Donne, sirene, fantasmi di entità corporee e astratte insieme, che paiono palesarsi nella cornice naturale di un giardino (ma da dove provengono? da quale luogo nascosto giungono a questa nuova e imprevista luminosità?) per una nuova e sobria spettacolarità, per dar voce al mistero profondo cui l'arte da sempre aspira. Quale significato Caflisch affida a nudi femminili puramente accennati (mai descritti, mai riconducibili a fisionomie precise o a qualsivoglia espressione di erotismo) e pur così presenti nella storia della sua pittura recente? La questione è fondamentale e va ricondotta a tre diverse polarità dell'arte di Caflisch: il mito, il mistero, il sacro.

Daniele Morini nasce, vive e muore a Milano (4 maggio 1953 - 9 maggio 2024). Studia filosofia, fa l'illustratore con successo, ma l'interesse per l'uomo lo porta subito alla pittura, a cui affida la sua ricerca della verità. Tutta la pittura di Morini sembra esplodere nelle singole tele, dapprima disseminando lo spazio di dettagli apparentemente inutili, come distrazioni, in realtà riconfigurandolo come luogo nuovo, in cui l'impossibile si fa storia. E poi attraversandolo, mentre i lacerti dell'esplosione piovono da ogni parte, come in una tempesta spaziale, attraversata da angeli che volano e da persone fluttuanti a testa in giù, ma col cappello in testa. Ironia? Forse, ma soprattutto la visione di un day after in cui l'impossibile e il possibile si incrociano. Il pittore non sorride, prova invece pietà per questa umanità che sa dolente, e pietà per sé, che ne canta il dolore e l'amore quotidiano, senza enfasi, senza retorica, ma con profonda partecipazione. Corredata dei testi di Paolo Biscottini (Note per una poetica dell'arte di Daniele Morini), Maria Serena Matarrese (Daniele Morini, un 'pittore per vocazione') e dagli scritti di Daniele Morini, la monografia presenta circa centotrenta opere dell'artista suddivise in Opere di illustrazione; Opere di pittura (Angeli e Città; Ritratti; Autoritratti; Nature morte); Opere pubbliche; Opere di incisione; Opere di scultura.

La lunga vicenda artistica della pittrice lombarda Sandra Tenconi è da tempo ormai una sensibile, delicata, profonda artista, interprete della grande pittura lombarda. Il fatto che Sandra Tenconi sia ancora una pittrice vivacemente attiva e impegnata conferisce a questo libro un valore speciale: non è in onore di un'artista, ma la sua conferma nella contemporaneità, di cui Sandra avverte con preoccupazione, ma anche con la solita indomita passione, le contraddizioni e i rischi, avvinta comunque dalla sensazione di partecipare sempre all'affascinante storia del farsi dell'arte. Il libro ripercorre, per temi (Roccoli e Ticino; Natura e paesaggi; Figure; Autoritratti; Moni Ovadia; Teddy Bears; Forme sospese), la lunga vicenda artistica di una donna minuta che pensa in grande, riuscendo a mantenere lo sguardo fisso sulle vicende del tempo, quello personale, ma anche quello storico. Uno sguardo a volte perplesso, ma anche ironico, credendo in se stessa, ma anche dubitandone, comunque tenacemente ancorata alla convinzione che l'esistenza sia un compito, un dovere a cui non ci si può sottrarre. Sandra Tenconi (1937) ha studiato a Brera con Aldo Carpi e Domenico Cantatore. Ha al suo attivo una settantina di mostre personali, dalla prima a Varese, presentata da Dante Isella nel 1960, all'ultima antologica alla Fondazione BPL di Lodi. Ama lavorare en plein air, o in studio sugli appunti presi sul posto. Il suo soggetto è in primo luogo la natura: le montagne, gli alberi, i tramonti, le cascate, i tronchi abbandonati, i fiori, le zucche. Ma anche la figura umana e il ritratto. La crit

Il volume presenta la collezione di nature morte di Geo Poletti (Milano 9 aprile 1926 - Lenno 13 settembre 2012), pittore e collezionista, grande conoscitore, famoso per la sua capacità di scoprire opere di straordinaria importanza che comparivano sul mercato o trovava fra gli amici studiosi e nelle diverse collezioni. Con lui, attribuzionista di vaglia, si confrontavano Roberto Longhi, Giovanni Testori, Gian Alberto Dell'Acqua e via via tutte le generazioni più giovani degli storici d'arte. La sua collezione di 25 nature morte del Seicento e Settecento (comprendenti dipinti di Bernardo Strozzi, Evaristo Baschenis, Giacomo Ceruti) è sempre stata conservata nelle sue case e viene qui documentata per la prima volta nella sua interezza. Questo catalogo la analizza scientificamente, rielaborando le attribuzioni di Geo Poletti; è così possibile confrontare l'attribuzione del vecchio conoscitore con quelle degli studiosi coinvolti. Il catalogo presenta inoltre una rassegna di significative testimonianze redatte dai numerosi storici dell'arte che ancora oggi ricordano Geo Poletti. Ma la sua figura viene ricordata anche nella sua attività artistica. Così, oltre alle nature morte della sua collezione, il catalogo consente di osservare anche le opere da lui dipinte, cogliendo in esse quel tema della contemporaneità in cui la stessa opera d'arte antica trova una sua nuova identità.

Nell'anno del Giubileo della Misericordia il Museo Diocesano espone una tavola del XV secolo che rappresenta la Madonna della Misericordia, tradizionalmente raffigurata nell'atto di accogliere sotto il suo ampio manto uomini e donne inginocchiati in preghiera. Questa immagine, che il Museo Diocesano propone come icona del Giubileo Diocesano, ci invita a riunirci sotto il grande manto di Maria e a entrare nel suo spazio sacro, dove il desiderio di pace e di amore che il nostro cuore conosce può trovare risposta.

A undici anni dalla scomparsa e a ottanta dalla nascita, il Museo Diocesano rende omaggio alla figura di Giorgio Mascherpa (1930-1999), intellettuale e impegnato critico d'arte cattolico attivo in un momento storico estremamente complesso. Critico di Avvenire, collaborò alla selezione della sezione di arte contemporanea nei Musei Vaticani, alla realizzazione del Centro Arte e Spiritualità di Brescia e alla Galleria San Fedele, compiendo una profonda riflessione su quel difficile dialogo tra arte e fede, tema molto esplorato dagli anni '60 in poi, soprattutto su sollecitazione di papa Paolo VI. L'ingente patrimonio librario di Giorgio Mascherpa è stato recentemente donato al Museo Diocesano dalla famiglia, e costituisce oggi un nucleo importantissimo delle biblioteca del Museo. Il volume accoglie una serie di interventi critici, un'antologia di articoli su Mascherpa, una bibliografia aggiornata e note biografiche.

La Natività di Filippo Lippi (Firenze, 1406 - Spoleto, 1469) è l'opera scelta per la settima edizione di 'Un capolavoro per Milano', iniziativa ospitata al Museo Diocesano della città. L'opera, proveniente dal Museo Civico di Prato, è una delle più interessanti della bottega di Filippo Lippi, e fu realizzata presumibilmente attorno al 1456. La tavola rappresenta la Sacra Famiglia con san Giorgio e san Vincenzo Ferrer e, in secondo piano, figure di angeli, pastori e musici, inseriti in uno sfondo naturalistico finemente descritto. L'opera rivela l'interesse dell'artista per un tema su cui ritorna più volte, dando particolare risalto, in quest'occasione, all'Adorazione del Bambino. In ciò si coglie il rapporto con il testo tardo trecentesco delle Rivelazioni di Santa Brigida di Svezia: la Vegine è inginocchiata davanti al Bambino, avvolto in fasce e adagiato direttamente sul manto della madre, il cui delicato volto riprende le sembianze di Lucrezia Buti, la bellissima monaca amata da Fra' Filippo Lippi. La presenza di san Giuseppe, assorto e concentrato in preghiera, e delle eleganti figure di san Giorgio e di san Vincenzo Ferrer, pare avvalorare una concezione nuova nell'iconografia della Natività, in connessione anche con la predicazione domenicana dell'epoca. Il volume accoglie saggi storico artistici, note biografiche e una bibliografia essenziale.

In occasione del centenario della nascita di Silvio Consadori (1909-1994), una monografia per rendere omaggio alla figura e alla personalità dell'artista di origini bresciane. Esponente tipico della cultura figurativa, spaziando dalla pittura murale a quella di cavalletto, Consadori è anche professore al Liceo Artistico dell'Accademia di Brera dal 1941 al 1973. Partecipa nel 1944 alla Biennale d'Arte Sacra all'Angelicum, nel 1962 affresca in Santa Maria delle Grazie a Milano e dal 1963 esegue gli affreschi nella Cappella degli Svizzeri in Vaticano e nella cappella privata di Papa Paolo VI. Monografia a cura di Flaminio Gualdoni con un testo di Paolo Biscottini e un'antologia critica con testi di Giulia Veronesi, Oscar Di Prata, Carlo Munari, Ermanno F. Scopinich, Mario Ghilardi, Claudio Toscani, Giannetto Valzelli, Luigi Santucci, Raffaele De Grada, Orlando Consonni, Mauro Corradini.

Il volume è dedicato alla Natività di Lorenzo Lotto, un'opera magistrale del tardo rinascimento italiano, scelta per l'edizione 2009 della rassegna annuale 'Un capolavoro per Milano', ospitata al Museo Diocesano della città. Lo straordinario dipinto - oggetto nel 2004 di un restauro che ha portato alla luce, oltre alla firma dell'artista, anche la data di realizzazione, 1530 - è di grande intensità emotiva. Proveniente dalla Civica Pinacoteca Tosio Martinengo di Brescia, venne eseguita durante il secondo soggiorno veneziano del pittore (1525-1533), ed è considerata una tappa fondamentale nel percorso artistico di Lotto. Il volume, introdotto da Paolo Biscottini, direttore del Museo Diocesano di Milano, accoglie una serie di saggi storico-artistici, una lettura teologica dell'opera tracciata da monsignor Franco Giulio Brambilla, una relazione del restauro effettuato sull'opera e note biografiche. Completa il libro una bibliografia essenziale.

Beppe Devalle (Torino, 1940) è uno dei grandi protagonisti della cultura artistica internazionale. Da un interesse iniziale per Gorky e l'Espressionismo astratto, viene nel tempo interessandosi sempre di più alla figura umana, anche tramite l'uso diretto dell'immagine fotografica e la pratica dei fotomontaggi e del collage. La figura nello spazio suscita gradualmente un'attenzione sempre più viva per il volto, fino alla realizzazione di tele di grande formato in cui mette in scena personaggi-icona della storia contemporanea. Durante gli anni trascorsi a New York approfondisce il tema fondamentale del volto, intuendo che la sua energia vitale scaturisce dalla profondità del pensiero nell'immediatezza dell'immagine. Il tema del destino diventa centrale nella sua pittura dal 2001 a oggi, consentendo di riconoscere nella pittura un indispensabile interlocutore della conoscenza del reale.

A sinistra, 'Il ritorno di Giuditta a Betulia', a destra 'La scoperta del cadavere di Oloferne'. Botticelli divide in due tempi e in due luoghi ciò che la pittura, prima e poi ancora, vuole unificare. Perché questa doppia rappresentazione? Quale concezione può aver suggerito all'artista la scansione e soprattutto l'interpretazione così diversa delle due scene? Quel pensiero sublime che scorgiamo negli occhi di Giuditta è forse la conquista di una nuova ragione al vivere, offerta dalla contemplazione del divino che eleva sopra gli istinti più materiali dell'esistenza. In questa lettura la dimensione neoplatonica emerge con forza, fino a sovvertire gli schemi del primo Umanesimo.

Il volume accompagna la mostra ospitata al Museo Diocesano di Milano che documenta attraverso una settantina di opere l'evoluzione della tematica del paesaggio come forma di rappresentazione autonoma, dalla metà del Seicento fino all'inizio dell'Ottocento. La rassegna ha inizio con le tele di Claude Lorrain e dei suoi più diretti seguaci, interpreti di una realtà idealizzata, solenne e armonica, in dialogo con opere di pittori d'oltralpe come Cornelis van Poelenburgh e Jan Both, o di Salvator Rosa e del Cavalier Tempesta. Durante il Settecento, i punti di riferimento per le forme che siglano il genere sono Marco Ricci e alcune personalità emergenti nel contesto romano: Francesco Zuccarelli, per il paesaggio legato allo spirito dell'Arcadia; Francesco Guardi, felice interprete del capriccio; Canaletto e Bellotto maestri della veduta e del rovinismo, inteso come nostalgica interpretazione di un mondo ormai lontano e decaduto. Con l'illuminismo e le teorie neoclassiche si fanno strada nuove forme di paesaggio, rivisitato alla luce dell'esperienza del Grand Tour: se Constable offre l'esempio di una natura empirica, oggettiva, ricca di luce e di colori, altri perseguiranno una dimensione più interiore, come Turner e le sue violente tempeste marine, le grandi nevicate, o le piogge impetuose.

Capolavoro assoluto dell'arte italiana ed europea, l'Annunciata di Antonello da Messina colpisce per la straordinaria perfezione formale e per l'innovativo concetto di assolutezza spaziale, rispettivamente sintetizzati nella bellezza geometrica dell'ovale del volto e nell'impercettibile rotazione della figura nello spazio. Questa sintetica pubblicazione incentrata sull'opera accoglie un'introduzione di Paolo Biscottini, saggi storico-artistici di Giulia Davì (direttrice di Palazzo Abatellis), Alesia Devitini e Nadia Righi, una lettura della tavola proposta da monsignor Crivelli e una serie di interventi riguardanti il restauro e le analisi scientifiche effettuate sull'opera. Segue un'antologia critica e una nota biografica.

Il volume è il catalogo della mostra di Monza (Serrone di Villa Reale, 15 settembre - 13 novembre 2005). L'esposizione, che celebra le vicende di un protagonista del Novecento, non solo artista versatile ma anche scrittore, poeta, saggista e giornalista che ha legato in molte occasioni il suo percorso umano e artistico alla città brianzola, presenta una selezione di 110 dipinti, provenienti dalle più importanti collezioni private e pubbliche italiane e un consistente nucleo di opere custodite nello studio monzese dell'artista.