L'affascinante vita d'artista di Francesco Hayez è ripercorsa nelle Memorie dettate all'amica e nobildonna Giuseppina Negroni Prati Morosini tra il 1869 e il 1875. Di quel testo esistono due versioni: l'edizione pubblicata nel 1890 e il manoscritto originale conservato all'Accademia di Brera, più ricco di notizie e contraddistinto da un tono più colloquiale. Si pongono qui a confronto per la prima volta le due redazioni in una nuova edizione critica che, alla luce degli studi più recenti, offre un puntuale resoconto del panorama artistico dell'epoca, dei rapporti tra l'artista e il potere, delle sue relazioni intellettuali e mondane sullo sfondo di un secolo di grandi mutamenti. A loro complemento si pubblica il saggio L'ultimo dei pittori romantici (1891) nel quale Camillo Boito, che con Hayez aveva avuto una lunga frequentazione, recuperando i materiali soppressi nella prima edizione ci restituisce un'immagine vivida dell'artista, al di fuori di ogni ufficialità.

Il volume delle "Ruins of the Palace of the Emperor Diocletian at Spalatro in Dalmatia", pubblicato a Londra nel 1764, costituì per l'architetto Robert Adam (1728-1792) un biglietto di presentazione al suo ritorno in Inghilterra dopo il viaggio in Italia, durante il quale la conoscenza di Giambattista Piranesi e di Charles-Louis Clérisseau a Roma lo aveva fortemente influenzato. Fu proprio con Clérisseau e con un'équipe di disegnatori al loro seguito che Adam organizzò la spedizione per lo studio del Palazzo di Spalato, anzi di quel che restava dell'originaria architettura, contaminata nel tempo da altri stili e che si presentava ai loro occhi come una magnifica rovina generatrice di altre funzioni. Le preziose incisioni, nelle quali i rilievi dal vero si animano di pittoresche scene di vita, diventarono presto corredo didattico per le Accademie del tempo, e fu proprio per offrirlo agli allievi di architettura che il pittore Giuseppe Bossi (1777-1815) ne tentò una traduzione in italiano. Segretario dell'Accademia di Brera dal 1801 al 1807, a lui si devono le più importanti acquisizioni di libri, disegni, stampe e calchi in gesso delle più celebri sculture e decorazioni classiche, nonché la nascita del primo nucleo della Pinacoteca di Brera. Un impegno, quello rivolto all'educazione, cui Bossi si dedicò con la stessa passione che animò tutta la sua vita di artista nella Milano napoleonica.

La pubblicazione riporta le relazioni di progetto degli architetti Castiglioni (Pier Giacomo e Achille sino al 1968), inedite, che espongono l'essenza dei progetti, il modo di affrontare l'argomento e il contributo critico ed interpretativo. Una documentazione sulla progettazione sintetica e ricca di indicazioni è ad integrazione delle interpretazioni che colgono soprattutto la innegabile brillantezza dei loro progetti. La logica dell'analisi razionale e funzionale dei Castiglioni è la base del loro percorso di ricerca e di continua innovazione nelle scelte, per giungere alla soluzione, complessivamente più vantaggiosa. Gli aspetti formali, quasi mai citati, vengono sviluppati ricevendo sollecitazioni dallo sviluppo delle fasi progettuali (produzione, realizzazione, trasporto e distribuzione). Nel progetto sono previsti, secondo necessità, contributi specialistici (grafici, illustratori) coordinati dai progettisti che mantengono la responsabilità. I commenti alle relazioni dei progetti facilitano interpretazioni e aiutano ad evitare equivoci, quanto mai facili, per il ribaltamento concettuale sul design.

Questo volume offre un inedito sguardo d'insieme sull'attività teatrale di Gae Aulenti e traccia nuove prospettive di lettura su tutta la sua produzione, indagando la documentazione custodita presso l'Archivio Gae Aulenti, che comprende le tavole, i bozzetti, gli appunti, i testi analizzati e studiati, oltre a un ricco materiale iconografico. La ricerca ha coinvolto due dipartimenti dell'Accademia di Brera (la Scuola di Scenografia e quella di Comunicazione e Valorizzazione del patrimonio artistico), l'Archivio Gae Aulenti e l'Archivio del Teatro alla Scala, iniziando a svelare la ricchezza di tematiche e le possibilità di approfondimento offerte da questo prezioso e vario materiale.

Dall'invenzione epocale dell'ago, circa 40.000 anni fa, allo sviluppo del blue denim, dalle tessitrici del neolitico ai più grandi nomi dell'industria della moda di oggi, il volume ripercorre i punti di riferimento della storia del costume, le forme e i materiali utilizzati nel corso dei secoli, le motivazioni alla base della moda e le strategie con cui gli abiti sono stati utilizzati per proteggere, esprimere identità, attrarre o influenzare gli altri. Con una discussione sui principali cambiamenti politici all'interno dell'industria della moda, il libro evidenzia come essa abbia risposto alle questioni riguardanti il razzismo e il sessismo, i diritti LGBTQIA+, la consapevolezza della salute mentale, la diversità dei corpi e delle età e la sostenibilità globale.

Il volume presenta una panoramica degli artisti e delle opere d'arte contemporanea ecologicamente consapevoli. In cinque capitoli, i curatori Maja e Reuben Fowkes esaminano le opere che rispondono all'antropocene e al suo impatto negativo sul nostro mondo: da scene di natura decimata da eventi di estinzione in corso e paesaggi deturpati dalle cave, all'arte delle comunità emarginate più colpite dall'ingiustizia del cambiamento climatico. Ciò che guida gli artisti qui riuniti è un'ardente preoccupazione per il soggetto vivente e respirante della terra e per tutti i suoi simili coinvolti in questo dramma climatico in rapida evoluzione.

Giorgione, artista emblematico quanto enigmatico della cui vita si sa poco o nulla, è in realtà un'invenzione seicentesca, il risultato di un vero e proprio complotto per creare e lanciare il "marchio Giorgione", messo in atto negli anni in cui il traffico di opere d'arte a Venezia aveva raggiunto la sua massima espansione. Ripercorrendo le fonti in un'analisi precisa e cogente, Bernard Aikema sfata il mito del pittore di Castelfranco, dimostrando con logica inoppugnabile come la sua figura sia il risultato di una mirata e concertata "operazione di marketing", per poi ricostruire accuratamente l'attività dei pittori del "gruppo Giorgione", espressione di un nuovo e dinamico rapporto interattivo fra opera d'arte e pubblico. Un volume ampiamente documentato e fortemente innovativo che si legge come un romanzo, o meglio come un autentico giallo.

Nel 1926 Le Corbusier pubblica "I cinque punti dell'architettura", un'opera fondante della storia dell'architettura moderna, individuando in 5 elementi (pilastri in cemento armato, pianta libera, facciata libera, finestra a nastro e tetto-terrazza) i cardini di un edificio moderno. La protagonista di questo secondo volume, l'architetta italiana Maria Giuseppina Grasso Cannizzo, si contraddistingue per una pratica e una riflessione teorica incentrata sul tema della convivenza tra il nuovo e l'antico e sull'ascolto profondo del contesto, sovente in dialogo con l'arte contemporanea, come sperimentato per la prima volta su ampia scala nel progetto di ricostruzione dei centri storici della Basilicata. La collana, ideata da Fulvio Irace, interroga alcuni protagonisti dell'architettura dei nostri giorni sull'attualità dei 5 punti del maestro francese, per capire quale ruolo svolgano nella loro riflessione teorica, nonché nella loro pratica del costruire.

Vanni Scheiwiller (1934-99), uno dei più celebri editori della seconda metà del '900, ha pubblicato con i marchi della propria casa editrice artisti, poeti e scrittori, in volumi prevalentemente di piccolo formato e grande qualità editoriale e artistica, che si possono annoverare tra le gemme dell'editoria e della cultura italiane del secolo scorso. Accanto alla sua attività principale, Vanni Scheiwiller, "il più grande tra i piccoli editori", è stato giornalista e intellettuale, protagonista di primo piano della creazione della "Domenica del Sole 24ORE", il prestigioso inserto culturale del grande quotidiano d'informazione economica e finanziaria, sul quale ha tenuto, dal 1985 al 1999, la rubrica intitolata "Taccuino". Il volume presenta, in una nuova edizione aggiornata, un'antologia dei più significativi scritti di Scheiwiller, che ne documentano la curiosità intellettuale e la sicura capacità di giudizio critico, impermeabile alle mode del momento, ma capace di riconoscere il talento e lo spessore culturale e artistico ovunque si rivelassero.

Storie e interviste a 14 registi e protagonisti che hanno cambiato il cinema contemporaneo. L'autore riflette, insieme a quattordici personaggi chiave della scena italiana e internazionale, sulla situazione attuale del cinema in un orizzonte nuovo e totalmente inedito, quale è quello della nuova società mediale e digitale. Dopo i primi tre titoli, di Fulvio Irace sull'architettura, Matteo Vercelloni sul design e dello stesso Francione sul teatro, in questo volume dedicato al cinema Fabio Francione riflette, insieme a quattordici tra i maggiori interpreti della cinematografia italiana e internazionale, sulla situazione attuale del cinema e sulle prospettive future, toccando temi di pungente attualità. Tra gli intervistati, Roberto Andò e Mario Martone, Thomas Vitenberg e Frederick Wiseman, Gianni Amelio e Alessandro Rak, che apre un'attualissima finestra sull'importante ambito del cinema di animazione.

Nel 1926 Le Corbusier pubblica "I cinque punti dell'architettura", un'opera fondante della storia dell'architettura moderna, individuando in 5 elementi (pilastri in cemento armato, pianta libera, facciata libera, finestra a nastro e tetto-terrazza) i cardini di un edificio moderno. La collana, ideata da Fulvio Irace, interroga alcuni protagonisti dell'architettura dei nostri giorni sull'attualità dei 5 punti del maestro francese, per capire quale ruolo svolgano nella loro riflessione teorica, nonché nella loro pratica del costruire.

Un viaggio multidisciplinare alla scoperta dei progetti e delle riflessioni di un grande architetto sulla contemporaneità raccolto in due volumi. Italo Rota è sicuramente una figura poliedrica del panorama italiano e internazionale, caratterizzato da un approccio creativo molto personale. Il volume rispecchia fedelmente, a partire dall'originale impostazione, questa modalità di pensiero critico caratterizzata dalla multidisciplinarità: composto da due libri perfettamente integrati e complementari, esplora i temi maggiormente cari a Rota e sempre presenti nei suoi lavori: la dicotomia natura-artificio, l 'attenzione all'ambiente, la riflessione sull'abitare, la sostenibilità. Il volume di grande formato contiene un racconto per immagini dell'opera di Italo Rota, alla scoperta dei progetti più significativi, presentati con un ampio corredo iconografico di disegni, progetti e fotografie. Apre il volume un interessante dialogo tra Italo Rota e Fulvio Irace che fornisce al lettore le chiavi per interpretare il lavoro dell'architetto. Il piccolo libro sui disegni From the Hearth to the Hearth, concepito come una colorata "fanzine", raccoglie disegni, riflessioni e dialoghi con Carlo Antonelli e Carlo Ratti per una riflessione sulla complessità del mondo contemporaneo che aiuti a comprendere la filosofia alla base del lavoro di Italo Rota e a leggere con sguardo critico il presente.

Il metodo Albini è un potente strumento di trasformazione e cambiamento. Franco Albini è stato un maestro dell'architettura moderna, rinomato in Italia e nel mondo, che ha generato cambiamento, nuove abitudini e innovazione. Il metodo Albini consiste nell'affrontare le sfide scomponendole in parti, osservandone una per una con un diverso sguardo per comprendere l'essenza del problema e ricomporre la nuova consapevolezza in una soluzione innovativa. Il libro analizza la teoria del metodo e presenta progetti e casi pratici. I princìpi del suo metodo non solo hanno dato origine a opere innovative che "ispirano" ancora oggi ma sono strumenti universali e imperituri che, sostenuti da tecniche interdisciplinari, contribuiscono a generare consapevolezza, innovazione, spirito di squadra e di iniziativa in ogni ambito tecniche interdisciplinari, lead to generate awareness, innovation, team spirit, motivation.

«Il cinema è la maniera in cui i miei pensieri prendono forma. Se i fratelli Lumière non ci avessero dato il cinema, io sarei condannata a non esprimermi e sarei infelicissima oppure in un manicomio». Un cinema, quello di Liliana Cavani, vissuto come necessario. Ma, un film non si realizza solo con l'inizio delle riprese, il montaggio e la proiezione finale al cinema. Il suo processo creativo parte da più lontano, fuori dal set e dallo schermo: il più delle volte appuntato su fogli di carta. Questa antologia, curata da Fabio Francione, raccoglie una ampia scelta dei molti scritti della regista disseminati sui maggiori quotidiani, in riviste specializzate di cinema e non e degli interventi tenuti nelle più disparate sedi, università, accademie, circoli e associazioni. L'esigenza intima del pensare col cinema diventa qui storia e narrazione, impegno etico e civile, riflessione politica e religiosa, nel momento in cui la stessa Cavani lascia al pubblico, aperte a dubbi e a interrogativi, le conclusioni.

Una monografia, punto di arrivo di una pluriennale e approfondita ricerca, che mette a frutto un'imponente mole di documenti, nonché di scritti e testimonianza dell'artista stesso. Scultore, architetto, illustratore, scenografo e grafico, Achille Funi è stato uno dei personaggi di spicco della pittura italiana della prima parte del XX secolo, aderendo al movimento Novecento di Margherita Sarfatti. Oltre alle tradizionali opere da cavalletto, si è dedicato appassionatamente alla pittura murale, tecnica antica e gloriosa, caduta in disuso nella modernità, ma riportata in auge nel corso degli anni '30 e '40, sulla scorta dell'esempio trascinante di Sironi. Da annoverare tra le figure più autorevoli del panorama artistico italiano: intellettuale di spicco, voce autorevole del dibattito culturale, Funi nel 1939 diventa docente presso l'Accademia di Belle arti di Brera, incarico nel quale emerge "la capacità di Funi di formare personalità differenti, e non repliche di se stesso [...] segno della sua efficacia di maestro." Basterà ricordare che sono stati suoi allievi non solo i figurativi Adami e Mariani, ma artisti cinetici appartenenti al Gruppo T (Grazia Varisco, Boriani, Anceschi, Gianni Colombo) e firmatari del manifesto spazialista come Crippa, Dova e Peverelli. Il volume rientra nella collana Scheiwiller, "L'arte e le arti", nella serie in collaborazione con l'Accademia di Belle arti di Brera.

Luciano Fabro, scultore e scrittore, è stato tra i fondatori del movimento dell'Arte Povera, e nel corso della sua carriera ha sperimentato e utilizzato materiali diversi, marmo, ferro, vetro, carta attribuendo a ciascuno di essi un preciso compito espressivo. Presente sulla scena artistica italiana ed estera - le sue opere sono esposte nei musei più prestigiosi -, Fabro è sicuramente da annoverare tra le figure più stimate del panorama artistico italiano: intellettuale di spicco, voce autorevole del dibattito culturale, è stato anche docente all'Accademia di Belle Arti di Brera, che ne omaggia la grandezza con questa opera raccogliendo le interviste che l'artista ha rilasciato, e gli interventi a convegni e dibattiti a cui ha partecipato dal 1996 al 2000. Il volume entra a pieno diritto nella collana Scheiwiller, "L'arte e le arti", in collaborazione con Accademia di Belle Arti di Brera.

Questo libro pionieristico rappresenta la trattazione più completa delle vite, delle idee e delle opere d'arte dello straordinario gruppo di donne che furono parte essenziale del movimento surrealista. Leonora Carrington, Frida Kahlo e Dorothea Tanning, tra le tante, hanno incarnato la loro epoca lottando per la maturità artistica e la propria "liberazione dello spirito" nel contesto della rivoluzione surrealista. Le loro storie e i loro successi sono presentati qui sullo sfondo dei decenni turbolenti degli anni '20, '30 e '40 e della guerra che costrinse il Surrealismo all'esilio a New York e in Messico. Whitney Chadwick nel corso della sua ricerca ha intervistato e corrisposto con la maggior parte delle artiste stesse. Le donne artiste e il movimento surrealista ora rivisto con una nuova prefazione della storica dell'arte Dawn Ades, contiene una grande quantità di estratti di scritti inediti e numerose illustrazioni mai riprodotte prima. Dalla sua prima pubblicazione, questo libro ha acquisito l'innegabile status di classico tra artisti, storici dell'arte, critici e storici della cultura. Ha ispirato e reso necessaria una revisione della storia del movimento surrealista. Prefazione di Dawn Ades.

Questo volume arricchisce la nuova collana Scheiwiller dedicata alle interviste di spicco del mondo della cultura, e concepita come un ragionamento a più voci condotto dal curatore insieme agli autori intervistati sui temi di più stretta attualità. Dopo i primi tre titoli sull'architettura (Fulvio Irace), design (Matteo Vercelloni) e teatro (Fabio Francione), in questo volume Maurizio Luvizone riflette con quindici direttrici e alte dirigenti di musei italiani e internazionali sulla centralità del genere femminile nella realizzazione di un nuovo modo di fare museo nel mondo. Di come lo "sguardo femminile" stia accompagnando il management museale contemporaneo verso una visione più orientata alla felicità dei pubblici, alle relazioni con i territori, alla partecipazione, all'inclusività. Ne discutono con l'autore, fra le altre, Frances Morris a capo della londinese Tate Modern, Gabriella Belli, già direttrice dei Musei Civici di Venezia, Giovanna Melandri, già presidente del MAXXI di Roma, e Andrea Bayer, curatrice del Metropolitan Museum of Art di New York.

Cento disegni di Andrea Branzi, cento vere e proprie opere d'arte con al centro un unico soggetto, il burattino di legno più noto di sempre: Pinocchio. La storia di Collodi, eliminate le edulcorazioni operate nel tempo che l'hanno trasformata in una favola innocua, è in realtà una storia amara, fatta di ladri, di freddo, di povertà, di buio, dove il Re non esiste e il grillo parlante è ucciso a martellate. Andrea Branzi percorre un viaggio all'interno della storia dell'arte, trasformando nei suoi disegni i protagonisti di molti capolavori assoluti in tanti Pinocchio conducendoci in una ricerca e una riflessione sulla verità e la menzogna.

Chi era davvero Caravaggio? Un uomo violento in un tempo di ordinaria violenza? O un pazzo vittima di una società del pregiudizio? Il libro di Giovanni De Plato nasce da questa domanda, proponendosi di illuminare il chiaroscuro che domina nella vita, nell'opera e nel caso clinico di Michelangelo Merisi, detto Caravaggio. Sono tuttora in discussione i dati più elementari della sua biografia, attraversata da una battaglia ininterrotta fra la luce geniale della sua arte (il chiaro) e l'irruenza notturna di una personalità complessa (lo scuro): il grande, acclamato e conteso artista è un uomo accusato di essere un "maledetto", un "delinquente", un "assassino", mentre ancora oggi alcuni psichiatri e psicologi lo ritengono affetto da "malattia mentale". Avvalendosi di documenti e testimonianze d'epoca, Giovanni De Plato, attraverso una narrazione in forma di romanzo, ricostruisce la vera storia di Caravaggio, dando voce ai personaggi che contornarono la sua vita, nel tentativo di scoprire se esistano buone ragioni per assolvere l'artista dall'accusa di crimini infamanti e riscattarne la figura dal marchio della psicopatia. La ricerca parte dall'analisi dei primi vent'anni della vita di Caravaggio, poco esplorati ma fondamentali per capirne l'evoluzione umana e artistica.

Questo volume, il terzo della collana Scheiwiller - Brera, raccoglie le lezioni e le esercitazioni del nuovo Dipartimento di Progettazione Artistica per l'Impresa fondato e coordinato da Ugo la Pietra tra il 2000 e il 2007 all'Accademia di Belle Arti di Brera. Esponente negli anni Sessanta di quel gruppo di artisti chiamati "operatori estetici", l'autore con le sue Lezioni ha perseguito lo scopo di ridare valore e dignità alla "cultura del fare", messa in ombra prima dalla riforma Gentile, poi dall'arte concettuale e dal disegno industriale. Il Dipartimento di Progettazione Artistica per l'Impresa è stato l'occasione, negli anni Duemila, per riportare all'interno delle istituzioni l'attenzione nei confronti di una vasta area progettuale e culturale erede dell'artigianato artistico e del Dipartimento di Ornato.

Un secolo di architettura religiosa delle diverse confessioni cristiane, dagli anni '20 del '900 ai giorni nostri, attraverso i testi scritti da Mario Botta e apparsi negli ultimi cinque anni nella rubrica Luce e gravità pubblicata su "Luoghi dell'Infinito". Il libro indaga con l'originalità e l'acutezza di analisi del maestro ticinese l'evoluzione dell'edificio sacro negli ultimi cento anni. Confrontandosi con una tipologia costruttiva che appartiene alla storia profonda dell'uomo, Mario Botta fa trasparire la propria concezione di cosa sia l'architettura e come essa possa rispondere ai compiti che è chiamata a svolgere oggi. Ciascun edificio viene raccontato dalle parole di Botta e da un attento corredo di immagini, partendo dagli edifici dell'inizio del secolo scorso, per proseguire con le realizzazioni dei maestri del Movimento Moderno, da Le Corbusier (presente con il celeberrimo capolavoro di Ronchamp) ad Aalto, inclusi i grandi italiani come Gio Ponti (cattedrale di Taranto) e Giovanni Michelucci. L'indagine procede poi con il superamento del Moderno nel secondo '900 attraverso le opere di autori come Oscar Niemeyer, Carlo Scarpa, Alvaro Siza e Richard Meier, soffermandosi anche sulle creazioni di artisti come la cappella di Houston di Mark Rothko e quella del Rosario a Vence di Henri Matisse. Ampia attenzione viene data alle creazioni più recenti di inizio millennio, dove Botta si confronta con compagni di viaggio, da Zumthor a Rafael Moneo, da Mario Cucinella ad Andreas Meck. Con un testo introduttivo di Fulvio Irace, il libro si chiude con un contributo di Alessan

Una stimolante riflessione sulla rivoluzione urbana in corso, invisibile e inavvertita ai più, ma lucidamente riconosciuta e minutamente analizzata dallo sguardo critico e disincantato dell'autore. A partire dalla messa a fuoco iniziale, nel primo capitolo, di un nuovo modello di modernità debole e diffusa, con il correlato smottamento funzionale di tutti gli apparati architettonici e urbani, Andrea Branzi approfondisce nei successivi capitoli il processo storico di progressiva integrazione tra spazi interni e spazi esterni. Il discorso procede muovendosi originalmente sia in senso geografico, spaziando tra le civiltà non architettoniche - dagli insediamenti neolitici dei primi sapiens a quelli tradizionali del continente africano - a quelle a noi più vicine, fondate invece sul modello urbano, sia in senso cronologico, mettendo in evidenza come i differenti modelli storici di progettazione degli spazi interni derivino da fondamenti culturali autonomi rispetto agli usuali modelli teorici dell'architettura e dell'urbanesimo. L'ultimo capitolo propone una "Nuova Carta di Atene", che sostituisce ai dieci principi dello storico documento, espressione del Movimento Moderno, dieci consigli per il presente scenario urbano nell'epoca della Terza Rivoluzione Industriale e della globalizzazione.

Nel periodo di massima creatività (1880-1890) fu sottoposto a ripetuti ricoveri, ogni volta con una diagnosi diversa. Dopo la sua morte, il giallo s'infittisce con nuove "accuse": schizofrenia, malinconia, depressione, personalità borderline, sifilide, etilismo. Come mai un pittore, che in circa dieci anni crea 823 dipinti e scrive 821 lettere, è ritenuto dall'illustre psichiatra Karl Jaspers affetto da schizofrenia? Su questo mistero entra in gioco l'autore che affida al dottor Emil Moreno, giovane psichiatra di Basilea, il compito di chiarire se Vincent fosse schizofrenico o un uomo normale dalla genialità incompresa. L'allievo Moreno si scontrerà con il suo maestro Jaspers, autore del saggio "Il caso Van Gogh" del 1922. Come finirà lo scontro? La trama descrive le vicende intime e traumatiche di Van Gogh, sempre sottovalutate dai medici. Il lettore potrà parteggiare per la difesa della normalità sostenuta dal dottor Moreno e per l'accusa di schizofrenia motivata dal professor Karl Jaspers.

Un'opera completa e inedita che raccoglie interventi e interviste dell'artista dal 1976 al 1996, curata da Silvia Fabro in collaborazione con l'Accademia di Belle Arti di Brera. Luciano Fabro, scultore e scrittore, è stato tra i fondatori del movimento dell'Arte Povera, nel corso della sua carriera ha sperimentato e utilizzato materiali diversi, marmo, ferro, vetro, carta attribuendo a ciascuno di essi un preciso compito espressivo. Presente sulla scena artistica italiana ed estera - le sue opere sono esposte nei musei più prestigiosi -, Fabro è sicuramente da annoverare tra le figure più autorevoli del panorama artistico italiano: intellettuale di spicco, voce autorevole del dibattito culturale, è stato anche docente all'Accademia di Belle Arti di Brera che ne omaggia la grandezza con questa opera che raccoglie le interviste che l'artista ha rilasciato, gli interventi a convegni e dibattiti a cui ha partecipato dal 1976 al 2000.

In questo volume dedicato al teatro Fabio Francione riflette, insieme a sedici tra i maggiori interpreti della scena teatrale italiana e internazionale, sulla situazione attuale del teatro e sulle prospettive future, toccando temi di pungente attualità, resi ancor più cruciali dalle contingenze determinate dalla pandemia, che ha colpito con particolare virulenza il settore delle arti dello spettacolo. Dalle diverse voci interrogate dall'autore emerge un'idea forte del teatro come luogo di incontro, confronto e talvolta di scontro tra la piccola comunità della compagnia drammaturgica e la collettività, non solo e non tanto alla ricerca di divertimento e svago per dimenticare le contingenze quotidiane, ma per ascoltare una parola in cui la comunità possa ritrovarsi e conoscersi. Ne discutono con l'autore, fra gli altri, Josep Maria Miró e Ascanio Celestini, Massimo Popolizio e Tiago Rodrigues, Pascal Rambert e Romeo Castellucci, oltre ai fondatoridi alcune delle compagnie d'avanguardia più importanti degli ultimi anni, da Anagoor alla Compagnia della Fortezza, dal Teatro delle Ariette a lacasadargilla. Il libro si chiude poi con la voce del grande maestro del teatro mondiale Eugenio Barba.

Ma in che modo le marche possono oggi muovere i loro primi passi nel metaverso? E cosa significa fare storytelling negli ambienti virtuali? Passando dai media classici ai media digitali, la comunicazione di marca è molto cambiata. I brand, abituati per decenni a raccontare le loro storie in TV e sulla carta stampata, hanno dovuto apprendere velocemente a fare storytelling nei social media e nei mezzi digitali. Ora si prepara un'altra svolta, probabilmente ancora più decisiva. Per quanto alcuni nutrano dubbi in merito, il metaverso sta arrivando. Esso è al centro della realtà del gaming da vari anni a questa parte. E soprattutto sta emergendo con rapidità vertiginosa in molti altri ambiti grazie allo sviluppo inarrestabile delle tecnologie. Perché questo è importante? Perché nei prossimi anni cambierà profondamente il modo in cui comunichiamo, socializziamo, ci divertiamo, lavoriamo, acquistiamo, e creiamo valore. In questa nuova dimensione i brand non potranno mancare, in quanto farlo rappresenterebbe un grande rischio. Difatti, le nuove generazioni di consumatori in gran parte saranno lì, pronte a sposare con disinvoltura le tecnologie e le forme di relazione degli ambienti digitali immersivi, così diverse da quelle del passato.

Ars factiva è arte efficace, produttiva. È arte che dialoga con il mondo delle imprese, della tecnologia, dell'educazione, della società, ma che sa produrre se stessa in maniera creativa e innovativa. Il tema della "necessaria inutilità" dell'arte è antico ed è stato dibattuto varie volte, ma nella nostra società acquisisce nuovi significati. Il sottotitolo, provocatorio, sta a sottolineare come nella società contemporanea, caratterizzata da progressi scientifici e tecnologici mai visti prima, l'arte può assumere un nuovo ruolo. Ars factiva non è un saggio curatoriale, ma un approfondimento su come arte contemporanea e società possano essere strettamente correlate. Parliamo di appagamento estetico, ma allo stesso tempo di funzionalità a qualcosa - se non altro dal punto di vista educativo e della comprensione - in campi quali il mondo delle particelle, i big data, il rapporto con la natura, l'architettura e lo spazio, la comprensione del corpo umano, la psicologia, oltre che in generale la scienza e la tecnologia. Dopo una panoramica in ognuno di questi ambiti, per capire il nesso con il mondo dell'arte, un capitolo è dedicato a una installazione per ciascuna di queste relazioni, un'opera che esprime al meglio tale rapporto, da Iñárritu a Ikeda, da Gormley a Tresoldi. È quindi anche un'opportunità per presentare alcune opere e installazioni che usano un linguaggio estremamente avanguardistico e multidisciplinare. Quindi intrigante.

"Rovine" raccoglie una serie di poesie che Gabriele Tinti ha destinato alla "scultura vivente dell'attore". Il poeta muove dal tragico senso di morte, di vacuità, che appartiene persino ai nostri capolavori che vorremmo eterni, con l'obiettivo di donare nuova vita e pensiero, rinnovato senso, alla statuaria greco romana, a tutte quelle reliquie di un'umanità oramai scomparsa. La raccolta si presenta come una fantasmagoria, una serie che fa parlare le spoglie, i frammenti, quello che resta tra le rovine. Seguirne i molteplici percorsi e le tante suggestioni ci permette di entrare in una differente relazione e conoscenza con il mondo antico oltre che con le ragioni stesse del fare arte e letteratura. Il libro è il frutto di letture dal vivo che, nel corso degli ultimi anni, alcuni attori noti al grande pubblico come Kevin Spacey, Malcolm McDowell, Abel Ferrara, Stephen Fry, James Cosmo, Joe Mantegna, Robert Davi, Burt Young, Franco Nero, Alessandro Haber, Michele Placido, Marton Csokas, Jamie McShane e Vincent Piazza hanno tenuto di fronte alle opere d'arte antica che hanno ispirato l'autore. Le letture sono state realizzate al Metropolitan di New York, al J. Paul Getty Museum e al LACMA di Los Angeles, al British Museum di Londra, ai Musei Capitolini di Roma, al Museo dell'Ara Pacis, al Museo Nazionale Romano, al Museo Archeologico di Napoli, al Parco Archeologico del Colosseo e alla Glyptothek di Monaco. Il libro è corredato dagli interventi di alcuni eminenti studiosi dell'arte antica come Sean Hemingway (Metropolitan Museum), Kenneth Lapatin (Getty Museum), Christian Gliw

Un documento imprescindibile per comprendere il pensiero e l'opera di un maestro fra i più grandi del Novecento. Nell'ottobre 1917 Piet Mondrian (Amersfoort, Olanda 1872 - New York 1944) pubblica sulla rivista "De Stijl" il primo articolo in cui definisce la sua visione del mondo e dell'arte, chiarendo gli ideali della tendenza da lui fondata, il neoplasticismo. Lo scopo della vita e della nuova pittura, scrive, è abolire il tragico. Una trentina di anni prima un altro artista olandese, Van Gogh, aveva portato il tragico nel cuore dell'arte moderna. Ora, quasi come un contrappasso, Mondrian aspira a un'arte libera dal dolore. Per far questo crea un linguaggio, basato unicamente sulla geometria e sulle linee rette, che si stacca dalla natura e dall'io e coglie le strutture dell'essere. Il volume, con un'introduzione di Elena Pontiggia, raccoglie gli scritti più importanti e rivelatori del padre del neoplasticismo, presentati in una nuova traduzione. Pubblicati tra il 1917 e i primi anni venti, i testi sono un documento imprescindibile per comprendere il pensiero e l'opera di un maestro fra i più grandi del Novecento.