Protagonista dell'arte contemporanea Eliseo Mattiacci, nato nel 1940, sin dagli esordi è scultore, perché attratto già da fanciullo dai metalli e dal processo magico e spettacolare della saldatura che negli anni della giovinezza lo portano a costruire elementi plastici che esplorano la dimensione aerea e fluida delle materie e delle forme, così da produrre insieme 'cosmici', in quanto fluttuanti nello spazio, come sistemi stellari aperti e cangianti. La monografia, curata da Germano Celant, affronta l'avventura storica di Mattiacci a partire dagli anni sessanta, quando si avvicina al linguaggio internazionale dell'arte povera e minimale, da Jannis Kounellis a Eva Hesse, mantenendo però un suo fare autonomo e distinto, per arrivare agli anni ottanta con sculture dove la leggerezza e la flessibilità permettono all'oggetto assemblato o costruito un aspetto performativo che gli permette di adattarsi a tutti i contesti, interagendo con essi. Un procedere basato sull'equilibrio e sui rapporti tra pesi e forme che si nutre di mobilità, tra materia e plastica, tanto da convivere, nel libro, con le vicende della vita dell'artista. Il tutto analizzato nel saggio introduttivo e documentato tanto nella sequenza cronologica, che funziona da struttura portante delle vicende individuali e storiche, quanto nel materiale scultoreo prodotto, così da offrire al lettore le testimonianze d'epoca che inquadrano anche le vicende della ricerca artistica italiana e internazionale.

Il volume, pubblicato in occasione della mostra antologica tenutasi alla GAM Galleria Civica d'Arte Contemporanea di Torino, ripercorre l'opera e la vita di Salvatore Scarpitta (New York, 1919-2007), uno dei più singolari protagonisti del panorama artistico del Novecento a cavallo tra Stati Uniti e Italia. La novità del suo linguaggio, difficilmente ascrivibile a qualsivoglia corrente artistica novecentesca e che tanto ha influito sull'arte italiana del secondo dopoguerra, viene ripercorsa nei saggi critici e nella corposa sezione Appunti per una biografia. Scritti e opere, offrendo una panoramica esauriente delle sue opere.

Riconosciuto da tempo, sia a livello nazionale che internazionale, come i suoi contemporanei Alexander Calder, Alberto Giacometti, Louise Bourgeois e Lucio Fontana, quale figura chiave nell'ambito della scultura moderna e contemporanea, Melotti si è contraddistinto per essere stato, sin dagli inizi degli anni trenta, tra i più significativi protagonisti del rinnovamento e dello sviluppo del linguaggio plastico e materico. La particolare capacità con cui l'artista è riuscito a coniugare la tradizione classica con gli interessi per le avanguardie europee, la conoscenza scientifica con una particolare sensibilità musicale, il talento scultoreo con quello di ceramista, la raffinata abilità letteraria e creatività poetica con la ricercatezza del disegnatore, sono tutte qualità che hanno contribuito ad affermarlo come uno dei talenti artistici più rilevanti del XXI secolo.

Terrecotte, maioliche e gessi, sculture a tecnica mista e in ferro, ceramiche e lavori in inox, disegni e bozzetti, e il percorso scultoreo di Melotti più strettamente legato al mondo delle arti visive, formano il ricco contenuto di questa mostra. Seppure incentrata prevalentemente sulle sculture e i bassorilievi, l'esposizione fornisce l'occasione per una lettura approfondita e analitica della complessa figura di Melotti contraddistintosi per la particolare versatilità linguistica che gli ha permesso di attraversare i diversi campi della pittura, della scultura, della ceramica, della poesia, del disegno e della musica. Un universo di poesia e di musica plastica che ha messo in storia e in racconto dall'intreccio e l'osmosi di un artista come Melotti e le vicende della cultura italiana moderna e internazionale. Il catalogo si avalla di un lungo saggio del curatore intitolato 'Viaggio nella galassia Melotti' oltre ad una selezione di materiali di corredo fondamentali per inquadrare correttamente l'opera dell'artista (biografia discorsiva divisa per sezioni cronologiche; elenco delle esposizioni personali; fotografie e documenti; opere relative; dichiarazioni di poetica; elenco esposizioni personali e collettive 1930-2011; bibliografia selezionata dei testi di Fausto Melotti; bibliografia selezionata su Fausto Melotti). Progettata da Germano Celant, la mostra del MADRE organizzata in collaborazione con l'Archivio Melotti presenta una selezione di oltre 200 opere dal 1930 al 1986.

Appartamenti, musei d'arte contemporanea, boutique di moda, residenze private: l'opera architettonica di Claudio Silvestrin è la quintessenza dell'essenzialità contemporanea, armonia e silenzio. Dai flagship store di Giorgio Armani al loft newyorkese di Kanye West alla sede della Fondazione Sandretto a Torino, forme e strutture intrise la cui non materialità è percepita attraverso ciò che di più materiale esiste: la terra, l'acqua, la pietra. Dal nulla, dallo zero 'il primo passo è la demolizione. Come il contadino taglia l'erba prima di seminare, io abbatto tutti i muri. Poi a seconda delle funzioni inizio a ricostruire', ha detto lo stesso Silvestrin alla ricerca di 'armonia, fusione ma anche atemporalità', ci ricorda Bertoni. Tra le pagine del volume emergono e si palesano il percorso intellettuale e creativo di Silvestrin, fatto di studi di filosofia, di passione per l'arte, la letteratura e l'antropologia, e in cui confluiscono, per essere rielaborati e rinascere i grandi modelli della spiritualità visiva: la lezione di Mies van der Rohe, l'architettura domestica giapponese e i complessi cistercensi.

Questa pubblicazione accompagna l'evento 'Arte Povera 2011', a cura di Germano Celant, che si è svolto in simultanea attraverso l'Italia nelle città di Torino, Milano, Bologna, Roma, Napoli e Bari, arrivando a coinvolgere otto musei e istituzioni culturali, con un'esposizione che include oltre trecento installazioni e opere in architetture interne e spazi urbani, su una superficie totale di circa 15.000 metri quadrati. L'iniziativa ha come fulcro il gruppo nato nel 1967 con gli artisti Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini e Gilberto Zorio, e ne presenta gli sviluppi storici e contemporanei in diversi contesti: dal Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea alla Triennale di Milano, dal MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo alla Galleria nazionale d'arte moderna e contemporanea di Roma, dal MADRE Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina di Napoli al Teatro Margherita di Bari. Per documentare l'impatto di tale ricerca nel mondo dell'arte, quanto la complessità dei singoli contributi d'artista e le loro aperture a tutti i linguaggi dalla scultura alla fotografia, dalla pittura alla performance, dal video al teatro, dalla scrittura all'architettura, è stato realizzato questo volume che si presenta come catalogo e come libro. Vi sono raccolti trentatré saggi inediti.

L'immagine della bellezza, trionfo della vita, è fugace. Esalta la maschera del corpo e ne rappresenta l'aspetto sublime. Tuttavia sotto la sua effigie si aggira lo spettro del tempo che passa, per cui la figura che la rappresenta indica già il fantasma della decadenza. Per questa ragione Giovanni Gastel, che per decenni si è impegnato a esaltare il bello, femminile e maschile, artificiale e naturale, in questa serie intitolata Maschere e Spettri tende a trasformare il sublime in orrido, il vitale in tombale. Pubblicato in occasione della mostra di Milano (Palazzo della Ragione, 23 settembre - 25 ottobre 2009), il volume presenta 70 immagini inedite di figure femminili in cui lo specchio della fotografia invece di restituire la loro bellezza, quasi sovrannaturale, come è compito della moda, ne documenta l'aspetto transeunte e abissale: presenze che vengono da un altro mondo. Fra i fotografi più noti a livello internazionale, Giovanni Gastel vanta un'esperienza trentennale nel mondo della moda. Caratterizzata dal rigore formale, la sua fotografia è un intreccio tra sperimentazione e glamour: è stato, infatti, il primo ad introdurre le tecniche 'old mix', la tecnica 'a incrocio', le rielaborazioni pittoriche e lo still life ironico. Le immagini di Maschere e Spettri testimoniano un ampliamento dell'attuale ricerca di Gastel che vede il corpo delle modelle subire ora tagli e metamorfosi inediti in equilibrio tra attrazione e repulsione, tra raffinata eleganza e sottile decadenza.

Mario Nigro (1917-1992) è stato dalla fine degli anni quaranta un autentico protagonista delle ricerche astratte internazionali. L'astrattismo dinamico di Nigro, nutrito della sua formazione scientifica e musicale, coniuga la libertà cromatica di Vasilij Kandinskij con la strutturazione geometrica di Piet Mondrian, instaurando anche, a partire dagli anni sessanta, un dialogo vitale con l'architettura. Forme elementari e colori primari, linee e intrecci di sagome sono articolati alla ricerca di uno spazio e tempo totali, in variazioni e modulazioni visuali, anticipando le riflessioni sul segno e sul colore che caratterizzeranno le tendenze radicali e Minimal dei decenni successivi. Affidato alla cura di Germano Celant, il volume rappresenta la prima ricognizione scientifica e sistematica dell'opera di Mario Nigro, arricchita da una cronologia documentaria che ne ricostruisce anche il contesto creativo. Esso ripercorre così la sua opera coerente e multiforme dal 1947, anno di maturazione del suo personale linguaggio, alla sua scomparsa. Quarantacinque anni di lavoro nei quali l'artista muta continuamente il proprio vocabolario visivo, pur restando fedele alla propria idea conoscitiva dell'arte, anticipando tendenze e linguaggi in dialogo con il panorama internazionale.

Curata dal maggiore specialista dell'opera di Mapplethorpe, Germano Celant, la monografia presenta una selezione di oltre 400 opere che consentono una rilettura del suo lavoro sottraendolo all'aura scandalosa che l'ha finora accompagnato per reinserirlo nel contesto dell'arte e della cultura americana di quegli anni, segnata dall'espressione della libertà dai pregiudizi etnici e dalle convenzioni sessuali di cui Mapplethorpe fu interprete e paladino e insieme tragica vittima.

Una selezione di materiali inediti tratta dall'importante archivio della Fondazione Aldo Rossi diventa un'occasione di rileggere l'opera grafica e progettata da uno dei maestri indiscussi dell'architettura italiana e internazionale del secondo dopoguerra. Schizzi, disegni, idee tracciate, acquerelli, collages compongono un universo straordinario di segni e riflessioni al tratto che aiutano a comprendere meglio il modo di pensare e di costruire progetti di Aldo Rossi, proponendolo sotto una luce diversa, lontana da alcune facili riduzioni della critica contemporanea. Rossi artista e architetto, due ruoli che si mescolano e sovrappongono continuamente con la figura dell'intellettuale ossessivamente appassionato della città storica, delle sue icone e insieme del progetto moderno che lui interpretò con assoluta originalità.

Il volume propone una lettura inedita per il pubblico italiano dell'interesse di Anselm Kiefer per il ruolo politico-culturale di Mao Zedong nella storia occidentale attraverso 40 opere, suddivise in dipinti e libri d'artista. La pittura di Anselm Kiefer è il risultato di una solidificazione della memoria storica, dove le materie, dalla sabbia al piombo, dai girasoli alle fotografie, insieme all'iconografia di paesaggi e di persone, di navi militari e di architetture, rimandano allo spessore del tempo e alle figure della cultura mitteleuropea. I suoi dipinti, di grande formato, sono attraversati dai miti e dalle leggende che segnano la letteratura ed il pensiero antichi. In questo percorso, iniziato nel 1969, si inserisce la serie di grandi tele dedicate alla figura storica e culturale di Mao Zedong, dipinta a partire dal 1998 dal titolo Lasst tausend Blumen blümen (che mille fiori fioriscano). Volume pubblicato in onore dell'esibizione tenutasi alla Triennale Bovisa dal 15 febbraio al 6 aprile.

Il punto sul rapporto tra arte e media. Dalle prime incursioni tecnologiche ai protagonisti impegnati in grandi installazioni multimediali. Il Novecento è stato il territorio in cui l'arte ha articolato maggiormente il proprio linguaggio, rispetto al passato, attraverso l'esperienza della multimedialità, con un senso di euforia che ne ha caratterizzato la ricerca fin dall'inizio del secolo scorso avvolgendo il lavoro degli artisti in una 'vertigine' di nuove opportunità e strumenti espressivi. Vertigo si propone di inquadrare tutte le forme di comunicazione mediatica dell'ultimo secolo, dalla radio al telefono, dalla fotografia al cinema, dalla televisione al web, attraverso un percorso che prende avvio dalle prime incursioni storiche nel campo delle tecnologie con gli esperimenti sonori e poetici di Marinetti e Schwitters, con quelli visivi e filmici di Duchamp e Dalí, per arrivare attraverso Andy Warhol e la pop art, la conceptual art e artisti come Léger, Picabia, Picasso, Magritte, Klein, Manzoni, Bourgeois, Beuys, Kiefer e Viola, fino ai maggiori rappresentanti della scena internazionale odierna. Si tratta, quindi, del racconto visivo del secolo in cui l'arte ha, con evidenza, messo in crisi le proprie tradizionali forme di espressione appropriandosi, a fini artistici, degli strumenti mediatici che via via hanno caratterizzato l'evoluzione tecnologica. Il volume è il Catalogo della mostra di Bologna (MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna 5 maggio 2007 - 4 novembre 2007).

La pittura di Anselm Kiefer (1945) è il risultato di una solidificazione della memoria storica, dove le materie, dalla sabbia al piombo, dai girasoli alle fotografie, insieme all'iconografia di paesaggi e di persone, di navi militari e di architettura, rimandano allo spessore del tempo e alle figure della cultura mitteleuropea. I suoi dipinti, di grande formato, sono infatti attraversati dai miti e dalle leggende che segnano la letteratura e il pensiero antichi. Un percorso, iniziato dal 1969, la cui articolazione è documentata nella grande monografia, curata da Germano Celant, in occasione dell'importante antologica al Guggenheim di Bilbao. Nel volume le pitture e le sculture di Kiefer trovano risonanza e trattazione anche nelle sue parole, attraverso le decine di interviste e di inedite dichiarazioni rilasciate nel corso del tempo. Un insieme di centinaia di opere, tra installazioni, libri, fotografie, sculture e pitture a olio che segnano la storia dell'arte contemporanea, per il loro continuo rimando simbolico e filosofico alle radici del pensiero occidentale.

Le circa 250 opere esposte documentano l'attività di Piero Manzoni, partendo dai catrami del 1956-57, per passare dal 1958 agli 'Achrome' (in francese, incolore), nei quali l'utilizzo di materiali inediti in pittura si unisce alla ricerca di rigorose strutture formali, mentre scorre parallela la sua produzione di oggetti che coinvolgono la fisicità del corpo umano, come i 'Fiati d'artista'. Il percorso espositivo è arricchito con la presentazione del contesto storico-artistico internazionale in cui Manzoni si è trovato ad operare e con cui si è confrontato, mettendo così in evidenza il suo contributo.

Le circa 250 opere esposte documentano l'attività di Piero Manzoni, partendo dai catrami del 1956-57, per passare dal 1958 agli 'Achrome' (in francese, incolore), nei quali l'utilizzo di materiali inediti in pittura si unisce alla ricerca di rigorose strutture formali, mentre scorre parallela la sua produzione di oggetti che coinvolgono la fisicità del corpo umano, come i 'Fiati d'artista'. Il percorso espositivo è arricchito con la presentazione del contesto storico-artistico internazionale in cui Manzoni si è trovato ad operare e con cui si è confrontato, mettendo così in evidenza il suo contributo.

Oltre 60 anni di carriera di uno dei grandi interpreti dell'arte contemporanea italiana e internazionale. Una grande antologia monografica dedicata all'attività di Mimmo Rotella (1918), grande protagonista del panorama artistico italiano e internazionale del secondo Novecento. Suddiviso per decenni, il volume ripercorre i principali momenti della produzione artistica di Rotella attraverso le opere più significative dagli esordi agli ultimi esiti creativi: dalle prime prove astratte di matrice geometrica degli anni 1945-1950, ai quadri informali ottenuti graffiando la superficie dipinta della tela fino a rivelarne la trama, dall'Artypo degli anni Settanta, creata trasferendo su tela prove di stampa fotografica, alle sovrapitture (interventi pittorici su manifesti pubblicitari lacerati) fino alle opere più recenti.

Il soggetto del lavoro percorre tutto il XX secolo, ponendo, attraverso lo sguardo di pittori, scultori, fotografi, grafici e cineasti, il problema della condizione degli esseri umani nella società industriale e post-industriale. Da quando il ritmo della macchina è diventato l'orologio dei comportamenti degli esseri umani, il 'tempo moderno' ha investito l'arte dell'ultimo secolo sia arricchendola di nuovi contenuti, temi, soggetti, sia modificandone il linguaggio. L'essere della modernità è un essere-macchina che vive in una società di massa, caratterizzata dalla tendenza a un'assoluta omogeneizzazione di comportamenti e idee. Anche in questo contesto, la questione del lavoro è centrale: la meccanizzazione e poi automazione del lavoro lascia immaginare l'utopia della liberazione del lavoro, che però nel mondo reale si capovolge in disoccupazione e sottoccupazione. Il volume propone un itinerario di dipinti, sculture, disegni, fotografie, manifesti, video e film che, partendo da alcuni esempi delle figurazioni secondottocentesche del lavoro e dei luoghi del lavoro, dagli artisti francesi a quelli anglosassoni, attraversa tutto il XX secolo. Il libro è il catalogo della mostra curata da Germano Celant con Anna Costantini e Peppino Ortoleva, in occasione delle celebrazioni del Centenario della costituzione della Confederazione Generale Italiana del Lavoro, CGIL.

Curata dal maggiore specialista dell'opera di Mapplethorpe, Germano Celant, la monografia - che accompagna la grande e articolata retrospettiva torinese (Palazzina della Promotrice delle Belle Arti, 8 ottobre 2005 - 1 gennaio 2006) dedicata al fotografo americano - presenta una selezione di oltre 400 opere che consentono una rilettura del suo lavoro sottraendolo all'aura scandalosa che l'ha finora accompagnato per reinserirlo nel contesto dell'arte e della cultura americana di quegli anni, segnata dall'espressione della libertà dai pregiudizi etnici e dalle convenzioni sessuali di cui Mapplethorpe fu interprete e paladino e insieme tragica vittima.

Un secolo di arte e architettura: un secolo di creatività pura, visiva e plastica, artistica e architettonica nel catalogo della principale mostra di Genova 2004. Curato da Germano Celant, il volume si propone di documentare gli sconfinamenti operati da pittori, scultori, designer, scrittori, fotografi, registi, ossia da creatori provenienti dagli ambiti e dalle modalità di espressione artistica più varie, nell'ambito dell'architettura e mostrare, al tempo stesso, omologhe digressioni degli architetti nelle arti visuali, discipline accomunate dal progetto di una radicale e a volte visionaria trasformazione estetica della realtà. Un'avventura utopica lunga un secolo e oltre che vede artisti e architetti - da Kazimir Malevic a Vladmir Tatlin, da Antonio Sant'Elia a Giuseppe Terragni, da Ludwig Mies van der Rohe a Piet Mondrian, da Le Corbusier a Frederick Kiesler, da Constant a Jean Dubuffet, da Frank Gehry a Claes Oldenburg-Coosje van Bruggen - impegnati a progettare edifici, spazi, volumi e percorsi ideali, basati su colori, materiali e forme che non derivano esclusivamente dalla funzionalità, ma provengono da una creatività pura e al tempo stesso contaminata, visiva e plastica, tipica della ricerca artistica, in una comune ipotesi di intervento sulla città e la vita.

Un'avventura utopica lunga un secolo e oltre raccontata per la prima volta in un volume tematico che indaga gli sconfinamenti e gli intrecci condotti dagli artisti nell'ambito dell'architettura e quelli degli architetti nelle arti. Uno scorrere parallelo di immagini e di modelli in cui pittori, scultori, architetti, fotografi e registi, creatori provenienti da espressioni artistiche differenti - da Malevic a Tatlin, da Cartier-Bresson a Steichen, da Sant'Elia a Terragni, da Depero a Van Doesburg, da Fritz Lang a Ridley Scott, da Le Corbusier a Kiesler, da Constant a Dubuffet, da Pesce a Gehry, da Graham a Mario Merz - sono accomunati per i loro progetti architettonici e visuali, tesi a una visionaria trasformazione della realtà. La vicenda di artisti e architetti che hanno progettato edifici, spazi, volumi e percorsi ideali, basandosi su colori, materiali e forme che non derivano esclusivamente dalla funzionalità, ma provengono da una creatività pura e al tempo stesso contaminata, visiva e plastica, tipica della ricerca artistica, in una comune ipotesi di intervento sulla città e la vita.

Un'avventura utopica lunga un secolo e oltre raccontata per la prima volta in un volume tematico che indaga gli sconfinamenti e gli intrecci condotti dagli artisti nell'ambito dell'architettura e quelli degli architetti nelle arti. Uno scorrere parallelo di immagini e di modelli in cui pittori, scultori, architetti, fotografi e registi, creatori provenienti da espressioni artistiche differenti - da Malevic a Tatlin, da Cartier-Bresson a Steichen, da Sant'Elia a Terragni, da Depero a Van Doesburg, da Fritz Lang a Ridley Scott, da Le Corbusier a Kiesler, da Constant a Dubuffet, da Pesce a Gehry, da Graham a Mario Merz - sono accomunati per i loro progetti architettonici e visuali, tesi a una visionaria trasformazione della realtà.

Trent'anni di vita e sette di lavoro, protagonista della scena artistica del secondo Novecento, Piero Manzoni interpreta le esperienze culturali del suo tempo, italiane e internazionali e le ripropone coniugate con un'ampia varietà di materiali: dai cotoni al polistirolo, dalla fibra di vetro al corpo umano. L'esistenza breve e intellettualmente scandalosa di Piero Manzoni si svolge nella Milano a cavallo tra gli anni '50 e '60, città che l'artista col suo lavoro, gli 'achrome', rende aperta anche alle sperimentazioni più innovative delle avanguardie europee. Produce un'arte fuori dalle correnti e dalle etichette, alchemica e anarchica, tesa a un costante azzeramento dei valori estetici tradizionali, volta alla ricerca di una ricatalogazione del mondo.

Il volume catalogo dell'esposizione curata da Germano Celant allestita presso il Museo Correr di Venezia, intende esplorare un aspetto specifico dell'opera di Claes Oldenburg, grande protagonista dell'arte americana contemporanea, quella dei suoi lavori relativi all'architettura, documentando per la prima volta tutti gli interventi su grande scala realizzati dall'artista dal 1969 al 1999. Il volume, che oltre alle opere in mostra riunisce i quarantotto progetti realizzati in tutti i continenti, si pone come un valido strumento scientifico per la conoscenza del grande artista americano e per l'approfondimento della problematica dell'arte in luoghi pubblici, nodo di fondamentale importanza per la collaborazione tra artista e pubblico.

Il volume è il catalogo della mostra di Montecarlo (Grimaldi Forum, 15 luglio 2003 - 31 agosto 2003). Attraverso una selezione di opere di grande formato e di installazioni, il volume ripercorre la vita artistica di Warhol dai primi anni Sessanta a 'Shadows', da 'Camouflage paintings' all'ultima opera del 1986, 'The Last Supper', con cui Warhol, a modo suo, rende omaggio all'ultima cena di Leonardo da Vinci.

L'artista brasiliano vive e lavora a New York dove è considerato tra i più importanti protagonisti della scena artistica contemporanea mondiale. Le opere di Vik Muniz sono realizzate con i materiali più inusuali, come lo zucchero, il cioccolato, la sabbia, il filo di lana e la gelatina con l'intenzione di coinvolgere lo spettatore con i sensi visivi, tattili e olfattivi. Le sue opere fotografiche fanno parte delle più belle collezioni del mondo: dal Metropolitan Museum al Museum of Modern Art di New York, dall'Art Institute di Chicago alla Fondazione Cartier di Parigi. Il volume è il Catalogo della mostra di Roma (Macro, 24 settembre 2003-4 gennaio 2004).

L'artista brasiliano vive e lavora a New York dove è considerato tra i più importanti protagonisti della scena artistica contemporanea mondiale. Le opere di Vik Muniz sono realizzate con i materiali più inusuali, come lo zucchero, il cioccolato, la sabbia, il filo di lana e la gelatina con l'intenzione di coinvolgere lo spettatore con i sensi visivi, tattili e olfattivi. Le sue opere fotografiche fanno parte delle più belle collezioni del mondo: dal Metropolitan Museum al Museum of Modern Art di New York, dall'Art Institute di Chicago alla Fondazione Cartier di Parigi. Il volume è il Catalogo della mostra di Roma (Macro, 24 settembre 2003-4 gennaio 2004).