Questa monografia dedicata a Corrado Balest (1923-2016), bellunese di nascita e veneziano d'elezione, racconta una singolare storia artistica, intrecciando la narrazione del percorso di vita dell'uomo con l'evoluzione del suo linguaggio pittorico: da un figurativismo riconducibile al contesto veneto degli anni cinquanta e sessanta del Novecento, Balest passa a un progressivo astrattismo che non diviene però estremo, non tradendo mai completamente la figura. Alla fine degli anni settanta mette a punto un personale alfabeto pittorico che tiene conto di Nicolas De Staël, di Rothko e Matisse, ma soprattutto dei paesaggi e della cultura del Mediterraneo. Le radici della pittura di Balest - i suoi soggetti, la luce, la vivacità cromatica - rimandano a un universo mitologico riconoscibile e accessibile. Immagini delle opere, fotografie provenienti dalle raccolte personali dell'artista, testi critici e letterari compongono un insolito racconto fatto di testi e figure che attraversa con una visione originale tutto l'arco del Novecento storico e artistico. Il volume, che esce in occasione della mostra alla Fondazione Levi di Venezia (19 gennaio - 24 marzo 2019), include saggi di Elisabetta Barisoni, Luca Massimo Barbero, Cristina Beltrami, Eugenio Bernardi, Chiara Bertola, Giorgio Busetto, Stefano Cecchetto, Martina Massaro, Giandomenico Romanelli, un'antologia critica con testi di Giorgio Baldo, Manlio Brusatin, Enzo Di Martino, Ugo Fasolo, Neri Pozza, Lionello Puppi, e il regesto illustrato completo delle opere dell'artista.

Se vi sono state epoche in cui la relazione tra la Chiesa e i creativi (architetti, designer, artisti) è stata fondante e condivisa, sicuramente oggi tale rapporto appare faticoso. Per questa ragione è necessario tornare a discutere di design e di sacro, mostrando, per exempla, progetti in cui la ricerca estetica e la ricerca di significato trovino una sintesi felice. È stato quindi chiesto a cinque maestri del design italiano di progettare un calice. Perché il calice? Non solo perché si tratta del vaso sacro di maggiore importanza nella liturgia eucaristica, ma anche perché possiede una forma facilmente comunicabile al di là delle personali afferenze e conoscenze religiose. Infine perché questi cinque designer? Perché Antonia Astori, Riccardo Dalisi, Michele De Lucchi, Alessandro Mendini e Paolo Rizzatto appartengono, per percorso e straordinaria capacità, alla genia dei maestri (e maestro è colui che può affrontare temi complessi e sedimentati, ricchi di addentellati simbolici e contemporaneamente di specificità funzionali). E poi perché, nella loro storia progettuale, possiamo riconoscere la volontà di creare oggetti densi di significato e destinati a durare nel tempo: esattamente le premesse necessarie ad affrontare la sfida del disegno di un nuovo calice. A cura di Marco Romanelli e Carlo Capponi Intorno ai Vasi Sacri include testi di Natale Benazzi, Umberto Bordoni, Luca Bressan, Carlo Capponi, Claudia De Benedetti, Chiara Maggioni e Marco Romanelli.

L'interrogativo implicito nel titolo della XXI Triennale, Design after design, pone il problema di 'cosa vi sia dopo il progetto?', ovvero quali voci risuonino in ciascun oggetto al di là della sua funzione e della sua forma. Si è quindi chiamati a ragionare sul significato. Entrando in un ambito specifico, pur senza affrontare analisi strettamente dottrinali, possiamo senz'altro affermare che, da sempre, esiste una forma d'arte, d'architettura, di musica, di fotografia, in una parola di progetto, che si pone il problema del 'cosa c'è dopo (o prima?)'. Un progetto teso quindi a rappresentare in forme finite l'infinito: ecco quindi che 'Design after Design' si trasforma in 'Design behind Design'. Analizzare le 'rappresentazioni del sacro', nel territorio della Arcidiocesi di Milano, dal dopoguerra a oggi, significa raccontare la storia di un uomo creatore capace di guardare oltre la sua matita, progettando sia l'oggetto che il suo senso. 'After' o 'Behind' possono quindi essere usati per indicare lo spostamento di significato verso il 'mysterion', verso ciò che è 'non completamente rivelato', che sta 'prima e dopo le cose'.

'Manuale può significare, genericamente, Handbucb, repertorio pratico di nozioni, ma anche Lehrbuch o, meglio e con Epitteto e giù sino a Erasmo e a Henry More, Enchiridion, silloge d'ammaestramenti: e sembra rispecchiare un impianto siffatto, il libretto di Corrado, che, apparentemente, dipana un discorso di suggerimenti, consigli, precetti intorno alle pratiche del mondo e dell'arte, e ai comportamenti da adottare in coerenza. Manuale, dunque, come Enchiridion o, invece - o anche - un'altra cosa: un amabile imbroglio di Corrado cui il gusto per il gioco intellettuale non fa certo difetto? L'autore, in realtà, nel dispensare avvisi, lumi, esortazioni, sotterfugi, acciò che nulla sia trascurato che 'possa rendere grande' il ventenne immaginario al quale si rivolge e delle cui sorti si fa cura, dipana situazioni, occasioni, contingenze, temperie che, via via, e per trasparenze mobili, avverti essere il racconto frastagliato di un'esperienza già vissuta e, insomma, di una storia di formazione, quella stessa di chi ce lo consegna, laddove la tecnica narrativa risulta sostituita dalla scansione descrittiva di situazioni morali'. (Dal testo introduttivo di Lionello Puppi)

Nel quadro dell'arte italiana del XVI secolo, Veronese è il pittore 'profano' per eccellenza, in quanto compendia in sé entrambe le grandi tradizioni pittoriche che maggiormente hanno influenzato la storia della pittura di carattere profano del Cinquecento: la tradizione toscano-romana e quella veneziana. Nel complesso Veronese esprime una visione laica e progressista che lo porta a scontrarsi con le autorità ecclesiastiche (come attestano i documenti e le testimonianze oggetto di approfondita disanima in questo volume), tanto da assurgere a vero e proprio simbolo dell'arte moderna. Il volume è il Catalogo della mostra di Parigi (Musée du Luxembourg, 22 settembre 2004-30 gennaio 2005) e di Venezia (Museo Correr, 18 febbraio-13 giugno 2005).