Un omaggio al lavoro colto, raffinato e profondo di Cesare Peverelli, artista trait d'union fra mondi diversi: Parigi dove si trasferisce stabilmente nel 1957, e Milano dove continua esporre regolarmente dagli anni sessanta al duemila. A un secolo dalla nascita di Cesare Peverelli (1922-2000), le opere collezionate da Antonio Boschi e Marieda Di Stefano permettono di ripercorrere gli anni della formazione del giovane artista e le tappe della sua evoluzione fino alla stagione della sua fortuna critica: le nature morte degli esordi e il ritratto della madre degli anni quaranta; i primi paesaggi figurativi e la loro progressiva trasformazione in spazi intensi e complessi, tracciati con rapidi segni gestuali e nervosi; i corpi inquietanti e dai colori accesi degli insetti, creature da incubo dalle cui forme prendono vita una figurazione e una narrativa nutrite di suggestioni letterarie e di interessi compositi nel clima del surrealismo; e infine i grandi mazzi di fiori dove i segni si infittiscono e aggrovigliano in cromie che esplodono gloriose sulla tela. Attraverso queste esperienze si definisce la figura di un artista dall'inesauribile curiosità, sperimentale e tecnica, che sfiorò in modo personale diverse correnti, senza tuttavia venirvi completamente assorbito, in una ricerca che non si è interrotta mai e non ha mai abdicato al proprio impegno fino alla fine.

Un approfondimento sul percorso artistico dell'"artifex". Luca Crippa, Luigi all'anagrafe, nasce a Seregno il 6 aprile 1922. Il padre, Paolo, è come molti in quelle terre un esponente dell'artigianato del legno, la madre è Angela Mandelli. In famiglia egli dunque respira da subito un clima che lo spinge a farsi un artifex: che è cosa, è fondamentale, ben diversa dall'essere artista. Un brianzolo come Crippa non solo si conosce, da subito, decoratore, ma tutta la sua storia ci dice che, potendo eccellere in un'arte maggiore, la pittura, egli avverta una scelta siffatta come un'autolimitazione, un restringimento d'orizzonte, e dunque eviti accuratamente di farsene seguace, preferendo una pratica totalmente centrata sul disegno e sulle sue molteplici fervide declinazioni, in cui il pensiero del decorare si ponga a gradi diversi la questione della ragione della decorazione, declinando il proprio savoir faire su piani e in ambiti diversi dell'operare.

Questa monografia sul lavoro artistico di Adriano Altamira nasce da una serie di conversazioni tenute fra l'artista e Flaminio Gualdoni fra il 2018 e il 2019. Le prime registrazioni hanno suggerito la materia della "Cronistoria critica" che apre il volume. Si tratta di un'indagine approfondita sui tre periodi della produzione dell'artista: Area di coincidenza, gli studi sui Sogni e la serie di collage e fotografie Visti per caso. La seconda conversazione verte sul posto centrale che ha il disegno nel processo creativo di Adriano Altamira, mentre la terza è stata registrata a ridosso della mostra tenuta nell'Appartamento dei Nani nel Palazzo Ducale di Mantova nel 2019. I testi sono accompagnati dalle immagini di oltre quaranta opere dell'artista.

Un viaggio per immagini attraverso i disegni e i dipinti di Leonardo alla scoperta di un genio assoluto dell'arte e della cultura di tutti i tempi "Ogni occasione è in lui interrogazione e verifica, esperimento, apertura d'un nuovo fronte e d'un livello ulteriore di riflessione, e ogni opera è la tappa d'un unico processo, non un risultato che possa esaurirsi in sé stesso" (Flaminio Gualdoni).

Il volume ripercorre la carriera artistica di Giuseppe Consoli (Mascalucia 1919-Milano 2010) dai primi disegni realizzati nei campi di prigionia, durante la seconda guerra mondiale, fino alle tele degli anni ottanta. Una produzione ampia e variegata che spazia dall'olio su tela, all'acquarello, alla scultura in ferro e in fertene. Consoli, che all'attività artistica affiancò quella di funzionario di soprintendenza e di studioso, affrontò tematiche rilevanti della storia del Novecento: la vita nel Lager, il lavoro contadino, i paesaggi siciliani, la cronaca violenta degli anni settanta. Numerose sono state le mostre personali e le collettive, nonché i riconoscimenti ottenuti, tra cui il Premio Suzzara nel 1950 e nel 1951. L'esperienza professionale di Consoli si è inoltre alimentata degli incontri con studiosi, artisti e personalità di spicco della cultura italiana del Novecento, che gli hanno offerto occasioni di confronto e approfondimento importanti. Il libro, con un'ampia parte a catalogo, è completato da una serie di apparati, quali il regesto delle opere, l'antologia critica, l'elenco delle esposizioni e la bibliografia.

Quella dei tableaux vivants è una storia antica quanto il Pigmalione immortalato da Ovidio. Una storia che si dipana nei secoli abbracciando pratiche tanto lontane fra loro come le sacre rappresentazioni medievali - che di celebrazione in celebrazione si fanno sempre più profane - e le più recenti videoinstallazioni di Bill Viola che ricreano le visioni manieriste di Pontormo. Si tratta di figurazioni statiche in cui modelli o attori, disposti in pose espressive, restituiscono l'immagine di dipinti o sculture celebri. Presupposto comune a tutti i tableaux vivants, del resto, è che a fungere da modello sia l'arte, non la vita. E forse proprio per questo suo status di arte nata dall'arte, contaminata, per giunta, da generi e sottogeneri popolari, quella dei "quadri viventi" è stata spesso ritenuta una pratica secondaria nel novero delle arti visive. Essa però ha saputo sopravvivere assecondando il mutare dei tempi e dei codici culturali, forte di quella caratteristica che da sempre l'ha marginalizzata: il suo non essere riconducibile ad alcun canone, oscillando senza sosta tra normatività accademica e puro intrattenimento. In questo suo perenne rinnovarsi, il tableau vivant si intreccia anche con le sperimentazioni fotografiche e filmiche (da Rejlander e von Gloeden ad Artaud e Pasolini), con la danza e il teatro (da Isadora Duncan a Grotowski) fino a incarnarsi nelle performance di Luigi Ontani, Gilbert & George e Cindy Sherman. La profusione di autori che continuano a dedicarvisi dimostra come il genere, ormai consolidato stabilmente nel repertorio dei linguaggi contemporan

Nell'interpretazione creativa di Lia Bosch tessuti e colori, ricami e intarsi, abiti e accessori sprigionano lo straordinario valore espressivo e simbolico della moda. Da una ricerca che affonda le radici nella millenaria tradizione partenopea emergono, grazie a un'artigianalità preziosa, costumi che portano nomi antichi ed evocativi e che rimandano a miti e leggende legati alla figura femminile e alla cultura napoletana: Parthenope e Mater Matuta, Janara e le Muse. Per l'ideazione dei suoi costumi Lia Bosch attinge all'archeologia e all'arte, all'astrologia e all'alchimia, alla magia e alla ritualità, e attraverso un linguaggio iconico ed emotivo offre una visione metaforica di valori complessi e misteriosi, un'intimità inconscia e profondissima. Attraverso i testi di Flaminio Gualdoni, Daniela Ciancio e Maria Canella, il volume narra di una femminilità arcaica che in queste creazioni si fa simbolo e si dispiega in un racconto universale di trasformazione e rinascita.

La ricerca portata avanti da Arturo Vermi durante tutto il percorso della sua carriera di artista è rimarcata da un razionalismo naturalistico, dove la linea tracciata dentro una superficie velata da un sottile accenno di colore, uniformata nella ricerca di uno spazio più mentale che visivo, crea un mondo di forti emozioni poetiche, un "naturalismo sintetico" di grande fascino, dove si avverte la presenza della natura in una fusione di sentimenti, dove la poesia crea una dicotomia tra l'immateriale, quale senso astratto della spiritualità e l'aspetto fisico corporeo della realtà, a stabilire tra loro rapporti di causa-effetto. In alcuni scritti il Maestro Vermi ribadisce la vera, unica necessità dell'uomo di avvalersi del concetto di felicità, un principio coinvolgente al quale si richiama spesso e che abbraccia la poetica e il senso di libertà totale come forma sublime per il raggiungimento di sintesi della nostra esistenza, quale obiettivo primario che non è solo libertà di pensiero, ma di vita. Nel suo lavoro si fondono spesso concetti di ideologie anche differenti tra loro, ma che finiscono per trascendere nel pensiero unico: l'amore per la vita.

Il catalogo è edito in occasione della mostra evento, tenutasi a Genova presso la galleria ABC-ARTE e preceduta da una tavola rotonda presso il Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce di Genova e contiene una sezione di testi introduttivi a cura di Antonio Borghese, il testo critico di Flaminio Gualdoni, una sezione di foto della mostra allestita presso la galleria ABC-ARTE, le opere esposte, una sezione di foto storiche del Maestro Sumi, una serie di estratti del libro autobiografico di Yasuo Sumi "Yakekuso Fumajime Charanporan", la biografia e una serie di mostre selezionate.

Un primo articolato e meditato contributo - in occasione della retrospettiva alla Galleria Michela Rizzo di Venezia - su un protagonista della scena artistica italiana degli ultimi quarant'anni, la cui figura complessa e il cui spessore creativo e di pensiero sono ancora in attesa di una plausibile inquadratura storico-critica. Dalle prime eccezioni al pittorico degli anni '60 alle ultime esperienze di sottile umore alchemico, il percorso di Claudio Costa, interrotto da una morte tanto improvvisa quanto inspiegabile, è sempre segnato dalla centralità dei "materiali dell'umano", da un'interrogazione della forma che sia a un tempo identità antropologica e radiante singolarità espressiva. Ha scritto Costa: "L'arte è un diapason della psiche che capta i segnali della specie, li fascia di ricordi, li accompagna coi fantasmi, li accoppia con la grazia".

Paolo Masi verifica nel suo modo tipico, alieno dallo scrutinio intellettuale preventivo, il sistema di riferimenti di codice di ciò che vien detta la pratica artistica. Presenza storica e alterità simbolica dell'opera, afferenza e differenza del fare artistico rispetto al fare tout court, comunicazione significativa e pratica del senso. Sempre, alla fine, la riflessione di Masi torna all'idea del pittorico, d'una pittura non improbabile. L'artista smonta e verifica ogni elemento e fase del processo sino alle conseguenze ultime, ma nell'intento di restituirsi e restituire una grammatica elementare e una sintassi articolabile della visione, di cui cogliere e - per quanto sia possibile - fissare gli statuti di necessità primi e insieme la forza radiante d'espansione espressiva. Verranno, poi, altre stagioni. Ma questa esperienza del 1979 è per molti versi paradigmatica del fare/pensare di Masi, il grande anomalo della neoavanguardia novecentesca.

"Sin dal 1958-1959, fra Roma e Milano, una compagine variegata di artisti, tutti a diverso titolo fortemente polemici rispetto alle declinazioni ultime e retorizzanti dell'informale, mira a delineare un proprio riconoscibile ubi consistam in seno all'irrompere del nuovo. Tutti loro avvertono l'esigenza di rivendicare uno spazio riconoscibile al proprio operare, dialogante con la vitalità del dibattito circostante ma mai riducibile a costellazione di posizioni individuali, che sarebbero necessariamente fragili. Il loro nume tutelare è Lucio Fontana, ma la sua vocazione ad 'appadrinare' con generosità artisti e situazioni da sola non fa garanzia. Occorre un gruppo consistente e autorevole. Non un manifesto, non un programma comune, non necessariamente una galleria di riferimento, pensano questi artisti. Ma un gruppo sì, quello è essenziale, per garantire una visibilità nitida al proprio orizzonte di ricerca." (Flaminio Gualdoni)

"La Merda d'artista" di Piero Manzoni, oggetto del desiderio di ogni museo e di ogni collezionista, è una delle icone dell'arte d'avanguardia, uno dei suoi miti più tenaci. Dalla data della sua realizzazione, il 1961, l'opera è stata circondata da un alone leggendario riguardante il suo contenuto, l'intento dell'artista, l'escalation di prezzi che l'ha vista protagonista. È oggetto di leggende e, naturalmente, di ironie, di parodie, di polemiche e rifiuti feroci, che l'accomunano idealmente all'opera-scandalo per eccellenza del secolo, "Fountain" di Marcel Duchamp. La narrazione ripercorre la genesi di "Merda d'artista" in seno al percorso inventivo di Manzoni e il crescere sino a oggi della sua eccentrica fortuna storica, che ne ha fatto un simbolo assoluto della cultura contemporanea.

A richly illustrated and extremely enjoyable reference book on the historical evolution of the nude. From the Paleolithic "great mothers" to the Greek athletes, from the Venus of Urbino by Titian to Leonardo’s Vitruvian Man, from the Odalisque by Boucher to those by Ingres, to the Amazons of Helmut Newton and the desolate, lifeless bodies of Andres Serrano, the nude is the theme of artistic representation par excellence. The nude body as the incarnation of perfect beauty and the suspicions concerning its sensuality imposed by Christian culture; the renewed triumph of ancient beauty in the Renaissance and the study of anatomy; the visual licentiousness of the eighteenth century and the photographic nude; ideal beauty, eroticism, pornography; the nude also as representation of the ugly and its flaunted truthfulness in the art of the twentieth century; the nude that itself becomes a work of art in the avant-garde of the post-WWII period, with performance, body art and experimental theater. These threads of the narration make for a deeply informative historical exploration of the nude in Western art, all conducted around a rich apparatus of images.

6 febbraio 1963: ad appena trent'anni Piero Manzoni viene trovato morto nello studio di via Fiori Chiari, stroncato da un infarto. Da quel momento in poi è la sua fama di personaggio provocatore e scapestrato ad affermarsi, insieme all'opera più dissacrante, la "Merda d'artista", che entra nella leggenda e nell'immaginario collettivo. Ma cosa c'è in realtà prima, dopo e dietro quei trenta grammi di prodotto purissimo d'autore? È ciò che ricostruisce e racconta Flaminio Gualdoni in questa biografia, che traccia il filo rosso della ricerca artistica di Manzoni, mettendo ordine in una congerie di materiali finora frammentari e lasciando da parte qualsiasi ipotesi fantasiosa e non documentata. Le notti di "dolce vita milanese" e le giovanili scorribande in bicicletta, le prime prove sotto il patrocinio di Fontana alla ricerca di una voce personale, il sodalizio con giovani artisti italiani a lui contemporanei, le collaborazioni con i movimenti d'avanguardia internazionali di cui diventa un esponente ricercato e riconosciuto: tutto scorre velocemente, fino a relegare sempre più sullo sfondo il Manzoni privato e a portare in primo piano il Manzoni artista. A imporsi fortemente, pure nel continuo e incessante sperimentare attraverso ogni mezzo - dalla pittura ai progetti per ambienti immersivi -, è infatti il nocciolo duro e compatto di un'avventura estetica attorno all'essenza stessa dell'opera d'arte.

La chiusura degli spazi espositivi della Fondazione Pomodoro, in via Solari a Milano è la perdita, non solo per la città, ma per la cultura in generale, di un luogo che aveva un approccio intellettuale, nei confronti del rapporto attività-comunità, oggi ancora assai raro. "Vicolo dei Lavandai" è un doveroso documento in forma cartacea di questo momento, perché le parole di Arnaldo Pomodoro e di Flaminio Gualdoni possano rimanere e diventare, per tutti, spunto di riflessione e di dibattito sulle potenzialità, ma anche sulle problematiche, con cui gli spazi espositivi contemporanei si devono confrontare. Il libro si conclude con una postfazione di Gino Fienga.

Qual è l'itinerario che conduce dalla Venere paleolitica di Willendorf alle algide modelle di Vanessa Beecroft? Cosa accomuna la nuda veritas e le lascive odalische care all'Ottocento? Non la nudità fisica, con tutto quanto ciò comporta sul piano del pudore e dello sguardo, ma la concezione del nudo come fondamento stesso della raffigurazione artistica, come immagine per antonomasia in cui confluiscono umori metafisici - la raffigurazione del divino concepito a immagine d'uomo - pensieri intorno alla perfezione della forma e più prosaiche considerazioni carnali. Un fatto è certo. Una storia dell'arte non può essere, di necessità, che una storia del nudo, delle concezioni che l'hanno determinata e delle forme in cui si è incarnata, dei gusti che l'hanno orientata e delle istanze che l'hanno resa ogni volta cultura viva. Misurare quale distanza separi la nudità degli eroi greci dalle patinate immagini digitali di oggi vuol dire comprendere molte cose, non solo a proposito delle figurazioni artistiche, ma in generale dell'idea stessa di umanità.

Taciturno, colto, meticoloso, Mondrian incarna nel Novecento l'opposto dell'artista bohémien. Ma nello spazio terso del suo studio, lontano dalle discussioni da café, nasce una delle rivoluzioni più autentiche dell'avanguardia. Mondrian è convinto che la pittura debba allontanarsi dai particolarismi - "Il problema 'che cosa è l'arte?' non può essere risolto illustrando le nostre concezioni personali" - per guidare gli uomini alla ricerca dell'armonia e dell'universalità. E se l'artista è in grado di scoprire la verità è suo dovere perseguirla e portarla a conoscenza di tutti. Dagli esordi figurativi la sua pittura evolve, a partire dagli anni parigini, verso un'indagine ostinata, paziente, ossessiva di assoluto che egli persegue con dedizione estrema, perché definitivo è il risultato al quale aspira: un'arte senza oggetti da contemplare come chiara espressione dell'universale.

Catalogo pubblicato in occasione della mostra di Francine Mury alla Galleria Folini arte contemporanea. Nella sua introduzione al catalogo, lo storico dell'arte Flaminio Gualdoni scrive: «Le matrici, le sagome, il foglio sono il territorio d'esperienza cui Mury riporta l'altra non disgiunta esperienza, di "immedesimarmi panteisticamente nel tremito e nello scorrere del sangue nella natura, negli alberi, negli animali, nell'aria" - così scriveva un altro degli antenati possibili dell'artista, Franz Marc - ma avendo ben salda la consapevolezza che non di perdita di se stessi e di deidentificazione si tratta, bensì di trascendimento a una sorta di assoluto: perché, ricorda ancora Marc, l'arte è ponte verso il regno dello spirito. La pratica del monotipo consente a Mury, inoltre, un ulteriore non accessorio spettro di possibili. Permane intatto, in ciascuno di questi fogli, il valore di unicità, di momento esclusivo e fatale di fissazione del senso, che è lo stesso che si legge nei dipinti e che, da un punto di vista concettuale, rafforza e ribadisce la qualità specifica di ogni singolo atto e l'ineffabilità luminosa del picco creativo che ha generato l'immagine».