In questo libro troviamo sulla scena una formica lenta che ci svela alcuni aspetti della sua vita, e fa da apripista a racconti brevi in cui emerge, fra il paradosso e l'inverosimile, la vena surreale, a tratti imprevedibile, sempre e comunque ironica di Pasini. È una scrittura che, con leggerezza solo apparente, attraverso le piccole storie di personaggi stralunati e originali, indaga dentro le pieghe profonde della condizione esistenziale, fatta di paure, incertezze, desideri irrisolti. Tra scrittori, zanzare, regali di compleanno, sigari, mollette e il vento del Baltico, affiorano le piccole grandi manie di ogni giorno guardate con indulgente sarcasmo, all'insegna di uno stile decisamente antirealista.

In questa raccolta, organicamente costruita con un lavoro originale e meticoloso sulla parola, la poesia assale il lettore producendo lampi di pensiero che attingono alla cultura letteraria del passato e del presente. Come dal treno scorrono i paesaggi così le parole, con ogni lettera, si accavallano una dietro l'altra per un viaggio al termine della scrittura. Un ragno operoso, spartano, tesse la ragnatela poetica partendo dalle origini della lingua scritta, utilizzando il greco, il latino, i primordi dell'italiano, attraverso la frantumazione del lessico e del significato, che sfocia in sapidi giochi verbali, dentro uno scenario fortemente intessuto di ironia e nostalgia.

«Erano nell'adolescenza, si sa che è un periodo importante nella vita e anche per i nostri dieci 'eroi' si trattava di scoprire il bandolo delle cose, si trattava di fare buone amicizie, di imparare, di correggere. C'era da arrivare a possedere un diploma e tutti sotto quest'aspetto ci erano riusciti. Uno si era anche iscritto all'università, mentre gli altri si erano tuffati nel mondo del lavoro, subito dopo il diploma. Al paesello c'era posto per tutti, gli adolescenti non erano ancora saggi al punto da saper far bene subito il lavoro che avevano trovato. Alcuni dimoravano nel paese, altri venivano da altre grosse città e si trovavano bene fra gli amici, con cui si divertivano d'estate nel periodo di Ferragosto. C'erano quelli venuti da Venezia, c'era quella venuta da Bologna, c'erano quelli venuti da Mestre e gli altri erano 'figli' del paesino. Erano una decina con cui passare allegramente l'adolescenza, specie lì nel paese, sebbene ognuno facesse anche per conto proprio...» (Roberto Pasini)

Passato e presente si mescolano in uno scenario mondiale dove la logica spaziotemporale è andata in vacanza e molti personaggi realmente esistiti (artisti, scrittori, cantanti, attori e così via) si trovano a dover attendere l'arrivo di qualcuno. Chi sia questo qualcuno lo si dichiara fin dalle prime battute, ma nessuno lo vede, e nessuno conosce il vero motivo di un'attesa che a tratti si fa giocosa, a tratti nervosa, a tratti ridicola o violenta e produce spesso curiosi dibattiti, più o meno ricchi di verve dialettica. Fra narrativa e teatro, il testo scandaglia vari fronti, dall'arte al cinema, dalla psicanalisi alla musica, dalla letteratura alla moda. Divertissement postmoderno e apologo ironico, filigranato da un'anamnesi kafkiana e beckettiana, 'Aspettando Corot' ci consegna un responso che non fa una piega: attendere, per quanto logico o assurdo sia, è il nostro destino.

In un appunto giovanile, all'inizio del secolo scorso, Walter Benjamin descrive l'esplorazione del mondo evocando 'due tagli'. L'uno contiene gli elementi simbolici e l'altro gli elementi empirici della realtà che ci circonda. Questo modello è stato oggetto di numerose interpretazioni critiche che hanno segnato il dibatto sulle arti figurative del Novecento. Il breve saggio che qui si presenta muove dall'analisi dei modelli cosmologici alla base del pensiero di Benjamin, ascrivibili al poeta lirico Friedrich Hölderlin. L'interpretazione alternativa che ne deriva contribuisce al dibattito sulla produzione spaziale contemporanea nelle discipline del disegno.

'L'ape guardiana', mentre le altre dormono, ha tempo per pensare, per riflettere, per sentire il peso del cosmo. Con questa raccolta, divisa in sei sezioni, Pasini prosegue la linea della poesia italiana che va dalla tesa essenzialità del primo Ungaretti al brillante gioco verbale di Palazzeschi, dalla secca fermezza di Caproni sino al funambolismo linguistico di Sanguineti. È il diario di un disagio esistenziale filtrato da limpidi rigori formali, attenta regia ritmica, sapide invenzioni, e in cui attraverso una costante ironia si trova un'articolata rappresentazione del nonsenso della vita. Vi si incontra un 'bestiario riluttante' popolato da acari, falchi, moscerini, topi, notonette, rane, blatte, pinguini e altro ancora, come attori di una tragicommedia senza scopo.

Il libro si propone di rispondere all'affascinante domanda posta nel titolo affrontando la tematica della libertà in campo artistico ed estetico-filosofico, con aperture sul silenzio dell'interiorità promosso dalle discipline orientali. È strutturato in due parti: nella prima, Arte e arte, vengono trattati i moltelici passaggi storici in cui l'arte si emancipa dalle convenzioni tradizionali (prospettiva, figurazione, pittura); nella seconda, Arte e vita, si analizzano i rapporti fra arte e libertà attraverso le testimonianze degli artisti che vi hanno dedicato maggiori energie come Van Gogh, Cézanne, Kandinsky, Wols, e le riflessioni dei filosofi che, da Schiller a Marcuse, vedono nel gioco e nella dimensione estetica la possibile liberazione dai vincoli della realtà.

'Roberto Pasini, con il suo poema, propone un viaggio lirico che attraversa dieci simboliche città, incarnando le caratteristiche di un percorso esistenziale, grazie alla narrazione delle vicende di due ragazzi, condotti per mano dalla figura di un vecchio filosofo, seguendo il cammino della vita alla ricerca della maturità e della consapevolezza, passando dalla prima città dell'armonia a quella finale della fantasia, in un susseguirsi di considerazioni e riflessioni sull'umano vivere... L'autore offre, con spirito sincero, la visione di una 'vita giusta', che si liberi dalle oscurità e dal crepuscolo della Ragione, e racconta, con parole appassionate, il simbolico viaggio di meditazione e di conoscenza, sempre ammantando la narrazione d'un senso poetico profondo che nasce dal suo animo sospinto da uno slancio vitale che, inevitabilmente, conduce l'Uomo, assetato di conoscenza, alla divina fonte primigenia.' (dalla prefazione di Massimiliano Del Duca)

L'occhio è il mezzo principale nella produzione, nonché fruizione, dell'arte. Questo libro ne esamina le problematiche all'interno dell'arte contemporanea, dividendole nei due ampi settori del vedere e del guardare, modalità percettive dotate di rispettive peculiarità e destinate a generare frutti artistici a loro volta differenti. Dall'occhio impressionista di tardo 800 fino a quello iperrealista del secondo 900, e oltre, attraverso le figure dei principali esponenti della dimensione visiva, l'analisi evidenzia un percorso ricco di fascino - nelle varie facies che vanno dalla semplice fruizione della natura sino al voyeurismo e al blow up - mettendo in luce la poliedrica complessità della vista, senso fautore di grande suggestione e perciò degno della massima attenzione.

Che cosa sono esattamente il fare e il non fare? Quali gli esempi principali in ambito individuale e sociale di queste due matrici universali? Che cosa rappresentano e come si esprimono nel vasto e misterioso mondo della creatività? Partendo da tali interrogativi l'autore prende il lettore per mano, come ha fatto nei precedenti libri, Teoria generale dell'immagine e La dispensa di Suzanne. Miti, errori e false credenze nell'arte contemporanea, e lo conduce in un viaggio nuovo, affascinante, originale che investe oltre all'arte anche la letteratura, il cinema, il teatro, la filosofia, in un ricco scenario culturale fra Occidente e Oriente. Il testo analizza i concetti di fare e non fare mettendo in luce le molte sfumature che li contraddistinguono sia in senso generale, come forme del comportamento umano e sue applicazioni nei vari contesti storici e geografici, sia in senso specifico, quali modalità espressive all'interno dell'arte contemporanea. Vengono perciò esaminate le ragioni e concezioni del fare artistico nel corso della storia e, sul versante opposto, le figure di maggiore spicco che hanno operato attraverso il non fare, riunite in una traiettoria che va da Marcel Duchamp a Piero Manzoni, da Yves Klein a Gilbert&George, nella quale si sono concentrati i maggiori sforzi del pensiero creativo per modificare i connotati tradizionali dell'arte, approdando a esiti che ne hanno mutato radicalmente non solo la prassi operativa, ma la stessa definizione.

Chi è l'artista? Chi è il critico? Chi è il manager? Queste le prime domande in cui ci imbattiamo nel libro e alle quali vengono date risposte che vanno al di là della semplice definizione, aprendo orizzonti interpretativi che chiariscono le vicende dell'arte contemporanea in maniera semplice e alla portata di tutti. Il compagno di strada dell'autore, infatti, in questo libro, è l'uomo comune, inesperto d'arte ma curioso di capirla. L'autore lo prende per mano e comincia a spiegargli come funziona il sistema dell'arte e quali siano non solo le figure principali che lo incarnano, ma anche gli errori in cui incappano gli inesperti e talora pure gli esperti. Munch e Van Gogh sono espressionisti? Che differenza c'è fra Astrattismo e Informale? Perché qualcuno continua a parlare di arte moderna quando siamo nella storia contemporanea da due secoli? E ancora: come si arriva dall'arte alla storia dell'arte? Vi è coincidenza fra valore artistico e valore commerciale? Quale rapporto esiste fra le opere d'arte e le loro riproduzioni fotografiche? Con un linguaggio scientifico, ma al tempo stesso comprensibile a chiunque, veniamo introdotti dentro le favolose stanze del palazzo dell'arte e scopriamo con piacere che miti, errori e false credenze sono finalmente smascherati, consentendoci una comprensione limpida e senza equivoci. A questo punto non resta che chiederci: chi è Suzanne? E che cosa nasconde dentro la sua dispensa?

Che cos'è l'immagine? Ecco un tema davvero affascinante, di complessa natura percettiva e mentale, estetica e filosofica, visiva e comunicazionale, nonché di particolare attualità in un mondo che registra il continuo e rapido cambiamento culturale dei rapporti e delle identità. Partendo dalla divisione fra immagine come dato di realtà (ontica) e immagine prodotta da un artefice (artica), questo libro compie una preliminare riflessione teorica sul tema, corroborandola poi attraverso gli approfondimenti relativi ai campi d'indagine presi in considerazione: l'arte, la fotografia, la letteratura, il plesso cinema-televisione-video. La trattazione intende offrire una ricognizione globale sull'argomento - che fino ad oggi ha avuto indagini, per quanto interessanti, solo di carattere generico o viceversa settoriale - coniugando l'analisi a tutto campo con l'esame degli sviluppi storico-culturali che hanno sancito l'affermarsi di differenti forme e tipologie d'immagine all'interno dei vari ambiti di espressività creativa, per arrivare così a disegnare una mappa ricca e articolata dell'epoca contemporanea. Ne emerge un testo in grado di fornire nuovi e originali strumenti interpretativi e conoscitivi sia agli studiosi, sia agli studenti universitari e delle accademie di belle arti, sia al lettore interessato, che potrà avvalersi di un utile vademecum per orientarsi nella società dell'immagine.

Dal Romanticismo a oggi, il testo propone un'ampia ricognizione sul concetto di 'sacro' nell'arte, attraverso un percorso che, anziché negarlo, ne ha fatto una componente importante negli sviluppi delle poetiche contemporanee, sia sul versante della resa letterale, sia soprattutto su quello della produzione metaforica.

Il tema del 'vuoto' ha avuto nel corso dell'arte contemporanea una esplicazione più ampia e interessante di quanto non possa apparire a prima vista. Questo libro analizza la problematica e le varie espressioni artistiche che l'hanno testimoniata attraverso artisti come Klein, Warhol, George, Pollock, Fontana, Reinhardt e altri a partire già da Turner, ricostruendo la geografia semantica utile a comprendere le sottili e polimorfe dinamiche che stanno alla base di una mozione creativa unica e affascinante.

Se sei non fai, se fai non sei. Bisogna inseguire il mis(t)ero della scrittura. Su questo pianeta non giro, ma 'mi aggiro', i miei gesti non sono azioni ma 'accadimenti', la mia parola non è proferita, ma solo 'ferita'. Tra ossimori buchi, benzene e bene zen le irriverenti avventure di un personaggio dalle mille identità: Logotrebor, Schizotrebor, Proftrebor, Obretrò, Autrebor, Looktrebor, Yogtrebor. Un buon vademecum per una vita 'altra'.

In questo libro vengono esaminati due artisti apparentemente molto diversi e distanti: Andy Warhol (1928-1987), guru della Pop art americana, stella indiscussa del firmamento artistico internazionale, patrocinatore di una concezione multimediale dell'espressione creativa, la cui opera è tutta riassunta nella dimensione dell'immagine; Sergio Romiti (1928-2000), artista chiuso, solitario, designato erede di Morandi, che ha avuto il rarissimo merito di esporre in cinque Biennali di Venezia consecutive (dal 1952 al 1960), la cui opera si riassume tutta nell'assenza dell'immagine. La ricerca, assolutamente inedita, sia nella forma, sia nella sostanza, rivela due artisti non poi così inconciliabili, a partire dalla stessa data di nascita. Strutturata come una doppia monografia congiunta, illustra e interpreta le opere di Warhol e Romiti all'insegna di un registro duplice: quello storico e critico, che segue l'opera nei dettagli interpretandone le sfumature più riposte, e quello che l'autore definisce 'biosocioculturale', nel quale i due artisti divengono forme simboliche di processi in atto.

Questo libro approfondisce, le tematiche dell'occhio, del corpo e della libertà, determinanti per la fisionomia dell'arte contemporanea. L'autore opera una fondamentale distinzione fra vedere e guardare, analizzando in particolare l'opera di Monet e Degas, Sheeler e Hopper, degli Iperrealisti e di Gnoli; esamina gli esiti più interessanti che il corpo ha avuto in pittura, scultura, fotografia (da Bacon a Giacometti a Mapplethorpe), focalizzando poi le ricerche extra-artistiche di Manzoni e Klein, Gilbert & George e Gina Pane, Ontani e Morimura; giunge infine alla domanda se l'arte sia o non sia libertà, valutando percorsi storici, caratteri specifici dell'arte e testimonianze straordinarie (da Van Gogh a Cézanne, da Kandinsky a Wols).

Ritrovandosi nella città che ama profondamente, in un 'calderone di traffico casino scooter caschi puzze e signorine Jessike del pianeta Benzene', il protagonista non si rassegna ad accettare di vivere infestato dai fetori asfissianti dei tubi di scappamento. Con un linguaggio tagliente e ironico, si trasforma in una sorta di giustiziere della notte, vendicatore di una città 'stuprata dal benzene' e dall'indifferenza dei suoi abitanti, governata dalle leggi del consumo.

Spaziando in un arco cronologico molto ampio (dal Romanticismo al Postmoderno appunto) l'autore cerca di rintracciare criticamente i segni di una solitudine che si può ritrovare in modo diverso in molti artisti. In forma di raccolta di saggi attraversa vari periodi: dal Romanticismo italiano e tedesco all'Informale, al Concettualismo al Postmoderno aiutando il lettore nella comprensione del testo attraverso le numerosissime foto a colori e in bianco e nero.