Questo volume, pensato per gli studenti che affrontano l'insegnamento della Fotografia nelle Università, nelle Accademie e nelle Scuole superiori d'Arte, non intende proporre una storia della fotografia italiana intesa come cronologia degli eventi e dei linguaggi ma propone un insieme di riflessioni relative a nodi e questioni della fotografia in Italia (non italiana), nei tanti modi di essere e nei tanti luoghi in cui essa avviene: la società, gli studi dei fotografi, le istituzioni, l'industria culturale, gli archivi, il cinema, l'arte, il teatro, l'architettura, la moda, la letteratura. L'obiettivo è quello di riuscire a presentare agli studenti la profonda complessità della fotografia all'interno della cultura, analizzandola in modo trasversale, interdisciplinare e critico (dove avviene la fotografia, come, perché, le varie intersecazioni). La fotografia, infatti, ha da sempre la caratteristica di porsi in stretto dialogo con tanti contesti e tante discipline, di intrecciarsi a tanti, si può dire tutti i momenti della società e della cultura, rispondendo a molteplici funzioni. l progetto, arricchito dalla presenza di 120 immagine fotografiche d'autore, si avvale di contributi provenienti da più voci e rispecchia, attraverso la varietà dei contributi, le articolazioni della fotografia così come si è sviluppata e si sta sviluppando in Italia dalle sue origini ottocentesche fino a oggi.

Il volume e il progetto, tra i vincitori di Strategia Fotografia 2023 - progetto promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura per acquisizione, produzione, conservazione e valorizzazione della fotografia e del patrimonio fotografico italiano - presentano un'inedita relazione tra la collezione dell'Accademia di Belle Arti di Palermo e la fotografia. Dieci mappe antiche, conservate a Palazzo Butera (Palermo), dialogano con le fotografie realizzate da Giorgio Barrera, Martina Della Valle, Sebastiano Raimondo, Moira Ricci, Sandro Scalia, Maria Vittoria Trovato, accompagnate dai testi di Claudio Gulli, Monica Maffioli e Roberta Valtorta.

Moira Ricci 20.12.53 - 10.08.04 è una ricerca fotografica contemporanea complessa, realizzata da Moira Ricci tra il 2004 il 2014 e basata su un potente effetto realtà creato dalla finzione digitale. Il progetto e la serie di opere realizzate alla sua conclusione costituisce una forma di riappropriazione della figura della madre perduta che già nel titolo richiama le date di nascita e di morte della stessa. Anche ispirato da 'La camera chiara' di R. Barthes, affronta i temi della memoria, della famiglia, delle origini contadine come elementi della propria identità. Il volume, che l'artista stessa ha progettato, comprende tutte le fotografie della serie, cioè 50. Queste si susseguono in una libera sequenza secondo una messa in pagina semplice, con ampio spazio bianco intorno alle immagini, a richiamare il modo in cui le fotografie si presentano ai nostri occhi quando sfogliamo un album di famiglia. Le immagini, a colori e in bianco e nero a seconda dell'epoca della fotografia di partenza, sono accompagnate da piccole didascalie significative che raccontano piccoli e grandi momenti di vita della madre. Nell'insieme, un libro d'artista molto intimo ma al tempo stesso una pubblicazione che per semplicità e forza visiva coinvolge l'osservatore in una storia che misteriosamente gli appartiene irrimediabilmente. Un libro capace di diventare un oggetto d'affezione.

Milano rende omaggio a Gabriele Basilico, in occasione del 10 anniversario della sua scomparsa,?e questo volume presenta 70 tra i suoi scritti e le sue conversazioni sulla fotografia, sullo spazio e sulle architetture. Gabriele Basilico nato a Milano nel 1944, architetto e fotografo, maestro nel ritrarre gli spazi urbani e nel dare forma e volto alle visioni architettoniche contemporanee ha tra le sue opere principali il racconto delle periferie milanesi degli anni settanta, l'inchiesta dedicata alle fabbriche (1978-1980), l'indagine sulle architetture del modernismo milanese (1985), il progetto sulla città di notte realizzato per l'AEM (1989), i lavori per la costruzione del quartiere Porta Nuova (dal 2004 al 2012).

L'Ora Santa ha sempre avuto una grande importanza nella devozione al Cuore di Gesù. Il papa Pio XI l'ha lodata e raccomandata nella Enciclica "Miserentissimus Redemptor". Il libro "L'Ora Santa", riporta una meditazione dettata da Gesù stesso alla mistica cattolica Maria Valtorta. Come tutti gli scritti valtortiani, oltre ad essere conforme alla morale e alla fede della Chiesa Cattolica, esprime in un linguaggio comprensibile ai più una pregnanza spirituale e teologica eccezionale. Per queste ragioni il curatore Flaviano Patrizi la offre alla lettura sia di chi crede nell'origine soprannaturale degli scritti valtortiani e sia di chi li considera frutto delle capacità eccezionali dell'autrice.

Questo volume riunisce l'opera pittorica di Vincenzo Radino (Rapolla, Potenza, 1914, Milano 1988), un pittore appassionato e sapiente, quasi sconosciuto al pubblico, e l'opera fotografica di Francesco Radino (Bagno a Ripoli, Firenze, 1947), suo figlio, uno dei più noti e stimati fotografi italiani contemporanei. Scrive Francesco Radino: "Andavo spesso a trovare mio padre nello studio dove si rinchiudeva in silenzio la sera ed era bello osservare il suo lavoro tenace e malinconico, il suo comporre - su tele spaventosamente vuote - immagini che via via prendevano forma attraverso un rito magico e sorprendente. Erano nature morte, paesaggi, corpi di donna, che nascevano per incanto dai misteriosi sentieri della fantasia per poi riemergere, attraverso i suoi occhi socchiusi, in forme insolite e a volte incomprensibili al mio sguardo. [...] Da lui ho appreso dell'esistenza delle molteplici forme sovente nascoste e in attesa di essere svelate". Pittura e fotografia sono strumenti di lavoro diversi e grande è stato il dibattito sulle influenze reciproche tra le due arti. Questo volume non intende creare un confronto tra pittura e fotografia ma mettere in luce alcuni momenti di vicinanza tra Vincenzo e Francesco Radino, come il forte legame con la terra, l'amore per la natura, l'attitudine a osservare le forme e le materie del mondo per penetrarne la complessità e i significati.

Il volume è un catalogo dei testi agiografici conservati presso la Biblioteca Capitolare di Verona, una delle più antiche biblioteche della latinità medievale. Per ciascuno dei testi agiografici individuati (142, contenuti in 35 codici) sono fornite le coordinate essenziali, utili allo studioso come punto di partenza per ulteriori approfondimenti (numero BHL, breve nota introduttiva, incipit ed explicit, rinvio a repertori e a una o più edizioni di riferimento); l'analisi è estesa anche a tutte le opere che nei manoscritti accompagnano i testi agiografici e che spesso rispondono al medesimo progetto culturale, costituendo un quadro complessivo di 780 opere.

Francesco Radino (Bagno a Ripoli, Firenze, 1947) è uno dei maestri della fotografia italiana contemporanea. Attivo da cinquant'anni in molti ambiti, dall'indagine sociale alla rappresentazione del paesaggio antropizzato, impegnato nell'elaborazione di un immaginario che parte dal reale ma costruisce variegate stratificazioni visive, è una figura dalla creatività libera che si colloca fuori dagli schemi. Partecipe degli sviluppi della fotografia di ricerca sul paesaggio contemporaneo, negli anni ha sviluppato un modo intimo di concepire l'immagine. Il suo lavoro va dunque oltre il genere del paesaggio, aprendosi a ogni aspetto del mondo, dalla natura, sua grande passione, ai territori urbanizzati, dalla figura umana agli oggetti e alle architetture, in continui rimandi formali che affermano continuamente che il mondo è uno solo e la sua complessità non può essere guardata per settori separati. "Il mondo delle forme si libera - scrive - e va al di là del senso immediato", a legare immagini tra loro diverse c'è "un filo sottile ma forte che parla il linguaggio della vicinanza" ed esse sono "indicatori della realtà, ma ci permettono anche di intravvedere la possibilità di una via d'uscita da essa". Forte di una cultura visiva profonda (il nonno fotografo, il padre e la madre entrambi pittori), frequentatore delle culture orientali, Radino immagina, attraverso la fotografia, un mondo di figure varie, tutte meritevoli di essere guardate e pensate, in una continua oscillazione dalla natura alla cultura.

Il volume racconta - attraverso la fotografia, la pittura, la grafica e i giocattoli - il fascino immediato e intramontabile delle giostre. Le diverse interpretazioni visive sono giocose e anche malinconiche, e ci conducono in una dimensione della memoria che parla dell'infanzia, del tempo che passa, del nostro destino. Le giostre affondano le radici negli antichi giochi rituali delle società contadine, che una lunga evoluzione ha trasformato nelle moderne attrazioni ipertecnologiche. Insieme alla Commedia dell'Arte, al teatro dei burattini e delle marionette, e al circo, il luna park è uno degli spettacoli popolari itineranti la cui storia inizia con le antiche fiere. Queste - luoghi di commercio ma anche di divertimento, movimentati da artisti ambulanti, indovini, acrobati - con la Rivoluzione industriale di fine Settecento e poi, con il clima del Positivismo, mutano aspetto, utilizzando sempre di più la tecnologia per attrarre e coinvolgere il pubblico. Le grandi Esposizioni universali di fine Ottocento, nate per presentare le novità dell'industria, si tramutano in veri e propri parchi di divertimento: con uno scatto tecnologico appaiono i giochi meccanici, le altalene, le giostre. Nel corso del Novecento i parchi di divertimento diventano "luna park" - dal nome del parco di Coney Island (1903) - completamente meccanizzati e, successivamente, informatizzati.

"Terra senz'ombra" è la ricerca fotografica che Pietro Donzelli (Monte Carlo 1915 - Milano 1998), uno dei maestri della fotografia italiana del Novecento, ha dedicato al Delta del Po nell'arco di otto anni, dal 1953 al 1961, e presentato in sedi espositive nazionali e internazionali. Il libro propone un'ampia scelta di quel vasto lavoro, documentando la profonda cultura fotografica di Donzelli: la sua fotografia non è reportage, inteso come fotografia gestuale scattata in velocità, ma è fotografia documentaria, è fotografia dello sguardo e del pensiero ed è proprio da questa ricerca sul Delta del Po, il cuore del suo lavoro, che emerge in modo maturo la sua scelta del realismo e del fronte "umanistico" della fotografia. Premesse di Antonio Finotti, Massimo Bergamin ed Enrico Zerbinati.

L'opera di Patrick Tosani (Boissy-l'Aillerie, 1954), costruita nel tempo come una lucida riflessione sul mezzo fotografico, si incentra su tre questioni tra loro indissociabili: spazio, oggetto, corpo. Da quasi quarant'anni egli indaga le caratteristiche costitutive della fotografia, le sue potenzialità, i suoi limiti, la relazione che essa istituisce con la realtà visibile. Al centro di questa indagine, applicata a oggetti comuni che abitano la nostra quotidianità, al corpo umano, ai più semplici vestiti che indossiamo, all'architettura, vi è, stabilmente, la questione della scala che la fotografia utilizza per trasformare in immagini le cose del mondo: le quali, nelle sue fotografie, appaiono evidenti, ingrandite e straordinariamente potenziate in una nuova dimensione percettiva. Con precisione estrema Tosani studia il processo di trasferimento della realtà tridimensionale sulla superficie bidimensionale della fotografia, e sottolinea l'autonomia dell'immagine fotografica, che diventa un nuovo oggetto in sé.

Raterio, monaco di Lobbes e poi vescovo di Verona, compose la "Qualitatis coniectura" ormai settantenne, nel 966; di lì a poco sarà definitivamente allontanato dal soglio episcopale veronese. Opera di problematica definizione, incerta tra una tentazione di autobiografismo e la necessità di difendersi dalle accuse dei numerosi detrattori, la "Qualitatis coniectura" è soprattutto il vivido ritratto di un mondo lontano, ma anche singolarmente attuale: attraverso una narrazione brillante e ironica ritorna a vivere davanti ai nostri occhi la figura del suo autore, uno degli intellettuali più complessi e affascinanti nell'Europa del secolo X.

In questo nuovo libro di Carlo Valtorta, assistiamo a un susseguirsi, a volte pacato, a volte quasi vorticoso, di impressioni, di sottili interpretazioni di un reale prevalentemente opaco (a tratti livido), eppure carico di senso. Il nostro poeta viaggia, perlustra territori diversi, esplora un nord che è quello della sua Brianza, dei laghi e delle prealpi lombarde, ma anche quello, ben più estremo e forse avventuroso, della Scandinavia, delle "ricche capitali del merluzzo", dove gli appaiono "le forme entusiasmanti della neve". Valtorta conserva comunque una gentilezza di tratto, anche di fronte al "soffio plumbeo delle cose", nel raccontare situazioni quanto mai prosaiche, di cui il suo occhio va costantemente a caccia. Lo fa con sensibile attenzione al dato minimo, alla minuzia del reale. Il suo andare è quello delle "estati in bicicletta", delle gite locali, dell'"esotismo / delle domeniche in Brianza", in una condizione di ricercata normalità che sfiora la bizzarria di un anticonformismo senz'ombra alcuna di equivoco ideologico, o rimanendo colpito da "l'ambigua meraviglia del reale", dove si trovano anche turisti "americani che assaggiano / il riso col persico".

Secondo l'American Psychological Association la resilienza è "il processo che permette un buon adattamento a dispetto di avversità, traumi, tragedie, minacce o sorgenti di rischio". Si tratta di un complesso costrutto multidimensionale, che presuppone un'integrazione affettivo-cognitiva sufficientemente valida, la capacità di riorganizzare la propria vita dinanzi alle difficoltà, sapendo talvolta cogliere nelle avversità un'occasione di sviluppo personale. Ma perché alcuni, in situazioni traumatiche e/o avverse arrestano o addirittura precipitano il proprio sviluppo e altri trovano le risorse per dare avvio a una fase di crescita e di affermazione? Il volume affronta le cause della variabilità inter-individuale nella risposta al trauma ed allo stress, gli strumenti e le procedure attraverso i quali la capacità di adattamento alle difficoltà della vita o al trauma può essere appresa ed incrementata. In particolare viene messo in evidenza come l'utilizzo dell'immaginario attraverso l'Esperienza Immaginativa, possa favorire tale processo. Casi esemplificativi mostrano l'operatività del metodo in psicoterapia, counseling clinico, counseling pedagogico.

Il Museo di Fotografia Contemporanea presenta una mostra dedicata al tema diversità/inclusione attraverso quattro ricerche del collettivo di fotografi indipendenti Cesura. L'iniziativa è organizzata in collaborazione con RS Components, un'azienda che ha fatto della responsabilità sociale d'impresa un tratto distintivo della propria identità. Le quattro storie raccontate da Arianna Arcara, Gabriele Micalizzi, Alessandro Sala, Luca Santese, del collettivo Cesura, sono profondamente attuali, toccano problemi importanti della nostra complessa società contemporanea, affrontano il tema delicato della capacità di cambiare se stessi e il mondo che ci circonda attraverso scelte precise e comportamenti improntati alla civiltà e al rispetto degli altri.

Il volume racconta la trasformazione che ha coinvolto la città di Milano dal secondo dopoguerra ai giorni nostri, attraverso centosettanta fotografie tratte dalle collezioni del Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo. Gli autori selezionati - sia maestri affermati, sia artisti più giovani - offrono una riflessione sui grandi mutamenti che hanno cambiato il volto della città, dal punto di vista urbanistico (dalle macerie e le baracche del dopoguerra alle periferie in crescita, le fabbriche, i grandi cantieri contemporanei), socio-economico (la Milano operaia, i giovani, la borghesia), e infine culturale (i personaggi del mondo dell'arte, del design, dell'architettura, del cinema). Un racconto per immagini, in cui spicca la varietà dei fondi indagati, il numero e l'importanza degli autori, nonché la diversità degli approcci e degli stili, che vanno dal reportage classico alla fotografia di architettura e paesaggio, al ritratto ambientato e di studio.

Settant'anni dopo l'esperienza dei dialoghi con l'angelo vissuta in Ungheria durante l'ultima guerra mondiale e trascritta da Gitta Mallasz, Bernard e Patricia Montaud ci fanno partecipi dell'intimità dell'insegnamento che hanno ricevuto accanto a questa donna durante gli ultimi sette anni della sua vita. Chi è l'angelo? Come dialogare con lui? Quali domande possiamo fargli? Come riconoscere la risposta in fondo a noi stessi? Cos'è diventata, in tempi di pace, questa funzione di dialogo ispirato? Ecco alcune delle domande alle quali quest'opera cerca di rispondere.

"Non è importante che il fotografo sappia vedere, perché la macchina fotografica vede per lui": attraverso il fertile concetto di inconscio tecnologico, Franco Vaccari sviluppa un profondo lavoro di "scardinamento" dei condizionamenti visivi che limitano le potenzialità della fotografia. Nei suoi scritti, cosi come nelle sue "esposizioni in tempo reale", l'artista dimostra che quando la macchina fotografica non viene utilizzata in modo forzatamente "artistico", ma viene lasciata agire come strumento in grado di produrre registrazioni e memorie autonome, essa favorisce il sorgere di comportamenti, relazioni, funzioni fondamentali per la definizione del significato stesso della fotografia nella civiltà contemporanea. Gli scritti di Vaccari qui presentati in edizione più ricca e completa delle precedenti (1979; 1994) offrono una stimolante elaborazione teorica complessivamente incentrata sul tema di una civiltà - la nostra - tutta basata sulle merci, sulla comunicazione, e avvolta nelle immagini.

Along the Wall. Berlin 2009 è un progetto che il fotografo Alessandro Vicario (Modena, 1968) ha realizzato nel 2009 - il ventennale della caduta del Muro di Berlino - e che ora, nell'anniversario della Riunificazione tedesca, viene presentato per la prima volta al pubblico. L'autore ha concentrato la sua attenzione sulle persone che transitano davanti ai tratti del Muro di Berlino rimasti. Le immagini sono giocate sul contrasto tra la figura umana, evanescente e dinamica, in movimento davanti alla macchina fotografica, e la porzione di Muro sullo sfondo, sempre nitido e ben visibile. Il mosso di Vicario - osserva Roberta Valtorta - è di tipo esistenziale, psicologico, anche sociologico. Indica il tentativo dell'uomo contemporaneo di entrare in contatto con il mondo nel quale vive, di capire se siano i luoghi a cambiare più velocemente, o la sua vita. Il catalogo accoglie i testi critici dei curatori ed è completato da apparati biografici.

Mimmo Jodice (Napoli, 1934) è uno dei maestri della fotografia italiana contemporanea, la cui opera è ampiamente riconosciuta a livello internazionale. Questo volume, edito in occasione di una mostra, raccoglie la riflessione più profonda e più recente dell'artista, nella quale due grandi temi si intrecciano: la visione del mare come luogo del vuoto, dell'assenza di paesaggio, del silenzio, della sospensione temporale quale risposta al caos della vita contemporanea; la persistenza del passato nel presente, attraverso la rappresentazione di frammenti di sculture della classicità, resti delle antiche civiltà del Mediterraneo che il mare stesso si è incaricato di conservare, rimodellare e infine restituirci. Una rassegna da cui emerge chiaramente lo spirito che anima l'opera di Jodice, artista lontano dal considerare la fotografia uno strumento descrittivo e documentario, e invece da sempre sostenitore di un tipo di immagine carica di memoria, ricca di molte forme dell'arte, e orientata verso un sentimento metafisico della realtà.

Il Museo di Fotografia Contemporanea è un museo del terzo millennio. E dedicato alla fotografia dal secondo dopoguerra a oggi, con un accento particolare sulla contemporaneità, i mutamenti tecnologici, le nuove strategie della comunicazione artistica. Le sue attività puntano a coinvolgere ogni tipo di pubblico. Le sue collezioni sempre in crescita contano quasi un milione e ottocento mila immagini. Questo volume ne presenta una rigorosa selezione.

Eugenio Goglio (1865-1926), indagato anche nella sua attività di intagliatore, scultore e pittore, è soprattutto un artista fotografo che ad ogni scatto rivela la bellezza nascosta in un volto, in uno sguardo, nelle rughe della vecchiaia e nel sorriso della giovinezza, nella gioia della maternità e nello stupore di un bimbo, nella fatica del lavoro e nella gioia delle feste religiose o profane. Ha ritratto il volto e l'anima, ci ha restituito l'uomo e la sua Valle come una totalità, una grande unità complessiva, uno specchio della memoria. Ha saputo guardare con l'occhio dell'anima e della mente con una tale intensità d'artista che a distanza di un secolo le sue fotografie continuano a parlare all'anima nostra. Sfogliando il libro scaturisce lo stupore della bellezza: per le oltre 350 fotografie, ognuna un'opera d'arte, per lo "splendore del dimesso" che rivelano e per "lo sfarzo misterioso di ciò che è umile e nascosto". La stampa su carta preziosa avorio restituisce alle fotografie la patina del tempo. Voce narrante Silvana Milesi.

La Mission héliographique, Roger Feritori e la regina Vittoria, Charles Marville a Parigi, le grandi esplorazioni del West americano, le campagne fotografiche della Farm Security Administration, Paolo Monti e i centri storici emiliano-romagnoli, la Mission photographique de la DATAR, Archivio dello spazio, la Mission Photographique Transmanche, l'Observatoire photographique national du paysage. Linea di Confine per la Fotografia Contemporanea, VINEX Photo Project, Osserva.Te.R., Ekodok -90, Fotografie und Gedächtnis, OfüFLa Mission photographique a Bruxelles / Fonds pour la Photographie, Photoworks e Cross Channel Photographic Mission, i progetti della DARC. II volume intende fare il punto sull'importanza delle missioni pubbliche come ambiti di promozione della fotografia dalla metà dell'Ottocento a oggi, in Italia, in Europa e negli Stati Uniti. Comprende diciotto saggi di importanti studiosi di fotografia di fama internazionale su altrettanti progetti di committenza pubblica.