Pistoletto e quella di Ettore Pistoletto Olivero, consente di rileggere gli scambi che abitano il tempo, travalicando - di questo rapporto - l'aspetto privato e familiare. Il catalogo della mostra ('Ettore Pistoletto Olivero Michelangelo Pistoletto. Padre e figlio', 17 aprile - 13 ottobre 2019, curata da Alberto Fiz a Biella e a Trivero, con sedi Palazzo Gromo Losa, Cittadellarte-Fondazione Pistoletto e Casa Zegna) raccoglie i saggi e le ricerche sugli artisti e sulla tematica così attuale con contributi da studiosi di ambiti differenti come la storia dell'arte e la psicanalisi, un'intervista a Michelangelo Pistoletto, focus specifici e un apparato iconografico completo che documenta il percorso espositivo. Le nature morte di Ettore Olivero e le opere di Michelangelo Pistoletto, tra i maggiori maestri contemporanei, dialogano sul filo di uno specchio che «indica l'impossibilità di progredire se non considerando ciò che sta dietro di noi: la riflessione sul passato».

Sandro Chia, uno dei più noti protagonisti della Transavanguardia, nel 2010 «crea il proprio esercito della salvezza». Guerrieri, arcieri e cavalli in terracotta colorata sono l'eco reinterpretato del noto esercito rinvenuto in Cina, a Xi'an, e realizzato nel III secolo a.C. per il mausoleo di Qin Shi Huang. Le sculture policrome dell'artista toscano - come dichiara il curatore del libro Alberto Fiz - diventano icone della contemporaneità, pronte ad avventurarsi verso una seconda vita. Chia interviene senza freni inibitori; i colori intensi s'insinuano nelle pieghe della materia, e la pittura «non si limita alla semplice decorazione, ma diventa complice, tanto da sviluppare un processo di trasformazione che intacca la natura stessa dell'oggetto, offrendogli un plusvalore estetico». Il volume, bilingue (italiano e inglese), è il catalogo della mostra 'Sandro Chia. L'esercito dell'imperatore' (Area\B di Milano, 17 maggio - 19 luglio 2019, a cura di Alberto Fiz) ed è arricchito da un vasto repertorio fotografico delle opere di Chia, da una serie di scatti dello scavo archeologico originale e dagli apparati biografici e bibliografici dell'artista.

«Nespolo [...] appare sempre se stesso nei suoi infiniti travestimenti e nei suoi ricorrenti 'camouflages' linguistici e metalinguistici dove tutto è troppo serio per non essere preso con ironia». Le parole di Alberto Fiz, curatore della mostra (Aosta, Centro Saint-Bénin, 20 ottobre 2017 - 8 aprile 2018) in occasione della quale è stato edito il catalogo, in collaborazione con Maurizio Ferraris, introducono ad una figura importante dell'arte contemporanea italiana. Il volume ripercorre una selezione di rilevanti opere dell'artista realizzate dal 1967 ad oggi, tra dipinti, disegni, 'maquettes' per il teatro, tappeti, mobili, fotografie, installazioni polimateriche, concentrandosi anche sulla produzione dell'autore nell'ambito del cinema sperimentale, dei cortometraggi e dei cartoni animati. Un approccio trasgressivo e non convenzionale che rilegge la storia dell'arte, i suoi protagonisti e il rapporto tra il fruitore e lo spazio espositivo.

Il testo presenta una selezione di ventuno artisti contemporanei e di altrettante opere - che dal 1970 arrivano sino ai giorni nostri - che indagano le interpretazioni e le rappresentazioni del concetto di confine. Articolandosi in sezioni differenti, il testo - pubblicato in occasione della mostra 'Violenti confini' alla Pinacoteca Comunale di Città di Castello, a cura di Magonza editore, dal 29 aprile al 9 luglio 2017 - si inserisce in un contesto di drammatica attualità e propone una riflessione sui rapporti tra l'io e il mondo, rielaborando i concetti di limite e confine non solo dal punto di vista geografico, ma anche politico e sociale, umano e biografico, ponendo particolare attenzione al rapporto con il passato. In catalogo, insieme a un ricco apparato iconografico, testi di Pietro Bellasi, Alberto Fiz, Saverio Verini.

Il segno è l'oggetto di un incontro che rinnova il proprio destino per la capacità di assorbire l'io e di porlo in relazione con la collettività. Ma non si limita a questo: è una forma di racconto partecipativo che trasmette la parte privata del rituale senza imporre un distacco tra soggetto e oggetto; allo stesso tempo, appare come una zona di libertà incondizionata in grado di aderire al sentimento delle cose. I quattro percorsi intorno al segno di Sergi Barnils, Giuseppe Capogrossi, Achille Perilli, Joan Hernández Pijuan, in apparenza così distanti, spesso convergono, a dimostrazione di quanto sia attuale un'ipotesi linguistica che prosegue nel tempo e in ogni circostanza pone nuove problematiche.

Il volume costituisce un'ampia monografia dedicata alla Pittura Analitica, un movimento che, nell'Italia degli anni settanta, ha inaugurato una nuova fase nel panorama artistico, operando sulla rinnovata consapevolezza del linguaggio attraverso una sperimentazione di tecniche e materiali, oltre che di codici e di processi. Il superamento del dogma minimalista, il rigore metodologico e il desiderio di riappropriarsi del mezzo pittorico sono elementi centrali nelle opere storiche degli artisti del gruppo. Il volume ripercorre quindi le vicende del movimento dagli anni settanta sino a oggi, mostrando lo slancio creativo dei suoi protagonisti, quali Carlo Battaglia, Enzo Cacciola, Vincenzo Cecchini, Paolo Cotani, Marco Gastini, Giorgio Griffa, Riccardo Guarneri, Elio Marchegiani, Paolo Masi, Carmengloria Morales, Claudio Olivieri, Pino Pinelli, Claudio Verna, Gianfranco Zappettini.

La pittura di Domenico D'Oora si offre senza limiti, in un territorio che non è certo quello della narrazione. Nella mostra fiorentina, intitolata Colore pensiero concreto, sono due le tipologie di opere, quelle di diversi materiali, in cui talvolta è inserito anche il plexiglass, e quelle su tela grezza, preparata sia nella parte anteriore che posteriore. Coinvolgente è il ponderato incontro tra un'arte senza tempo, la pittura, che è nella storia dell'uomo, e i materiali tecnici che richiamano al tempo in cui viviamo. La storia dell'arte, che mai per l'artista è citazione, è stata studiata e metabolizzata nel corso degli anni, sin dai tempi del liceo artistico e dell'Accademia.

Il catalogo rende conto di una tra le più ampie retrospettive finora proposte in Italia su Jean Arp (1886-1966), in occasione dei cinquant'anni della sua scomparsa. Il progetto è ideato in collaborazione con la Fondation Arp di Clamart (Francia) allo scopo di proporre una riflessione storico-critica aggiornata su uno dei maggiori protagonisti del Novecento. La rassegna, con oltre 120 opere (alcune mai esposte in precedenza) tra sculture, dipinti, rilievi, arazzi provenienti dalle maggiori collezioni europee, presenta i differenti aspetti di una ricerca articolata che ha saputo cogliere l'energia cosmica e le forze creatrici connesse con la natura, il divenire dell'esistenza, la sua precarietà e l'eloquenza del mondo sinuoso delle forme: una ricerca individuale, nomadica, scevra da ogni dogmatismo, che ha consentito ad Arp di dialogare con avanguardie, quali ad esempio il surrealismo e il costruttivismo, come sa dimostrare il curatore nel saggio introduttivo.

Il volume è un omaggio alla figura di Alessandro Mendini (Milano, 1931), architetto e designer tra i più celebri a livello internazionale. Sono oltre ottanta le opere presentate tra dipinti, disegni, progetti, sculture, mobili, oggetti d'arredo creati dall'inizio degli anni settanta sino a oggi, in un percorso che si caratterizza per una serie di incontri e contaminazioni con grandi esponenti della letteratura, del design e dell'arte. Ogni capitolo fa riferimento a un autore che Mendini considera parte integrante del suo processo creativo, ovvero Marcel Proust, Ettore Sottsass, Kazimir Malevich, Alberto Savinio, Frank Stella e Maurizio Cattelan. Come afferma il curatore Alberto Fiz 'non c'è alcuna forma di anacronismo o di citazionismo fine a se stesso, ma ogni volta si sviluppa una differente forma di empatia'. Emblematico è il caso di Marcel Proust, a cui è legata una delle opere più famose di Mendini, la Poltrona Proust del 1978, o Kazimir Malevich, la cui teoria del colore viene applicata da Mendini a Neo Maleviè, una scultura in cartapesta dipinta a mano. Il volume accoglie un saggio di Alberto Fiz, un contributo critico di Daria Jorioz e una raccolta di testi di Alessandro Mendini.

Enzo Cacciola (Arenzano, 1945) ripercorre in questo volume quarant'anni di attività, da cui emerge la peculiarità di un'indagine complessa sviluppatasi intorno al tema della pittura. Come spiega l'artista, ciò che dà significato al dipingere è il processo operativo con cui questo si attua. Le varie fasi del lavoro partecipano in egual misura alla produzione del concetto che si vuole esprimere, dalla costruzione dei telai alla stesura del colore. I materiali che Cacciola utilizza sono di tipo industriale: tele, telai, viti, bulloni, cementi, resine e colori stessi provengono dalla manifattura industriale, e si trasformano in mezzi di acuta provocazione pittorica, dove la ricerca va di pari passo con le problematiche di una società in continua trasformazione. Il catalogo è accompagnato da una conversazione con Cacciola raccolta da Alberto Fiz, e da testi dell'artista stesso.