Una svolta radicale nella rappresentazione fisica dell'Universo e di tutto quello che ci riguarda, dalle galassie alla mente umana, fino all'infinitamente piccolo, toccando le materie più diverse, un esempio per tutti la previsione dei terremoti: è questa la portata e l'ambizione della teoria illustrata nel libro. Nuova energia, nuovi sistemi di trasporto, nuovo umanesimo: un'opera scaturita da una delle menti più brillanti della Russia, rigorosa e impegnativa, affascinante e concreta, che semplifica drasticamente le complicatissime e contraddittorie visioni dell'Universo sviluppate da generazioni di scienziati e, a un tempo, ne colloca nuovamente al centro l'Uomo, per offrire alle generazioni presenti e prossime gli strumenti un futuro di benessere e pace. Un libro per i giovani scienziati e gli studenti delle superiori, per filosofi, psicologi, geologi e biologi, per gli ingegneri alla ricerca di innovazioni, per tutti coloro che sapranno incuriosirsi e interessarsi a una visione completamente nuova del cosmo e dell'umanità.

La ripresa delle relazioni culturali tra l'Italia dell'immediato dopoguerra e il mondo vede due luoghi privilegiati di riferimento: Parigi - destinazione tradizionale e consolidata - e gli Stati Uniti, che solo allora si stavano affacciando sulla scena dell'arte, e che costituivano ancora un'incognita e una scommessa. Il volume, attraverso il saggio storico-critico di Marco Meneguzzo, parla di quegli artisti, italiani, o italiani d'origine, che dalla fine della guerra agli anni del boom economico, hanno scelto di attraversare l'Oceano e di far dialogare la rinascente arte italiana con la nuovissima arte americana, avendo intuito che gli equilibri culturali ed economici si stavano spostando verso il Nuovo Continente. Questo rapporto biunivoco, che vede nascere un asse Roma-New York, si è rivelato fecondo sia dal punto di vista strettamente linguistico che di produzione e promozione del proprio lavoro: gli italiani in America, gli italoamericani e gli americani veri e propri in Italia sono uno dei primi esempi di quanto il mondo dell'arte sia diventato internazionale sin dagli anni Cinquanta.

Il volume è il catalogo della mostra che inaugura la sede milanese della Galleria di arte moderna e contemporanea Santo Ficara (9 ottobre - 20 novembre 2009). Tre artisti partecipano con le loro opere a questo evento: un piccolo ciclo, se non un vero e proprio trittico, per Carla Accardi; tre cimeli della stagione che egli stesso ritiene la migliore della sua attività creativa per Getulio Alviani; due lavori bianchi e uno argento, colore ormai utilizzato soltanto per i veri compagni di strada, per Enrico Castellani. Accardi, Alviani e Castellani interpretano così, ciascuno con il proprio personale linguaggio, una 'ricerca della felicità', una soluzione visiva, oggettuale, comportamentale che l'arte può fornire al progetto di un 'nuovo mondo'. Il linguaggio si fa spazio in una maniera specialistica e specializzata, concentrando cioè sul problema spazio l'intera percezione dell'universo.

La figura di Ettore Colla (Parma, 1896 - Roma, 1968) è anomala nel panorama della scultura italiana giunta a maturazione alla metà degli anni cinquanta: l'utilizzo di materiali trovati, di frammenti di ferro, di parti di macchinari ha infatti enfatizzato l'elemento della 'materia' e del 'materiale' questione fondamentale delle poetiche informali - in una disciplina, la scultura, che solo nel decennio successivo e con le pratiche installative e ambientali avrebbe trovato il suo ambito naturale. Ma Colla è ancora scultore attento alla forma, e nel suo isolamento italiano si trova paradossalmente in compagnia di una serie di artisti internazionali - da Julio Gonzàlez a David Smith, da Jean Tinguely ad Anthony Caro - che come lui sono stati i precursori del rinnovamento della scultura, pur non rinunciando mai a un rigoroso equilibrio tra gli elementi tradizionalmente fondamentali del linguaggio plastico. La selezione di opere, il saggio storico-critico di Marco Meneguzzo, gli apparati scientifici ampliati e aggiornati, fanno di questo volume un importante strumento di conoscenza di questo artista.

Cosa spinge molti artisti delle generazioni più giovani a saturare ossessivamente il proprio spazio visivo di immagini, di oggetti/di narrazioni? I sedici artisti presentati in questa mostra - tutti operanti in Italia - sono esemplari di questa tendenza planetaria, favorita dal bombardamento di immagini che scorrono a flusso continuo, e spesso in maniera ipertestuale, a cui siamo sottoposti. Il risultato è quello di una narrazione per immagini che nell' 'ebbrezza' procurata da tutto ciò che in questo modo riceviamo quotidianamente, ricostruisce relazioni impensate, stabilisce nuovi link senza far conto di questioni di spazio o di tempo e, alla fine, propone un nuovo immaginario, fatto di un universo atemporale, dove non esiste un prima e un poi, ma solo un magma ricchissimo, da cui ciascuno può estrapolare la narrazione che in quel momento ritiene più vicina alle proprie sensazioni e ai propri bisogni.

Nel pensiero di Benedetto XVI l'Eucarestia occupa un posto centrale. Il volume affronta il tema della vicinanza di Gesù che si fonda sulla volontà  di comunione di Dio sulla incarnazione del Figlio e il mistero pasquale. Attraverso questo iter Gesù si fa presente, è vicino a noi. In questa ottica acquistano senso e importanza le devozioni cattoliche: la festa del Corpus Domini, le processioni, l'adorazione silenziosa del Santissimo. Un libro di rara profondità  teologica, che è invito alla preghiera e alla comunione in Cristo. Come i precedenti volumi in catalogo, il volume viene ripubblicato nella nuova collana che raccoglie tutti i testi di Benedetto XVI.

Il progetto della Collezione Farnesina - Experimenta segue il solco già tracciato con successo dalle precedenti esperienze espositive della Collezione Farnesina, inaugurata nel 2000 presso la sede del Ministero degli Affari Esteri, e della sua versione itinerante: la selezione di opere che con il titolo di Viaggio nell'arte italiana 1950-80. Cento opere dalla Collezione Farnesina, ha riscosso ampio successo di pubblico e di critica nelle capitali dell'Europa orientale e del Sud America. Con questo passo ulteriore, che sono felice ed orgoglioso di presentare, il Ministero degli Affari Esteri assume con sempre maggiore convinzione il ruolo di promotore delle arti visive italiane, proponendosi di esplorare un territorio sin qui poco battuto: quello animato dalle più giovani generazioni di artisti del nostro Paese. La Farnesina, in tal modo, vuole sostenere concretamente la creatività di autori che rappresentano la qualità del nuovo panorama artistico italiano, un contesto che merita di essere maggiormente conosciuto e apprezzato anche a livello internazionale. A spingerci in questa direzione non è solo la fiducia nella vitalità dell'arte contemporanea italiana e nella qualità della sua più recente produzione, ma anche la consapevolezza che l'arte e la cultura costituiscano uno dei canali più potenti ed efficaci attraverso i quali l'Italia si presenta al mondo. Nell'odierno scenario internazionale, caratterizzato dall'emergere di nuovi grandi protagonisti, da una competitività crescente e dalla necessità di impostare forme di dialogo rafforzato con civiltà diverse e lontane, la

Cristallino, incontaminato, spontaneo sono aggettivi che descrivono uno degli artisti italiani più rappresentativi del Novecento. Schifano ha sempre indagato il lato meno eclatante, ma più vero, del mondo circostante: l'unico modo per essere sicuro di trovare qualcosa era per lui lavorare senza sosta. Essere è fare. A un certo punto della sua esistenza, Schifano si è interessato alla televisione, al bombardamento di immagini e di stimoli che poteva fornire, e alla possibilità di mantenere un contatto differito con la realtà allontanata dal suo contesto ideale. Pezzi live di vita vissuta e il catalogo ne è il grande racconto visivo. Solo alla fine delle trasmissioni inizia la vita vera, con l'apertura verso quella parte di esistenza generalmente isolata per non mettere a repentaglio la vulnerabilità emotiva. Se un giorno dovessero spegnersi le TV, i lavori di Schifano mostreranno che niente si crea o si distrugge, ma tutto si trasforma in eterno. Il volume è il Catalogo della mostra di Forlì (Fondazione Dino Zoli Arte Contemporanea, 26 ottobre - 18 gennaio 2008).

Carla Accardi e Pietro Consagra, pittrice la prima, essenzialmente scultore il secondo, hanno apportato nel corso degli anni sessanta un profondo rinnovamento al linguaggio delle rispettive discipline, introducendo nuove forme e nuovi sopporti, pur senza rinunciare alle espressioni tradizionali della pittura e della scultura. Il volume accompagna una mostra, allestita negli spazi milanesi della Galleria Fonte d'Abisso, che presenta ventisei importanti lavori realizzati tra gli anni cinquanta e gli anni settanta, indicativi delle sperimentazioni perseguite dai due artisti, tra cui spicca la serie di 'sicofoil' di Accardi e i 'ferri' colorati di Consagra. Il catalogo accoglie un testo critico di Marco Meneguzzo, le interviste agli artisti e gli apparati bio-bibliografici.

La pratica italiana dell'arte del XX secolo, così come dell'architettura, appare fortemente influenzata dalle affermazioni dell'avanguardia futurista, non tanto nel senso formale e letterale, quanto piuttosto in senso attitudinale. Da questo punto di vista, il tema dell'architettura e soprattutto della città - soggetto privilegiato del futurismo - pervade sensibilmente tutta la cultura artistica dell'Italia, che almeno sino a tutti gli anni sessanta vive problematicamente il passaggio da una società rurale a una società proiettata in avanti, cittadina, industriale, 'futurista'. Basandosi su questo soggetto e su questa ipotesi, il testo e le immagini mettono a confronto artisti dichiaratamente futuristi della prima metà del XX secolo, con artisti operativi negli anni cinquanta-sessanta: i primi rappresentano la città così come la immaginano, i secondi la 'sentono' attraverso i materiali, le forme, i frammenti, le sensazioni - e ne restituiscono gli umori, in una società solo apparentemente conciliata col suo nuovo status industriale e metropolitano.

Il volume documenta un'installazione, molti disegni, un percorso immobile, un'azione contemplativa. L'ossimoro sembra la figura retorica preferita dall'artista, perché genera equilibrio basato sui contrasti: immagini che si avvolgono su cilindri, tanto da risultare ben presenti, solide, eppure invisibili, come disegni che derivano da forme casuali, sollevate nella loro indifferenza a un'indifferenza psicologica, personale. Il libro, bilingue, con molte foto a colori, propone testi, oltre che di Marco Meneguzzo, di Rossella Caruso e di Pietro Fortuna ed è corredato da ampi apparati bio-bibliografici.

Questo volume compie una ricognizione storica - non esaustiva, ma esemplare, con l'opera di quaranta artisti - attraverso le generazioni di intellettuali siciliani che si sono succedute dal 1945 a oggi, e che hanno contribuito alla creazione e alla grandezza dell'arte italiana contemporanea. Si parte dall'assunto critico che l'arte in Sicilia abbia vissuto momenti ideali legati alla diversa 'percezione' nel tempo che della Sicilia hanno avuto proprio i suoi intellettuali e artisti. Sono stati così individuati tre momenti base di questa percezione: la Sicilia 'ostentata' che corrisponde a quelle generazioni che nella loro arte intendevano mostrare le peculiarità dell'isola rispetto al continente; la Sicilia 'negata' che appartiene invece a quegli artisti che hanno reputato importante 'dimenticare' il proprio genius luci, in favore di un linguaggio internazionale; e infine, la Sicilia 'ritrovata' delle generazioni di artisti più giovani, i quali ritengono, in nome di una globalizzazione pervasiva, che i problemi dell'isola non siano dissimili da quelli del resto del mondo.

Il testo parte dall'assunto che un elemento caldo e organico come il corpo sia stato oggetto d'indagine accurata da parte di uno strumento freddo ed elettronico come il video. Le possibilità offerte da quello che negli anni settanta era uno strumento nuovissimo di espressione e di analisi sono state immediatamente colte dagli artisti americani ed europei, che ne hanno indirizzato le potenzialità proprio sul corpo: la freddezza indagatrice dei pixel del video evitava ogni coinvolgimento emotivo, o scatenava un cortocircuito tra l'algida immaterialità del medium e il calore e la fisicità del corpo.

Il volume affronta l'analisi dei processi di cambiamento istituzionale e di modernizzazione amministrativa e gestionale che hanno interessato la pubblica amministrazione italiana e dei paesi sviluppati negli ultimi decenni. All'interno dell'opera i contributi di Denita Cepiku, Emiliano Di Filippo, Laurence L. Jones, Pierluigi Mastrogiuseppe, Valentina Mele, Marco Meneguzzo, Claudio Montefiori, Angelo Tanese, Fred Thompson.

Il volume è il catalogo della mostra di Napoli (Museo Archeologico Nazionale, 2 aprile - 11 settembre 2006). L'esposizione raccoglie i preziosi argenti vesuviani restituiti dagli scavi archeologici di Pompei. I tesori sono distribuiti secondo un percorso articolato in tre sezioni, con l'intento da una parte di proporre una ricostruzione del servizio tipico del banchetto in età romana, dall'altra di presentare i numerosi ed eccezionali ritrovamenti che, a partire dai primi anni dell'800, si sono susseguiti nel corso degli ultimi duecento anni.

I momenti più significativi della scultura italiana del XX secolo attraverso circa centocinquanta opere dei maggiori protagonisti del dibattito scultoreo del Novecento. Il volume, che accompagna la rassegna ideata da Arnaldo Pomodoro e curata da Marco Meneguzzo con la quale si inaugura la nuova sede della Fondazione Arnaldo Pomodoro a Milano, propone un percorso attraverso le opere degli artisti che maggiormente hanno contribuito a rinnovare il linguaggio della scultura italiana nel Novecento, da Medardo Rosso ad oggi. Il volume è il Catalogo della mostra di Milano (Fondazione Arnaldo Pomodoro, 24 settembre 2005 - 22 gennaio 2006).

Pompei, con oltre due milioni di visitatori all'anno, è uno dei più importanti siti archeologici italiani. La mostra 'Storie da un'eruzione. Pompei Ercolano Oplontis' al Museo Archeologico Nazionale di Napoli è l'occasione per osservare in anteprima i ritrovamenti delle più recenti campagne di scavo. Gli studi e l'apparato iconografico riportano l'antichità a una dimensione umana, con la ricostruzione delle 'storie' degli individui travolti dall'eruzione. Il volume è il Catalogo della mostra (Napoli, Museo Archeologico Nazionale,20 marzo - 31 agosto 2003; Bruxelles, Museés Royaux d'Art et d'Histoire, 8 ottobre 2003 - 8 febbraio 2004).

Questo libro non è soltanto un esempio di grande prosa memorialistica. È anche, e forse soprattutto, un libro di storia di un pezzo importante d'Italia contemporanea. La singolarità del libro sta nelle modalità del racconto, che osserva parti rilevanti della vita culturale, scientifica, morale e politica dell'Italia dall'inizio del Novecento alla crisi della dittatura fascistica, attraverso le vicende biografiche di un grande studioso di semitistica e di islamistica, che non mancò di partecipare alle vicende, tristi e liete, del suo Paese.

Pompei, con oltre due milioni di visitatori all'anno, è uno dei più importanti siti archeologici italiani. La mostra 'Storie da un'eruzione. Pompei Ercolano Oplontis' al Museo Archeologico Nazionale di Napoli è l'occasione per osservare in anteprima i ritrovamenti delle più recenti campagne di scavo. Gli studi e l'apparato iconografico riportano l'antichità a una dimensione umana, con la ricostruzione delle 'storie' degli individui travolti dall'eruzione. Il volume è la guida alla mostra omonima (Napoli, Museo Archeologico Nazionale, 20 marzo - 31 agosto 2003; Bruxelles, Museés Royaux d'Art et d'Histoire, 8 ottobre 2003 - 8 febbraio 2004).