Il MAN dedica da anni un'attenzione costante e strutturata alla fotografia, intesa come linguaggio chiave della contemporaneità e strumento privilegiato per osservare, raccontare e interrogare il mondo. Il museo ha sviluppato nel tempo progetti che alternano la valorizzazione di figure storiche a un'apertura verso le ricerche più attuali. Con Isole minori. Note sul visivo dal 1990 ad oggi, a cura di Walter Guadagnini e Giangavino Pazzola, il museo prosegue il proprio impegno nella ricerca fotografica, offrendo uno sguardo sulle pratiche che hanno interrogato il concetto di insularità da diverse prospettive estetiche, geografiche e politiche. La mostra attraversa decenni di trasformazioni, mettendo a fuoco il modo in cui l'obiettivo degli artisti ha ridefinito l'immaginario dell'insularità mediterranea - e della Sardegna in particolare - attraverso le opere di Mimmo Jodice, Massimo Vitali, Ralph Gibson, Vanessa Winship e George Georgiou, Paola De Pietri e molti altri. Ancora una volta, il MAN conferma la propria vocazione come luogo di studio, produzione e valorizzazione dei linguaggi visivi contemporanei: un museo che, a partire dal proprio territorio, si affaccia al mondo (Tonino Rocca, presidente MAN)

Al centro del volume Women Power c'è l'universo femminile, immortalato in prima persona dalle autrici e degli autori di Magnum Photos. Diciotto sguardi di differenti generazioni e provenienze geografiche che hanno raccontato i grandi cambiamenti degli ultimi settant'anni. All'inizio degli anni cinquanta, la storica agenzia ammette, infatti, le prime due fotografe, l'austriaca Inge Morath e l'americana Eve Arnold, dando nuovo impulso al modo di fare e di intendere il fotogiornalismo. Nel corso dei decenni successivi, le donne diventano sempre più protagoniste attive della narrazione della realtà. Attraverso il loro sguardo, nel racconto dell'esperienza umana, la vita dei singoli si intreccia con le grandi vicende dell'attualità, e la Storia diventa il sentiero lungo il quale scorrono infinite storie, raccolte e narrate in ogni angolo del mondo.

Il volume presenta l'opera di Davide Benati (Reggio Emilia, 1949), che torna ad esporre nella sua città natale presentando una panoramica del suo intero percorso artistico, ormai quarantennale, attraverso opere storiche e inedite. La pubblicazione, dal titolo Encantadas, si apre con la produzione dei primi anni Ottanta, che ha dato notorietà a Benati: acquarelli di grande formato su carta di riso di raffinata sensibilità, immagini eteree che uniscono Oriente ed Occidente, sogno e realtà. Prosegue poi con una scelta di opere realizzate tra gli anni Novanta e l'inizio del nuovo millennio e si conclude con una serie di grandi trittici inediti, che testimoniano la continuità dell'ispirazione di Benati e il suo straordinario uso della luce e del colore.

Il catalogo raccoglie gli interventi realizzati in occasione di Fotografia Europea, festival culturale internazionale dedicato alla fotografia contemporanea giunto alla diciannovesima edizione e promosso dalla Fondazione Palazzo Magnani e il Comune di Reggio Emilia. Il volume accompagna le tante mostre personali e collettive di questa edizione accumunate dall'utilizzo della fotografia come strumento per riflettere sulle complessità della contemporaneità. Con La natura ama nascondersi, omaggio al frammento di Eraclito, Fotografia Europea 2024 si propone di celebrare una coscienza eco-centrica, immaginando nuove narrazioni, forme e interpretazioni, presentando i vari modi in cui i concetti di natura si manifestano attraverso la fotografia e il cinema contemporanei.

Il volume, realizzato in collaborazione con la Fondation Henri Cartier-Bresson di Parigi, curato da Clément Chéroux, direttore della stessa fondazione, e Walter Guadagnini, direttore di Camera - Centro Italiano per la Fotografia, accompagna l'appuntamento autunnale con la fotografia di Palazzo Roverella, dedicato ad Henri Cartier-Bresson (1908-2004) e l'Italia. Attraverso circa 160 fotografie ed altri numerosi documenti - giornali, riviste, volumi -, il libro presenta per la prima volta in maniera esaustiva e approfondita il rapporto tra colui che è stato definito 'l'occhio del secolo' e l'Italia, ripercorrendo le tappe di un rapporto iniziato prestissimo, già negli anni Trenta, e proseguito sino al momento in cui Cartier-Bresson ha abbandonato la fotografia, negli anni Settanta. Dal primo viaggio in compagnia dell'amico André Pieyre de Mandiargues, poeta e scrittore, e della sua compagna, la pittrice Leonor Fini, in cui scatta alcune delle sue immagini più famose, al secondo viaggio negli anni Cinquanta in Abruzzo e Lucania sulle tracce di Carlo Levi, proseguendo con i servizi per le riviste illustrate dell'epoca, tra cui 'Holiday' e 'Harper's Bazaar', dedicati soprattutto a Roma, Napoli, Venezia, per concludere, nuovamente a Matera un vero e proprio ritorno sui luoghi frequentati vent'anni prima, in cui è facile leggere l'avanzare della modernità e la persistenza delle identità locali.

Il volume fotografico è dedicato a Mimmo Jodice (Napoli, 1934), fotografo d'avanguardia fin dagli anni sessanta, attento alle sperimentazioni ed alle possibilità espressive del linguaggio fotografico. Protagonista instancabile nel dibattito culturale, ha portato alla crescita e successivamente all'affermazione e al riconoscimento della fotografia italiana anche in campo internazionale. La pubblicazione, nata dalla collaborazione tra Fondazione Zegna e CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, presenta la serie fotografica realizzata da Mimmo Jodice a Trivero, nel Biellese, negli spazi interni ed esterni del Lanificio Ermenegildo Zegna e nella circostante Oasi Zegna tra la primavera e l'inverno del 2008. 40 fotografie inedite raccontano tutti i tratti salienti della poetica del grande fotografo, in particolare la capacità di trasformare luoghi, edifici, oggetti ed elementi naturali in apparizioni metafisiche, sospese nel tempo e nello spazio, senza rinunciare alla riconoscibilità dei soggetti.

Dopo le personali dedicate a Dorothea Lange e André Kertész, camera presenta con circa 120 fotografie uno dei momenti cruciali della storia della fotografia del XX secolo, il rapporto professionale e affettivo fra Robert Capa (Budapest, 1913 - provincia di Thai Binh, 1954) e Gerda Taro (Stoccarda, 1910 - Madrid, 1937), tragicamente interrottosi con la morte della fotografa in Spagna. Fuggita dalla Germania nazista lei, emigrato dall'Ungheria lui, Gerta Pohorylle e Endre - poi francesizzato André - Friedmann (questi i loro veri nomi) si incontrano a Parigi nel 1934, e l'anno successivo si innamorano, stringendo un sodalizio professionale e sentimentale che li porta ad impegnarsi nella fotografia e nella lotta politica. Il volume racconta l'intensa stagione di fotografia, guerra e amore di questi due straordinari personaggi attraverso le fotografie di Gerda Taro e quelle di Robert Capa, nonché dalla riproduzione di alcuni provini della celebre 'valigia messicana', contenente 4.500 negativi scattati in Spagna dai due protagonisti della mostra e dal loro amico e sodale David Seymour, che ha permesso di attribuire correttamente una serie di immagini di cui fino ad allora non era chiaro l'autore o l'autrice.

Il volume presenta due cicli del lavoro di Paolo Novelli (Brescia, 1976), fotografo tra i più interessanti e coerenti della generazione emersa negli anni duemila. Novelli realizza fotografie dal 1997, utilizzando esclusivamente fotocamere analogiche e pellicola in bianco e nero, sfruttando la luce naturale in assenza di filtri, una prassi operativa che viene amplificata da una premeditata anarchia operativa nell'uso dell'apparecchio fotografico. Le due serie - 'La notte non basta' e 'Il giorno non basta' - presentano un unico soggetto, le finestre, coperte da persiane chiuse o murate: una ricerca lenta, in cui le finestre sono intese come soglia, punto d'incontro tra dentro e fuori, luce e ombra, attraverso immagini tanto più silenziose quanto più evocative

Il volume nasce in occasione della grande retrospettiva dedicata dal Jeu de Paume alla fotografa e attivista italiana Letizia Battaglia (1935-2022) e presentata allo Château de Tours. Famosa per il suo lavoro su Cosa Nostra, la mafia siciliana che regnò negli Anni di Piombo, il suo lavoro colossale - ha prodotto più di 500.000 fotografie - è tuttavia molto vario. Questo volume rivela il viaggio incandescente della fotografa dai suoi esordi a Milano negli anni '70 fino alla sua morte nel 2022 nella sua città natale. Mette in risalto, attraverso una selezione di circa 200 stampe originali e moderne, la straordinaria capacità di Letizia Battaglia di mostrare al mondo con passione ardente, in modo diretto, senza nascondere alcun aspetto, da quello più spaventoso a quello più poetico.

Il volume accompagna la mostra allestita a Pistoia, presso il Palazzo Buontalenti, dal 16 marzo al 14 luglio 2024. La Pop Art si caratterizza fin da subito come fenomeno prettamente metropolitano: da Londra, dove nasce nel 1956, si sviluppa infatti a New York, Los Angeles, Parigi, per diffondersi poi in tutto il mondo, divenendo il principale linguaggio artistico del decennio, almeno fino al 1968. Una volta approdata anche nel nostro paese mantiene questa caratteristica, sviluppandosi in particolare a Roma, Torino e Milano. Ed è proprio partendo dal concetto di città, inteso non solo in senso geografico ma anche quale elemento di una rete di connessioni che tiene insieme artisti, eventi, gallerie e istituzioni, che la mostra intende indagare alcuni dei luoghi nevralgici della Pop in Italia. Non solo però le 'capitali dell'arte', ma anche centri apparentemente più defilati come Pistoia, dove si formò un gruppo detto 'Scuola di Pistoia', in grado di dialogare alla pari con gli omologhi della Scuola di Piazza del Popolo; Palermo, sede di 'Revort 1' e 'Revort 2', esposizioni in cui l'arte si aprì al confronto con la letteratura e la musica; e Venezia, dove la Biennale del 1964 segnò una svolta, con il premio a Robert Rauschenberg e la definitiva consacrazione della Pop Art in Europa. A questi luoghi ed eventi sono dedicati specifici approfondimenti testuali e visivi, che rendono il catalogo che accompagna la mostra non solo uno strumento per orientarsi in una delle correnti artistiche più celebrate del secolo scorso ma anche una vera e propria guida per un tour ideale nell'Ital

Margaret Bourke-White (1904-1971), è una tra le fotografe più autorevoli della storia del fotogiornalismo. Fu tra le prime donne fotografe ad affrontare un ambiente ed un settore fino ad allora prettamente maschile, la prima fotografa straniera ad avere il permesso di scattare foto in URSS e la prima donna fotografa a realizzare una copertina di Life. Il volume monografico presenta l'opera di questa pioniera dell'informazione e dell'immagine, Margaret Bourke-White ha esplorato ogni aspetto della fotografia: dalle prime immagini dedicate al mondo dell'industria e ai progetti corporate, fino ai grandi reportage per le testate internazionali più importanti; dalle cronache sul secondo conflitto mondiale, ai celebri ritratti di Stalin prima e poi di Gandhi; dal Sud Africa dell'apartheid, all'America dei conflitti razziali fino al brivido delle visioni aeree del continente americano.

Al centro del volume Fotografia è donna c'è l'universo femminile, immortalato in prima persona dalle autrici e degli autori di Magnum Photos. Diciotto sguardi di differenti generazioni e provenienze geografiche che hanno raccontato i grandi cambiamenti degli ultimi settant'anni. All'inizio degli anni cinquanta, la storica agenzia ammette, infatti, le prime due fotografe, l'austriaca Inge Morath e l'americana Eve Arnold, dando nuovo impulso al modo di fare e di intendere il fotogiornalismo. Nel corso dei decenni successivi, le donne diventano sempre più protagoniste attive della narrazione della realtà. Attraverso il loro sguardo, nel racconto dell'esperienza umana, la vita dei singoli si intreccia con le grandi vicende dell'attualità, e la Storia diventa il sentiero lungo il quale scorrono infinite storie, raccolte e narrate in ogni angolo del mondo. Oltre a presentare il lavoro di autrici e autori come Eve Arnold, Robert Capa, Cristina De Middle, Elliott Erwitt, Susan Meiselas e Alessandra Sanguinetti, i saggi contenuti all'interno del volume, firmati da Walter Guadagnini e Monica Poggi, raccontano il fondamentale ruolo di professioniste e fotografe nello sviluppo del linguaggio fotografico degli ultimi decenni.

Autrice dell'iconica Migrant Mother, l'immagine che meglio di qualunque altra ha saputo esprimere la tragedia della Grande depressione, Dorothea Lange (Hoboken, New Jersey, 1895 - San Francisco, 1965) è considerata una delle fotografe più importanti della storia. Con oltre 200 fotografie, il volume si concentra in particolare sugli anni trenta e quaranta, picco assoluto della sua attività: in seguito alla grave siccità che colpisce il paese, viene infatti incaricata dalla Farm Security Administration del governo americano di documentare l'esodo dei lavoratori agricoli che migrano verso ovest in cerca di un futuro migliore. In lunghi viaggi Lange realizza migliaia di scatti, immortalando volti e storie rimasti per sempre nell'immaginario collettivo. Lange, eccelsa ritrattista, riesce a raccontare il vissuto emotivo di chi incontra, sottolineando il grande potere della fotografia di dare voce a persone altrimenti invisibili nello scorrere della storia.

Fotografie, disegni, dipinti e sculture: oltre duecento opere raccontano il lavoro e la vita di un genio del Novecento, Emmanuel Radnitzky, in arte Man Ray. Passato alla storia come uno dei più grandi fotografi del secolo scorso, Man Ray è stato anche uno straordinario pittore, scultore e regista d'avanguardia, la cui poetica è stata caratterizzata fin dagli esordi dall'ironia, dalla sensualità e dalla volontà di sperimentare, di rompere gli schemi e creare nuove estetiche. Dalla New York dei primi del Novecento, in cui è uno dei protagonisti del Dada americano insieme a Marcel Duchamp, amico e complice artistico di una vita, alla Parigi degli anni venti e trenta nel pieno della stagione d'oro del Dadaismo e del Surrealismo, Man Ray è al tempo stesso protagonista e testimone. È il narratore per immagini di una delle stagioni più affascinanti della cultura del XX secolo, ritrattista di un mondo irripetibile e inventore di immagini divenute autentiche icone. Fino alla fine della sua lunga carriera Man Ray non ha mai smesso di sperimentare, di esplorare le possibilità creative offerte dalla fotografia, dalla pittura e dai ready-made, di reinventare cioè il mondo attraverso l'arte, con infinita ironia e intelligenza.

Il volume ripercorre tutta l'opera di André Kertész, uno dei grandi protagonisti della fotografia del XX secolo, dalle prime fotografie amatoriali scattate nel suo paese d'origine e durante gli anni della prima guerra mondiale, alle celebri icone realizzate nella Parigi capitale del mondo culturale degli anni tra Venti e Trenta, i capolavori realizzati nello studio del pittore Piet Mondrian, le scene di strada, fino alle 'distorsioni' che lo hanno reso una figura di primo piano anche nell'ambito surrealista. La selezione delle opere presentate getta poi una nuova luce sulla lunga seconda parte della sua esistenza, trascorsa al di là dell'Oceano, in un clima culturale profondamente diverso: le immagini di questi anni dimostrano infatti come da un lato Kertész continui la sua ricerca ritornando sugli stessi temi, dall'altro evidenzia l'effetto che le nuove architetture, i nuovi stili di vita, i nuovi panorami cittadini hanno sulla sua fotografia. La pubblicazione celebra anche il sessantesimo anniversario della presenza del fotografo alla Biennale di Venezia: la traccia delle opere in mostra si basa infatti sulla lista manoscritta delle opere esposte in quell'occasione, ritrovata tra i documenti presenti negli archivi della MPP. Il volume accompagna la grande mostra antologica promossa da Camera- Centro Italiano per la Fotografia di Torino in collaborazione con la Médiathèque du patrimoine et de la photographie (MPP) di Parigi - Istituto che conserva gli oltre centomila negativi e tutti gli archivi donati dal fotografo allo Stato francese nel 1984.

Il catalogo presenta il mondo dei giochi di piazza e dello spettacolo all'aperto visto attraverso l'obiettivo di 18 celebri fotografi italiani che documentano la trasformazione delle tante modalità di giocare e divertirsi dal secondo dopoguerra fino alla nascita della moderna industria dell'intrattenimento. Contestualmente evidenzia come la fotografia sia cambiata nel tempo dal periodo Neorealista fino ad una raffigurazione più ambientale che sfocia negli anni Ottanta e Novanta in una dimensione impersonale e priva di socialità. Ideata da Giangavino Pazzola, curatore di CAMERA, il catalogo correda la mostra de La Venaria Reale (Torino), nella quale oltre 120 fotografie a colori e in bianco e nero che hanno come soggetto persone di tutte le età intente a praticare diverse attività ludiche, oltre ad abitudini, professioni e luoghi che hanno delineato una nuova relazione delle persone con il concetto di tempo libero.

Fotografe! rappresenta un ambizioso progetto che ha per assolute protagoniste le autrici, le fotografe di ieri e di oggi. Il catalogo è completo e fedele testimone della mostra, che ha per sedi Villa Bardini e Forte di Belvedere, in cui si mettono in dialogo opere originali degli Archivi Alinari con produzioni contemporanee. La ricerca negli Archivi Alinari arriva a creare un percorso che dalla fotografia delle origini attraversa il Novecento e arriva ai nostri giorni, affiancando i primi procedimenti fotografici alle sperimentazioni contemporanee. Emerge la centralità di alcune personalità - spesso sottostimate - nello sviluppo della ricerca fotografica sin dai suoi albori, mentre la presenza delle autrici contemporanee costituisce un ulteriore momento di riflessione che investe le pratiche artistiche odierne, a partire dal rapporto con il passato e con la memoria. In mostra vintage prints, album e negativi, opere originali di oltre quaranta fotografe, in molti casi inedite, a partire da quelle delle prime dagherrotipiste degli anni '40 dell'Ottocento, come la francese Bernardine Caroline Théodora Hirza Lejeune (Parigi 1824-1895). Le stampe originali di Julia Margaret Cameron, Dorothea Lange, Margaret Bourke-White, Lucia Moholy, Maria Mulas, Ketty La Rocca, Lisetta Carmi, Diane Arbus, Bettina Rheims. Opere che hanno fatto la storia della fotografia e che vengono fatte dialogare con le produzioni delle autrici italiane Eleonora Agostini, Arianna Arcara, Federica Belli, Marina Caneve, Francesca Catastini, Myriam Meloni, Giulia Parlato, Roselena Ramistella, Sofia Uslenghi, Al

Lucio Fontana (Rosario di Santa Fè 1899 - Comabbio 1968) è tra i maestri indiscussi dell'arte del XX secolo, figura carismatica radicale e dirompente, costante punto di riferimento per gli artisti delle generazioni successive. Sperimentatore totale, pioniere dello Spazialismo, mutò il linguaggio dell'opera d'arte sovvertendo schemi rappresentativi che parevano immutabili. Il volume ripercorre la parabola creativa di questo artista rivoluzionario, seguendo come traccia la conversazione tra Fontana stesso e la storica dell'arte Carla Lonzi, da lei pubblicata nel 1969 in una celebre raccolta di interviste intitolata 'Autoritratto'. Sul filo della narrazione - ripubblicata in queste pagine - viene proposto un percorso antologico con lavori che toccano i momenti salienti e peculiari della ricerca fontaniana, un vero e proprio itinerario nel pensiero e nella pratica dell'artista: dalle sculture degli anni Trenta ai 'Concetti spaziali' ('Buchi' e 'Tagli') dagli anni Quaranta ai Sessanta, oltre ai 'Teatrini' e alle 'Nature' bronzee. Il volume documenta anche alcune opere provenienti dalla collezione personale di Fon-tana, di artisti più giovani da lui seguiti e promossi, e una suggestiva serie di fotografie storiche scattate da Ugo Mulas.contributi di: Walter Guadagnini, Gaspare Luigi Marcone, Stefano Roffi, Paolo Campiglio, Mauro Carrera, Lara Conte, Maria Villa.

In un momento come quello attuale, la frase di Camus induce a una riflessione sulle forze interiori che guidano l'uomo nelle sue azioni in ogni momento della vita: la capacità di resistere alle avversità, di non essere sopraffatti dalle difficoltà del momento e naturalmente il coraggio, senza tralasciare la capacità di persistere attraverso le scelte concrete del presente. La traduzione di queste tematiche nel linguaggio della fotografia si concentra proprio sulla resistenza così come sulle differenti reazioni possibili a fronte dell'emersione di una nuova realtà. Ora abbiamo la possibilità di ri-esistere, considerare le scelte relative al proprio ruolo nel mondo; essere coraggiosi e onorare l'importanza di sapere sempre guardare al mondo con occhi aperti. La volontà, dunque, di attraversare 'l'inverno' nella consapevolezza che esiste veramente, dentro di noi, 'un'invincibile estate'. Fotografia Europea è un festival internazionale dedicato alla fotografia contemporanea, promosso dalla Fondazione Palazzo Magnani e dal Comune di Reggio Emilia. Punto di partenza è la fotografia come strumento per riflettere sulle complessità della contemporaneità, seguendo la lezione del fotografo reggiano Luigi Ghirri (1943-1992). Il festival si svolge in diversi luoghi della città, pubblici e privati, formali e informali, che diventano lo scenario delle mostre dedicate, ogni anno, a un tema specifico individuato dal comitato scientifico. Alle mostre si affianca un denso calendario di incontri, conferenze, proiezioni, workshop, letture portfolio e spettacoli site-specific. Arricchisce inoltr

«Purtroppo noi non abbiamo potuto partecipare, non avendo televisione, alla spedizione sulla luna, come avremmo voluto [...] quando non si può vedere niente, le cose sembrano troppo lontane ed estranee. [...] A parte qualche spedizione di tanto in tanto, non vedo che lo spazio e gli altri pianeti faranno ancora parte della nostra vita. Saranno forse i nostri figli e certo i nostri nipoti che vivranno in questa nuova dimensione. A noi non resta che applaudire i pionieri, con un fondo d'amarezza persino quando constatiamo che per finanziare il mondo di domani si lascia che quello d'oggi, che è il nostro, marcisca nell'ingiustizia, nella fame ecc. Pazienza. Certo è che quando uno passa il fiore del proprio tempo in un torrido studio a dipingere mettiamo un bottone, come faccio io, allora il dubbio sorge d'essere una mummia, un uomo delle caverne, alienato dal proprio tempo. Ma è solo un dubbio, perché guardandosi in giro le cose ci rassicurano: all'uomo d'oggi, all'uomo col quale m'intrattengo colla mia pittura, l'avventura spaziale è ancora profondamente estranea, mentre il bottone, eh, il bottone è cucito solidamente al tessuto dell'esperienza d'ognuno... Il ruolo degli artisti poi, incluso quelli d'«avanguardia» non è quello di indovini o di veggenti, ma quello antico di cronisti del proprio tempo, e il nostro tempo, ammettiamolo, è ben lontano dalla luna, per lo meno al livello dell'uomo comune.» (da una lettera di Domenico Gnoli alla madre, 4 agosto 1969)

Un reportage fotografico d'autore dedicato al tema del cambiamento climatico La monografia, che accompagna la mostra inaugurale del nuovo museo di Intesa Sanpaolo in Piazza San Carlo a Torino, presenta il lavoro del fotogiornalista italiano Paolo Pellegrin, attraverso i reportage fotografici che l'autore ha dedicato al tema del cambiamento climatico. Paolo Pellegrin (1964) è uno dei maestri indiscussi della fotografia contemporanea internazionale. Nel corso della sua lunga carriera, ha saputo documentare la realtà della nostra epoca con una rara consapevolezza del duplice ruolo della fotografia: da un lato testimonianza del reale e dall'altro strumento di indagine della soggettività. Questo corpus di immagini è dedicato a uno dei temi centrali della contemporaneità: il rapporto tra l'uomo e la natura. Paolo Pellegrin ha viaggiato per oltre un anno alla ricerca di immagini che immortalassero la grandiosità della natura: dall'Islanda alla Groenlandia, dalla Sicilia al Trentino Alto-Adige, dalla Namibia al Costarica, i suoi scatti si raccolgono attorno alla presenza dei quattro elementi naturali (terra, acqua, aria e fuoco), sui quali l'umanità si interroga da sempre, in una sorta di interpretazione metaforica e spirituale che scavalca le rigidità delle conoscenze scientifiche. Un viaggio per il mondo che accomuna il vicino e il lontano nelle implicazioni che derivano dal cambiamento nel nostro ecosistema. Se in uno dei suoi lavori precedenti, un reportage pubblicato sulla rivista 'Time' nel 2018, Pellegrin puntava l'obiettivo sui ghiacciai dell'Antartide in via di sciogliment

Come rialzarsi e ripartire dopo una pandemia e un lockdown globale? Provando, attraverso l'arte dei grandi fotografi, a descrivere come l'uomo ha vissuto e affrontato i cambiamenti della società negli ultimi trent'anni. Il catalogo accompagna la mostra allestita al Museo Archeologico Regionale di Aosta (27 maggio-10 ottobre 2021) che propone una narrazione per immagini della società degli ultimi trent'anni, dalla caduta del Muro di Berlino all'attuale pandemia. È ispirata all'esposizione del 1955 'The Family of Man' organizzata al MoMa per cercare nell'arte le basi della ripartenza dopo la tragedia della Seconda guerra mondiale. In parallelo questa nuova mostra cerca di trovare le basi per rialzarsi dopo l'immobilismo e il senso di spaesamento provocati dalla pandemia. I temi affrontati sono di straordinaria attualità: la globalizzazione, l'immigrazione, l'affermazione della virtualità, la sostenibilità, le questioni di genere e, infine, la pandemia. Per evidenziare come la cultura fotografica del nostro paese abbia saputo descrivere e interpretare gli eventi e le suggestioni di questi anni il catalogo, come la mostra, propone un dialogo tutto italiano. Attraverso scatti d'autore dei maggiori protagonisti della fotografia contemporanea (Ferdinando Scianna, Giovanni Gastel, Letizia Battaglia), immagini di cronaca e fotografie di talenti emergenti come Antonio Rovaldi e Niccolò De Giorgis, viene raccontata la storia del linguaggio fotografico che si evolve insieme al 'racconto umano' nella società contemporanea. Traduzioni in francese di Jérôme Nicolas e Silvia Guzzi per Scri

Il volume, a cura di Walter Guadagnini e con contributi di Raffaella Perna e Monica Poggi, evidenzia la specificità della presenza femminile nell'evoluzione del linguaggio fotografico mondiale a partire dagli anni trenta del Novecento, decennio in cui, con l'affermazione delle riviste illustrate, la pratica fotografica ha avuto una diffusione e un'incidenza sulla conoscenza del mondo mai raggiunte in precedenza. In particolare vengono messe in risalto quelle figure che hanno raccontato e continuano a raccontare il mondo e le sue storie, sia attraverso la classica forma del reportage, sia attraverso i grandi progetti di documentazione, sia attraverso la rilettura in chiave artistica delle tante questioni aperte nella società contemporanea. Con oltre 150 immagini, divise in tre grandi sezioni cronologiche, sono presentate figure ormai leggendarie della fotografia mondiale, che si sono confrontate con i grandi temi della crisi economica, della tragedia della guerra e del momento della ricostruzione, o che hanno affrontato i grandi rivolgimenti sociali e di costume del proprio tempo, dall'affermazione della società dei consumi alla lotta contro le discriminazioni, dalla presa di coscienza femminile alle questioni di genere. Infine, le fotografe del nuovo secolo, rappresentanti di ogni parte del mondo globalizzato, a rimarcare la peculiarità di questo momento storico e come esso si rispecchia nella ricerca fotografica contemporanea.

Catalogo della Sedicesima edizione della mostra 'Fotografia Europea', presso la Fondazione Palazzo Magnani di Reggio Emilia.

Il volume raccoglie gli ultimi vent'anni di ricerca artistica di Walter Niedermayr (Bolzano, 1952) uno fra i più importanti fotografi italiani contemporanei. Attraverso i temi ricorrenti della sua opera come i paesaggi alpini, le architetture e il rapporto fra lo spazio pubblico e lo spazio privato, viene evidenziato l'interesse dell'autore per l'indagine dei luoghi non solo dal punto di vista geografico, ma anche da quello sociale. Sebbene in continuità con l'eredità della tradizione fotografica italiana legata al paesaggio, la ricerca visiva di Niedermayr è rilevante per la capacità di rileggere tale argomento e rinnovarlo sia dal punto di vista concettuale che formale: per il fotografo altoatesino, il paesaggio non può essere approcciato con un'esclusiva intenzione documentaria, ma appare come perno di una relazione trasformativa tra ecologia, architettura e società. Con una cinquantina di opere di grande formato, spesso presentate nella formula del dittico e del trittico e caratterizzate da tonalità poco contrastate e neutre, questo progetto ci racconta una simultaneità di attività umane e non, che coesistono e trovano un equilibrio instabile in costate mutamento.

Il volume è dedicato al fenomeno della staged photography, la tendenza che a partire dagli anni ottanta ha rivoluzionato il linguaggio fotografico. Attraverso oltre cento opere, il volume racconta come la fotografia abbia saputo raggiungere tra la fine del XX e gli inizi del XXI secolo vertici di fantasia e di invenzione prima affidate quasi esclusivamente al cinema e alla pittura. Pesci rossi che invadono le stanze, cascate di ghiaccio nei deserti, città inventate, Marilyn Monroe e Lady D. che fanno la spesa insieme: tutto questo può accadere grazie a veri e propri set cinematografici allestiti per costruire una realtà parallela, oppure grazie alle nuove tecnologie e in particolare attraverso l'uso sempre più sofisticato di Photoshop, messo in commercio nel 1990. La fotografia, regno della documentazione e dell'oggettività (presunte) diventa il regno della fantasia, dell'invenzione e della soggettività, compiendo l'ultima decisiva evoluzione della sua storia. Artisti: Jeff Wall, Cindy Sherman, James Casebere, Sandy Skoglund, Yasumasa Morimura, Laurie Simmons, David Lachapelle, Bernard Faucon, Eileen Cowin, Bruce Charlesworth, David Levinthal, Paolo Ventura, Lori Nix, Miwa Yanagi, Alison Jackson, Julia Fullerton Batten, Jung Yeondoo, Jiang Pengyi.

Una delle più importanti raccolte al mondo di fotografia italiana del dopoguerra. Il volume è introdotto da una lunga conversazione tra il collezionista e Walter Guadagnini, nella quale Bertero racconta non solo la nascita della collezione, ma anche le sue passioni, il clima culturale in cui è cresciuto, gli incontri con i maestri della fotografia di ieri e di oggi. Le oltre 250 immagini che compongono il volume sono accompagnate da brevi testi che forniscono ulteriori suggestioni e chiavi di lettura di un materiale vasto, che spazia dalla grande storia alle storie quotidiane, dai volti ai luoghi, dall'Italia al mondo. La raccolta comprende alcuni dei nomi più importanti della fotografia mondiale del dopoguerra, da Robert Capa a David Seymour a William Klein oltre ai protagonisti primari della fotografia italiana, a partire dai maestri della stagione neorealista per giungere ai rappresentanti della scuola italiana del paesaggio emersa negli anni ottanta, da Patellani a Ghirri, da Giacomelli a Basilico, da Secchiaroli a Carmi, per citare solo alcuni degli oltre 120 fotografi presenti nel volume.

Prima monografia dedicata all'opera di Paolo Ventura (Milano, 1968). Ventura si è affermato nel panorama della fotografia artistica, offrendo un'interpretazione singolare e assolutamente originale della staged photography, una forma d'arte in cui la fotografia è il prodotto finale di un processo creativo che, nel suo caso, prevede la preparazione di scenari e soprattutto di manichini: questi, insieme a personaggi reali fra i quali compare spesso anche lo stesso artista, sono i protagonisti dei suoi racconti. In queste ambientazioni tridimensionali Ventura ricrea, e poi fissa attraverso la fotografia, uno spazio mentale che rimanda all'atmosfera propria del 'realismo magico' e al sapore fiabesco dell'infanzia, generando un contrasto volutamente surreale con la profondità di alcuni temi trattati (come la guerra, l'abbandono, la memoria, l'identità). Il volume offre uno sguardo complessivo su quindici anni di attività dell'artista, attraverso la presentazione di ventuno serie dal 2005 a oggi, che permettono di evidenziare l'evoluzione del suo linguaggio che, oltre alla fotografia, si esprime anche attraverso la pittura. La monografia accoglie i testi critici di Walter Guadagnini e Francine Prose, un'intervista a Ventura raccolta da Monica Poggi e apparati biografici.

La rassegna 'Futuro' curata da Luca Beatrice e Walter Guadagnini, apre una riflessione di straordinaria attualità sul concetto di 'futuro' attraverso le visioni dell'arte, dagli anni '60 - decennio del boom economico, della crescita demografica, dell'ottimismo e del consumismo che nell'arte si traducono nell'era pop e nell'esplosione dei fenomeni giovanili -, fino a una società che si è trovata a vivere contemporaneamente il cambio di un secolo e di un millennio, attesi con grandi aspettative e alcune paure. L'esposizione e il catalogo offrono l'opportunità di conoscere le collezioni del Gruppo Intesa Sanpaolo, ma non solo: sono presentate oltre novanta opere di artisti italiani e internazionali come Boccioni, Fontana, Christo, Boetti, Rotella, Warhol, Lichtenstein, Rauschenberg, Schifano, Hirst, provenienti da importanti collezioni private e dalla collezione Intesa Sanpaolo. Il volume riprende e approfondisce tutti i temi e i percorsi della mostra. Al dialogo sul futuro tra Luca Beatrice e Walter Guadagnini segue il saggio di Aldo Grasso, L'ombra del Futuro. Si snodano poi le sezioni allo spazio e al tempo, due concetti che in ambito artistico (e non solo) finiscono per misurarsi con il tema del futuro; e al futuro in tutte le sue possibili declinazioni: Il futuro è il presente, Il futuro è il politico, Il futuro è il successo, Il futuro è il postumano, Il futuro è l'ambiente. Insieme alle opere, le immagini fotografiche provenienti dall'Archivio Publifoto Milano, parte della collezione Intesa Sanpaolo, accompagnano la time-line dei singoli decenni e raccontano l'idea di f

Ritrattista e fotografo di moda per professione, artista per vocazione, Man Ray trova nella figura femminile uno dei suoi massimi interessi: modelle, muse ispiratrici, compagne, allieve e colleghe, come Berenice Abbott, Lee Miller, Meret Oppenheim, Nusch Eluard, Kiki de Montparnasse, Dora Maar, Juliet, rappresentano un universo di rapporti tanto differenti quanto cruciali nell'evoluzione della sua vita e della sua poetica. A loro volta, tali donne sono state in alcuni casi grandi fotografe, in altri figure centrali nella storia culturale dell'epoca, così come emerge da questo volume, curato da Walter Guadagnini e Giangavino Pazzola, che mette in dialogo oltre cento capolavori dell'artista americano, vere icone della fotografia del XX secolo, con le immagini delle protagoniste di una straordinaria stagione della cultura mondiale.