Da molto tempo volevo proporre una mostra su "Crack": i miei cari amici Fabio Mauri e Gino Marotta me ne avevano parlato tantissimo, sempre, come di un esperimento molto interessante e importante, unico nel suo genere, dove per la prima volta gli artisti si univano per diversità più che per affinità. Così quando Luca Gracis ha accolto con entusiasmo la proposta, Francesca Tribò si è messa subito al lavoro, Francesco Guzzetti ha manifestato il suo interesse per la parte teorica, gli archivi hanno collaborato fattivamente e attivamente, sono stata molto lieta soprattutto per la conferma della bontà della proposta. Ne ho parlato con Achille Mauri, fratello di Fabio, che aveva partecipato all'impresa in qualità di editore. Con la consueta vitalità Achille ha sposato l'impresa di fare la mostra e accompagnarla con un catalogo dove la pubblicazione dell'epoca sarebbe riapparsa in ristampa anastatica, come avevamo ipotizzato con Francesco Guzzetti, contributo importante alla conoscenza di quell'episodio.

Questo libro raccoglie le opere più recenti di Fan Bo, un artista che si stacca dai cliché di lettura degli artisti contemporanei cinesi, la cui maggior parte è cresciuta con una formazione artistica di stile realista-socialista, e che in larga parte ha in seguito partecipato a quell'onda di dissidenza dall'omologazione stilistica che ha interessato la Cina dal 1985 in poi, portando la maggior parte di loro a guardare ai linguaggi occidentali. Questo periodo di tempo riveste una particolare importanza per l'artista che, come ricorda lo studioso Filippo Salviati (il cui saggio è presente nel libro), in questi anni registra un cambiamento repentino nel suo percorso artistico, che vede volgere l'artista dall'uso di una pittura visionaria, ma pur sempre figurativa, a un utilizzo ampio e a 360 gradi di materiali, media e linguaggi, con uno sconfinamento assoluto anche tra una sensibilità orientale e una occidentale.

Da questo punto di vista credo sia sottovalutata l'importanza degli artisti italiani del secondo dopoguerra e la loro influenza nell'ambito dell'evoluzione dei nuovi linguaggi fino ai giorni nostri, anche a livello internazionale. La riapertura di un nuovo spazio con questa mostra, nella drammatica congiuntura che abbiamo vissuto quest'anno a livello globale rappresenta per me la sfida di rilanciare, consapevole che operare in un settore così vitale come quello della cultura implica una responsabilità. Proprio come la galleria e la rivista fondate da Bruna Soletti a Milano nel 1971 - dal nome delle quali abbiamo preso in prestito il titolo di questa mostra - l'idea è quella di rafforzare la galleria come spazio di produzione culturale. Un luogo di aggregazione che favorisca anche scambi e confluenze tra i diversi linguaggi, nell'obiettivo di mantenere attivo un coinvolgimento che possa riaffermare il senso "politico" del fare arte.

Ogni anno a Villa Medici si forma una comunità provvisoria, effimera, che in molti casi non si conosceva, che poi tornerà a disperdersi, ma che vive qui un periodo fertile, felice e incantato in un territorio magico in cui si sposano in perfetta armonia natura e cultura, giardino e architettura. Questo incanto si è mantenuto nonostante l'assedio dei veleni cittadini che circondano la Villa, l'aveva notato Hans Obrist, quando lavoravamo qui ormai oltre venti anni fa. Questa comunità è fatta di artisti e intellettuali che lavorano con diverse discipline, che utilizzano tutti i linguaggi della creatività, che hanno in molti casi provenienze diverse. L'incontro (e a volte anche lo scontro, sempre positivo) delle differenze e delle divergenze si rivela sempre produttivo e genera fatti nuovi e diversi. Quest'anno in particolare i pensionnaires, oltre a lavorare ai propri progetti (a volti legandoli alla Villa o alla città, a volte seguendo un proprio fi lo non direttamente a esse collegato) hanno creato qualcosa insieme, hanno utilizzato le variegate competenze per costruire qualcosa e realizzare un prodotto comune, qualcosa di condiviso e corale: una rivista.

Il tessuto dell'arte italiana è fatto di alcune peculiari differenze difficilmente riconducibili all'interno di rassicuranti e comode etichette. Questo libro, Controcorrente, prende in esame alcuni tra i più grandi artisti italiani che hanno operato al di fuori, o in modo non conforme, al mainstream e alle logiche dei raggruppamenti. Sono artisti che hanno avuto il coraggio di essere soli: Alighiero Boetti, Gino De Dominicis, Luciano Fabro, Fabio Mauri, Marisa Merz, Vettor Pisani, nella loro radicale diversità sono tra i grandi solitari dell'arte italiana. Nonostante la loro solitudine sono guardati con grande attenzione dalle giovani generazioni alle quali hanno aperto molte strade. Il libro approfondisce alcuni aspetti del loro lavoro e fornisce una chiave di lettura per la loro opera: l'intrinseca transculturalità e il perpetuo dialogo con l'altro di Boetti; l'assoluta fede nell'arte fuori dal tempo di De Dominicis; il tema del corpo e il rapporto con la classicità in chiave del tutto contemporanea di Fabro; lo svelamento della manipolazione dell'ideologia di Mauri; il viaggio iniziatico ed esoterico di Pisani. Per il lavoro segreto di Marisa Merz cenni e silenzi.

La fotografia per l'arte. L'arte della fotografia. La fotografia dell'arte. L'arte per la fotografia. Molti fili creativi si liberano e si intrecciano nell'ideazione e nell'allestimento di Elisabetta Catalano. Tra immagine e performance, nuova tappa prestigiosa dell'itinerario che il MAXXI percorre con molto impegno per documentare e per valorizzare la produzione di alcuni dei principali interpreti italiani dell'inquadratura. Gabriele Basilico, Letizia Battaglia, Luigi Ghirri, Paolo Pellegrin, Olivo Barbieri e altri fotografi, per rammentare i protagonisti degli ultimi scorci di programmazione, hanno trovato qui ambientazioni uniche per trasmettere emozioni a un pubblico particolarmente attento e affezionato.

Fabio Mauri e Antoni Muntadas sono due grandi precursori che con il loro lavoro hanno anticipato molte delle tematiche contemporanee. Si tratta di due artisti diversi e con specificità differenti, tuttavia esistono elementi che possono accomunarli relativamente a temi e problemi affrontati. La parola chiave del possibile legame tra i due è potere che ambedue gli artisti indagano negli aspetti politici, economici, mediatici e culturali. Tutti i lavori di Mauri e Muntadas sono intrinsecamente politici. Ma alcuni indagano in modo più specifico il tema della politica. L'opera di Mauri "Manipolazione di cultura" analizza i meccanismi del consenso di due dittature del passato (ma vissute dall'artista stesso in gioventù), fascismo e nazismo, svelandone le pratiche manipolatorie. Il work in progress di Muntadas intitolato "Political advertisement" è costituito da un serrato montaggio delle campagne elettorali presidenziali degli ultimi anni negli USA mettendo a nudo le tecniche della comunicazione politica. Molte altre tematiche sono poi connesse a quella politica e ideologica.

Con il 1968 prende l'avvio un periodo di grandi contestazioni e creatività che, pur non realizzando una rivoluzione politica, ha però portato profondi mutamenti nella società, nella cultura, nel costume. Di quella stagione rovente Fabio Mauri (Roma, 1926-2009) è stato lucido testimone, riuscendo a mettere a punto un linguaggio - incentrato sul concetto d'ideologia - capace di esprimere la complessità politica e sociale di quel momento storico. Il volume propone una selezione tra le opere di Fabio Mauri che rappresentano una sintesi del pensiero dell'artista risalenti al decennio 1968-1978, tra fotografie, installazioni, proiezioni e disegni.

Il volume presenta il ritrovamento delle bozze del discorso di Benedetto Croce tenuto al Congresso di Bari nel 1944. Il piccolo volumetto di bozze fu regalato dallo stesso Croce a Ian Greenlees, il cui fondo librario e archivistico è conservato presso la Biblioteca comunale di Bagni di Lucca. Una introduzione sulla storia di Ian Greenlees con la famiglia Croce, una perizia calligrafica e un contributo sulla collezione libraria di Greenlees relativamente al periodo di Radio Bari, costituiscono l'ossatura centrale del volume che, infine, ripropone in edizione anastatica a colori le stesse bozze.

Maria bifronte Crispal. Accanto al grande tema dell'icona femminile, c'è l'idea del mondo di oggi, radicalmente trasformato da Internet. Le due tematiche appaiono sotterraneamente collegate tra di loro, come vasi comunicanti. Maria Crispal infatti parla di utero web, lei stessa si pone come "icona connessa". Cos'è Internet, si domanda l'artista, se non una macchina che genera energia cosmica? Internet si configura come una grande, articolata e polivalente macchina/madre. L'accostamento tra il corpo femminile e un congegno meccanico non è nuovo nella storia dell'arte. Marcel Duchamp con la "Sposa messa a nudo nel Grande Vetro" ha in fondo reso meccanica la Grande Madre rappresentata da Gustave Courbet in "L'origine du monde". Riflettendo sul Grande Vetro Vettor Pisani costruirà un vero e proprio congegno meccanico, "Lo Scorrevole". Poi ci sarà la mostra "Le macchine celibi" di Harald Szeemann. Maria Crispal però lo declina in modo assolutamente inedito, originale e contemporaneo.

Il progetto "World Academy" nasce da una stratta collaborazione tra l'Accademia di Brera e la Regione Lombardia in occasione di Expo 2015... Il progetto consiste nell'esposizione di sessantasei stampa di grande formato, esposte in gruppi che si sono succeduti fino alla fine di Expo 2015. World Academy riunisce sessantasei artisti provenienti da tutto il mondo che si incontrano virtualmente, e non solo, sul cibo e dell'alimentazione... obiettivo di questo progetto è stato quello di portare all'attenzione della città di Milano e tutti i visitatori Expo i lavori di artisti diversissimi tra loro... ma vicini a noi e tra di loro attraverso il linguaggio dell'arte e della cultura. Le immagini donate per World Academy sono un prezioso Atlante che guida la nostra immaginazione e coscienza verso una ulteriore consapevolezza sociale ed estetica.

"Dipingo in orizzontale. I lavori eseguiti in quella posizione sono come mantra. In ogni opera ci sono vari livelli di velature con l'acqua, quindi ci sono circa 10 passaggi di colore in ogni opera... Mentre lavoro faccio esercizi di yoga, meditazione e stretching". L'artista Alberto Di Fabio predispone il proprio corpo e la propria mente, li sottrae al rumore circostante, al nostro tempo e al nostro spazio. Dipingere è per lui un esercizio spirituale, che coinvolge tutto l'essere e la dimensione psicofisica. Il fine della ricerca di Di Fabio è quello di rendere visibile l'invisibile. Ma questo è, in ultima analisi, il fine dell'arte stessa, poiché, come insegna la fisica, l'immagine delle cose e la loro struttura interna non corrispondono. È estremamente suggestivo che Di Fabio torni alla radice del termine Cosmo nella doppia accezione di "ordine" e di "ornamento". L'immagine dell'oggetto più antico di cui disponiamo è quella della radiazione cosmica di fondo, che ha giocato un ruolo chiave in cosmologia fin dalla sua scoperta, a metà degli anni Sessanta. Di certo si tratta di un fenomeno straordinario.

Il volume è il catalogo della mostra (Torino, Archivio di Stato, 2 novembre 4 dicembre 2005; Roma, Istituto Nazionale per la Grafica, 15 dicembre 2005 12 febbraio 2006) che affronta le relazioni tra arte e cinema, indagando il lavoro di alcuni artisti contemporanei - tra cui Fabio Mauri, Tracey Moffat, Adam Chodzko, Grazia Toderi, Giulio Pasolini - sull'opera di uno tra i più interessanti intellettuali italiani del dopoguerra, Pier Paolo Pasolini. Pasolini stesso, allievo di Roberto Longhi all'Università di Bologna, era stato fortemente influenzato, soprattutto nelle sue opere di regia, dall'arte figurativa.

Il catalogo, che racconta la personalità artistica di Massimo Bartolini attraverso le sue opere, si apre con le immagini della mostra alla GAM, per ripercorrere poi i lavori dell'artista dagli esordi negli anni Novanta fino ai più recenti: installazioni, fotografie e disegni compongono la produzione artistica di Massimo Bartolini. Tre testi critici, di Laura Cherubini, João Fernandes e Joseph Rykwert, accompagnano le immagini per approfondire i temi dell'arte di Bartolini.

«Antonio Catelani ha riformulato la questione del quadro "da scultore". La pittura non ha peso, mentre in questo caso sembra esserci il peso del colore distillato: si tratta della risposta cromatica che precedentemente il lavoro in spessore dei monocromi (1994-95) non riusciva a dare. Per il quadro "da scultore" di Catelani il peso è un elemento fondamentale». «Il lavoro di Daniela De Lorenzo sull'autoritratto è un lavoro sull'identità, ma non sulla somiglianza. Il soggetto è davanti alla macchina, l'obiettivo è aperto con movimenti lentissimi. Con questo procedimento De Lorenzo fa un uso performativo della fotografia [...] ».