Fabio Mauri (Roma, 1926-2009) è stato, con le sue installazioni, le sue performance e suoi scritti, uno dei più importanti esponenti dell'Avanguardia del secondo dopoguerra. La produzione di dipinti e di opere su carta è quella meno conosciuta al grande pubblico, benché Mauri abbia sempre dipinto e disegnato, esponendo solo una minima parte e in rari casi, queste opere, che rappresentano una sua dimensione più personale e intima. La mostra "Opere dall'Apocalisse" - il progetto espositivo della galleria Viasaterna, curato da Francesca Alfano Miglietti e organizzato in collaborazione con lo Studio Fabio Mauri e Hauser & Wirth - è stata l'occasione di ammirare per la prima volta una selezione delle opere su carta di Mauri in particolare quelle della serie cosiddetta dell'Apocalisse. Un tema che per Mauri svela e rivela i misteri del Mondo e che è centrale in molti dipinti e disegni dal forte cromatismo, realizzati a tecnica mista. Ritornano in questa selezione lunghe trombe suonate da angeli, lampi tuonanti, cieli con nuvole elettrostatiche e paesaggi naturali scossi dal vento. E grandi e solitari fiori, a volte piccoli elementi riconducibili all'umano: una coppia, una nave, un aereo-nuvola, un faro, una casa e un campo coltivato e un campo recintato o un campo di concentramento. Un insieme unitario e coerente di opere, una serie appunto, la maggior parte firmate e datate 1983. A questa si aggiunge il gruppo degli Scorticati, dalle squillanti tinte fluo, e alcune opere che hanno come suggestione la forma del Dramophone. Il volume "Opere dall'Apocalisse" documenta l'itinerario

Il catalogo e la mostra (Palazzo Reale, Milano, 27 ottobre 2021 - 30 gennaio 2022), nati originariamentedal dialogo della curatrice Francesca Alfano Miglietti con la storica dell'arte e critica militante Lea Vergine, offrono una riflessione sull'insorgere nella contemporaneità di nuove forme di rappresentazione, ponendo l'attenzione sullo storico passaggio dal corpo vivo protagonista della Body Art al corpo rifatto dell'Iperrealismo, riflettendo sul mutamento dei canoni estetici della rappresentazione e sulla potente evocazione dell'individuo mediante i suoi resti, le sue tracce, i suoi rivestimenti. Il titolo si riferisce alla scomparsa del "corpo vero" a favore del "corpo dello spettacolo". Da un Corpo Glorioso - il corpo della consapevolezza, della ribellione, dell'alterità - al Corpo del Contemporaneo, inteso nella sua declinazione di corpo della società dello spettacolo e nelle sue forme più poetiche: il corpo dell'esodo, del lavoro, della moltitudine silenziosa. Ecco dunque corpi perfetti, modificati, ripensati, prodotti e riprodotti ed essenzialmente finti da un lato; dall'altro, corpi reali ma imperfetti, non rispondenti ai canoni estetici in vigore che, privati dell'accesso all'immagine, divengono invisibili. Attraverso installazioni, sculture, disegni, videoinstallazioni e fotografie, il lettore si immergerà in un percorso poliedrico, composto da 111 opere di 34 artisti riconosciuti a livello internazionale - alcune delle quali vere icone del contemporaneo, esposte per la prima volta in Italia, per raccontare la molteplicità della rappresentazione dell'essere uman

Il corpo di Pier Paolo Pasolini usato come schermo per la proiezione del Vangelo secondo Matteo; una giovane donna con la stella di David tatuata sul petto, che si taglia i capelli e li usa per formare lo stesso segno su uno specchio; un muro di vecchie valigie che racchiude ogni muro, ogni storia insanguinata del Novecento; la sagoma di un monitor che preme sotto una tela, reclamando la sua ingombrante presenza. Sono sufficienti poche opere a testimoniare la varietà e l'ampiezza semantica della produzione di Fabio Mauri, uno dei più grandi maestri dell'avanguardia italiana. All'origine della sua arte tragica ed eretica - eppure segnata da una vena di malinconia che raggiunge lo spettatore come una carezza -, le esperienze esistenziali e politiche dei suoi primi diciotto anni di vita: la guerra, la conversione, gli amici ebrei mai più ritornati, la follia e l'internamento. Esperienze indagate e rimodulate attraverso i linguaggi e i materiali più diversi: dagli schermi degli anni cinquanta - ad attestare la precoce consapevolezza che quell'oggetto sta diventando la principale forma simbolica del mondo -, fino alle più recenti installazioni degli anni zero; e ancora, dall'objet trouvé alla performance, dalle proiezioni alla scrittura. Scrittura che è centrale nella sua pratica artistica, come evidenzia il contributo alla fondazione delle riviste Il Setaccio (con Pasolini), Quindici (con Eco, Sanguineti, Pagliarani, Balestrini, Porta, Arbasino, Manganelli), La città di Riga (con Kounellis). Scritti in mostra testimonia il cruciale rapporto tra un artista e la sua curatrice. I

Il volume nasce in occasione della mostra Letizia Battaglia, Fotografia come scelta di vita, (Venezia, Casa dei Tre Oci), un volume antologico che raccoglie ben 300 scatti, molti dei quali inediti, provenienti dall'archivio storico della grande fotografa, con l'intento di raccontare un'artista, una donna e una vita. Letizia Battaglia è riconosciuta come una delle figure più importanti della fotografia contemporanea non solo per i suoi scatti saldamente presenti nell'immaginario collettivo, ma soprattutto per il valore civile ed etico da lei attribuito al fare fotografia. Nel catalogo oltre al saggio introduttivo della curatrice Francesca Alfano Miglietti, sono presenti interventi di noti personaggi quali il sindaco di Palermo Leoluca Orlando, Filippo La Mantia, e il fotografo Paolo Ventura. Un saggio di Maria Chiara Di Trapani racconta inoltre la vita nell'archivio della fotografa. Si presenta una Letizia Battaglia inedita, fotografa di mafia ma anche della bellezza: dagli omicidi di piazza a Milano negli anni settanta agli animali, le coppie, i baci; l'inconsapevole eleganza delle bambine del quartiere Cala a Palermo; le processioni religiose, lo scempio delle coste siciliane, i volti di Giovanni Falcone, Pier Paolo Pasolini e di tante donne nelle quali la fotografa si rispecchia. Nel volume si documentano inoltre l'impegno politico, l'attività editoriale, quella teatrale e cinematografica e la recente istituzione del Centro internazionale di fotografia a Palermo.

Un modo di vedere, un vedere doppio... Una serie di appunti sulle questioni sollevate dal problema della "visione" attraverso le opere di un nucleo di artisti contemporanei. Un saggio che diventa indagine linguistica imprescindibile da quella visiva, essendo suo tema costante lo "sguardo", il "guardare". Parole e opere che interagiscono spingendo il lettore a farsi obbligatoriamente anche "osservatore". Spesso, quanto accomuna questi autori - Fabio Mauri, Gino De Dominicis, Jannis Kounellis, Oscar Munoz. Claudio Parmiggiani, On Kawara tra gli altri - è apparentemente un pretesto, uno strumento, un segnale. In realtà, a renderli vicini è una potente onnipotenza: far vedere quello che non c'è, far vedere un presagio, una memoria, un amore, un tempo, un disagio, tutte "cose" che non si vedono e tuttavia si sentono, si percepiscono, coinvolgono, inquietano, attraggono. Con un'introduzione di Franco "Bifo" Berardi e un testo di Filippo Timi.

Pubblicata in occasione della mostra antologica di opere d'arte realizzate negli ultimi vent'anni da Antonio Marras, la monografia racconta il mondo visionario di dello stilista internazionale, un attraversamento dei segni emozionali e intellettuali che segnano tappe importanti nella sua vita. Il titolo è la famosa frase di Plinio il Vecchio riferita al pittore Apelle che "non lasciava passar giorno senza tratteggiare col pennello qualche linea", suggerisce come lo stesso ha sempre affiancato alla sua attività di stilista quella di artista. Antonio Marras, conosciuto come "il più intellettuale degli stilisti italiani", è noto soprattutto per le sue contaminazioni tra i mondi che compongono l'universo creativo: dal cinema alla poesia, dalla storia all'arte visiva. Ed è proprio quest'ultima la protagonista di Nulla dies sine linea. Vincitore del Premio Francesca Alinovi, protagonista di una delle ultime Biennali di Venezia, Marras si colloca al centro di un universo poetico teso fra linguaggi diversi, sospeso tra sconfinamenti da una materia all'altra, da una tecnica all'altra, da un'espressività all'altra. Il volume presenta una serie di installazioni, edite e inedite, e centinaia di disegni, schizzi, frammenti che Marras ha realizzato negli anni durante i suoi innumerevoli viaggi: memorie di sguardi, mappe, voci, silenzi, pensieri, mondi. Quaderni, album, diari riempiti di colori a testimoniare una creatività infinita e mai sedata. La monografia comprende un testo critico di Francesca Alfano Miglietti e testimonianze di poeti, musicisti, scrittori, artisti, intellettuali,

"La Casa dei Tre Oci cerca, attraverso la fotografia, nuove storie da narrare e la mostra che qui è presentata lo dimostra: 'Sguardo di donna', attraverso le duecentocinquanta opere di venticinque fotografe di livello internazionale, racconta il coraggio, l'energia, la forza, lo slancio e la fede, le relazioni sociali e molto altro ancora, andando talvolta contro gli stereotipi dominanti e il già visto. Una mostra collettiva, interamente ideata dalla Casa dei Tre Oci, un progetto culturale indipendente che ha potuto concretizzarsi grazie alla curatela di Francesca Alfano Migli etti e agli attenti allestimenti d'autore di Antonio Marras. Un sincero ringraziamento va a quanti, in questi anni, hanno lavorato per la crescita e lo sviluppo delle attività culturali della Casa dei Tre Oci. Un riconoscimento speciale è dovuto a tutti coloro che In 'Sguardo di donna' hanno creduto e alle fotografe e ai prestatori che hanno accolto la richiesta della Casa dei Tre Oci, abbracciandone il progetto espositivo". (Giampietro Brunello)

Il volume documenta la recente produzione dell'artista siciliano Stefano Russo (1969). Valigie di cuoio e legno di varie dimensioni, geometriche e regolari, al cui interno convivono "gli oggetti più diversi, a volte comuni altre volte stravaganti e preziosi, assemblati - come spiega la curatrice - in modo simbolico e non funzionale, ma anche in articolate costruzioni che sembrano riflettere la volontà di penetrare la sfera dell'umano". Ogni valigia è un racconto, un "puro viaggiare" nel tempo e nello spazio, un viaggio che l'artista propone dentro la mente e dentro i sensi umani. Ad accompagnare le opere un testo della curatrice e un intervento dell'artista.

Artista e drammaturgo, fondatore di due riviste critiche e protagonista dell'avanguardia italiana a partire dagli anni Cinquanta, Mauri intreccia storia e destino individuale nella sua poetica, che si struttura nei suoi primi diciotto anni di vita: la guerra, la conversione, la follia, il dramma degli amici ebrei mai più tornati, la scoperta del fascismo reale. Pubblicata in occasione della prima grande retrospettiva istituzionale milanese, la monografia propone quello che da sempre è il tema centrale della poetica dell'artista: una riflessione sull'arte declinata con i toni, a lui più congeniali, della tensione ideologica, come allusione alla condizione drammatica dell'uomo nella dialettica tra struttura e materia, tra forma, immagine e storia. Il precorso è scandito da tre sezioni: la prima, più intima, presenta una raccolta inedita di disegni, la seconda è dedicata alle più importanti installazioni di Fabio Mauri, e l'ultima riunisce una ricca selezione di Schermi, le prime opere monocrome dell'artista realizzate alla fine degli anni Cinquanta che contengono già il riferimento al cinema e alla civiltà contemporanea dell'immagine.

Questo volume, pur strutturandosi come un manuale, lascia emergere la sua natura di discorso sull'arte, di posizione teorica, di racconto e di sguardo critico. Differisce da altri manuali sull'arte perché esclude le formule compilative e indaga i motivi e le "interferenze". Ciò che si è cercato di riprodurre è un clima, un ambiente, un orizzonte. Si è scelta una temporalità ribaltata, dove gli accadimenti camminano all'indietro: un'irregolarità temporale che introduce ad altri tipi di irregolarità, lo scorrere nell'arte di un tempo alterato e totale. Subito le problematiche più urgenti ed evidenti del contemporaneo, e dopo, con un balzo lungo cent'anni, scopriamo le tensioni di fine Ottocento e la nascita del nuovo secolo. Da qui in avanti il tempo scorre normale. Frammenti di manifesti teorici, parti di testi critici originali, dichiarazioni di poetica, la storia delle grandi mostre sono parte integrante della lettura di situazioni che si sono volute testimoniare con le voci che le hanno determinate. In uno dei "Racconti in sogno" di Yves Bonnefoy si immagina l'artista dell'ultimo giorno: "Il mondo stava per finire, giacché l'insieme delle immagini prodotte dall'umanità avrebbe superato il numero delle creature viventi". Questo libro inizia da qui, dal momento in cui pare che l'equilibrio tra la vita e il sembrare dei segni possa spezzarsi, dal momento in cui le immagini sembrano potersi sostituire alla vita.

Si appassiona al disegno e come in un racconto visivo, Tamara Ferioli sa spargere i tanti pezzi di una storia per poi ricomporne il puzzle man mano che le immagini si compongono, un tipo di disegno, il suo, che a prima vista appare annebbiato, ma che in realtà ha un proprio impianto ben definito, in grado di far avvicinare lo sguardo fin quasi a cercare con l'opera un rapporto intimo. La storia adagio acquista corpo e coinvolge opera per opera, si svelano lentamente numerosi dettagli e piccole miniature, disegni e segni e tracce e impronte e passaggi di bellezza e di mistero che si insinuano nell'incontro casuale tra fiori, capelli, tronchi, sassi, insetti, foglie e segni. Lo sguardo di Tamara Ferioli sulla bellezza è uno sguardo romanzesco, e come sempre nei grandi romanzi, è uno sguardo incrociato.

Testimonianze, dichiarazioni, ansie e segreti di alcuni dei più importanti e significativi creatori della moda contemporanea. I grandi protagonisti della moda si svelano e si raccontano in maniera assolutamente inedita e insolita. Il volume propone gli incontri con i più importanti stilisti e le ultime generazioni di fashion designer: una raccolta di conversazioni, ritratti, immagini, avvicinamenti con tutto ciò che nella moda contemporanea ha creato scandalo, entusiasmo, eccitazione, partecipazione, con tutto ciò che ha costruito e decostruito i corpi e le identità a partire dai nostri "rivestimenti" e dalle relazioni di questi con gli altri linguaggi del contemporaneo.

"Virus Art "è una selezione di alcuni dei più significativi incontri pubblicati sulla omonima rivista, contatti di prima mano, avvicinamenti, testimonianze, dichiarazioni, ansie e segreti, di alcuni dei più importanti e significativi artisti contemporanei. Una raccolta di tutto ciò che nell'arte contemporanea ha creato scandalo, entusiasmo, eccitazione, partecipazione. "Virus Art" è una collezione di corpi, e appuntamenti e alterità e fughe e deserti. La bussola per orientarsi in un mondo dell'arte che sta mutando sotto i nostri occhi.