Il lavoro di Marco del Prà è di matrice espressionista, non parte da un progetto iniziale definito, ma piuttosto cresce su se stesso, durante le varie fasi di lavoro. È una ricerca di matrice processuale, di grande forza espressiva in cui non ha senso cercare di leggere, di interpretare quanto ci troviamo di fronte. Dalla matrice indicale, propria della fotografia, del Prà giunge a un lavoro iconico, che potrebbe rimandare a certa action painting, alle opere in bianco e nero di Emilio Vedova, pittore amato, dalla cui forte gestualità Marco è affascinato sin da ragazzo. Titolo del lavoro e quindi del volume è 'Time is not Counted from Daylight but from Midnight', il tempo non viene calcolato dalla luce del giorno, ma da mezzanotte. Sono parole di una canzone del cantautore americano reggae Vaughn Benjamin, parole ascoltate ossessivamente per centinaia di volte, giorno dopo giorno, che sono entrate a fare parte della sua ricerca poetica. Si parla di luce e di tempo, concetti alla base della fotografia.

Catalogo della mostra (Locarno, Fondazione Ghisla Art Collection, 8 settembre 2019-5 gennaio 2020). Opere di Marina Abramovic, Vito Hannibal Acconci, Nobuyoshi Araki, Vanessa Beecroft, John Coplans, Nan Goldin, Izima Kaoru, Kimsooja, David LaChapelle, Urs Luthi, Robert Mapplethorpe, Fabio Mauri, Ana Mendieta, Bruce Nauman, Shirin Neshat, Luigi Ontani, Dennis Oppenheim, Gina Pane, Irving Penn, Bettina Rheims, Stefano Scheda, Andres Serrano, Cindy Sherman, Spencer Tunick, Peter Welz, Francesca Woodman. Si tratta di una lettura traversale dell'arte, dal dopoguerra a oggi, attraverso il tema del corpo in fotografia, nei lavori di artisti e fotografi internazionali. Un'articolata indagine attraverso il mezzo fotografico che, dai lavori socialmente impegnati degli anni Sessanta e Settanta, porta ai grandi autori della fotografia degli anni Ottanta e giunge sino alla contemporaneità.

Catalogo della mostra 'Sinestesie' di Luca Gilli, tenutasi alla Fondazione Calderara, 22 giugno - 8 settembre 2019. Con testi di Eraldo Misserini e Paola Bacuzzi

La mostra 'Teoria delle apparenze' dedicata a Giulio Paolini, a cura di Angela Madesani e Annamaria Maggi, tenutasi negli spazi della Galleria Fumagalli a Milano nel 2018, nasce dal desiderio di celebrare la poetica di uno dei più grandi maestri dell'Arte Contemporanea Italiana ed Internazionale. L'esposizione, che questo libro documenta, riunisce una selezione di opere che abbracciano il periodo che va dal 1969 al 2015. Pretendere di ricostruire un cammino lungo cinquantasette anni sarebbe stato presuntuoso, quanto eccessivo, qui la volontà è quella di offrire alcuni spunti di riflessione e di mettere in rilievo alcuni dei temi maggiormente trattati dall'artista nella sua ricerca, per tracciarne un percorso. Il libro testimonia, attraverso i testi delle curatrici e le immagini della mostra, l'impulso e l'interesse che hanno stimolato questo progetto dedicato a un grande anticipatore dell'Arte Concettuale; dai primi lavori sul disegno geometrico alle creazioni più recenti, l'opera di Giulio Paolini si rivela come uno studio sulla genesi di una pluralità di forme e immagini, una ricerca e una pratica continue del 'celare' e dello 'svelare'.

Un libro monografico sulla scultura di Daniele Nitti Sotres che riassume una stagione di sperimentazione dagli inizi a oggi. Un volume che ci porta a scoprire le molteplici forme della ricerca di Nitti Sotres volta alla contaminazione di materiali differenti che assemblati si alimentano di reciproca energia.

'Fotografare una città significa fare scelte tipologiche, storiche, oppure affettive, ma più spesso vuol dire cercare luoghi e creare storie, relazioni anche con luoghi lontani archiviati nella memoria, o addirittura luoghi immaginari. Questi luoghi sono strade, edifici, piazze, scorci, orizzonti, più raramente vedute panoramiche, che alla fine si risolvono in un viaggio, un percorso dentro la città. Il compito del fotografo è di lavorare sulla distanza, di prendere le misure, di trovare un equilibrio tra un qui e un là, di riordinare lo spazio, di cercare infine un senso possibile del luogo'. (Gabriele Basilico, 2001)

Chronos è un'ampia rassegna sul concetto di tempo attraverso il lavoro di 46 artisti contemporanei. Il riferimento primigenio è a Chronos, una divinità delle teorie teogoniche orfiche, intorno alla figura di Orfeo, un dio alato privo di vecchiaia, che è all'inizio del tutto. Si tratta di un'indagine in cui la storia dell'arte è un punto di riferimento obbligato: il tempo è, infatti, il materiale fondamentale degli storici. Anche se con l'arte contemporanea cambiano i presupposti, come affermato da Nathalie Heinich, e ci troviamo di fronte a un vero e proprio genere. Una mostra che indaga i concetti di memoria, storia, ma anche la loro negazione, di tempo dell'esistenza e di assoluto. Il Tempo è uno stato che trova una chiara definizione nelle opere di artisti apparentemente assai lontani tra loro: da Roman Opalka a Maria Lai, da Nanni Valentini a Piero Fogliati, opere che sono poste in stretto dialogo fra loro per dare vita a un'intensa coralità.

Trentatré immagini di Jacques Henri Lartigue (Courbevoie, 1894-Nizza, 1986), uno dei più noti fotografi francesi del XX secolo, riscoperto dal MoMA negli anni sessanta del Novecento. Le fotografie, fra le quali alcune inedite, offrono un intenso spaccato della vita dell'alta borghesia francese della Belle Époque: la famiglia, i viaggi, la passione per le corse automobilistiche, le dame eleganti del Bois de Boulogne. Curata da Angela Madesani, la mostra presso il Museo Bagatti Valsecchi espone materiali originali provenienti dalla Donation Jacques Henri Lartigue e costituisce un'occasione di conoscenza della ricerca dell'artista, i cui scatti sono custoditi nelle collezioni permanenti di noti musei quali le Galeries Nationales del Grand Palais di Parigi. La rassegna presenta anche rare immagini a colori dell'ultimo periodo del fotografo, scattate soprattutto nel sud della Francia e in Piemonte.

Mostra e catalogo rendono omaggio a Lino Pesaro (1879-1938) - organizzatore di esposizioni d'arte e di vendite all'asta di primaria importanza - analizzando trent'anni di attività di uno dei più solerti mercanti d'arte milanesi. Dopo la dispersione all'asta di intere collezioni e la chiusura delle molteplici mostre, ciò che rimane delle opere passate nella galleria Pesaro sono le pubblicazioni che accompagnarono questi eventi e che ci permettono di ricostruire una storia unica e ricca di fascino. Sono stati schedati oltre 380 cataloghi, in parte lussuose edizioni con copertine disegnate da artisti. Il saggio di Angela Madesani racconta il vivace spaccato storico della città ambrosiana riconoscendo il giusto peso alla Galleria Pesaro; ad arricchirlo un'appendice documentaria sulla figura di Lino Pesaro, curata da Saverio Almini. Nicoletta Colombo approfondisce l'importanza del passaggio in galleria di numerosi capolavori del XIX sec., poi confluiti in collezioni pubbliche e private. Elisabetta Staudacher, propone una insondata lettura di Lino Pesaro collezionista di dipinti del XIX secolo, la cui raccolta venne dispersa.

'L'attuale edizione vuole ricostruire la lunga campagna fotografica da me realizzata in Francia nel 1984-85 per incarico della Mission Photographique de la DATAR: le fotografie sono diventate 71 e una sequenza finale presenta 135 foto minimali, 9 per pagina, che consentono un ulteriore approfondimento'. (Gabriele Basilico)

Il volume raccoglie i lavori di Gabriele Basilico (1944-2013) che, dedicati al tema del paesaggio, ne evidenziano lo sguardo 'progettuale': il fotografo, infatti, architetto di formazione, era particolarmente interessato ai problemi legati all'urbanistica, nonché allo sviluppo e alla trasformazione dell'ambiente naturale. La raccolta si apre con una selezione di fotografie appartenenti al ciclo Bord de Mer, lavoro realizzato a metà degli anni Ottanta e che ha fatto conoscere Basilico in ambito internazionale: una ricerca in cui si evidenzia, tra l'altro, uno stretto rapporto con la storia dell'arte, in particolare con i vedutisti del Settecento. Un'ampia selezione è poi riservata a due gruppi di lavori realizzati in Svizzera: uno dedicato agli interventi architettonici di Luigi Snozzi a Monte Carasso (Locarno), l'altro al paesaggio del passo del San Gottardo, letto come arteria vitale tra il Nord e il Sud dell'Europa.

La pittura di Domenico D'Oora si offre senza limiti, in un territorio che non è certo quello della narrazione. Nella mostra fiorentina, intitolata Colore pensiero concreto, sono due le tipologie di opere, quelle di diversi materiali, in cui talvolta è inserito anche il plexiglass, e quelle su tela grezza, preparata sia nella parte anteriore che posteriore. Coinvolgente è il ponderato incontro tra un'arte senza tempo, la pittura, che è nella storia dell'uomo, e i materiali tecnici che richiamano al tempo in cui viviamo. La storia dell'arte, che mai per l'artista è citazione, è stata studiata e metabolizzata nel corso degli anni, sin dai tempi del liceo artistico e dell'Accademia.

'Quando Angela Madesani mi parlò di questa mostra, mi sembrò del tutto naturale accogliere il suo progetto. Conosco infatti da sempre Fernando De Filippi, siamo amici, anche se per tanti anni non ci siamo frequentati molto. Lui, impegnato com'era nel suo lavoro di direttore dell'Accademia di Brera, svolto con evidente successo, tanto da essere più volte riconfermato. Un lavoro, certo, prestigioso e impegnativo, con cui la sua ricerca artistica ha dovuto convivere, rinnovando quella tensione creativa che si era sviluppata durante gli anni Sessanta e Settanta in modo puntuale e intelligente. Guardando a ritroso si nota come questa sua ricerca fosse assolutamente coerente con l'epoca assai turbolenta che allora tutti noi giovani stavamo attraversando. Un periodo impregnato e carico di ideologie e pensieri che oggi potrebbero erroneamente apparire polverosi, se non addirittura superati, ma anche di un desiderio profondo di confrontarsi con la modernità e con il suo strumento più incisivo, quello della comunicazione, così come ci aveva storicamente insegnato Filippo Tommaso Marinetti. Un guazzabuglio inestricabile che la ricerca artistica di Fernando De Filippi declina in moltissime e diverse forme...' (Gino Di Maggio)

Catalogo delle opere di Danilo Bucchi curato da Angela Madesani.

Catalogo ragionato mostra.

'Si tratta di reagire a quel che si vede, senza preconcetti; si possono trovare immagini da fotografare ovunque, basta semplicemente notare le cose, interessarsi a ciò che ci circonda e occuparsi dell'umanità' (Elliott Erwitt).

Silvia Celeste Calcagno (Genova, 1974) fa dell'antitesi la chiave della sua poetica. Da una parte la materia per antonomasia, la ceramica; dall'altra la leggerezza, l'immagine fotografica e il video. I contenuti dei suoi lavori, installazioni performative, racchiudono la stessa dicotomia: bellezza e dolore, carnalità e anima, sangue e pensiero. In una ossessiva riproduzione fotografica di sé, Silvia Celeste Calcagno parla della vita attraverso la morte; del sonno attraverso l'incubo; del dolore attraverso il corpo. Cercandosi e perdendosi nella sua stessa immagine riflessa.

Fotografa, scrittrice e intellettuale, Lucia Moholy (nata Lucia Schulz, Karolinenthal, Praga, 1894 - Zollikon, Zurigo, 1989) è una figura centrale nella storia della fotografia del Novecento, nonostante la sua opera sia stata a lungo messa in ombra dalla fama del marito, il celebre artista László Moholy-Nagy. Nella sua produzione fotografica, parte integrante dell'avanguardia tedesca della Neue Sachlichkeit (Nuova Oggettività), spicca l'eccezionale documentazione da lei realizzata sull'esperienza del Bauhaus: le immagini della scuola, i ritratti dei maestri, gli oggetti e gli arredi, sono considerate delle vere e proprie icone della cultura del moderno. Attraverso i saggi accolti in questo volume - il più completo in lingua italiana dedicato alla fotografa - è possibile comprendere e delineare la complessità della sua personalità artistica, al fine di restituirle il dovuto ruolo all'interno della storia della cultura del XX secolo. Il volume è completato da apparati biobibliografici.

Spesso ci si trova di fronte ad artisti che scelgono in modo mirato di utilizzare un medium e di farlo in un certo modo con una particolare scelta dei soggetti. Gli stessi offrono logiche spiegazioni a tutto, motivando perfettamente le cose. Si presentano, così, al mondo, agli spettatori, ben sapendo cosa e come lo si vuole trasmettere. Con Claus Vittur, schivo e restio nel parlare dei suoi lavori e delle sue scelte, uomo delle montagne che si scopre e si apre a poco a poco con la parsimonia e la riservatezza di chi medita a lungo, la faccenda è diversa. La sua è una ricerca introspettiva, che rivela le tracce della sua introversione.