La mostra ripercorre, attraverso 80 opere, le tappe fondamentali della carriera dell'artista milanese, partendo dall'esordio della sua ricerca sulla pittura monocroma e sulla superficie spaziale della tela. La rassegna prende allora avvio con l'importante ciclo dei 'Volumi', tele monocrome aperte su grandi perforazioni che da subito rivelano l'influenza di Lucio Fontana sul lavoro e sulle riflessioni concettuali ed estetiche di Dadamaino. La prima sezione della mostra mette così in dialogo la serie dei 'Volumi' con le opere della collezione del MA*GA di Lucio Fontana, Enrico Castellani e Piero Manzoni, Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni Colombo, Enzo Mari, Getulio Alviani, Alberto Biasi. Il percorso espositivo sfocia poi negli anni della maturità della poetica di Dadamaino e si completa con le tele con 'lettere dell'Alfabeto della mente', e la gigantesca opera 'Il movimento delle cose', lunga trenta metri. Catalogo della mostra, edizione con traduzione in inglese.

Alan Bee è lo pseudonimo di una figura di spicco nel mondo degli affari, personalità di grande rilievo nel panorama dell'arte europea degli ultimi decenni che negli anni ha costruito con passione e arguzia il proprio personaggio a tutto tondo, dandogli non solo un nome ma fornendolo di una serie di suggestioni biografiche plausibili e del tutto compatibili con il corpus fisico delle sue opere. Alan Bee è l'artista che non ti aspetti; quello che non ha bisogno di un museo, di una galleria d'arte, di una mostra, e - per assurdo - neanche di un libro. Il suo scopo, infatti, non è mai stato quello di raggiungere la fama, non ha mai visto nella propria produzione artistica una possibile fonte di guadagno, quanto piuttosto un messaggio che potesse raggiungere chiunque con grande semplicità, riassunto da poche parole chiave: solidarietà, equità, difesa della natura, collaborazione, coesione. Talentuoso e fervido, Alan Bee ha incentrato il proprio lavoro - la cui diffusione ha autorizzato solo dopo la sua scomparsa - su una irreprimibile fascinazione per il virtuoso universo delle api, portatrici e custodi di ritmi e tempi armoniosi, simbolo di un ordine inviolabile del mondo: un modello che si estende al concetto ideale di humanitas, intesa come pienezza e orgoglio della dignità umana, di cui Bee è sempre stato portatore e difensore, dando voce per mezzo della sua opera ai valori e diritti fondamentali di tutte le creature, primo fra tutti la libertà. Questo senso di libertà, che egli ha assunto in modo potente nel suo operare artistico, è declinato in un linguaggio originale e ma

Il catalogo presenta i cicli realizzati da Dadamaino (1930-2004) tra gli anni settanta e novanta, che documentano la complessa ricerca sul segno iniziata dall'artista con le serie Inconscio razionale e Costellazioni, quindi pienamente sviluppata con Passo dopo passo e soprattutto con Il movimento delle cose, come titolano le due vaste opere presentate alla Biennale di Venezia del 1990. Qui Dadamaino riempie letteralmente le ampie superfici di segni, che paiono galleggiare sulla superficie traslucida del materiale impiegato, seguendo andamenti irregolari, non progettati secondo un metodo preventivo, ma come a trascrivere in diretta il flusso di coscienza che anima l'artista. Dadamaino costringe lo spettatore alla rimessa in questione delle proprie precognizioni, aprendo cicli che seguono solo i tempi e i modi del suo rimuginare inflessibile, del suo insoddisfacibile ricercare.

Questo libro, documentando la mostra che segna l'inizio della collaborazione tra Michele Zaza e ABC-ARTE, racconta un voyage che si dipana come stream poetico entro le misure del vivere. È così che il lavoro di Michele Zaza ha acquisito un altro carattere nel tempo lungo della maturità. Autore sempre rimasto fedele alla centralità del corpo, con tutto ciò che comporta sul piano delle sue esplorazioni mitiche, nel corso degli anni Michele Zaza ha affrontato l'idea del percorso come viaggio, luogo di accadimenti tanto reali quanto magici, sempre legati a una misura mentale fatta di flusso affettivo e di incessante rimuginio intellettuale. La mostra allinea alcune opere esemplari di questo percorso: da Tempo e mimesi, 1975, alla triade del 1978 Magico, Ritratto terrestre, Celeste, sino all'ampio Itinerario, 1980, a Rivelazione segreta, 2005, ed all'articolato Lo spazio del respiro, 2012. Le complesse esplorazioni, tra magiche e biografiche, hanno largamente nutrito il suo universo visivo del quale ora è possibile una lettura dotata di un ampio arco diacronico, dagli anni settanta all'ultima opera, presentata per la prima volta in questa occasione, Pensiero cosmico.

Nanni Valentini (Sant'Angelo in Vado, 1932 - Vimercate, 1985) è una delle personalità più singolari e vivide del panorama artistico del secondo dopoguerra. Il volume ne documenta il lascito nel campo della pittura attraverso un'indagine sulle Trasparenze, presentate in una memorabile esposizione milanese nel 1976: un omaggio doveroso reso a Valentini in un momento in cui finalmente la profondità del suo magistero è stata in larga parte compresa, nonché un ripensamento critico dell'anomalia strepitosa rappresentata allora da quelle opere. L'amicizia con Fontana, Tancredi, Sottsass, Scanavino e i fratelli Giò e Arnaldo Pomodoro, una forte propensione allo studio delle più disparate aree sapienziali e l'immersione nell'ambiente milanese degli anni sessanta hanno permesso a Valentini di sviluppare la sua poetica verso un ragionamento fondamentale sulla forma plastica e sull'immagine, che lo ha reso unico nel dibattito artistico dell'epoca. Il volume, che inaugura una collana dedicata all'artista, accoglie i testi critici di Flaminio Gualdoni, Luca Bochicchio e Alberto Salvadori, una selezione di scritti dell'artista, una nota biografica e un ricordo di Tiziana Valentini.

Tomas Rajlich (Jankov, Repubblica Ceca, 1940) è internazionalmente riconosciuto come una delle più influenti figure della pittura europea. Emerso nella prima metà degli anni settanta, è spesso associato al minimalismo e alla pittura fondamentale, termine coniato in occasione della mostra allo Stedelijk Museum Amsterdam nel 1975, cui Rajlich prese parte. Il movimento include Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin e i primi lavori di Brice Marden e Gerhard Richter. L'ampia retrospettiva dell'opera di Rajlich pubblicata nel presente volume si svolge in dialogo con alcune opere chiave dell'astrattismo italiano da lui scelte, a partire da un'introduzione al concretismo degli anni trenta fino al secondo dopoguerra, dalle ricerche percettiviste e preconcettuali degli anni sessanta fino all'arte optical e alla nuova pittura degli anni settanta e ottanta, dipanando una nuova e inedita linea dell'arte astratta italiana.

Catalizzare come processo di condensazione delle forme, in un tempo ristretto nello spazio infinito dei segni. La velocità della rappresentazione fotografica con la lentezza dell'esecuzione delle miniature. Un contrasto di metodi e modi che trova sintesi nelle diciotto opere che sono raccolte in questo catalogo. Catalizzare, unire espressioni artistiche all'interno di cornici antiche, formando un 'unicum' con l'opera racchiusa. Gli oggetti recuperati nella fabbrica come simboli, tornano a vivere in queste opere. Le nudità delle figure sono in un contesto universale, senza appartenenza di classe o di razza. L'uso di materiali preziosi, come l'oro, ci riportano alla storia dell'Arte, Persiana ed Italiana, dalle antiche pergamene ai fondi oro del trecento. Un progetto univoco, nato da un'idea comune tra due artisti, iniziato nell'ottobre del 2019 e arrivato a conclusione nel luglio del 2021.

Catalogo della mostra Where the unmeasurable meets the measurable, collettiva con Alan Bee, Paolo Iacchetti, Tomas Rajlich, Nanni Valentini, a cura di Flaminio Gualdoni e realizzata in ABC-ARTE tra il 17 gennaio ed il 13 Marzo 2020.

Catalogo della mostra collettiva 'Absolute painting' di Giorgio Griffa, Tomas Rajlich, Jerry Zeniuk a cura di Flaminio Gualdoni e realizzata in ABC-ARTE.

Catalogo della mostra antologica dedicata a Tomas Rajlich da ABC-ARTE e curata da Flaminio Gualdoni.

Matteo Negri va costruendo da tempo, per vie felicemente non lineari, una sottrazione definitiva della pratica d'arte dalle sue componenti normative. Opera per coinvolgimenti sensibili forti, per evidenze conclamate, come sempre incorniciando in una dimensione di messinscena pensieri formali e circostanze mentali. Lavora, anche, sulle categorie ormai lise della storia artistica del Novecento, sul loro sdrucito nominare natura e artificio, visione e illusione, forma e ragionamento sulla e della forma. L'artista conduce un'operazione che ha il proprio innesco nella fascinazione e la sua sovversione gentile passa attraverso un'immersione e una deriva sensoriale complessa e fastosa, che non è inappropriato dire barocca. Per chi lo voglia, è uno dei meno scontati modi odierni di rimettere in circolo ragionamenti d'arte, chiedendosi, oltre il come, anche il perché.

Attraverso una pittura dominata dai colori della terra e dai sapori arcaici, Zoran Music (Gorizia, 1909 - Venezia, 2005) ci consegna un racconto intimo e personale del suo vissuto, intrecciato ad alcuni momenti che hanno segnato la storia del Novecento. Nato nel mosaico etnico, culturale e linguistico dell'Impero austro-ungarico, Music è un artista nomade per scelta e per costrizione che davanti ai diversi paesaggi del suo peregrinare - dalle colline dalmate a quelle senesi, dai profili rocciosi alle vedute di Venezia - porta avanti 'un processo di agnizione di se stesso attraverso i dati visivi' che trasforma queste vedute in un vero e proprio 'paesaggio d'anima', come scrive Flaminio Gualdoni. Una ricerca quindi che si avventura a sondare la profondità della coscienza, anche nei suoi abissi più profondi vissuti dall'artista nella tragica esperienza della deportazione a Dachau, per dare vita a una pittura che, per usare ancora le parole di Gualdoni, 'non restituisca visioni ma densità affettive di snudato statuto poetico'.

Per Tong Yanrunan l'atto artistico è un'avventura alla scoperta della vera essenza del soggetto. L'artista cinese è guidato da un costante desiderio di connessione con l'animo umano e la natura, dando vita a un ritratto lontano dalla forma ma che, come le nature morte di Giorgio Morandi, crea una sorta di relazione costantemente appagante attraverso un'apparente semplicità. Il soggetto abita la tela nell'essenza della non-distinzione, ogni volto è vivido e insostituibile, ogni immagine un mondo nuovo e ricco. Al pittore non interessa la vera storia dei suoi personaggi. Estraniandosi dal loro passato riesce a creare un ponte di connessione tra la propria anima e quella del soggetto, una reale e nuda comunicazione. Osservare i ritratti di Tong significa lasciarsi governare da un calmo magnetismo, abbandonarsi alla visione di soggetti immobilizzati dalle dinamiche pennellate del pittore su tele di formato leggermente più piccolo del reale busto di una persona che creano immutabili Forme del tempo.

Antonio Scaccabarozzi, artista e sperimentatore, ha sempre tenuto a mantenere una traccia del suo lavoro, documentandolo, conservando schizzi, appunti metodologici e idee, rivedendo il materiale anche a distanza di tempo da prospettive diverse. Dopo anni, grazie alla documentazione dell'Archivio Antonio Scaccabarozzi gestito da Anastasia Rouchota, ci si accinge a guardare a ritroso il suo percorso artistico riprendendo spunti e partendo dalle sue impostazioni iniziali. Io sono un pittore descrive il percorso di Antonio Scaccabarozzi attraverso le sue opere più importanti e un significativo testo di Flaminio Gualdoni. Ne emerge il ritratto dell'artista attraverso i suoi cicli di opere, tra l'avanguardia e il suo estremo rigore, evidenziando la sua pratica creativa costante, rigorosa e intransigente. Dalla pittura astratta degli inizi fino agli esperimenti concettuali, alle variazioni cromatiche, ai Polietileni e alle Velature. La testimonianza di una volontà di espressione artistica che si fa dovere.

Il volume, edito in occasione della Biennale di Venezia 2015, rende omaggio a un protagonista dell'arte del XX secolo, Roberto Sebastián Matta. Nelle sue sculture, l'artista richiama ogni tradizione pre-esistente: l'idolo totemico delle civiltà antiche di derivazione inca o atzeca si fonde con la divinità feconda e naturale del popolo etrusco, insieme agli spunti derivati dallo studio sull'arte oceanica, primitiva e africana, in una continua ricerca delle radici della storia dell'umanità. I tempi, le forme, le culture: tutto si amalgama, giunge a nuove unità e trasmette insolite visioni. Ma così come nella pittura, anche nella scultura la memoria del passato, dell'origine, si compenetra con visioni avveniristiche d'ispirazione tecnologica, sospendendo il risultato in un tempo magico, in uno spazio altro, quasi atemporale: una nuova dimensione, per l'appunto, dove il mondo immaginato, l'opera creata dalla mente, non è meno reale della realtà stessa. Il volume, con testi critici dedicati all'artista, è completato da apparati biobibliografici.

Sono trascorsi poco più di cinquant'anni dalla morte improvvisa di Piero Manzoni, e la sua opera viene riconosciuta sempre più come una delle esperienze fondamentali dell'avanguardia del XX secolo. Attraverso una vasta selezione di opere rappresentative della geniale creatività e della vivacità inventiva di Manzoni, la monografia, pubblicata in collaborazione con la Fondazione Piero Manzoni in occasione dell'importante retrospettiva milanese, ne ricostruisce la vicenda breve e fervida in un percorso che documenta con opere primarie tutti gli aspetti della sua attività. Dalle 'Superfici bianche' o 'Achrome' alla celebre 'Merda d'artista'; dalle 'Linee' arrotolate e chiuse in cilindri di cartone etichettati e firmati al 'Fiato d'artista', catturato in palloncini di plastica; dalle 'Uova sode', autenticate dall'impronta dell'artista, alle 'Basi magiche' con statue viventi firmate, fino alle 'Afonie musicali'. Tutte opere con le quali questo geniale e controverso artista del Novecento ha profondamente rinnovato l'idea stessa di arte d'avanguardia.

La terracotta può esser toccata, esplorata con le mani, accarezzata ed è il materiale ideale per una mostra tattile. Ha quindi un particolare significato la mostra di 'Paolo Annibali. Dirà l'argilla. La mano la terra il sacro' per il Museo Tattile Statale Omero di Ancona. ?Ventuno grandi sculture in terracotta più ventuno splendidi disegni realizzati negli ultimi tre anni, secondo un progetto unitario pensato per il Museo. Tutto da vedere e da toccare, fruibile da parte di visitatori vedenti e non vedenti poiché alcuni disegni saranno realizzati in 3D. In catalogo tutte le opere e gli interventi del curatore Flaminio Gualdoni, di Erri de Luca e del presidente del Museo Omero, Aldo Grassini. Annibali ci illustra il suo percorso artistico e ci permette di scoprire gli angoli più intimi del suo laboratorio, per poi arrivare in una sorta di ipotetico tempio dove però i personaggi non sono dèi ed eroi, ma figure femminili impegnate in gesti della normale quotidianità, come il truccarsi o specchiarsi.

Nata a Bucarest nel 1951, Doina Botez dal 1989 vive e lavora a Roma, dove si dedica esclusivamente all'attività di pittura e grafica. Nella sua opera riesce ad esprimere anche alcuni aspetti tragici della dittatura rumena, nelle illustrazioni dei versi di una importante poetessa dissidente. Questa monografia offre un'ampia prospettiva sulla produzione dell'artista, attraverso le numerose opere su tela e i lavori in tecnica mista su carta che ben restituiscono la sua elegante e sensuale visione dell'arte, fatta di tormentate pennellate e ambigue presenze. Le figure metamorfiche, i personaggi mitologici e le scene barbariche sembrano fuoriuscire dalla tela per raccontare nella loro matericità una storia che la Botez riesce a narrare nelle due dimensioni attraverso i colori squillanti delle tradizioni popolari del suo Paese natale. La tecnica pittorica mista concorre a creare un diaframma fra soggetto e spettatore in una visione prospettica deformata, raffigurando più volti in un volto, corpi umani ed animaleschi insieme, erotici, terrificanti o grotteschi, cancellandone i caratteri tradizionalmente intesi e descrivendo la metamorfosi con appassionata attenzione al fine di renderlo diverso da sé per caricarlo di altre capacità espressive, altri poteri che rivelano l'energia segreta ed oscura della fantasia e del sogno.