I 3 porcellini sono alle prese con la costruzione delle loro 3 case, ma devono tenere gli occhi bene aperti: il lupo è nei paraggi, e potrebbe arrivare da un momento all'altro! Riusciranno i tre fratelli a terminare il lavoro prima che arrivi il lupo? La storia dei 3 porcellini in versione gioco di società, con un tabellone illustrato per 2 versioni di gioco, 4 pedine di legno con i personaggi, tutti i materiali per la costruzione delle 3 casette e un dado grande e maneggevole. Adatto a partire dai 3 anni, per trascorrere del tempo di qualità in famiglia! Con la collaborazione della pedagogista Elena Cortinovis. Età di lettura da: 3 anni.

Aiuta Pinocchio a raggiungere la Spiaggia prima che Geppetto la superi e raggiunga il mare per poi finire dentro la pancia della temibile balena! Riusciranno padre e figlio a riabbracciarsi? Oppure il povero Geppetto verrà inghiottito? La storia di Pinocchio sottoforma di gioco di società, con un tabellone illustrato, una balena 3D da costruire, 2 pedine di legno con i protagonisti della storia e un dado grande e maneggevole. Adatto a partire dai 3 anni, per trascorrere del tempo di qualità in famiglia! Con la collaborazione della pedagogista Elena Cortinovis. Età di lettura: da 3 anni.

Gioca, impara e divertiti con gli animali del bosco! Un libro di attività per i più piccoli con pagine da colorare, labirinti in cui trovare l'uscita, stickers da attaccare e tante curiosità sul mondo delle simpatiche creature che si nascondono nel bosco. Un innovativo libro ricco di attività diverse per bambini dai tre anni in su per apprendere concetti base e sviluppare la manualità. Età di lettura: da 3 anni.

Realizzata in collaborazione con l'Archivio Valerio Adami, la monografia ripercorre oltre sessant'anni di creatività e ricerca sperimentale di Valerio Adami (1935), pittore affermatosi prima a Milano, poi in tutta Italia, Francia e nel resto del mondo, grazie a uno stile inconfondibile. Dopo un esordio a Milano con un immaginario "esistenziale", Adami ha sviluppato una figurazione pop europea nella prima metà degli anni sessanta. Nel corso della sua carriera, l'artista ha creato un linguaggio visivo sempre più personale e riconoscibile, caratterizzato da grandi campiture colorate, figure dai contorni neri ampi, volti e corpi "smontati" e ricostruiti, nonché dalla presenza di parole e scritte eseguite con la sua personalissima calligrafia. La sua pittura, che adotta quasi sempre il grande formato, è di forte impatto visivo e per questo motivo l'artista è stato associato al genere "pop". Tuttavia, dietro immagini di immediata leggibilità è sottintesa una narrazione più profonda: le composizioni di Adami si popolano di metafore visive sofisticate e racchiudono concetti filosofici, letterari e mitologici, rappresentando nella sua opera l'evoluzione del pensiero europeo e occidentale. Pubblicato in occasione della rassegna antologica a Palazzo Reale, il volume raccoglie idealmente l'intero lavoro di Valerio Adami, dagli inizi nei tardi anni cinquanta sino a oggi; in particolare, negli ultimi decenni della sua attività è possibile riconoscere la continuità e il rinnovamento di un'opera visiva e narrativa monumentale, vera sintesi immaginifica delle persone e delle idee che hanno

Età di lettura: da 4 anni.

Età di lettura: da 4 anni.

Da tempo la poliedrica figura di Bruno Munari è conosciuta e apprezzata per la sua personale attitudine ad "attraversare" territori linguistici diversi. Come designer, artista, pedagogo e grafico, Munari è noto per aver contribuito a favorire la permeabilità delle frontiere tra i linguaggi artistici che durante il Modernismo erano considerati accademicamente separati. Ora, dopo anni di approfondite ricerche sulla sua personalità, la sfida potrebbe essere quella di andare controcorrente prendendo singolarmente in considerazione ogni disciplina che Munari ha affrontato. L'intero volume - pubblicato in occasione della mostra allestita dal Museo MACA di Manantiales (Uruguay) sotto la curatela di Marco Meneguzzo, uno dei massimi esperti di Munari - è dedicato alla sua attività di artista. Non solo vengono ripercorse le sue realizzazioni nel campo del futurismo, dell'arte concreta, dell'arte cinetica e dell'arte concettuale - che coprono un arco temporale di oltre sessant'anni -, ma vengono anche messe a confronto con il contesto storico in cui si sono svolte e con la sua personalissima idea di "progetto".

44 carte da gioco illustrate con gli animali del bosco e raccolte in un pratico astuccio, accompagnate da un libro di 16 pagine ricco di attività e 40 stickers. Il celebre gioco delle "Sette famiglie" presentato in una versione perfetta per i più piccoli e in una variante ancora più divertente! Età di lettura: da 4 anni.

44 carte da gioco illustrate con gli animali del bosco e raccolte in un pratico astuccio, accompagnate da un libro di 16 pagine ricco di attività e 40 stickers. Il celebre gioco delle "Sette famiglie" presentato in una versione perfetta per i più piccoli e in una variante ancora più divertente! Età di lettura: da 4 anni.

"Sia Emil Lukas che Giorgio Vigna, per una parte del loro lavoro, utilizzano un processo di caso calcolato, in un certo senso per chiamare a collaborare all'opera le forze della fisica e della natura: per esempio, pensare alla forza di gravità come elemento costituente dell'opera - da cui il titolo 'autodisporsi', cioè come si dispongono da soli gli elementi in gioco grazie all'intervento della gravità [...]." (Marco Meneguzzo)

La stretta relazione tra antico e contemporaneo, che caratterizza tutta l'opera di Lorenzo Puglisi (1971), costituisce un viatico importante per installazioni site specific in luoghi usualmente destinati alla sola fruizione museale, come le Gallerie degli Uffizi, la cappella Rucellai e Santo Spirito a Firenze, la sagrestia di Santa Maria delle Grazie a Milano, l'isola di San Servolo a Venezia, la cripta della chiesa di Saint Pancras a Londra. Elaborate, filtrate, scarnificate sino a raggiungerne l'essenza, le opere da cui trae spunto, immerse nel nero del tempo e della memoria, non sono tanto una colta citazione del passato o la testimonianza di una nostalgia per la grande tradizione dei maestri, quanto una riflessione sulla pittura stessa, sui suoi aspetti ineliminabili e sulla simultanea necessità di un rinnovamento del linguaggio. Questo volume di Marco Meneguzzo raccoglie gli ultimi vent'anni di attività dell'artista, completamente dedicati alla ricerca di questo difficile equilibrio tra memoria e futuro della pittura.

Età di lettura: da 6 anni.

Lo sviluppo artistico di Enzo Esposito, nell'arco di circa cinquant'anni di attività, ha un tracciato consequenziale, ma anche composito, all'interno del quale si colgono azioni e reazioni, momenti di slancio emotivo e di riorganizzazione delle ragioni formali. Al centro si pone comunque la pittura, come materia del lavoro, come strumento esistenziale, come metro dell'esperienza quotidiana. Una pittura con la quale l'artista si misura, avendone abbracciato le ragioni, ma volendo sempre verificarne e quasi forzarne le possibilità. Per questo, pur essendo stato, soprattutto in un momento decisivo per la sua storia personale, tra i protagonisti di quel "ritorno alla pittura" ampiamente messo sotto i riflettori della critica negli anni Ottanta, non si può considerare, il suo, l'esito di una scelta lineare, dalla quale siano derivate logiche perseguite senza sofferenza. Al contrario, Esposito ha sempre affrontato con lucidità critica il suo essere pittore, con l'esigenza di mettere in discussione l'innata capacita a fare della pittura il terreno su cui misurarsi, vivendo piuttosto come un conflitto il confronto con la tela, con i colori, con le superfici, mai sufficienti a contenere il suo bisogno di espandere il segno e il colore e con essi costruire un'immagine plastica.

"Ovvero come restare vivi nel mondo dell'arte", recita il sottotitolo di questo provocatorio "Manuale" apparentemente destinato ai giovani artisti, ma in realtà indirizzato a chiunque voglia comprendere quanto sia cambiato il mondo dell'arte nell'era della globalizzazione. Per "restare vivi", cioè attivi, propositivi, "veri", e sfuggire per quanto possibile alle logiche di un mercato sempre più dominante e senza avversari, non resta che iniziare una "guerriglia artistica" che dimostri che non tutti sono obbedienti e proni a queste regole. Chi deve iniziarla? Il soggetto più debole del sistema: l'artista. L'artista, soprattutto il giovane artista, come tutti coloro che sono alla base del ciclo produttivo, si trova nella posizione più svantaggiosa, pur essendo magnificato nella sua figura dal sistema mediatico: pochissimi artisti sono trattati come star, mentre la stragrande maggioranza è sempre più in balia di regole di mercato che esulano da ogni considerazione di valore. L'unico modo di affermare la propria presenza, la propria importanza e unicità è ribellarsi. Per fare questo, è necessario conoscere il proprio avversario e, come in ogni guerriglia che si rispetti, colpire laddove la struttura del sistema è più vulnerabile. Non è detto che il sistema crolli, ma la contrapposizione serve almeno a vivificare ciò che si vorrebbe abbattere. In questo volume, suddiviso in brevi capitoli e paragrafi, vengono svelate le "regole d'ingaggio" dell'artista nel mondo dell'arte, con le quali si rivela anche la struttura attuale dell'intero sistema: un manifesto per l'arte del XXI seco

Una monografia dedicata a una delle principali figure del panorama artistico contemporaneo iraniano Shahriar Ahmadi è uno degli esponenti più importanti della nuova arte iraniana. Poco più che quarantenne, ha saputo elaborare una pittura che anche visivamente è l'incrocio tra Oriente e Occidente, nel più puro spirito della tradizione persiana. La filosofia Sufi di Rumi insieme alla filosofia esistenzialista occidentale si incontrano sulle grandi tele che Ahmadi dipinge dalla metà degli anni Novanta: grandi cicli pittorici, di un espressionismo figurativo sanno mescolare l'immaginario persiano con i simboli e i significati di un mondo globalizzato. Shahriar Ahmadi è nato nel 1978 nel Kurdistan iraniano. Trasferitosi a Tehran, ha studiato la pittura moderna occidentale e le correnti filosofiche legate al sufismo. La sua prima mostra personale risale al 2000 presso la Barg Gallery a Tehran. La sua affermazione come artista a livello internazionale è stata sugellata dalla partecipazione alle mostre svoltesi alla AB Gallery di Lucerna nel 2014, alla Etemad Gallery di Dubai ed è culminata con la presenza al padiglione iraniano alla 56a edizione della Biennale di Venezia nel 2015. Marco Meneguzzo è professore di Storia dell'Arte Contemporanea e di Museologia e gestione dei sistemi espositivi presso l'Accademia di Brera di Milano. È critico e curatore indipendente, e collaboratore di "Artforum". A partire dal nuovo Millennio si è interessato ai problemi della globalizzazione in arte: nel 2012 è uscito un suo volume Breve storia della globalizzazione in arte edito da Johan e Levi, n

La monografia ripercorre sessant'anni di ricerca e di attività dell'artista milanese. Dalle prime ricerche di arte cinetica e programmata, il lavoro di Grazia Varisco ha una costante evoluzione nella sperimentazione di diverse tematiche che mettono in relazione spazio/tempo, caso/programma, presentate in differenti forme espressive non convenzionali. Pubblicato in occasione della mostra antologica milanese, Grazia Varisco. Percorsi contemporanei evidenzia la complessità della ricerca di un'artista protagonista della nostra modernità e costituisce un'occasione unica per una rivisitazione completa e approfondita del suo lavoro. Curata da Marco Meneguzzo, la monografia ripercorre sessant'anni attività di Grazia Varisco, documentando le tematiche di ricerca e sperimentazione svolte dall'artista a partire dagli anni Sessanta e presentando una ricca selezione di importanti opere dei vari periodi artistici: dalle Tavole Magnetiche (un invito al gioco attribuendo una funzione espressiva agli elementi in campo) alla riproposizione della storica mostra personale dell'artista alla Galleria Schwarz 1969 a Milano; dagli Schemi Luminosi Variabili ai Reticoli Frangibili, Mercuriali e Variabili + Quadrionda degli anni Sessanta alle esperienze delle Extrapagine, degli Spazi Potenziali, Meridiana e Gnomoni (in cui una riflessione verso l'essenziale, esalta il Caso come elemento di indagine che si insinua in tutte le occasioni); dalla proposta di essenzialità e semplificazione della forma degli anni Novanta alla ricerca degli anni 2000 che assume nuove forme sempre legate al cambiamento e all

La collaborazione continuativa fra Accardi e Impellizzeri ha inizio alla metà degli anni Ottanta. Impellizzeri partecipa sin da giovanissimo alle attività dello Studio Accardi e, ancora oggi, con lo stesso amore e accudimento, continua ad occuparsi del lavoro di Carla, essendo uno dei membri del comitato dell'Archivio Accardi Sanfilippo. Il rapporto fra i due non si è mai limitato alle sole occasioni lavorative e in tale ottica, fuggendo qualunque intento antologico, il catalogo è stato pensato mettendo in scena una serie di accostamenti azzardati, di colloqui apparentemente impossibili ma efficaci, di chiacchierate fra opere diverse e fra autori distinti, ma non distanti. Accardi e Impellizzeri mostrano una modernissima mediterraneità ricca di rimandi e dall'esuberanza calibrata, senza paura di confrontarsi con la cultura araba o di incontrare e imbattersi nell'arabesco, dove colore, luce e segno trionfano.

Incultura, finanza e globalizzazione stanno rapidamente spingendo i linguaggi dell'arte in un "cul-de-sac". Il tramonto definitivo delle avanguardie e l'erosione del potere intellettuale che le puntellava, insieme all'immagine dell'arte come status symbol, hanno favorito l'ascesa di un collezionismo che, sprovvisto di un'adeguata conoscenza del proprio oggetto del desiderio, ha tuttavia imposto nuove regole del gioco e provocato un radicale appiattimento del gusto. Se un tempo, infatti, il collezionismo - che del gusto è il frutto tangibile, la visualizzazione plastica - era appannaggio di un'aristocrazia colta e carismatica, in grado di conferire legittimità e autorevolezza alla battaglia delle idee, oggi è alla ricerca soprattutto di consenso, e tratta l'oggetto d'arte alla stregua di un souvenir bell'e pronto cui si chiede di essere riconoscibile quanto l'immagine della Tour Eiffel, familiare anche a chi a Parigi non ci è mai stato. Guidato da conformismo e dotato di ingenti capitali, sceglie opere-trofeo con l'unico scopo di testimoniare la sua appartenenza non più a un'élite di conoscitori, ma al club degli affluenti. Dal canto suo, l'artista, perso di fatto il ruolo antagonistico che lo teneva al riparo dalle mode, non oppone più resistenza a questo assetto omologante. È costretto a inseguire il successo economico e produce un'arte "obbediente", attenta ai diktat del marketing e del gusto globalizzato, a scapito di quell'autonomia che era stata il suo vanto e la sua forza fino a pochi decenni fa. Polemico e pungente fin dal titolo, questo agile saggio narra i cambiame

La poliedrica attività di Nanda Vigo, divisa tra arte, architettura e design, viene analizzata da Marco Meneguzzo come un unitario progetto di vita, nel grande solco della Modernità europea. Protagonista del clima culturale milanese degli anni Sessanta, Vigo realizza i suoi "Cronotopi" dal 1963, in pieno spirito del gruppo transnazionale ZERO. Partecipe delle avanguardie, l'artista elabora un proprio pensiero sulla luce, la trasparenza, l'immaterialità che deve costituire l'opera e l'ambiente abitabile dell'essere umano. Nella loro versione degli anni Sessanta, i "Cronotopi" sono la quintessenza del suo modo di intendere l'arte: una situazione esistenziale che consente di vivere esperienze trascendenti, oltre la materialità del quotidiano per riuscire a percepire fisicamente una realtà più alta, una sintonia universale attraverso la contemplazione, la smaterializzazione, la comunione con l'Altro.

Tra gli anni cinquanta e sessanta Sergio Vacchi (1925-2016) è stato uno degli artisti italiani più noti. Le prime prove mature sono del 1948; in brevissimo tempo il pittore diventa una figura eminente dell'Informale, sostenuto da critici del calibro di Francesco Arcangeli e di Enrico Crispolti, per poi trovare una particolare e autonoma "via alla figurazione" di cui sono testimonianza i suoi cicli pittorici dedicati a grandi eventi simbolici o a personaggi della storia altrettanto significativi. Artista prolifico, dal gusto narrativo che si potrebbe definire "cinematografico", l'artista si è poi progressivamente e volontariamente isolato dalla scena, continuando furiosamente a materializzare sulle grandi tele le proprie ossessioni, a metà tra il gotico e il fantastico. In questo volume antologico, il curatore Marco Meneguzzo suggerisce una lettura del suo lavoro non più legata solo alla storia dei successi italiani, quanto aperta a una situazione internazionale in cui la sua pittura costituisce un singolare e soprattutto attuale "caso-studio".

Il volume, edito in occasione di una mostra organizzata dall'Istituto Italiano di Cultura di Mosca con l'intento di far conoscere al pubblico moscovita gli anni della fervida sperimentazione artistica del dopoguerra in Italia, è dedicato a Pino Pinelli, uno dei maggiori interpreti dall'Arte Analitica. Ciò che caratterizza la ricerca di questo artista, nato a Catania ma trasferitosi giovanissimo a Milano, è la volontà di frammentare l'oggetto quadro negli elementi che lo compongono (materia cromatica inclusa) e addirittura coinvolgendo in questo processo elementi "estranei" all'oggetto quadro, come la cornice, e addirittura il muro, e l'ombra su di esso proiettata. Un approccio "analitico", gioioso e ludico, che non indebolisce il concetto del quadro come entità, ma ne rafforza l'essenza.

Questo libro comunica scelte di vita e di lavoro che dimostrano come nel mondo dell'arte si possa ancora agire con successo senza abdicare a quel senso di condivisione, di amicizia, di rispetto che sono le basi di ogni nucleo "umano" capace di esprimere qualche idea nuova. Aurelio Amendola ha ritratto gli artisti che Santo Ficara ha esposto nel corso degli anni nella sua galleria: Carla Accardi, Roberto Barni, Enrico Castellani, Gianluigi Colin, Piero Dorazio, Marcello Jori, Luigi Mainolfi, Aldo Mondino, Luigi Ontani, Pino Pinelli, Roberto Pietrosanti, Antonella Zazzera. Un sistema di relazioni per immagini, una dichiarazione di poetica quasi sentimentale, perché ci si abbandona alla fisiognomica, ovvero a quella pseudoscienza che vuol riconoscere nelle fattezze di una persona, specialmente nel viso, il carattere, le qualità e magari anche qualche somiglianza col lavoro e con i suoi requisiti morali o intellettuali.

Marco Mazzucconi, brillante inventore di forme per circa un ventennio a partire dal 1985, promessa riconosciuta e quasi osannata della giovane arte italiana, per quasi dieci anni è rimasto in silenzio - con pochissime e sporadiche eccezioni, in qualche collettiva -, ha cambiato occupazione e ora si ripresenta con una serie di lavori nuovissimi, che testimoniano concretamente un pensiero che ha continuato a elaborare forme, anche in questi anni silenziosi. Per Mazzucconi il funzionamento dell'arte non è garantito dalla propria soggettività - che vediamo scomparire dietro una realizzazione "fredda", e spesso ironica, come nella serie dell'Informale visto dall'uomo e visto dal cane, o di Daltonico e analfabeta - ma dalla trasformazione di questa stessa soggettività in oggettività di relazioni linguistiche. [...] Queste relazioni, da casuali o individuali o sentimentali, diventano colmi di significato, perché la complessità del nostro sistema di relazioni "sicuramente" permette di legare elementi sorti e avvicinati soltanto casualmente.

La figura di Vincenzo Agnetti (Milano 1926 - 1981) è centrale nel panorama internazionale dell'arte concettuale degli anni settanta: poeta, critico, "dicitore", ha maturato il suo autonomo percorso sin dai tempi dell'amicizia con Piero Manzoni e col gruppo di Azimuth, ma è col 1966-1967 che si indirizza alla produzione di opere - come gli "assiomi" in bachelite o i "ritratti" in feltro - e di azioni in cui fondamentali sono i concetti di parola, territorio, "traduzione", relazione, singolarità e universalità della comunicazione. Questo volume, curato da Marco Meneguzzo con l'Archivio Vincenzo Agnetti, grazie ai numerosi saggi, al ricco apparato iconografico e scientifico, è tra i più completi strumenti di conoscenza di un'artista a cui il sistema dell'arte globale sta tributando un meritato successo.