Promossa dalla Fondazione Museo Antonio Ligabue e pubblicata in occasione del cinquantenario della morte, una grande monografia su uno dei più geniali e originali artisti del Novecento italiano. Centottanta opere tra dipinti, sculture, disegni e incisioni (alcune decine mai esposte in precedenza, tra le quali diversi autoritratti, impietosa raffigurazione di sé), ripercorrono la tormentata opera di Antonio Ligabue e confermano, al di là delle fuorvianti definizioni di naïf o di artista segnato dalla follia, il fascino di questo 'espressionista tragico' di valore europeo, nella cui opera, che fonde esasperazione visionaria e gusto decorativo, spira il vento del moderno. Di Ligabue è ormai nota la triste odissea esistenziale che segnò profondamente il suo lavoro. Espulso dalla Svizzera per la sua vita turbolenta, Antonio Ligabue arriva nell'agosto 1919 a Gualtieri; l'impatto con il nuovo ambiente si rivela da subito triste e doloroso. I primi dipinti di Ligabue (nei quali traspare il suo grande interesse per i musei di scienze naturali e per gli animali in genere) risalgono alla fine degli anni Venti; sono gli anni in cui Ligabue incontra a Gualtieri Marino Mazzacurati. La difficile e tormentata vita di Ligabue, segnata da ostilità e incomprensioni, e da ricoveri all'Istituto Psichiatrico San Lazzaro di Reggio Emilia e al Ricovero di mendicità di Gualtieri, è tutta dedicata, fino alla morte, alla pittura e alla scultura, nonostante le diffuse derisioni e i mancati riconoscimenti.

Il volume rappresenta un omaggio a Ludovico Ariosto, nato a Reggio Emilia nel 1474 e morto a Ferrara nel 1533, celeberrimo autore dell'Orlando Furioso. Questa è, come noto, una delle opere che più hanno goduto di ammirazione e interesse nel corso dei secoli, per la modernità della sua struttura articolata attraverso trame a incastro -, e soprattutto per il carattere di pura meraviglia che trapela dal mondo tratteggiato dallo scrittore. Il volume intende mostrare, al giorno d'oggi, la capacità che ancora ha il poema di muovere l'immaginario creativo, non solo nella letteratura ma in campi artistici quali la pittura, la scultura, l'illustrazione e la fotografia: numerosissimi gli artisti coinvolti, da Mimmo Palladino a Sandro Chia, da Emilio Isgrò a Omar Galliani, da Enzo Cucchi a Franco Vaccari, e ancora le tavole di Guido Crepax, Sergio Toppi, Grazia Nidasio o le fotografie di Marco Bolognesi, Nino Migliori e Vittore Fossati. Il volume accoglie inoltre i testi di importanti autori italiani e stranieri, che offrono lo spunto per ribadire l'attualità della figura di Ariosto e della sua opera.

Catalogo dell'omonima mostra, tenuta ai Chiostri di San Domenico di Reggio Emilia, dal 17 marzo 2013 al 25 aprile 2013. Novanta artisti, in maggior parte italiani, sono stati invitati a donare un'opera creata appositamente, a partire da una delle bandiere storiche italiane.

Il volume, curato da Sandro Parmiggiani, pubblica tutte le 440 incisioni che Della Torre ha realizzato dal 1952 a oggi, corredate da schede minuziose, comprensive della tiratura e della dimensione delle lastre e dei fogli di carta utilizzati per ciascuna opera. Accanto al testo del curatore, è presente anche un contributo di Ernesto Ferrero, oltre a una ricca antologia critica e agli apparati completi, comprendenti la biografia dell'artista, la bibliografia e l'elenco delle esposizioni. Nel percorso artistico di Enrico Della Torre (Pizzighettone, 1931), il corpus dell'opera grafica ha un'importanza fondamentale per meglio comprendere la genesi segreta del lavoro di questo maestro dell'astrattismo lirico che, partendo agli esordi da un dato di natura trasfigurato, ha poi sempre saputo fondere realtà e immaginazione: acqueforti, litografie e silografie sono state a volte, in Della Torre, pur nella totale autonomia del loro linguaggio, luogo di sperimentazione e di rivelazione di intuizioni che poi sono trasmigrate nei suoi dipinti.

La fotografia è strumento di registrazione, di conservazione, di diffusione e di recupero delle memorie individuali e collettive. La memoria è un processo cognitivo ed emotivo di non del tutto dischiusa complessità: si assimilano determinate cose, le si conserva e poi, talvolta, le si estrae dai misteriosi cassetti in cui erano state collocate. Bruno Cattani ha dato l'impegnativo titolo di 'Memorie' a questa ricerca fotografica, avviata alcuni anni fa con la ricognizione su alcuni scorci della sua città natale, Reggio Emilia, e poi proseguita e sviluppata in altri rivoli: ecco scorrere davanti a noi frammenti di vedute della città e della campagna, del mare e della montagna, immagini del tempo dorato dell'infanzia e di luoghi abbandonati. Il mondo pare, spesso, essere visto attraverso una sorta di filtro che opacizza l'immagine, la rende insieme meno nitida e più penetrante, dentro un'aria di crepuscolo e di caligine, pervasa di un sentimento dolente e struggente del tempo: quel filtro sono gli occhiali della memoria, con cui guardiamo qualcosa che fa affiorare in noi un certo ricordo lontano, magari al limite tra ciò che è conscio e ciò che resta nell'inconscio o alla metà del transito. Si respira, in molte di queste fotografie, la consapevolezza che Georges Braque aveva nel tempo maturato: 'La sola cosa che ci rimane è quella che ci tolgono, ed è la cosa migliore che possediamo'.

Che cosa resta degli 'ultimi naturalisti', i pittori che Francesco Arcangeli (Bologna 1915-1974) tenne a battesimo in 'Gli ultimi naturalisti' (1954) e difese poi strenuamente in 'Una situazione non improbabile' (1957), i due memorabili saggi pubblicati su 'Paragone'? La mostra alla Fondazione Magnani Rocca, con opere accuratamente selezionate, e il catalogo, ricco di testi, di documenti e di testimonianze, riflettono sul persistente valore della visione di Arcangeli e della pittura dei tre artisti, Ennio Morlotti (Lecco 1910 - Milano 1992), Pompilio Mandelli (Luzzara 1912 - Bologna 2006), Mattia Moreni (Pavia 1920 - Brisighella 1999), che il critico elesse a rappresentanti più significativi della propria visione della natura: una natura naturans, più non immobile e distante, ma vegetante e fermentante: 'Natura è la cosa immensa che non vi dà tregua, perché la sentite vivere tremando fuori, entro di voi: strato profondo di passione e di sensi, felicità, tormento'.

Il volume è il catalogo della mostra con doppia sede espositiva (Brescello, 2 maggio-13 giugno 2010; Fontanelle di Roccabianca, 1 maggio-27 giugno 2010). 'Mondo piccolo', il titolo del ciclo fotografico di Paolo Simonazzi, fa riferimento al peculiare universo umano e sociale creato da Giovannino Guareschi nell'immediato dopoguerra, con l'epica saga dei suoi due indimenticabili protagonisti, il parroco don Camillo e il sindaco comunista Peppone, dentro i paesaggi e le atmosfere di quella fetta di terra che si snoda lungo le rive emiliane del Po, nelle province contigue di Parma e di Reggio Emilia. Simonazzi s'immerge nel 'Mondo piccolo' portandosi dentro memorie personali, sogni e visioni, e resta in attesa del manifestarsi di un aspetto del reale che lui ha custodito dentro di sé, attento al perenne che si cela nel quotidiano e che viene estratto dal flusso del tempo. Accanto ai volti e ai corpi di chi abita questa terra, ecco lacerti della tradizione musicale e della cultura materiale, luoghi abbandonati, cose che hanno fatto naufragio dentro lo scorrere del tempo, memorie e bagliori di una vita che è difficile capire se ancora sia in atto o se già si sia inabissata e spenta. Il viaggio di Simonazzi pare lo specchio del volto autentico della Bassa e una tutta sua Carte àu Tendré: la mappa di una terra in cui, come voleva Guareschi, ci sia ancora spazio per i sentimenti dei semplici.

Un omaggio a uno dei maestri internazionali della fotografia di paesaggio. Una selezione di 290 fotografie in bianco e nero ripercorrono l'iter creativo del maestro inglese, ma americano d'adozione. Tra queste, 200 costituiscono il vero e proprio percorso antologico, 35 documentano lo sguardo sul territorio reggiano (frutto di ricognizioni sul campo compiute negli ultimi tre anni), 35 si misurano con il perenne fascino di Venezia e 20 ripropongono uno dei cicli storici di Kenna, quello sui campi di concentramento e di sterminio nazisti. Pubblicata in occasione della mostra di Reggio Emilia (Palazzo Magnani, 7 maggio - 18 luglio 2010), la monografia prende il via dalle immagini scattate da Michael Kenna nella natia Inghilterra negli anni Settanta e Ottanta, nelle quali si sofferma sui paesaggi urbani e su quelli di campagna, che posseggono già alcuni caratteri che impregneranno il suo successivo modo di fotografare: un'atmosfera di nebbie e di fumi, catturati in quell'indefinibile momento del crepuscolo o dell'alba. Vengono ripercorse le indagini di Kenna sulle metropoli per arrivare alle immagini dei resti di perdute civiltà lontane, o di creazioni a noi più vicine nel tempo (dalle piramidi egizie e maya al profilo del monastero di Mont-Saint-Michel, alle statue abbandonate a se stesse nei giardini di Francia) e all'indimenticabile ciclo de 'l'impossibile oblio', realizzato negli anni Novanta sui luoghi dei campi di concentramento e di sterminio nazisti.

Lo storico sodalizio dei Cento Amici del Libro, costituito a Firenze nel 1939 da Tammaro de Mariniis, Gilberta Serlupi Crescenzi e Ugo Ojetti, festeggia quest'anno i 70 anni di vita. Scopo principale del sodalizio è la pubblicazione di libri d'artista con grafiche originali. Tra gli artisti che hanno collaborato figurano numerosi nomi di spicco: Melotti, Tamburi, Guttuso, Ruggero Savinio e, in anni più recenti, Arnaldo Pomodoro, Mimmo Paladino, Walter Valentini, Pietro Cascella e Nino Ricci. Ultimi, in ordine di tempo, testi inediti di Mario Luzi, Eugenio De Signoribus e di Jacopo Ricciardi, Yves Bonnefoy, oltre a un volume 'cancellato' di Emilio Isgrò, anch'esso inedito. Il volume è il catalogo della mostra di Reggio Emilia (Palazzo Magnani, 21 novembre 2009 - 17 gennaio 2010).

Quarantasei lavori, provenienti dai maggiori musei americani e francesi, documentano l'opera di Joan Mitchell (Chicago, 1926 - Parigi, 1992), una delle pittrici americane più importanti del XX secolo. La monografia, pubblicata in occasione della prima grande antologica in Italia a lei dedicata, presenta l'intero percorso dell'artista - dal 1950 agli ultimi dipinti realizzati nei giorni immediatamente precedenti la sua scomparsa - attraverso una selezione di opere, alcune di grandi dimensioni, quali 'Les bleuets' (1973), 'A small garden' (1980), entrambi del Centre Pompidou di Parigi e 'Edrita Fried' della Joan Mitchell Foundation di New York. La pittura di Joan Mitchell, esito di un gesto che tradisce l'ansia e il desiderio di vivere e di dipingere, è sempre di altissima qualità, per l'equilibrio formale, gli accordi tonali, e lo svolgimento di un ritmo che si può seguire in ogni sua opera.

Il volume permette di seguire l'ininterrotto dialogo di Ruggeri con la pittura e la sua tradizione - emblematicamente testimoniato dai dipinti che recano, nel titolo, un esplicito riferimento a Tintoretto, Caravaggio, Rembrandt, Mattia Preti, Goya, Monet, esplorata nella dimensione del segno e del colore, della stesura della materia pittorica e della costante tensione a una forma, risultato di un fare pittorico apparentemente casuale e immediato. I dipinti di Ruggeri fondono sguardo e memoria della natura nell'ambiente in cui ha scelto di vivere, isolato e lontano dalle grandi città, e quotidiani trasalimenti dell'anima, ma vi si può sempre cogliere la vocazione internazionale dell'artista, che da subito aspira a dialogare con le esperienze più alte che negli anni cinquanta s'andavano svolgendo in Europa e in America, da De Staël a De Kooning, da Wols, Dubuffet, da Appel e Jorn, a Kline. Ruggeri è pittore 'colto', non solo per sensibilità vigile e filtro del dibattito contemporaneo, ma anche per continua rivisitazione critica e per analisi del vocabolario pittorico. Il volume è il catalogo della mostra tenuta a Reggio Emilia (8 marzo-20 aprile 2008).

Richard Estes è noto internazionalmente come uno dei fondatori dell'iperrealismo e uno dei protagonisti della pittura contemporanea americana.Nato a Kewanee, Illinois, il 14 maggio 1932, è il cantore della metropoli americana, il sottile indagatore dell'evoluzione del paesaggio urbano, la cui storia potrebbe agevolmente essere ricostruita attraverso i suoi dipinti (sul catalogo compaiono dipinti di Venezia, Firenze, Barcellona, Cordova, Hiroshima), ma è anche attento a altre realtà, come i paesaggi, per esempio, in cui la natura incontaminata dispiega la sua forza (l'imponente Machu Picchu, le vibrazioni luminose del mare visto da un traghetto sulle coste del Maine). Le sue opere rivelano il suo rapporto con la tradizione delle 'vedute' di Canaletto, Guardi e Bellotto, l'influenza di maestri americani quali Thomas Hart Benton, Edward Hopper e Charles Sheeler testimoni della solitudine moderna e del conflitto tra uomo e natura - e la sua attenzione alla fotografia di Eugene Atget, Walker Evans e Berenice Abbott. La mostra di Palazzo Magnani a Reggio Emilia - che approda in giugno 2007 al Museo Thyssen di Madrid - è la prima esposizione personale dell'artista americano in Europa.

Il catalogo, realizzato in occasione della mostra organizzata da Palazzo Magnani a Reggio Emilia, si propone di documentare il percorso creativo uno dei più interessanti protagonisti della pittura italiana del dopoguerra dagli anni Sessanta a oggi. Come ricorda, Sandro Parmiggiani, curatore della mostra e del volume, i pastelli per Forgioli rappresentano 'l'intuizione prima, sorgiva, lo strumento con il quale lui si esprime con l'immediatezza e la freschezza di una mano che si fa sismografo di una memoria, di una visione interiore'. Brani di paesaggio, persone, animali, umili cose (dalla bistecca alle scarpe da tennis e ai jeans), sono rappresentati da Forgioli al centro della superficie pittorica, sul palcoscenico di una sorta di 'teatro della crudeltà' attorno al quale si danno il vuoto, l'assenza di ogni figura, attraverso un processo di strazio e di scomposizione, di disossamento dell'immagine, che rivela, mediante i bagliori, i grumi, le 'anatomie del colore', le innervazioni di quel corpo messo a nudo nella sua segreta, più vitale struttura.

'Senza di loro, nemmeno io' presenta circa 120 opere dei più importanti fotografi del Novecento - da Eugène Atget ad André Kertész, da Arnold Newman a Irving Penn, da Henri Cartier-Bresson a Joel Peter Witkin, da Diane Arbus a Richard Avedon, da Michael Kenna a Eikoh Hosoe - appartenenti alla collezione di Pierre Borhan, l'importante collezionista francese, autore di monografie e curatore di mostre fotografiche, già direttore del Patrimoine Photographique del Ministero della Cultura di Francia a Parigi.

Il volume, che accompagna la prima personale italiana di Boris Savelev (Chernowitz, 1948), presenta oltre sessanta immagini a colori di uno dei maggiori fotografi russi contemporanei, realizzate in alcune città dell'Europa - Chernowitz, Mosca, Londra, Madrid, Roma - tra il 1988 e il 2004. La sezione più ricca è quella dedicata a Reggio Emilia, con 22 immagini che Savelev ha scattato durante il suo soggiorno nell'ottobre 2004.

Partendo dal 1960 (La colonna del viaggiatore) per giungere ai nostri giorni, cinquanta sculture, alcune delle quali monumentali, e una selezione di 90 opere grafiche ripercorrono quarantacinque anni di produzione di Arnaldo Pomodoro (Morciano di Romagna, 1926), lo scultore italiano contemporaneo più noto e apprezzato a livello internazionale.

Raffaello Gori è nato Tizzana (PT) nel 1936. Diplomato in Grafica Pubblicitaria all'Accademia Cappiello di Firenze compie negli anni Settanta esperienze vicine a Miccini ed alla Poesia Visiva. Negli anni recenti ha ritrovato gli stilemi iniziali, con colori pastello, percorsi da segni grafici eleganti e gestuali, che tengono conto delle variazioni cromatiche prodotte dal passaggio dalla luce artificiale a quella naturale.

Il volume è il catalogo della mostra di Reggio Emilia (Palazzo Magnani e Gualtieri, Palazzo Bentivoglio, 27 maggio - 18 settembre 2005). La mostra, con oltre cento dipinti, novanta tra disegni e incisioni originali (nella tiratura firmata dall'artista) e quasi settanta terrecotte e sculture in bronzo documenta in modo esaustivo l'intero percorso creativo di Antonio Ligabue facendo emergere la figura artista completo, padrone della tecnica e incredibilmente abile nel proiettare sulla tela i suoi stati d'animo.

Una monografia dedicata a Manolo Valdés pubblicata in occasione della prima antologica italiana del grande artista spagnolo, a quarant'anni di distanza dalla storica mostra del gruppo Equipo Crónica tenutasi a Reggio Emilia nel 1965. Il volume ripercorre il cammino di Manolo Valdés dal 1982 a oggi attraverso una sessantina di dipinti di grandi dimensioni e sculture, oltre a un nucleo di una ventina di disegni e circa cinquanta incisioni. Il volume è il Catalogo della mostra di Reggio Emilia (Palazzo Magnani, 19 marzo-15 maggio 2005).