Sono qui raccolti gli scritti di Enrico Castellani, sia conosciuti sia inediti, raggruppati secondo nuclei tematici: la teoria dell'arte, l'etica, la politica, il ruolo dell'artista nella società; ma anche testi di carattere più intimo volti a indagare, ad esempio, il tema della memoria. In qualche modo, l'inizio di questo libro corrisponde con la fine: a testimonianza dell'estrema coerenza artistica ed esistenziale di Castellani, le istanze presenti nel primo testo teorico sono ribadite e confermate nell'ultimo del 2012. Un ricco corredo di glosse accompagna il lettore nell'analisi delle opere e lo indirizza verso una conoscenza più profonda del pensiero, della personalità, degli eventi che hanno costellato la vita, la memoria, gli affetti di questo grande artista della contemporaneità. Il valore di questi testi è quello di restituire una visione integrale dell'uomo e dell'artista, dei suoi rapporti con la società, con i movimenti di avanguardia nazionale e internazionale, con i compagni di strada e gli amici, con i dibattiti sorti in ambiti diversi, non solo nell'arte, ma anche nella semiotica, nella letteratura e nella sociologia.

Catalogo (bilingue italiano inglese) della prima retrospettiva dopo la scomparsa dell'artista. Nuove prospettive sull'arte di Enrico Castellani. In coedizione con il Museo d'arte Mendrisio. Con la collaborazione della Fondazione Enrico Castellani.

Che sia Narciso a specchiarsi nell'acqua limpida per morirne o Afrodite a risalire dalle acque del mare per nascere, l'acqua è in assoluto l'elemento primario collegato alla vita, la nostra, di uomini abitanti del pianeta terra che antropizzano i luoghi tramutandoli in città dove l'acqua c'è. Napoli è una città poliedrica, sporta sul magnifico golfo guarda alla Bellezza e ha bisogno di fonti per vivere come raccontarsi. Ecco che le fontane di Napoli seguono la storia dell'antica città fino a noi, trattenendo i segni delle proprie tradizioni culturali con decori litici diventando esse stesse opere d'Arte. Belle come maestose sculture in epoca barocca e neoclassica, impegnano luoghi simbolo del potere o piazze popolari per di più a conferma della loro indispensabile utilità. Si trasformano e si muovono, decodificate e nuovamente inserite nel contesto urbano, parlano il linguaggio dell'ora secondo una disciplina reinventata dalle scelte indicate dalla politica urbana. Le fontane che sono qui descritte si raccontano da sole, scelte tra quelle rimaste dal Medioevo ai primi del XX secolo, a simbolo la fontana del Serino che ha breve vita.

La figura di San Sabino si staglia con una tempra forte, generosamente ispirata dalla difesa del magistero della Chiesa e dei suoi pontefici, un Santo che con le sue amicizie, fratellanze e parentele, ha giocato un ruolo notevole sullo sfondo politico del tempo e di cui oggi tre volenterosi studiosi hanno voluto aggiornare e valorizzare la vita. In questo volume trovano equilibrio narrativo e vigore ermeneutico tre monografie, approfondimenti esegetici sull'uomo e sul Santo, a volte ingiustamente sottostimato: la visione sacrale e pastorale di chi vive dall'interno la magia dell'edificio sabiniano, Mons. Felice Bacco, pubblicista e parroco della Basilica Cattedrale di Canosa. La rappresentazione storico-artistica di un ricercatore instancabile di "memorie sabiniane" come Pasquale Ieva, Presidente della locale sezione della Società di Storia Patria per la Puglia. La visione storica di chi, in qualità di studioso, guida turistica e curatore del Museo dei Vescovi, Sandro Sardella, da oltre due lustri indaga sulla biografia di San Sabino.

Contributi di: M.L. Agati R. Antonelli S. Arcara A.M. Babbi R. Barcellona Ch. Bintoudis G. Carbonaro C. Carpinato M. Cassarino E. Creazzo C. Cupane A. Fabiani M.J. Lacarra G. Lalomia A. Manganaro M. Marchetti M. Pagano A. Punzi S. Rapisarda M.S. Sapegno T. Sardella A. Scuderi L. Silvano G. Zaganelli.

Catalogo edito in occasione della mostra presso Dep Art Gallery. Contiene una intervista a cura di Federico Sardella, le immagini delle opere, fotografie storiche e le installation view della mostra.

Sono qui raccolti gli scritti di Enrico Castellani, sia conosciuti sia inediti, raggruppati secondo nuclei tematici: la teoria dell'arte, l'etica, la politica, il ruolo dell'artista nella società; ma anche testi di carattere più intimo volti a indagare, ad esempio, il tema della memoria. In qualche modo, l'inizio di questo libro corrisponde con la fine: a testimonianza dell'estrema coerenza artistica ed esistenziale di Castellani, le istanze presenti nel primo testo teorico sono ribadite e confermate nell'ultimo del 2012. Un ampio corredo di glosse accompagna il lettore nell'analisi delle opere e lo indirizza verso una conoscenza più profonda del pensiero, della personalità, degli eventi che hanno costellato la vita, la memoria, gli affetti di questo grande artista della contemporaneità. Il valore di questi testi è quello di restituire una visione integrale dell'uomo e dell'artista, dei suoi rapporti con la società, con i movimenti di avanguardia nazionale e internazionale, con i compagni di strada e gli amici, con i dibattiti sorti in ambiti diversi, non solo nell'arte, ma anche nella semiotica, nella letteratura e nella sociologia.

Trattare l'infanzia implica l'assunzione della sua dimensione culturale, mutevole con il variare delle coordinate geografiche e cronologiche; e comporta anche il riconoscimento della sua connaturata fragilità biologica, che si traduce in marginalità sociale, storica e storiografica. Il volume intende individuare aree di intersezione e contiguità, come anche elementi di rottura, nel passaggio fra diverse epoche, società, mentalità, religioni, e fra diversi "spazi" non solo geografici. La riflessione plurale cerca di cogliere la sfida che le scienze umanistiche lanciano a chi le coltiva: possono i saperi umanistici contribuire non solo alla comprensione ma anche alla gestione di questioni urgenti delle società contemporanee, come quelle generate dall'incontro fra culture e dal divario sempre più sensibile fra chi ha voce nei dibattiti pubblici (non solo scientifici) e chi non ne ha, e storicamente non ne ha mai avuta, come l'infanzia? Il tema dell'infanzia è declinato a partire dalla parola chiave "spazio": lo "spazio" compare nel titolo del volume e in quelli di tutti i contributi, e può considerarsi una sorta di assunto metodologico. Lo spazio va, infatti, inteso come luogo metaforico, cioè come contenitore misurabile in termini di importanza, attenzione, cura, e interesse riservati all'infanzia nei diversi ambiti indagati. La percezione di una labilità di lunghissima durata e l'esigenza di uno "spazio" specificamente e significativamente connotato, necessario anche come strumento cognitivo e interpretativo, accomunano la prospettiva di tutti i saggi raccolti in questo volu

La tematizzazione della violenza comporta l'assunzione della sua dimensione culturale, mutevole nello spazio e nel tempo, e della sua connaturata ambiguità, poiché la violenza si ascrive spontaneamente alla categoria del "male" ma può essere giustificata in nome di un "bene" o del "Bene". Superato il concetto di "civiltà" pregiudizialmente etnocentrico (prerequisito necessario ma non scontato), al cui vaglio ancora soggiace certa lettura dei fatti umani, la violenza perde i connotati dell'eccezionalità. Appare come elemento permanente e invasivo della storia umana, come una componente intrinseca ai comportamenti pubblici e privati, individuali e collettivi, quasi un dato impresso nel patrimonio genetico dell'umanità. In quest'ottica ogni cultura non può che incontrare varie forme di violenza e con esse variamente relazionarsi, per gestirle, neutralizzarle, indirizzarle, istituzionalizzarle, eventualmente fruirle. D'altra parte la violenza dell'essere umano non può essere ricondotta, in nome della sua riconosciuta generale pervasività, a mero fatto biologico, ad attitudine istintuale e animalesca, né liquidata come silenzio della coscienza, poiché trova sostanza nello "scorrere ininterrotto di pratiche, discorsi, parole e gesti costitutivi e costituenti". Questo libro propone una riflessione articolata e multidisciplinare sul tema della violenza verbale, cioè individuabile nella comunicazione orale e scritta, letteraria e mediatica, privata e pubblica, in modo esplicito ma anche implicito o neutralizzato. L'obiettivo è quello di cogliere aree di intersezione e contiguità com

Il volume, dal taglio monografico, è dedicato a Emilio Scanavino (Genova, 1922 - Milano, 1982), indiscusso protagonista della stagione informale italiana. Le opere presentate, introdotte da numerosi interventi critici, raccontano il percorso dell'artista, indagando la pluralità espressiva che ha caratterizzato la sua produzione pittorica. Nelle tele, spesso di grande formato, l'artista riversa le sue inquietudini, che prendono forma nel simbolo del nodo: un elemento ricorrente a partire dagli anni sessanta, e che è alla base degli intrecci, segreti e misteriosi, in cui si riconosce l'animo umano. Il volume, corredato da fotografie storiche e arricchito da una conversazione con l'artista del 1961, è completato da una cronologia selezionata. Testi di: Greta Petese, Federico Sardella, Sara Uboldi; conversazione con Antonella Zazzera; intervista a Emilio Scanavino.

La pubblicazione, realizzata con la collaborazione dell'Archivio Mambor, ripercorre le tappe della ricerca di Renato Mambor (1936-2014), artista tra i principali protagonisti del rinnovamento delle arti visive in Italia a partire dalla fine degli anni '50. Tra le più complesse e poliedriche voci del secondo Novecento, la sua opera si colloca in un territorio di confine tra le arti visive e performative, aperta a un rapporto metalinguistico tra l'oggetto, la parola e l'osservatore. Il volume propone uno sguardo approfondito sulla ricerca sperimentale di Mambor nel suo complesso, partendo dalle prime opere, passando alle performance e all'attività teatrale, sino al ritorno alla pittura dagli anni '90. Oltre a una nutrita raccolta di foto di opere e una ricca selezione di immagini di repertorio e testi dell'artista, il volume presenta contributi inediti di Federico Sardella e Sara Uboldi che affrontano il tema della commistione tra pittura, teatro e fotografia e propongono un'esplorazione sul rapporto oggetto-opera-sguardo e sulle performance dell'artista, anche alla luce della recente teoria neuroscientifica dell'Embodiment.

Il volume raccoglie due taccuini disegnati sul campo nell'arco di due anni e qualche tavola disegnata in studio (oltre 60 disegni) da Maria Elena Ferrari, artista naturalista e biologa. Con testi del naturalista Guido Sardella.

"Il discanto è la forma che il poeta/operaio Sandro Sardella ha inventato per scandire momenti fondamentali del vivere civile: '... Tutto nella vita di un Poeta è inutile. L'amore, forse è inutile. Poiché tutto muore. Inutile fare previsioni", dice Sandro. "L'amore per tutto. Per la Rivoluzione. È un amore. Inutile. E la condanna, quella più grande, per un Poeta Operaio. È scrivere. I pescatori non diventano folla. Si resta così. Inutili. E se mai un giorno. Vi accorgeste dei Poeti Operai. Sarà tardi. Ecco perché, vado a ritroso.'" (Giuliano Bugani)

Volume pubblicato in occasione del centenario della nascita di Mario Nigro che accompagna la mostra organizzata dalla galleria Dep Art, un progetto di Antonio Addamiano, a cura di Federico Sardella. All'interno del catalogo, testi di Giovanni Maria Accame e Federico Sardella.

Questo catalogo accompagna la mostra personale di Pietro Coletta nella quale sono esposte le sue recenti sculture realizzate con i materiali a lui più consoni: il rame, ferro, legno trattato a fuoco, pietre.

Concepito con la collaborazione diretta dell'artista e la supervisione di Essila Burello, articolato in due tomi, il Catalogo ragionato offre un resoconto su oltre cinquant'anni di lavoro di uno degli artisti italiani fra i più noti, pubblicando per la prima volta una serie di importanti immagini e documenti inediti. Turi Simeti (Alcamo, 1929; vive e lavora a Milano) nel 1958 si trasferisce a Roma, dove avvia i primi contatti con il mondo dell'arte; avrà poi modo di soggiornare a Londra, Parigi, Basilea e New York, entrando così in contatto con l'avanguardia artistica dell'epoca e muovendosi in sintonia con la dilagante volontà di azzeramento della tradizione e dei codici precostituiti. All'interno di questa rigorosa aspirazione riduzionista, il suo linguaggio acquista una definita riconoscibilità attraverso l'uso della monocromia e del rilievo come uniche procedure compositive. Compare così la figura dell'ellisse, destinata a diventare la cifra iconica dell'artista e la forma che emblematicamente esprime il sentimento attorno al quale, ancora oggi, si sviluppa e si dispiega il suo processo creativo. La stampa del Catalogo ragionato di Turi Simeti, che comprende più di milleottocento opere su tela realizzate a partire dal 1960, oltre a fare il punto su quanto registrato presso l'Archivio Turi Simeti, offre uno spaccato insolito su una produzione apparentemente lineare che, al suo interno, riserva invece continue e inattese scoperte.

Mirabilia, miracoli, magia si fondano sul simbolismo. Nato con la civiltà umana, il simbolo è comunicazione e parola primordiale; ed anche un mezzo per dominare la realtà oltre le umane possibilità. Alle origini dei tatuaggi e della scrittura, simboli e disegni primitivi avevano un potere magico. Il simbolo realizza il potere dell'immagine nella sua forma assoluta. In questo trascendere i limiti umani il simbolo ha un potere sacro, è strumento per catturare e controllare il meraviglioso - cioè tutto quanto sfugge, affascina e terrorizza l'uomo - rientrando esso stesso in quella fenomenologia del meraviglioso che chiamiamo miracolo e magia. Anche quando questo potere sacro è eroso dal corso della storia, il simbolo come comunicazione riconquista spazi che sembravano perduti.

Catalogo della mostra personale della pittrice tedesca Nataly Maier, residente a Milano dal 1980. Sono riprodotti in catalogo i recenti lavori 2012-2016 su tela e collage di tele su tele o carte su tela. Una pittura costituita da stesure di tenui colori monocromi su forme primarie, quadrate o rettangolari, che si sovrappongo o si contrappongono tra loro in un equilibrio instabile ma concentrato.

"Bellezza è vedere il mondo sotto una nuova luce e rendersi conto che questa luce è quella delle torce di Sumon, Shagor, Ainik e tutti gli altri, che non si arrendono di fronte al buio, che non si sono arresi di fronte al viaggio che hanno affrontato, alla desolazione che hanno trovato in quella Pista, ma che hanno scelto di comporre un puzzle con tutte le loro speranze, i loro sogni, perché, chissà, forse sommandole tutte insieme verrà fuori una speranza ancora più grande, un sogno comune e ancora più condiviso." Questo diario ci accompagna nelle baraccopoli degli immigrati della raccolta dei pomodori, ci svela il sistema di sfruttamento che li opprime e ci racconta lo stupore, le emozioni e la rabbia di giovani volontari italiani che alla richiesta di aiuto hanno risposto "io ci sto".

Da sempre si dedicò con passione al disegno e poi alla pittura, interesse quest'ultimo, coltivato dapprima come semplice hobby, poi come una vera e propria ragione di vita. Con il passare del tempo, la vena artistica sempre più incalzante, lo spinse verso nuovi orizzonti e quindi a lanciarsi in nuove esperienza in ambito artistico, come la partecipazione ad alcune estemproanee e concorsi di pittura. Tra il 2001 e il 2006, l'ascesa dell'artista è rapida. Dipinge un considerevole numero di tele di stampo iperrealistico, nature morte, ritratti, ma soprattutto i paesaggi della sua amata terra, la bucolica Murgia e il Tavoliere pugliese. Il 29 luglio 2006, Michele Ficarazzo termina il suo viaggio e si spegne alla giovane età di 31 anni, a causa di un male incurabile e rapido, che gli impedirà di proseguire nel suo cammino artistico e di vita, lasciando un immenso patrimonio artistico a disposizione di tutti coloro che intendano avvicinarsi all'Arte e alle sue molteplici forme espressive.

Nella sala Carlo V di Castel Nuovo, meglio noto come Maschio Angioino, si è tenuta la mostra di Edoardo Pisano, "Chaos. Da Napoli a Napoli", quaranta opere pittoriche di varie dimensioni, eseguite tra la fine degli anni Settanta del Novecento fino ai giorni nostri, spesso rielaborando la stesura pittorica, in tecnica mista, eseguita in anni precedenti.

Figlia d'arte, si è dedicata per circa quarant'anni all'insegnamento di disegno e storia dell'arte. Ha seguito, pertanto, sin dall'infanzia le orme paterne dedicandosi con passione a tutte le fasi di preparazione delle opere pittoriche nonché del restauro pittorico per poi trovarsi, naturalmente, accanto al suo maestro, con il proprio cavalletto, a dipingere "en plein air" i suggestivi e affascinanti scorci panoramici della costa Flegrea. Annamaria si cimentava a dipingere dal vero, sin da giovane, raccogliendo ampi consensi dagli artisti presenti nello studio di suo padre. Prestigiosa fucina di scambi culturali fu anche la frequentazione della sede al Maschio Angioino dell'Unione Cattolica Artisti Italiani che vide tra i soci fondatori proprio suo padre con l'adesione dei maggiori artisti italiani. La sua attività artistica non si è mai interrotta ed ha sempre operato sperimentando nuove tecniche per approdare di recente, ad una nuova forma "espressiva" frutto di una radicale sintesi ed equilibrio formale in chiave tridimensionale dai forti contrasti cromatici caratterizzati dal nero e dalle terre brune con i bagliori di geometrie lavorate a foglia d'oro. Ha partecipato a numerose rassegne espositive ricevendo unanimi consensi di pubblico e di critica.

Questo volume collettaneo propone una serie di percorsi formativi per educare al turismo responsabile, sostenibile e sociale; gli autori insistono sul rapporto con l'altrove e la diversità in termini culturali come elementi caratterizzanti una forma nuova di turismo.

Articolato in due tomi, il Catalogo ragionato di Enrico Castellani offre un resoconto inedito sui primi cinquant'anni di lavoro dell'artista. Il primo volume comprende oltre 200 immagini di opere realizzate a partire dal 1958 sino a oggi, molte delle quali inedite. Le pitture iniziali, la sua prima superficie a rilievo e alcune delle successive, i dittici, i trittici, i baldacchini e gli angolari, le opere atipiche, gli ambienti e le installazioni... una selezione di immagini che permette di accedere all'universo creativo dell'artista. Introdotto da un lungo saggio di Bruno Corà, che analizza la totalità del percorso creativo di Castellani e svela alcuni degli aspetti più intimi e seducenti che lo caratterizzano, e da uno scritto di Marco Meneguzzo che inquadra l'importanza e il carattere internazionale dell'opera, il primo tomo si presenta come una monografia sull'artista e contiene i principali scritti redatti da Castellani (teorici, polemici, politici) e una selezione di scatti che costituiscono una sorta d'insolita biografia per immagini. Il secondo volume, ordinato cronologicamente, costituisce il catalogo ragionato delle opere e ripercorre i primi cinque decenni di lavoro di Castellani che, coinvolto in prima persona in questa fondamentale ricognizione, ha preso in esame tutti i documenti e le immagini pubblicati.

Poetico reportage di Sandro Sardella sul San Francisco International Poetry Festival a cui l'autore è stato invitato come unica rappresentanza italiana dal 26 al 29 luglio 2012 ed a cui è stata dedicata una personale di arte visiva. "Discanto in San Francisco" è pubblicato bilingue e gode della traduzione di Jack Hirshman e della copertina di Agneta Falk.

Ci siam fatti travolgere dalle onde ed ora non possiamo fare a meno di continuare a fluttuare fuori onda, dove riecheggia il verso di chiusura del primo volume "ellis island" di Robert Viscusi: "ci costruirono italie sfruttandoci come schiavi". Quest'epopea italoamericana, fatta di eroi civilmente responsabili, di migrazioni passate e presenti, secondo il principio di libertà, comincia a restare impressa come un film in bianco e nero. E come un film lo viviamo "a distanza". I libri 5-8, raccolti in questo secondo volume, continuano a scandirci storie che ci "travolgono come onde", svelandoci verità nascoste nel nostro intimo essere umano, fatto di sfruttati e sfruttatori: una visione onirica aleggia tra i quarantotto sonetti con trasposizione italiana a fronte. "qualsiasi povero è un indiano in questo momento" (8.8) e la nostra idea di carattere, di profilo ben delineato fa i conti con "emissioni armate di traiettoria cartesiana che lottano nell'aria elettronica" (8.11). Siamo entrati con questi quattro libri nell'essenza dello "sfruttamento": siano materia prima umana del nuovo mondo o ininterrotte reti magiche di parole, l'uomo le sfrutta sempre al limite, in maniera ossessiva. Continuiamo, quindi, a ricomporre l'immagine dell'Italia "sfruttata e sfruttratrice", a restituire a questo Bel Paese, orfano di memoria, la rappresentazione dei nostri nonni e bisnonni che oltre un secolo fa approdarono ad Ellis Island, l'isola della speranza e delle lacrime.

"Tra reale ed irreale... la forza della natura esplode, meravigliosa, primordiale, violenta, epuratrice, spesso inspiegabile. Così percepisco il modo di dipingere di Alfredo Bovio Di Giovanni, mio nonno. Il colore travolge i soggetti, li trascina sulla tela lasciandone intravedere qualche frammento che regala all'occhio del fruitore l'illusione di poter comprendere il complesso mondo interiore di un uomo, un artista che fece di quell'intrinseca, potente energia, la sua espressione di vita. Con il grande rammarico di non aver saputo vivere più da vicino e più intensamente quel suo mondo, oggi provo a riscattarmi, almeno in parte, impegnandomi a fare, con il sostegno dell'intera famiglia, tutto ciò che potrò per riportare la meritata luce sulle sue opere, per diffonderle e farle amare." (Barbara Nazzaro)

Sandro Sardella, poeta operaio, ancora nel 2011, usa di base una forma di comunicazione diretta: come in fabbrica distribuiva ad personam i suoi volantini, implementandoli con il suo essere umano pensante, così ancora oggi concepisce il fare un libro: poche copie, distribuite brevi manu. Una rivoluzionaria forma di comunicazione interpersonale, l'unica intramontabile arte che raggiunga il prossimo. Soprattutto, quando l'arte della "novità prensile sorridente" (come lo versifica Corrado Levi) è responsabilmente civile verso gli "operai marchiati" verso le "rappresentanze sindacali". Sandro Sardella con i suoi segnali (volantini, poesie e "fuori busta" quotidiani) contesta non solo il potere, ma anche il contropotere. Forse connivente, sicuramente funzionale.

Un libro fotografico dedicato a Piero Dorazio quale omaggio ad uno dei "pilastri" dell'astrattismo italiano che scelse Todi come luogo eletto per vivere e realizzare le sue opere. Con questa iniziativa la figura di Dorazio, artista e uomo, diviene essa stessa opera d'arte grazie allo scatto di Aurelio Amendola, un maestro della fotografia italiana. «Ho vissuto a Parigi, a Berlino, a Utrecht, a New York, a Praga, a Filadelfia ma soprattutto a Roma e mai avrei immaginato di finire qui a Todi, i miei ultimi anni. Sono nato a Roma e a volte guardando i cipressi centenari del mio giardino, penso che in fondo questa volta, ho semplicemente risalito il Tevere. Quel fiume sacro per noi e per i Romani antichi che nasce qui a monte, dimenticato a favore dell'Arno sia nel Rinascimento che nell'Ottocento. Proprio il Tevere è la vena aorta dell'Umbria e del Lazio [...]. A volte mi chiedo come ho potuto trascorrere qui in continuazione venti anni della mia esistenza. Notte dopo notte, alba dopo alba, in qualsiasi stagione, per qualche anno quasi sempre da solo, eppure senza ansia e spesso in silenzio. Mi chiedo come è accaduto che tanti anni siano trascorsi e che abbia lavorato tanto, senza che me ne accorgessi. A chi devo questo miracolo? Al silenzio, ai bambini, al tempo, alle ore di ogni giorno che erano tutte mie senza che le contassi, però, come dice Ungaretti: "Senza mai distrarmene".» (Piero Dorazio, 1993).