Che cos'è l''arte fighetta'? È un'arte che aderisce totalmente ai valori delle élite e delle classi privilegiate, rinunciando di fatto al compito di interpretare criticamente la realtà, con la conseguenza di consegnare opere e autori al territorio della decorazione, strettamente connesso a quello della finanziarizzazione. Negli ultimi decenni, infatti, il conformismo sociale impedisce a molte delle opere ammesse nel sistema dell'arte di essere autenticamente radicali. Christian Caliandro parte così da un'indagine del fighettismo nell'arte degli ultimi decenni, inteso come approccio e come disposizione d'animo, per muoversi poi alla ricerca della nozione di 'pop sotterraneo' - emersa nel territorio musicale tra anni Ottanta e Novanta - come possibile modello di un'arte nonfighetta dalle specifiche caratteristiche. Tra critica d'arte e autobiografia, tra sociologia culturale e teoria artistica, il volume si dedica con piglio polemico a scandagliare attentamente riflessi, funzionamenti interni e ruoli dell'arte fighetta.

L'arte è rotta - o meglio, si è rotta la bellissima finzione in cui l'industria dell'arte amava specchiarsi. 'Il migliore dei sistemi possibili' si basa su precariato, classismo e autoreferenzialità; ma quel che è peggio è che oggi l'arte appare senza vocazione. Un vestito intellettuale per grandi ego, da sfoggiare con opere educate, perbene, accondiscendenti, opere su «temi di attualità», opere di cui non si capisce nulla, opere fighette. Questi saggi di Christian Caliandro vanno oltre la critica d'arte per farsi critica del nostro tempo likeable, dove tutto è pianificato per piacere - e dunque anti-artistico. Ma sono anche un diario e un racconto di alcune esperienze autentiche, che pure esistono, e il punto di partenza per una visione differente. Quella di un'arte che si riallaccia al mondo reale, non retorica e non consolatoria, disponibile all'imprevisto; che entra nei palazzi, vive le strade e i quartieri. Un'arte che si mette in dubbio e discute con le persone, scavalcando il recinto in cui si è rinchiusa da sola.

Scopo del presente manuale è fornire uno strumento utile, adeguato e aggiornato, appositamente progettato per gli studenti delle Accademie di Belle Arti che vogliano intraprendere le varie professioni del mondo dell'arte contemporanea (artista, critico, curatore, giornalista, comunicatore, gallerista). Il testo, pur adottando un rigoroso approccio storico, è suddiviso per temi in grado di connettere punti lontani e di permettere un'interpretazione dei fenomeni da molteplici punti di vista. Il libro, dunque, rende conto non solo del susseguirsi dei processi e dei movimenti artistici, ma anche per esempio dell'evoluzione dell'idea e della pratica di critica e curatela, dello sviluppo del mercato attraverso una breve storia delle istituzioni pubbliche e delle fiere d'arte, della trasformazione nel tempo della galleria e del giornalismo artistico.

Catalogo della Mostra - programma di Residenze con: Marco Ulivieri, Laura Cionci, Emanuela Barilozzi Caruso, Marco Raparelli. Con la partecipazione di Claudia Di Palma, Angelo Ferracuti, Simone Innocenti.

L'evoluzione italiana è già iniziata, anche se è sommersa, sotterranea, nascosta. Questo libro è un viaggio che attraversa non solo chi siamo, ma anche e soprattutto chi potremmo essere. Italia Evolution indaga le numerose zone 'interdette' del nostro Paese (fisiche e psichiche, materiali e culturali), gli esperimenti di futuro in corso, le diverse percezioni della cultura italiana, gli immaginari del recente passato e quelli in via di costruzione, i processi artistici basati su una relazione intensa con le comunità e i territori. In questo momento storico, infatti, occorre investire simbolicamente nel proprio scenario di riferimento, scommettere che le cose andranno in un modo e non in un altro. Perché scegliere una via piuttosto che un'altra comporta scegliere e adottare una 'forma di vita', un sistema di valori e una pratica quotidiana fondati su umiltà, semplicità, intensità, esperienza, condivisione.

Il volume presenta ai lettori il patrimonio d'arte del Gruppo Unipol. La storia delle compagnie del Gruppo Unipol risale a quasi duecento anni fa ed è indissolubilmente intrecciata a quella del nostro Paese, allo sviluppo del quale ha contribuito dal punto di vista economico, sociale e culturale. Le acquisizioni delle opere d'arte avvenute nel corso degli anni sono legate alle quattro città (Milano, Firenze, Torino, Bologna) in cui si sono svolte le principali vicende che hanno portato alla nascita del Gruppo: da qui la grande ricchezza e varietà del patrimonio collezionato, che consente di cogliere le specificità e l'evoluzione di ciò che - decennio dopo decennio - viene percepito come 'contemporaneo'. Fra gli artisti presenti nella raccolta: Umberto Boccioni, Alberto Savinio, Mario Sironi, Lucio Fontana, Carlo Levi, Ennio Morlotti, Alberto Burri, Francesco Lo Savio, Franco Angeli, Mario Schifano, Paolo Icaro, Giuseppe Spagnulo, Mimmo Paladino.

Il libro che avete tra le mani è un dialogo tra un imprenditore e uno storico dell'arte che studia l'immaginario culturale contemporaneo, la conversazione, divisa in due sezioni, ruota attorno all'idea e alla pratica del depackaging design, attorno a questo nucleo concettuale si sviluppa una serie di riflessioni sulla forma del mondo contemporaneo, sulla nostra percezione del tempo e dello spazio, sul ripiegamento e sull'avvitamento di un'intera civiltà, sul rapporto, soprattutto, tra impresa, cultura e arte. i settori industriali e produttivi riverberano settori disciplinari, culturali, creativi e umani, ma la realtà non esiste in questo modo, e proprio attraverso il rapporto curioso e attento con il mondo e con la realtà, arte e impresa possono prosperare: ogni innovazione è, per definizione, uno scarto rispetto all'esistente, esistente che però occorre prima conoscere ed esperire. Solo questa conoscenza e questa esperienza ci permettono di produrre senso, in tale ottica, il depackaging design è uno svelamento continuo: ha come obiettivo la decostruzione dell'oggetto osservato, per decifrare questo senso e articolare la sua produzione, fa emergere dimensioni e livelli nuovi attraverso la collaborazione e l'interazione: l'integrazione reciproca: è una dimensione di apertura.

Siamo abituati a raccontare gli anni Ottanta come un periodo dominato dal glamour e dalla leggerezza. In realtà, è stato un decennio molto più pesante, duro e livido di quanto comunemente si pensi. Dalla diretta della tragedia di Vermicino alla nascita delle Tv private, nulla è più stato come prima: i processi di trasformazione, rimozione e riflusso si intrecciano e si sovrappongono, nascono i fantasmi che ci visiteranno nei successivi decenni. Il nostro Paese è quindi preda da almeno trent'anni di una forma di schizofrenia: si è raccontato un'altra verità, stretto nel conflitto generazionale tra i 'vecchi' che avevano vissuto la ricostruzione e il boom e i 'giovani' sessantottini, che di quei drammi e di quegli slanci non sapevano nulla ed erano cresciuti nel benessere. Oggi quindi - esattamente come nel secondo dopoguerra - il nostro Paese va ricostruito, riportando al centro la realtà: solo la cultura potrà dare origine alla grande rivoluzione di cui abbiamo bisogno.

In un clima politico in cui si nega l'importanza della cultura perché non produce denaro, perché 'di cultura non si vive', questo vivace intervento farà certamente discutere. È singolare constatare come proprio il Paese 'che ha la cultura nel suo DNA' sia anche quello che è rimasto aggrappato a vecchi schemi e a concezioni obsolete, prima fra tutte la distinzione netta tra salvaguardia del patrimonio artistico e produzione culturale contemporanea. Lo scrigno in cui conserviamo il patrimonio artistico è però diventato, di fatto, una tomba che ospita il rimosso della cultura e imprigiona il Paese da almeno trent'anni in una condizione di amnesia collettiva e di paralisi. Da questa trappola bisogna uscire: secondo gli autori, innovazione, creatività e produzione culturale sono gli unici elementi in grado di rompere il blocco psicologico che sembra attanagliare l'Italia, anche sul versante economico, e possono diventare i fattori propulsivi della ricostruzione identitaria del Paese.

Il Museo Nazionale delle arti del XXI secolo mira a diffondere e valorizzare le ricerche artistiche e architettoniche più attuali, al fine di aprire la cultura artistica italiana a una nuova stagione di riflessione sulla contemporaneità artistica, che diviene il baricentro di un'articolata attività di ricerca, conservazione e documentazione nonché di uno specifico impegno dedicato alla formazione di nuove leve di critici e studiosi. È con questo intento che il Ministero per i Beni e le Attività culturali e il MAXXI hanno istituito nel 2006 un premio per la miglior tesi di laurea e dottorato di ricerca dedicata all'arte contemporanea italiana. Questo lavoro, incentrato sulla trasformazione delle immagini nello scenario culturale della modernità, prende in esame le diverse genealogie storiche e culturali delle arti visive tra anni Settanta e Ottanta, accompagnandole con un'approfondita rivisitazione del paesaggio teorico dell'epoca e ricostruendo il momento cruciale di un mutamento di paradigma che ha ridefinito i contorni dell'esperienza artistica contemporanea e tuttora costituisce materia di un vivace quanto fondamentale dibattito storico-teorico.