Il volume documenta il ciclo espositivo MY30YEARS - Coherency in Diversity ideato e curato nel 2021 da Lóránd Hegyi per omaggiare i trent'anni di carriera della gallerista Annamaria Maggi. Il ciclo espositivo, composto da otto mostre, ha coinvolto dodici artisti, fra maestri e artisti più giovani, seguiti o rappresentati dalla Galleria Fumagalli. Per ogni occasione Lóránd Hegyi ha posto in dialogo tre artisti su alcuni temi specifici, allo scopo di far emergere inedite connessioni e analogie tra le loro differenti ricerche artistiche, evitando ogni imposizione concettuale e lasciando alle opere tutta la loro unicità e autonomia di significato.

Catalogo della mostra allestita alla Castiglia di Saluzzo, da ottobre a dicembre 2019. Le opere esposte, realizzate da artisti italiani e stranieri di fama internazionale, in gran parte giovani, si presentano come suggestioni immediate, capaci di creare empatia con chi le guarda aprendo ciascuna un piccolo microcosmo in cui nulla è rigido e preconfezionato. La riscoperta del disegno da parte di molti artisti, in particolare giovani, è in accordo con la capacità di questa forma espressiva di riflettere la nostra contemporaneità, complessa e fragile al tempo stesso, fluida e sfuggente, impossibile da decodificare in maniera univoca. Edizione bilingue in italiano e in inglese. Traduzioni in inglese di Alessandra Appel-Palma, Lidia Nonato e Judith Wolfframm.

Il volume raccoglie le fotografie di Massimiliano Camellini e Yves Bresson, protagoniste della Mostra 'La suite du temps' allestita presso la sede del Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Saint-Etienne Métropole (F) dal 14 febbraio al 17 maggio 2015. Ciò che lega il lavoro dei due artisti è la loro profonda ed empatica sensibilità verso gli oggetti abbandonati, dimenticati, appartenenti a una realtà materiale trascorsa, della quale non rimangono le tracce di persone attive e in comunicazione tra loro, bensì del loro ambiente, delle loro attrezzature e dei loro oggetti. Nelle fotografie dei locali dismessi dell'ex Cotonificio Leumann di Collegno, in Piemonte, e di un'officina di lame per falci di Pont-Salomon, nell'Alta Loira, i materiali e gli spazi, l'architettura e la natura, le tracce degli uomini e l'impronta del tempo si lasciano percepire come se ogni cosa avesse una duplice vita: una vita per noi oggi, che osserviamo tutto come testimoni e lo ricostruiamo come archeologi; e un'altra vita per gli uomini di un'epoca conclusa, ora scomparsi, che hanno abitato questi spazi attualmente vuoti, parzialmente in rovina e riconquistati dalla natura.

Attraverso un gruppo di lavori degli ultimi vent'anni si ripercorre il lungo cammino di Gianni Dessì, teso - da sempre - al recupero 'degli strumenti primari di un linguaggio, di un possibile alfabeto, che possa nuovamente assumere un carattere universale'. In questo senso, le sue esperienze nell'ambito del teatro d'avanguardia, prima, la sua pittura e, da qualche tempo, la scultura, si concentrano nella valutazione delle potenzialità di questo linguaggio a 'creare segni, forme e immagini che, pur affondando le loro radici nel passato, si mostrino al nostro sguardo come assolutamente contemporanee'. Snodo di questo personalissimo percorso intellettuale ed emotivo che, sulla scia di un concetto caro ad Ezra Pound e ora a Dessì, vuole raccogliere nell'immagine un istante di tempo, è il disegno. Il segno che si deposita sulla carta rendendola, in piccoli frammenti, immediatamente parte dell'origine del linguaggio, dell'occhio che entra nel cuore delle cose e riesce ad analizzare l'azione stessa del guardare, sottolinea, di anno in anno, senza cedimento alcuno, le evoluzioni di una ricerca che è riuscita a riappropriarsi di una perduta capacità di raffigurare la realtà.

A prima vista, l'arte di László Fehér (Ungheria, 1953) può sembrare monotona, ripetitiva, tematicamente poco fantasiosa. Motivi semplici come una famiglia unita, momenti di vita quotidiana, gente che passeggia in un parco o sulla costa di un fiume, o ancora località di villeggiatura spopolate, uomini e donne sedute a osservare, adulti e bambini in attesa... i paesaggi delle sue tele sono popolati da figure di questo tipo. Non accade nulla di significativo, l'interazione fra i personaggi è ridotta alla più semplice espressione. Le figure sono reali, eppure la loro realtà ne evoca un'altra, collocata altrove, nel tempo e nello spazio. Esistono fuori dal tempo, pur restando inesorabilmente, dolorosamente e provvisoriamente attori di momenti passeggeri, pronti a svanire come le ombre al crepuscolo. L'artista ci persuade che la realtà di un'immagine sia la nostra sola chance di sottrarre gli istanti passeggeri della vita al tempo. E ci svela che tutto il mondo è essenziale, tutto ha la sua importanza e la sua dignità. László Fehér è il pittore dell'assoluto. Le sue pitture sono pitture assolute. Sono trasformate in realtà assoluta e sono così sottratte al disfacimento del tempo.

Il volume racconta il dialogo fra l'abbandono che attraversa gli spazi ormai storici dell'ex Ospedale Neuropsichiatrico di Racconigi e le opere di Ugo Giletta. 'Immagini dell'abbandono' trova, nelle fotografie di questo volume, particolare cura nel trasmettere la sua dimensione sociale, cioè l'esperienza fisica del guardare e vedere l'arte realizzata; in quegli spazi, in quel luogo, in quel tempo. Il volume è introdotto oltre che dal curatore Lóránd Hegyi, dal prof. Giovanni Tesio. La suggestione iniziale nasce dal lavoro che l'editore ha compiuto per oltre due anni con la Soprintendenza Archivistica per il Piemonte e la Valle d'Aosta sull'archivio dell'ex Ospedale Neuropsichiatrico, memoria in questo caso restituita dall'abbandono e culminata nel riordino e nella pubblicazione collegata.

Attraverso un gruppo di lavori degli ultimi vent'anni si ripercorre il lungo cammino di Gianni Dessì, teso, da sempre, al recupero 'degli strumenti primari di un linguaggio, di un possibile alfabeto, che possa nuovamente assumere un carattere universale'. In questo senso, le sue esperienze nell'ambito del teatro d'avanguardia, prima, la sua pittura e, da qualche tempo, la scultura, si concentrano nella valutazione delle potenzialità di questo linguaggio a 'creare segni, forme e immagini che, pur affondando le loro radici nel passato, si mostrino al nostro sguardo come assolutamente contemporanee'. Snodo di questo personalissimo percorso intellettuale ed emotivo che, sulla scia di un concetto caro ad Ezra Pound e ora a Dessì, vuole raccogliere nell'immagine un istante di tempo, è il disegno. Il segno che si deposita sulla carta rendendola, in piccoli frammenti, immediatamente parte dell'origine del linguaggio, dell'occhio che entra nel cuore delle cose e riesce ad analizzare l'azione stessa del guardare, sottolinea, di anno in anno, senza cedimento alcuno, le evoluzioni di una ricerca che è riuscita a riappropriarsi di una perduta capacità di raffigurare la realtà.

Richard Nonas nasce nel 1936 negli Stati Uniti. La sua prima attività, come antropologo, e le missioni che hanno trovato approvazione (vivere con gli indiani del Messico, gli Inuits in Canada e gli indiani in Arizona), permeano tutte le sue sculture. Ciò che potrebbe sembrare, a prima vista, un'arte concettuale e minimalista, in realtà è più vicina a un'arte primitiva: le riflessioni dell'artista nella loro realizzazione poggiano sulla sensibilità dei materiali, e ancor di più sul loro rapporto fisico coi luoghi in cui sono inseriti. Richard Nonas realizza semplici allestimenti, ripetitivi, che vanno a marcare un territorio predefinito - uno spazio naturale o una sala di museo. I materiali utilizzati sono sempre legati alla storia del luogo nel quale si iscrivono. Il lavoro dell'artista, notoriamente vicino a Gordon Matta-Clark e al suo gruppo di Anarchitettura negli anni '70, ha contribuito, con Dennis Oppenheim e Richard Tuttle, alla ricontestualizzazione del linguaggio formale minimalista.

Isola, avventura, estremismo, iper-intensità, trasgressione, follia sono tutte metafore di qualcosa di molto speciale, unico ed essenziale per l'umanità: l'esperienza artistica della totalità. 'Isole mai trovate' presenta un'immagine inevitabilmente personale, poetica, profondamente emotiva e che, al tempo stesso, parla del destino e dell'impegno dell'artista come protagonista della società, come micro-istituzione culturale. Le isole sono quelle particolari aree creative, uniche e individuali, nelle quali tutti gli artisti concretizzano e comunicano il loro inconfondibile approccio, il loro linguaggio e il loro sistema di simboli, nonché la loro propria visione ideologica, filosofica, estetica e storica del mondo. La vita e il lavoro degli artisti possono essere compresi anche attraverso la ricerca metaforica delle 'loro isole', dei 'loro luoghi', dei 'loro terreni' e della loro propria sfera di competenza.

Il catalogo offre un suggestivo percorso alla scoperta dell'opera di Omar Galliani (Montecchio Emilia, 1945), uno dei più grandi e virtuosi maestri del disegno contemporaneo che, legandosi saldamente all'attualità, si riallaccia per tecnica e simbologia alla tradizione della Scuola del Rinascimento Italiano, di matrice leonardesca e correggesca. La sua poetica evocativa tocca la linea di confine tra il Mito e la Realtà, mostrandoci ora i minacciosi e affascinanti Denti di Sant'Apollonia che si trasformano in costellazioni inghiottite dal buio della grafite, ora anatomie corporee che svelano dietro alla visione cruda i loro riferimenti simbolici o ancora disegni siamesi e macchie d'inchiostro che suggellano il felice incontro tra la purezza della carta seta e lo sfumato di derivazione classica. Il catalogo, con testi di Lóránd Hegyi e dell'artista, è completato da apparati biografici.

Scatti fotografici che documentano minuziosamente i cosiddetti non luoghi. Ambienti di transito , comuni spazi di attraversamento , scuole, stazioni, sale d'aspetto e spazi pubblici. 'La serie dei recenti lavori fotografici di Marina Paris rappresenta vari interni, lunghi corridoi, stanze o sale più o meno grandi di vecchi palazzi, a volte vuote, a volte ammobiliate oppure arredate in altro modo. Le vecchie tappezzerie, i soffitti con decorazioni in stucco, i pavimenti in terracotta o pietra, i parquet, i colori delle pareti e dei soffitti presentano un mondo materiale, reale e afferrabile in cui le esperienze abituali trovano conferma nelle apparenze visive. L'atmosfera di questo ambiente architettonico vuoto è distaccata, abituale, reale e impersonale. Ciò nonostante nasce una strana sensazione, si crea un disorientamento latente, inspiegabile, lo spettatore si chiede se in quegli spazi non ci sia qualcosa che non concorda totalmente con le sue abituali esperienze...osservando più a lungo i lavori recenti di Marina Paris, ci si rende gradualmente conto che tali spazi presentano determinate irregolarità rispetto a una struttura architettonica logica. Ci sono delle porte che non hanno nessuna funzione ragionevole, effetti di luce che non corrispondono alle condizioni reali dello spazio in questione, elementi architettonici che non si addicono alla struttura generale dell'edificio che lo spettatore si immagina, anche se non si tratta di contraddizioni drammatiche'. (Lorand Hegyi)

Isola, avventura, estremismo, iper-intensità, trasgressione, follia sono tutte metafore di qualcosa di molto speciale, unico ed essenziale per l'umanità: l'esperienza artistica della totalità. 'Isole mai trovate' presenta un'immagine inevitabilmente personale, poetica, profondamente emotiva e che, al tempo stesso, parla del destino e dell'impegno dell'artista come protagonista della società, come micro-istituzione culturale. Le isole sono quelle particolari aree creative, uniche e individuali, nelle quali tutti gli artisti concretizzano e comunicano il loro inconfondibile approccio, il loro linguaggio e il loro sistema di simboli, nonché la loro propria visione ideologica, filosofica, estetica e storica del mondo. La vita e il lavoro degli artisti possono essere compresi anche attraverso la ricerca metaforica delle 'loro isole', dei 'loro luoghi', dei 'loro terreni' e della loro propria sfera di competenza.

Questo catalogo presenta i nuovi lavori di Marina Perez Simão (Brasile, 1980. Entrare nell'universo di immagini creato dall'artista vuol dire trovarsi in un mondo allo stesso tempo etereo ed intimo. Figure fragili, fini, incredibilmente leggere, quasi immateriali e a volte trasparenti appaiono all'interno di situazioni enigmatiche, poetiche, ma anche spaventose e immaginarie. I suoi disegni non sono passi di trascrizioni dei gesti. Sono piuttosto un esercizio letterario del ritratto, l'indicazione degli aspetti non visibili di un personaggio. Il risultato è modesto a prima vista, e 'anti-monumentalistico'. L'esperienza dell'opera non è offerta allo spettatore, ma viene vissuta piuttosto come una riflessione intima, che gli impone una certa esigenza e curiosità che deve essere finalmente rivelata. Testi di: Camila Bechelany, Lóránd Hegyi, Mathew Wood, Sheyla S. Zandonai.

Il catalogo e la mostra «Passage d'Europe», in programma al Musée d'Art Moderne di Saint-Etienne Métropole, affrontano la questione della lunga divisione politica ed economica fra Est e Ovest presentando, da un lato, una selezione di strategie estetiche di giovani artisti contemporanei, provenienti dai paesi nuovi membri dell'Unione, che hanno come tema la situazione attuale del loro paese e partecipano al dibattito artistico della nostra epoca e, dall'altro, una selezione dei grandi creatori storici che hanno influenzato l'espressione artistica odierna.