Nell'arte del Novecento e contemporanea la spiritualità è motivo portante di molte creazioni. Al di fuori della specifica committenza di opere di destinazione religiosa, liturgica ed ecclesiale, un'arte fondata su ragioni interne al suo stesso linguaggio e sulla necessità di esprimere percorsi di ricerca interiore o di ascendere a tematiche universali e metafisiche si è manifestata come modello di una spiritualità indipendente, che si è confrontata specificamente anche con le ragioni e le possibilità del sacro. A partire dalle istanze che hanno motivato le origini dell'astrattismo, il superamento della materialità e il riemergere della forza del simbolo, è emersa l'importanza del vuoto, della luce e di altre forme di manifestazione dell'interiorità, dell'invisibile, del trascendente nel linguaggio specifico dell'arte. Sulla base di tali esperienze, in tempi recenti si è assistito a un nuovo confronto della committenza ecclesiastica con le prospettive culturali più attuali. Anche in relazione alle modalità con cui le istituzioni si sono rapportate alle forme dell'arte contemporanea, i testi qui raccolti e organizzati intendono offrire materia di riflessione all'interno di un percorso in atto. Oltre a riferirsi ad alcune figure che hanno segnato la storia del confronto con i temi del sacro e dello spirituale nel corso del Novecento - da Gaetano Previati ai futuristi, da Vasilij Kandinskij a Lucio Fontana - sono oggetto di approfondimento artisti come Pietro Coletta, Hidetoshi Nagasawa, Mimmo Paladino, Claudio Parmiggiani, Mario Raciti, Ettore Spalletti, Valentino Vago, Willia

Catalogo della mostra.

Questo libro si rivolge a chiunque abbia fatto esperienza della malattia nell'arco della propria esistenza o a chi ne sia stato in qualche modo coinvolto. Si rivolge, quindi, a tutti. Di qui la domanda stringente dell'essere umano sul perché del dolore, della sofferenza e del male. Con Giobbe, Paolo, ma soprattutto attraverso l'incontro di Gesù con i malati - L'indemoniato di Gerasa, I lebbrosi, L'epilettico indemoniato, La donna guarita, Il buon samaritano, Il paralitico di Cafarnao, Il cieco nato, Maria di Magdala... - gli Autori mostrano che la Bibbia è sempre una risposta sapiente alle domande esistenziali dell'uomo e della donna. Comprendere questi interrogativi è una preziosa indicazione per essere "prossimo" a chi è malato. Di più: è una rivelazione, uno sguardo alternativo sulla realtà umana.

Di fronte alla proposta di utilizzare strane farine e cibi sintetici, la "dieta mediterranea" è chiamata a difendere il proprio millenario pedegree, che proprio nel Meridione italiano trova le sue applicazioni più gustose e più variopinte nell'ambito di una cultura materiale che non teme rivalità. Anche gli scrittori scendono in campo per questa battaglia di civiltà, come mostra questa originale raccolta di ricette, composta da un autore che, con brio creativo, ha intinto la penna nei sughi e negli intingoli ai cui vapori sventola la bandiera identitaria di una regione alimentare come la Puglia.

Potevano i coraggiosi e appassionatissimi nerd che hanno spiegato la serie di Neon Genesis Evangelion fermarsi di fronte alla nuova versione cinematografica meglio nota come Rebuild of Evangelion? Assolutamente no! Ecco dunque questo secondo volume che si fa carico del gravoso compito: trovare il fil rouge della tetralogia che ha sbancato il botteghino in Giappone e che ha fatto parlare di sé anche in Italia... forse non per i motivi che pensate! Include inoltre l'analisi del manga che fa da ponte fra il secondo e il terzo film, mai pubblicati in Occidente.

Ma quanti Cooper ci sono? Chi sono i buoni e i cattivi all'interno della Loggia Nera? Chi è davvero Sarah Palmer? E chi è, invece, Judy? Cosa diavolo succede nella puntata 3X08? E soprattutto, se i gufi non sono quello che sembrano, che accidenti sono? Dal team di eroi che è riuscito a spiegare Neon Genesis Evangelion (eroi perché l'hanno guardato trenta volte, non per altro), una guida semiseria volta a scoprire... I segreti di Twin Peaks.

"Nello spazio nessuno può sentirti urlare". Era il 1979 e questa frase accompagnava l'uscita nelle sale cinematografiche di tutto il mondo di un film che sarebbe entrato nell'immaginario collettivo segnando più e più generazioni: "Alien" di Ridley Scott. Da allora il franchise degli iconici xenomorfi intenti a predare su e combattere marines coloniali si è espanso in molteplici direzioni, dai fumetti ai videogames. Ma un mondo tanto vasto può rischiare di confondere: l'aiuto che vi occorre è in questo libro. Un'attenta disamina di ciò che Alien era prima della sua consacrazione universale e di ciò che è stato in ogni fase della sua evoluzione fino a diventare un perfetto organismo.

Un percorso iconografico e tematico fra le rappresentazioni di alcuni temi concernenti la figura della "soglia", intesa come luogo di passaggio fra una realtà e un'altra, fra dimensioni, luoghi e concetti che si definiscono secondo il principio della prospettiva, del quadro, dello schermo e dello spazio praticabile. Temi e immagini che vanno dalla "finestra" allo "specchio", passando per la "porta", il "corridoio" fino al "labirinto" sono ricorrenti nell'arte di ogni tempo, ma nelle prospettive del presente assumono nuova attualità, alla luce della condizione di passaggio epocale nel quale siamo stati e siamo coinvolti. Il testo affronta, con riferimento a opere e autori che hanno interpretato in chiave visiva e metaforica tali suggestioni, un dialogo fra la storia dell'arte e la cultura visuale, con particolare attenzione ai motivi architettonici implicati nel percorso elaborato, e si rivolge per questo agli studenti e agli interessati ai temi che riguardano l'incontro fra queste discipline.

«Il numero degli anziani è cresciuto. La loro età media si è innalzata. È la realizzazione di un sogno antico dell'umanità: vivere a lungo, allontanare le frontiere della morte il più in avanti possibile, una vera "benedizione". Ma non possiamo nasconderci un paradosso: tale benedizione è divenuta una "maledizione" in parecchi casi. Un dramma per tanti. È un problema sociale complessivo. La lettura della Bibbia aiuta a comprendere meglio il valore degli anziani: come facciano parte, in maniera rilevante, della storia umana e religiosa. Ecco il senso di questo libro, una riflessione sulle figure "anziane" della Bibbia - Noè, Abramo, Giobbe, Zaccaria, Simeone e Anna, Nicodemo... - nel loro rapporto con la vita e con i giovani, frutto di un'esperienza di amicizia pluridecennale con gli anziani da parte della Comunità di Sant'Egidio. Gli "anziani biblici", in modi diversi, hanno avuto un rilievo nella storia per la loro fede e la loro umanità. Forse abbiamo perso, in parte, il senso della "benedizione", ma la Bibbia ci aiuta a recuperarlo. Ed è un senso della vita che s'irradia e si allarga a tutte le stagioni dell'esistenza. Porre gli anziani nel cuore della famiglia, della comunità o della società, è l'inizio di un cambiamento umano radicale, che abbiamo chiamato "rivoluzione comunitaria". Gli anziani sono la "pietra d'angolo" da cui ricominciare la ricostruzione della società». Dalla Prefazione di Andrea Riccardi.

"I nerd non hanno paura di nessuno. Nemmeno di Hideaki Anno! Due appassionati si sono piazzati in uno scantinato e si sono sparati Neon Genesis Evangelion un numero non più quantificabile di volte. E dopo hanno pensato di scrivere un libro. Per spiegare Evangelion!"

Oggetto della mostra e del catalogo è il ruolo di Lucio Fontana nei confronti di almeno due generazioni di artisti operanti in Italia nel secondo 900. La sua lezione ha contribuito a far compiere un salto all'ambiente artistico di Milano, già all'avanguardia grazie al Futurismo negli anni antecedenti la Grande Guerra, e che negli anni '50-'60 torna ad avere una posizione preminente a livello europeo. Nel diverso ricorso a manualità e tecnologia, al segno minimale e a una visione universale, le diverse vie di esplorazione della concezione spazio-temporale, sulla falsariga delle intuizioni di Fontana, sprigionano nel contesto artistico milanese e italiano tra gli anni '50 e '60 una serie di proposte che dialogano con le posizioni avanzate altrove (Parigi, New York, Londra o Amsterdam). Un dialogo fra specificità e condivisione di orizzonti, che ha ben rappresentato le aspirazioni di un'arte tutt'altro che separata dalle condizioni del mondo contemporaneo. Dova, Crippa, Tancredi, Deluigi, Baj, Manzoni e altri documentano con la loro arte le molteplici direzioni intraprese dall'arte italiana nel corso del Novecento in quegli anni.

Lo sviluppo artistico di Enzo Esposito, nell'arco di circa cinquant'anni di attività, ha un tracciato consequenziale, ma anche composito, all'interno del quale si colgono azioni e reazioni, momenti di slancio emotivo e di riorganizzazione delle ragioni formali. Al centro si pone comunque la pittura, come materia del lavoro, come strumento esistenziale, come metro dell'esperienza quotidiana. Una pittura con la quale l'artista si misura, avendone abbracciato le ragioni, ma volendo sempre verificarne e quasi forzarne le possibilità. Per questo, pur essendo stato, soprattutto in un momento decisivo per la sua storia personale, tra i protagonisti di quel "ritorno alla pittura" ampiamente messo sotto i riflettori della critica negli anni Ottanta, non si può considerare, il suo, l'esito di una scelta lineare, dalla quale siano derivate logiche perseguite senza sofferenza. Al contrario, Esposito ha sempre affrontato con lucidità critica il suo essere pittore, con l'esigenza di mettere in discussione l'innata capacita a fare della pittura il terreno su cui misurarsi, vivendo piuttosto come un conflitto il confronto con la tela, con i colori, con le superfici, mai sufficienti a contenere il suo bisogno di espandere il segno e il colore e con essi costruire un'immagine plastica.

Questo catalogo documenta le serie di motivi che hanno caratterizzato le varie fasi della stagione informale dello scultore Francesco Somaini, con esemplari scelti delle Verticali, delle Orizzontali e delle Oblique, dei Martìri e dei Feriti, delle successive Memorie dell'Apocalisse, dei Racconti e delle Figure di Fuoco. Opere che, in buona parte, sono state in collezioni americane o sono state esposte nelle mostre che l'artista ha effettuato oltreoceano in quegli anni. Tra le opere presentate figurano anche alcuni esemplari delle serie di motivi avviati da Somaini dopo la stagione informale, come i Bozzetti del monumento ai Marinai d'Italia di Milano, le Cadute dell'uomo e i Da Sotto, legati alla riflessione sul rapporto tra scultura, architettura e contesto urbano, innescata dal contatto con la cultura americana durante i numerosi viaggi compiuti negli Stati Uniti e maturata nel corso delle esperienze di collaborazione con gli architetti, che lo hanno condotto alla realizzazione di opere monumentali per le città di Atlanta, Baltimora e Rochester.

Il Divisionismo rappresenta un momento cruciale nella storia dell'arte italiana, oggi celebrato in tutto il mondo attraverso mostre ed esposizioni di grande interesse. Il secondo volume del catalogo della Pinacoteca Fondazione Cassa di Risparmio di Tortona ci guida alla scoperta delle 16 nuove acquisizioni della collezione, attraverso la voce dello storico dell'arte Francesco Tedeschi. Nella piccola cittadina di Tortona, all'interno dell'antico Palazzetto Medievale, si trova un museo unico nel suo genere, che ripercorre la nascita, la formazione e lo sviluppo del Divisionismo, corrente artistica che si fece portavoce dell'avvento della modernità in Italia tra Ottocento e Novecento. La preziosa collezione, nata dall'intensa attività di valorizzazione del patrimonio artistico del territorio piemontese da parte della Cassa di Risparmio di Tortona, si è recentemente arricchita di 16 nuovi capolavori tra cui, per citarne alcuni, "Riflessioni dolorose" di Attilio Pusterla, "Il ponte" di Pellizza da Volpedo e "Meriggio d'autunno" di Aleardo Terzi.

"Caro lettore, che tu lo abbia voluto o meno, ora hai questo libro fra le mani. Il tempo proposto da queste storie è quello del "passo d'uomo". Un tempo, un passo, un respiro perduti, in quest'epoca "liquida", di folle velocità imposta. Recuperare il "passo d'uomo" costa sforzo. Lo sforzo di risalire la corrente della nostra assuefazione. Però ci restituisce la giusta distanza dalle cose in modo da poterle riconoscere come vere, abbracciarle con emozioni non effimere, penetrarle col pensiero non intossicato dalla fretta, farle nostre, recuperare mondi passati, immaginare futuri. In queste storie tu, lettore, troverai persone, cose, paesaggi, fatti a te familiari. Ma anche quando ti sembreranno sconosciuti, fuori dal mondo, riconoscerai sotto quelle maschere una parte di te, dei tuoi paesaggi, della tua vita. Perciò riprendi fiato, ritrova il tuo passo." (L'autore)

"Oltre. Le soglie dell'invisibile" si incentra sulla dimensione del trascendente, dell'assoluto. L'"oltre" rimanda da un lato al limite, al confine, alla possibilità di superare barriere interiori ed esteriori, dall'altro all'inafferrabile, all'inaccessibile, all'indefinibile, a quanto si sottrae al possesso e alla dominazione. In questo senso, l'"oltre" è soglia, punto di passaggio, linea di comunicazione tra visibile e invisibile, tra immanente e trascendente, tra finito e infinito, come se al cuore del sensibile emergesse un senso, talvolta difficile da riconoscere, ma senza il quale l'esperienza umana resterebbe piatta, inerte, superficiale. Il volume propone un originale confronto sul trascendente tra opere d'arte del Novecento e contemporanee (Fontana, Burri, Sironi, Paladino, Spalletti, Nagasawa, Parmiggiani) ed esempi di altre epoche e di altri linguaggi (polittici e tavole a fondo oro, icone russe, ex voto). Quarantadue opere dal XIII secolo ai giorni nostri che tracciano un percorso di vibrante tensione spirituale.

Questo libro parla di te, di com'eri, di quello che eri sicuro che saresti diventato e di ciò che invece sei diventato in realtà. Ma parla anche di Stefano - che un tempo era Falco - e dei suoi vecchi amici, che si sono persi per strada. E di come, quando il passato riemerge, le loro speranze dimenticate si trasformino in rimpianti ostili, veri e propri nemici che i cinque credevano sconfitti e che ora devono essere affrontati. Perché basta una telefonata inaspettata e si ritorna dove tutto è iniziato. Perché, forse, non è troppo tardi per raggiungere il luogo immaginario nato nelle loro menti una notte di quindici anni prima. Perché ciò in cui credevano li sta chiamando, e solo un'ultima, spaventosa prova li attende assieme all'unico tra loro che ha varcato le porte del Posto Tranquillo e che adesso sta invitando i suoi vecchi amici a raggiungerlo.

I rapporti tra arte e geografia hanno una lunga tradizione, che va dal concorso nella creazione delle mappe alla storia della pittura di paesaggio. Negli ultimi decenni questi legami si sono andati modificando, per individuare nuovi e ulteriori parametri, alla luce di una ridefinizione del mondo in un'epoca che va oltre la modernità. Partendo da argomenti di natura geografica, anche di carattere teorico, individuati come linee-guida, Francesco Tedeschi propone una lettura intrecciata di temi che riguardano l'uno e l'altro ambito, così da interpretare in chiave interdisciplinare l'operato dei molti artisti presi in considerazione. Autori quali Piero Manzoni, Jasper Johns, Joseph Beuys, i protagonisti dell'Arte Povera, del Situazionismo, della Land Art - nella sua versione americana ed europea -, della Net Art, e molte delle principali figure dell'arte odierna, sono accostati a opere di Vermeer, Friedrich, Bellotto, o alle rappresentazioni delle 'Città ideali' quattrocentesche. La geografia è presa in considerazione come principio di rappresentazione cartografica, ma anche come espressione delle relazioni di potere che hanno condotto a determinate forme di interpretazione della realtà territoriale. Essa è modello di conoscenza e di appropriazione del mondo, base per l'invenzione di luoghi ideali, terreno in cui coltivare sensibilità per temi quali la difesa dell'ambiente e la gestione della globalizzazione.

Nell'immediato secondo dopoguerra New York assume un ruolo di primo piano nel campo dell'arte fino a diventarne, nei decenni successivi, la capitale mondiale. Il processo, al quale contribuirono mercanti d'arte, critici e musei, venne attivato da un gruppo di artisti che, già negli anni Trenta, coltivavano la propria esperienza in alternativa rispetto alla lezione dell'arte europea, direttamente conosciuta anche attraverso i molti autori trasferitisi negli USA fra gli anni Trenta e Quaranta. La generazione di artisti americani, che comprende Gorky, Pollock, Rothko, de Kooning, Motherwell, Newman, Still, e molti altri con loro e dopo di loro, è stata protagonista di un'avventura eccezionale, ponendosi presto all'avanguardia delle ricerche internazionali. Le loro voci sono unite non tanto dall'affermazione di un'estetica comune, quanto dall'energia e dalle capacità che l'opera e la riflessione critica da ciascuno individualmente esercitate hanno saputo offrire alla trasformazione della pittura, con la realizzazione di dipinti di forza autonoma, spesso di grandezze inusitate. La loro 'rivoluzione' è fatta di scoperte personali, di intuizioni immediate, ma anche di corrispondenze con una dimensione interiore e meditativa sui grandi 'miti' della cultura americana: gli spazi della 'nuova frontiera', lo 'spirito dei pionieri', i valori dell'individualità e della libertà.

Nell'immediato secondo dopoguerra New York assume un ruolo di primo piano nel campo dell'arte fino a diventarne, nei decenni successivi, la capitale mondiale. Il processo, al quale contribuirono mercanti d'arte, critici e musei, venne attivato da un gruppo di artisti che, già negli anni Trenta, coltivavano la propria esperienza in alternativa rispetto alla lezione dell'arte europea, direttamente conosciuta anche attraverso i molti autori trasferitisi negli Usa fra gli anni Trenta e Quaranta. Tenendo conto delle molte ipotesi critiche fiorite negli ultimi decenni, soprattutto in ambito americano, questo volume presenta una lettura organica del fenomeno di una "scuola" identificata come tale attraverso l'originalità dei suoi componenti.