Accogliere Collòculi all'interno del Parco Archeologico di Pompei significa affermare con forza il valore dell'inclusione sociale attraverso l'arte. Il Parco, da sempre attento alle tematiche giovanili, riconosce nell'opera un ponte tra passato e presente, un'occasione di riflessione e dialogo. La scelta delle Terme del Foro come luogo di esposizione è particolarmente significativa: un tempo spazio di incontro e confronto, oggi diventa il contesto ideale per un'opera che si fonda sul colloquio tra sguardi, incarnato dall'Oculus, simbolo di relazione e scambio. Altro aspetto cruciale è il materiale: l'alluminio riciclato. La storia non è immobile, ma si rigenera continuamente, proprio come la materia. Pompei non è solo testimonianza di una tragedia, ma il simbolo di una rinascita etica, sociale e culturale. [Gabriel Zuchtriegel] Sensibile a ogni forma di lateralità, di umbratilità, di storia trasversale, di silenzio che esseri abbandonati o marginalizzati sono costretti a vivere nell'incertezza degl'anni dei giorni delle ore, di Luggo afferra il mondo della vita e dei mille significati che la riguardano utilizzando strategie corali dove costruzione geometrica e perfezione estetica si intrecciano tra loro per farsi trama di un racconto, insieme scientifico e metafisico (ad alto grado simbolico), sull'occhio, sullo sguardo, sulla vista. [Antonello Tolve] L'interconnessione tra archeologia e arte contemporanea rappresenta un elemento essenziale della visione del Parco Archeologico di Pompei: Collòculi rappresenta la volontà di aprirsi a linguaggi innovativi, capaci di stimolare

Il lavoro di Florin Stefan è un continuo fare i conti con momenti della memoria, risistemati mediante esercizi di riflessione che trasformano la tela in un'arena dove luoghi o figure del passato ritornano affievoliti, rigenerati in un rapporto di vicinanza e di lontananza. Quasi come spaccati di analitica cronofagia utile a nutrire l'atto del presente (quello del dipingere) con la potenza del passato (le storie), le sue opere presentano sempre dei tocchi enigmatici la cui velocità rimaneggia il reale rendendolo evanescente, vago, soft, nebuloso, spettrale, opaco, spesso poco decifrabile, a tratti squisitamente onirico e cromaticamente intenso.

'La mia ricerca artistica esplora in partenza la costruzione, la definizione del sé e l'alterità nel loro delinearsi attraverso dinamiche relazionali. La riflessione intima ed esistenziale sul mio rapporto con il reale ha caratterizzato il primo decennio di produzione. In seguito, ho iniziato a concentrarmi su opere di natura partecipata. Inizialmente indagando il linguaggio performativo, poi permettendo a queste 'azioni' di convergere in progetti video strutturati. Il mezzo filmico, unitamente alla fotografia, al disegno, la scultura e l'installazione hanno rappresentato tanto un insieme di tecniche da approfondire, quanto una pluralità 'linguistica' indispensabile a declinare in modo efficace la complessità del sistema mondo. Il mio processo artistico si nutre inoltre del dialogo tra discipline umanistiche quali la storia come dispositivo di memoria e narrazioni, l'antropologia come luogo dell'incontro, la psicoanalisi come giardino in cui germoglia la parola. L'elemento sociale e politico è il collante che contraddistingue la ricerca, la quale, tuttavia, conserva un forte sguardo poetico.' (Elena Bellantoni)

Questo volume racconta in maniera esaustiva il progetto espositivo organizzato a Berna, nell'ambito della Residenza delle Arti dove le opere degli artisti coinvolti sono state disseminate negli spazi per dar vita a un dispositivo ospitale, a un'opera d'arte totale capace di reinventare gli ambienti e di ridefinire la vita in comune. Artisti coinvolti: Mrdjan Bajic, Elena Bellantoni, Tomaso Binga, Manuel Canelles, Filippo Centenari, Fabrizio Cotognini, Isora Degola, Sabine Delafon, Valentina De'Mathà, Katharien De Villiers, Ulrich Egger, Matteo Fato, Claudia Giannuli, H.H. Lim, Giorgia Mascitti, Patrizia Molinari, Deborah Napolitano, Laura Paoletti, Marina Paris, Francesca Pasquali, Lamberto Pignotti, Enrico Pulsoni, Marco Raparelli, Fabrizio Sannicandro, Kurt Schwitters, Giuseppe Stampone, Eugenio Tibaldi, Giovanni Termini, Adrian Tranquilli, Fosco Valentini, Narda Zapata.

Questo volume racconta la storia della collezione di Filiberto e Bianca Menna, nata da una condivisa passione per il presente dell'arte. Le opere raccolte nel corso di anni di intensa attività critica e artistica testimoniano di una singolare avventura intellettuale che ha trovato nel Lavatoio Contumaciale, attivo a Roma sin dal 1974, uno spazio privilegiato di esposizione e di confronto attraverso raffinati eventi di poesia visiva, esposizioni e incontri sugli statuti della critica d'arte e sull'estetica. Occasioni del tempo documenta anche la consistenza e la storia culturale delle opere che Bianca Menna, in arte Tomaso Binga, ha voluto recentemente donare alla Fondazione Filiberto e Bianca Menna. Un patrimonio divenuto bene comune con l'idea di dare vita a un museo che ne mantenga attivi il valore e il significato.

'Nella sua pratica artistica, Ugo Marano ha unito la concretezza della ricerca sul design e sui materiali a una sensibilità che affonda le sue radici nelle antiche tradizioni meridionali. [...] L'arte di Marano trae spunto dal quotidiano e a esso ritorna, caricando sedie e tavoli, piatti e altri oggetti di uso comune di nuovi significati. La sua pratica appare continuamente vivificata dalla sua fervida immaginazione e soprattutto da una forte volontà di rinnovamento e riflessione consapevole sui propri mezzi espressivi.'

Il volume racconta uno dei possibili viaggi alla scoperta di un territorio che ha la capacità di reinventarsi continuamente, non solo da una latitudine territoriale, ma anche nel campo delle arti contemporanee. Muovendo da un quadrilatero privilegiato di importanti luoghi dell'arte che nel 2017, sotto l'acronimo ACAMM, aveva dato sfogo al prestigioso Sistema dei Musei e dei Beni Culturali di Aliano, Castronuovo Sant'Andrea, Moliterno e Montemurro - la prima cintura culturale che mirava 'illo tempore' a rafforzare le sinergie sul territorio lucano - si offre qui un compatto itinerario creativo, con opere di artisti nati in Basilicata e di molti altri che vi hanno lavorato immergendosi nel paesaggio, in un ambiente vitale che può essere compreso soltanto all'interno del suo mondo e della sua storia.

Monografia dedicata al lavoro dell'artista poliedrico Enrico Pulsoni (Avezzano, 1956). 'Frutto di un progetto camaleontico e versatile, capace di aderire a ogni scala linguistica e di assecondare con agilità «un sistema dell'arte costituito da unità costanti di base e da regole grammaticali e sintattiche precise che ne rendono possibile il funzionamento in contesti diversi», l'itinerario visivo proposto da Enrico Pulsoni è coscienza di una trascendenza primordinale da cui partire per attraversare la lebendige Gegenwart, la viva presenza delle cose, l'attualità che si allunga sull'avvenire ma illumina anche il passato. [...] Articolando un discorso sui confini dell'architettura e spingendosi lungo le arterie della geometria (a questo periodo appartengono intrecci cartacei incerati, collage spigolosi, decoupage su legno o formule d'estrazione comportamentale) Enrico Pulsoni avvia il proprio percorso con un preliminare e fondamentale riduzionismo fatto di ascisse e ordinate, di vie di fuga, di forme elementari, di circuiti controllati da un pensiero il cui nucleo facilita l'accoglienza...'. Tratto dal testo introduttivo 'Evocazioni di sera' di Antonello Tolve

Nel corso della storia, la ricerca dello spazio è sempre stata un tema di grande interesse. Fin dall'antichità classica, lo spazio fisico, il suo doppio imperfetto e lo spazio illusorio utilizzato nelle arti visive, sono stati una delle ossessioni perpetue dell'uomo. Ci sono tuttavia pochissimi studi che mettono in discussione la realtà dello spazio rappresentato e che trattano quei fenomeni liminali che esistono sul confine sfocato tra realtà e immaginazione. Tali spazi non sono mai stati definiti da confini disegnati con cura; di solito erano delineati da barriere effimere e mutevoli. Proprio per questo motivo gli spazi liminali descrivono quei mondi curiosi confinati in giardini e collezioni, sono alla base di tutti quei sogni di società ideali e costruiscono visioni di spiagge lontane e introvabili. Sono sempre oltre e dietro la rappresentazione stabilita dello spazio. Questo libro esplora diverse rappresentazioni e forme di spazi liminali che da un lato hanno profondamente influenzato la storia della prima immaginazione moderna e dall'altro hanno stabilito i modelli per la nostra comprensione degli spazi liminali in quanto fenomeni.

Indirizzato a studiosi e curiosi che si vogliano addentrare nelle nuove trasformazioni della tecnologia e dello spazio attraverso l'occhio dell'arte, questo volume nasce per disegnare l'ampia ricerca di Chiara Passa, artista che ha attraversato i più grandi cambiamenti degli ultimi tempi, dalla fine degli anni Novanta ad oggi. Voltarsi indietro e ripercorrere con 'Object oriented space' vent'anni di progetti e idee significa, non solo rileggere i punti cardinali di un percorso pionieristico nel campo della new media art, ma anche rintracciare e riesaminare le grandi trasformazioni del progresso tecnologico legato oggi alle ultime frontiere della filosofia ontologica, proiettate verso una visione post-antropogenica. Il volume è il catalogo della mostra di Roma, 18 maggio-19 giugno 2019.

La figura dell'artista o, più precisamente, dell'autore, si è moltiplicata ed espansa per dare legittimità alla sconfinata latitudine delle opere e delle collezioni che affollano il mercato globale. Questo è il paradosso stesso del sistema dell'arte planetario che, dagli anni '60-'80 dell'altro secolo, ha progressivamente rimosso la figura della critica e del commento.

Il volume raccoglie un'ampia selezione degli articoli di Filiberto Menna apparsi sulla stampa nazionale («Corriere della Sera», «Il Mattino», «l'Unità», «Paese Sera») nel corso degli anni Settanta. Dalla lettura di questi testi d'occasione, brevi ma lucidissimi, emergono nettamente lo sguardo del critico militante, sempre a fianco dell'opera e del suo autore, e il rigore del teorico, prontissimo nel selezionare e valutare in presa diretta le proposte espositive più significative offerte dalla scena italiana. La presente antologia ospita quindi un materiale eterogeneo: letture, riflessioni, obiezioni critiche e teoriche, che delineano un pensiero onnivoro e illustrano la curiosità di un intellettuale totale, esperto d'arte, architettura e design, capace di fornire vividi ritratti dei principali artisti attivi in quegli anni (da Kounellis a Pascali, da De Dominicis a Vettor Pisani), nonché di intraprendere una «critica della critica», ovvero un serrato confronto con molte delle voci più autorevoli di quegli anni, come ad esempio Tomás Maldonado, Bruno Zevi, Renato De Fusco e Germano Celant.

Fortemente legato a un gusto di stampo cinetico dove l'attuale lascia il posto al fattuale, Max Coppeta (Sarno, 1980) disegna un'atmosfera visiva che assume la luce come ingrediente totalizzante, come collante privilegiato tra l'opera e il contesto che la ospita, tra la fissità dell'oggetto e il movimento prodotto dall'inevitabile mormorio del getto luminoso. Questo volume raccoglie il lavoro di un decennio che vede l'artista impegnato in un progetto plurivoco dove spazio, tempo, attese, situazioni concave e convesse mirano a far esplodere l'opera nell'ambiente e invitano lo spettatore a muovere l'inanimato, a trovare l'angolazione privilegiata di plastiche vitree e acquose che evocano luoghi, ambienti, stati d'animo.

Con questo secondo volume dei Quaderni dell'Accademia di Belle Arti di Macerata abbiamo voluto restituire - e il piu fedelmente possibile - i risultati degli incontri organizzati dal 18 al 21 marzo 2013 in occasione del Quarantennale dell'Accademia ed evidenziare dunque lo sforzo di fare ricerca, di unire gli spazi della tecnica con quelli della teoria (Paola Taddei). Con testi di Renato Barilli, Loretta Fabrizi, Pierfrancesco Giannangeli, Jannis Kounellis, Antonello Tolve e Angelo Trimarco.

I due saggi che compongono questo volume, curato da Antonello Tolve, 'Introduzione all'arte del nostro tempo' e 'La pittura futurista', rappresentano uno spaccato emblematico del lavoro di Giorgio Castelfranco, studioso che attese a costruire, negli anni, una cronistoria dell'arte a lui contemporanea e, più in generale, un rapporto sui mutamenti radicali della società. Si tratta di due testimonianze che, se da un lato indicano la volontà socratica dell'autore di coinvolgere la comunità in un progetto formativo condiviso, dall'altro mostrano il suo impegno volto a produrre un'apertura sprovincializzante, a riattivare lo scenario culturale italiano e a reintrodurlo nel dibattito intellettuale internazionale. Esaminando i movimenti, le poetiche e le figure dell'arte italiana ed europea che hanno disegnato l'orizzonte della modernità, dal futurismo al neopurismo al neorealismo, Castelfranco contribuisce a ricostruire un suo racconto dell'umanità e a ridefinire il mondo della cultura.