Nel pensare al lavoro di Antonella Zazzera nasce lo stupore per qualcosa che ha l'apparenza del fluido, e che invece è solido: le sue sculture, gli altorilievi in filo di rame o in altri materiali sono intrecciati, sono "tessuti" in modo da suggerire una piega momentanea, lo scorrere di un'onda, un soffio di vento, mentre sono lì, solidi e immoti per una quantità di tempo che sembra eterna, se pensiamo alla robustezza e alla durata della materia di cui son fatti. Ma l'opera di Zazzera non si esaurisce nell'artificio percettivo, per quanto sapiente. Passato quel momento ineludibile di stupore, comincia il cammino della cultura, di ciò che sappiamo e di ciò che si aggiunge grazie a quell'opera, e subito ci si trova di fronte a un secondo cortocircuito ideale, che è quello di una "scultura tessuta". I suoi lavori suggeriscono la possibilità di un mutamento di forma, che quello che era chiuso venga "srotolato", cioè diventi "aperto", e la forma muti con una mobilità impensabile per la scultura.

"Costruzione, scala, azione, narrazione, processo, modellizzazione, struttura, modulo, schema sono ancora - e lo sono sempre state - le parole-chiave dell'opera di Cecchini, applicate secondo quantità diverse e mixaggi variegati a seconda degli anni e delle tipologie che ha ideato e sviluppato. Come accade a tutti i sommari, essi non sono il libro, ma ne indicano la partizione, ciò che dobbiamo cercare nel libro della sua ormai ventennale attività. Così, nei paragrafi che seguono, queste parole variamente disposte, ora accentrate ora diradate, magari semplicemente suggerite o sottotraccia, costituiranno quel sottile filo d'Arianna che condurrà al Minotauro, al centro del problema, riconoscendo nel Labirinto del suo lavoro forme apparentemente diverse tra loro e devianti, ma tutte realizzate secondo un progetto che a posteriori si rivela unitario." (Marco Meneguzzo)

Stilemi moderni è un confronto tra due artisti, Alessandro Mendini e Francesco Caberlon. Un confronto sviluppato in un territorio linguistico di confine, dove arte e progetto, pittura e graphic design si incontrano, rivelando per un attimo quell'alfabeto comune a tutte le discipline visive, che sono appunto "gli stilemi". A questo si aggiunge poi l'attivazione "moderni", che inserisce nel contesto visivo il fattore tempo, o meglio, il fattore "storia": e sul difficile concetto di "moderno", nell'evoluzione del suo significato, soprattutto Mendini ha costruito molta parte della sua riflessione teorico-pratica (se non altro per virtù anagrafica: più di una generazione lo separa da Caberlon) e l'ha proposta attraverso tavole e oggetti, molti dei quali presenti in mostra. Allo stesso modo, Caberlon presenta una serie di tecniche miste, in cui gli stilemi - anche qui - si rincorrono, e ripropongono la memoria di un apparato visivo ormai entrato a far parte della nostra quotidianità.

Il volume accompagna e documenta un interessante esperimento, una ricerca parallela, oltre ogni intendimento di denuncia e cronaca, messa in scena nelle aule delle Terme più imponenti di Roma antica. Già il titolo vuole essere una chiave di lettura per un'esposizione sul frammento e sui luoghi segnati da architetture iniziate e incompiute, sul cumulo di non-finiti che caratterizzano l'Italia con l'affioramento dal sottosuolo di antichi reperti e, sopra il suolo, di edifici mai completati. La straordinaria serie di bronzi figurati, anche monumentali, di Paolo Delle Monache ci fa visitare questi "luoghi" sotto forma di scultura, città interiore, vissuto nella memoria. Con questi forti e scomposti segni plastici si ibridano le immagini proiettate, una significativa selezione dal cortometraggio di Benoit Felici "Unfinished Italy" che si moltiplicano e si distorcono sulle scabrose superfici del metallo, abitandole in un caleidoscopio di non-finiti a rincorrersi.

In catalogo il ciclo di opere di Aldo Mondino dei "tappeti stesi", simulacri di tappeti dipinti su telai; il ciclo delle "Turcate", chiaro riferimento al folklore turco, ma anche all'artista Giulio Turcato; dei "ritratti" di ambientazione araba; e culmina con il rifacimento di "Mekka Mokka" (1988), una sorta di tappeto-mandala, realizzato con l'utilizzo di 50 chili di caffè in grani su carta da spolvero. Una produzione che riesce a coniugare il piacere della pittura con la percezione chiara di un mutamento in atto, l'evidente spostamento del centro d'interesse mondiale verso culture considerate "esotiche", nonché con una serie di citazioni colte, tipiche dell'artista, in primis quella della produzione orientalista di Eugène Delacroix.

Catalogo della mostra dell'artista Domenico D'Oora alla Folini Arte Contemporanea di Chiasso (Svizzera).

Mostra e catalogo dedicati a una produzione fuori contesto, gli ultimi quindici anni dell'artista Carla Accardi e le sue affermazioni di libertà. Come scrive il curatore, Marco Meneguzzo, "il percorso di Accardi è esemplare: una straordinaria intuizione nel partecipare, giovanissima, al Gruppo Forma, una prima maturità nella seconda metà degli anni Cinquanta, il momento magico degli anni Sessanta, in cui ogni cosa nelle sue opere appare "facile", tanto è in sintonia coi tempi, la sperimentazione tra gli anni Sessanta e i Settanta, l'acquisizione conclusiva della forma negli anni Ottanta e il definitivo successo nel mondo dell'arte, tutto concorre a che Accardi possa concedersi ora il lusso della libertà espressiva e della simultanea sicurezza che le sue opere attuali vengano guardate con la consapevolezza e l'attenzione che l'intero suo percorso merita. Così, da una ventina d'anni - e con una singolare accelerazione nel nuovo millennio - Accardi "gioca" coi propri segni, col proprio alfabeto, con la propria sintassi. Il gioco, in questo caso, è la manifestazione più alta della libertà, perché consente a chi lo pratica di stabilire sempre nuove regole, e di infrangerle, con la leggerezza di uno sguardo olimpico sulle cose del mondo, e quindi anche del proprio lavoro. È questa la differenza tra "gioco" e "sperimentazione", che vale la pena di approfondire".

"La parola dell'attimo" è la prima raccolta di componimenti di un giovane autore, Marco Meneguzzo, che si avvicina alla scrittura con un'idea ben precisa di poesia. Come lui stesso spiega, "la poesia è l'espressione del sentimento nel momento stesso in cui lo si prova". Da qui il titolo, che gioca sulla temporalità, dandole però forza e sostanza: un attimo, anche se materialmente può non avere struttura e consistenza, ha un suo peso specifico nel computo del tempo delle emozioni, dei sentimenti. Un attimo è sufficiente per esprimere pensieri e parole che rimarranno eterni nel nostro cuore e nelle nostre vite. Ed eterna è anche la poesia; è come un'alba, un tramonto, il caldo e il freddo; è come le maree, il chiaro di luna: "ci sarà ogni giorno, ma ogni giorno non sarà mai uguale al precedente". Perché così sono le emozioni dalle quali è nata e che dalla sua lettura scaturiscono: mutevoli ed eterne.

E dedicata all'arte degli anni ottanta una vasta rassegna curata da Marco Meneguzzo e promossa dalla città di Monza, documentata nelle pagine di questo catalogo. La mostra intende esplorare uno dei decenni più controversi e importanti del XX secolo, caratterizzato da un'esplosione di colore e di vitalità. Attraverso un centinaio di lavori la mostra ripercorre i principali movimenti del periodo e le più conosciute individualità, dalla Transavanguardia italiana ai Nuovi Selvaggi tedeschi, dai graffitisti statunitensi alla Young British Sculpture, dagli Anacronisti ancora italiani alla Figuration Libre francese. Uno sguardo internazionale dunque, che annovera artisti da Schifano a Ontani, da Schnabel ad Haring, da Paladino a Lupertz, da Barcelò a Basquiat, da Disler a Chia, solo per citarne alcuni. Il catalogo accoglie numerosi interventi critici che, oltre ad analizzare la produzione più strettamente artistica, spaziano nei campi della moda e del design, del cinema e della letteratura, della musica e della politica, offrendo così un quadro ampio ed esaustivo del decennio.

Un dossier dedicato a Francis Bacon. In sommario: Una vita difficile; Silenzio e maturazione; Bacon e l'Italia; Il linguaggio pittorico; I luoghi della creazione: gli atelier; La fortuna critica.

Bruno Munari (Milano 1907-1998) è una della grandi figure del design e della cultura del XX secolo. Il volume, corredato da un ricco apparato illustrativo e da un ricco apparato illustrativo e da bibliografia, va a completare la monografia pubblicata in occasione della mostra milanese del 2007: le due pubblicazioni restituiscono così a tutto tondo la figura del "fantasista del design" Bruno Munari.

Questo volume testimonia i "Mondi possibili", la mostra di Eliseo Mattiacci (Cagli, 1940) allestita in Val d'Orcia, tra le colline e i vigneti dell'azienda Icario, qui restituita da una serie di foto inedite di Claudio Abate e di Michele Sereni, e da un testo critico di Marco Meneguzzo. Tra dentro e fuori, tra terra e cielo, Mattiacci ha creato un percorso che si dipana idealmente verso l'alto, alla ricerca, appunto, di "mondi possibili", attraverso una serie di lavori che hanno come tema privilegiato il rapporto dell'uomo col cosmo.

Bruno Munari (Milano 1907-1998) è una della grandi figure del design e della cultura del XX secolo. Protagonista dell'arte e del progetto creativo sin dagli anni trenta - con l'invenzione delle "macchine inutili" e con il contemporaneo lavoro di grafica editoriale del tutto innovativo nel panorama europeo - è nel secondo dopoguerra che Munari si afferma come uno dei designer più fervidi: la collaborazione con tutte le aziende più importanti per la rinascita del Paese e una serie di geniali invenzioni ne fanno un personaggio-chiave per la grande stagione del design italiano. In occasione del centenario della nascita (2007), e a quasi vent'anni dall'ultima importante mostra (Palazzo Reale, Milano, 1987), una grande esposizione, che vede riunite oltre duecento opere, gli rende omaggio. Accanto alle opere più note, come i progetti di allestimenti degli anni quaranta e cinquanta, gli interventi artistici in campo architettonico del decennio successivo, i progetti di grafica e la collaborazione con alcune delle realtà più significative per la cultura italiana del dopoguerra, l'esposizione sottolinea anche alcuni aspetti meno indagati dell'opera di Munari, come la collaborazione, praticamente ininterrotta, con molte delle riviste italiane dedicate al progetto, alla comunicazione e all'arte. Il catalogo, corredato da un vasto repertorio iconografico, ripropone le dieci sezioni in cui è scandita la mostra, ed è completato da note bio-bibliografiche.

Chi ha detto che l'arte contemporanea non è accessibile a tutti? Che la capisce solo chi la conosce? Per sfatare questa ingiusta reputazione Marco Meneguzzo ha accettato la sfida di rendere comprensibili e attraenti anche le opere più difficili, provocatorie ed enigmatiche, spiegandone origini e obiettivi, significati ed estetica. Dalla Pop Art degli anni Cinquanta alle ultimissime tendenze di oggi (inclusi gli artisti emergenti della Cina), le pagine del volume vedono sfilare i dipinti figurativi e astratti, le sculture polimateriche, le installazioni, i video frame che hanno contribuito alla formazione della cultura artistica contemporanea.