Il catalogo della mostra propone un approfondimento sul maestro fiorentino Giuliano Vangi (1931-2024), con particolare riferimento allo studio del disegno e del segno grafico volti a realizzare la scultura. La levatura artistica del maestro Vangi, che lo qualifica fra i massimi scultori contemporanei a livello internazionale, è percepibile anche nella grande abilità del disegno e del tratto figurativo oltreché delle tecniche, dove egli esprime una straordinaria forza emozionale ed evocativa. La sua continua ricerca lo porta alla sperimentazione di diverse tecniche grafiche dell'incisione, tra cui l'acquaforte, il bulino, l'acquatinta e la puntasecca. Giuliano Vangi, per arrivare a elaborare la propria espressione artistica, attinge direttamente dal vero con frequenti richiami alla tradizione fiorentina, in una ricerca che oscilla costantemente tra memoria e modernità. Al centro di ogni sua indagine egli pone l'essere umano e i suoi moti dell'anima. La mostra di Chiasso è stata interamente concepita e discussa dai co-curatori con il maestro Giuliano Vangi vivente e costituisce una prima a livello espositivo, il cui allestimento è stato realizzato da Mario Botta. Il presente catalogo propone quasi duecento disegni di studio, a matita e china con biacca e acquarellature, seppia, sanguigna oltre a cinque sculture in bronzo, nichel, marmo e acciaio, espressioni emblematiche della sua ricerca artistica. Tre sculture sono esposte in una sezione distaccata della mostra, nel parco del Centro seminariale di Villa Pontiggia a Breganzona (Lugano). Le tavole contengono una selezione del

L'opera del maestro fiorentino Giuliano Vangi (1931-2024), con particolare riferimento allo studio del disegno e della grafica nello spazio, in rapporto alla scultura. L'artista elabora ed esprime i suoi sentimenti e impressioni usando un mezzo che unisce pensiero ed esecuzione: il disegno, il quale a sua volta si trasforma, alla fine del processo creativo, in scultura. La forza creativa di Vangi lo porta alla sperimentazione di diverse tecniche grafiche dell'incisione tra cui l'acquaforte, il bulino, l'acquatinta e la puntasecca. Il segno o grapheion, come atto creativo e originale, lo induce a ridisegnare e rielaborare uno stesso tema più volte, in modo che la grafica esprima tutta la poetica dell'artista.

Il manuale è rivolto a chiunque sia interessato a conoscere in profondità i disturbi della salute mentale e sarà un prezioso riferimento per tutti gli operatori del settore. I contenuti della 3a edizione sono stati quasi totalmente riscritti e considerano i criteri diagnostici proposti dal DSM-5-TR. Molte le novità: la velocità della ricerca scientifica e tecnologica, le modificazioni sociali, la pandemia da covid-19, la diffusione del disagio psichico e la grande richiesta sociale di interventi per la salute mentale e il benessere psicologico. Tra i nuovi temi: le transizioni psicopatologiche dall'età evolutiva a quella adulta, le comorbilità, l'approfondimento delle specificità di genere nella salute mentale, la psicogeriatria, i rapporti tra psichiatria e migrazioni, la psichiatria forense, le patologie rare e inusuali, l'organizzazione dei servizi.

Il volume è il catalogo della mostra di Palazzo Grifoni (San Miniato (Pisa), 6 novembre - 28 novembre 2021).

Il volume, primo della Collana AIRPA - Pubblicazioni dell'Associazione Italiana Ricerche Pittura Antica, raccoglie i contributi del I Colloquio Nazionale dell'Associazione, tenutosi ad Aquileia (UD) nei giorni 16-17 giugno 2017, dal titolo Nuovi dati per la conoscenza della pittura antica. Le giornate di lavori, in coerenza con gli intenti della AIRPA, hanno avuto lo scopo di agevolare l'incontro tra gli studiosi di pittura, nazionali e internazionali, e di inaugurare una serie di appuntamenti che, con cadenza annuale, stimolino il dibattito e la condivisione delle nuove ricerche sui temi della pittura antica. I contributi, poster e comunicazioni, sono ordinati secondo un criterio topografico, a partire dalla X Regio augustea, sede del convegno, fino alle isole e ai contesti provinciali. Seguendo questo iter regionale sono presentati gli studi di tipo stilistico e iconografico, le nuove acquisizioni e le riletture di contesti noti, con una significativa apertura alle indagini archeometriche condotte in campo pittorico e alle problematiche della conservazione, del restauro e della valorizzazione di tali preziosi materiali.

Ferdinando Martini (1841-1928) è stato non solo un notissimo politico dell'età liberale (esponente della Sinistra liberale, parlamentare per quarantatré anni, ministro per l'Istruzione Pubblica, ministro delle Colonie, governatore dell'Eritrea etc.), ma anche un eccellente giornalista, fondatore e direttore del «Fanfulla della domenica» (1879), del «Giornale per i bambini» (1881) e della «Domenica letteraria» (1882), drammaturgo, diarista, saggista e narratore. Fine intellettuale umanista, Martini curò un interesse particolare per Giuseppe Giusti, curandone Tutti gli scritti editi e inediti e l'Epistolario, comparsi rispettivamente nel 1924 e 1932. Lo studioso Simone Fagioli, indagando le carte dell'archivio e utilizzando alcuni documenti inediti, raccoglie in questo volume una preziosa antologia di scritti che Martini dedicò al poeta conterraneo dal 1891 al 1924, entrando in modo originale nel profondo della psicologia politica del politico pistoiese, legata indissolubilmente all'arte letteraria. . Con una lettera inedita di Giuseppe Giusti

Un ritratto imprevisto di Picasso innovatore e rivoluzionario. Attraverso l'analisi meticolosa ma non accademica della sua avventura esistenziale e artistica, le opinioni controverse dei suoi contemporanei, le foto più belle della sua vita, e le sue parole: incisive, folgoranti, ironiche, distruttive e impietose. Capaci di rivelare la forza della sua presenza nell'arte del Novecento quanto la sua meravigliosa e irripetibile opera pittorica.

L'esposizione presenta 112 stampe fotografiche originali realizzate dai grandi interpreti giapponesi ed europei di quest'arte, agli albori della storia della fotografia, fra il 1860 e i primissimi anni del Novecento. La rassegna ruota attorno all'idea dell'uomo e della donna giapponesi, così come si sono formate nell'immaginario europeo dell'Ottocento, ritratto nelle fotografie della Scuola di Yokohama, sia nelle reali condizioni socio-culturali del tempo, attraverso i capolavori di uno dei più importanti capitoli della storia della fotografia - nata in Europa ma subito sperimentata in Giappone - proprio nel periodo in cui, abbandonando un isolamento che durava da trecento anni, il Paese del Sol levante si apriva all'America e all'Europa, influenzando, con le immagini e le espressioni della sua creatività, il gusto dell'intero Occidente. Il percorso espositivo seguirà un itinerario tematico, diviso in sette sezioni, intervallato da tre piccole aree che presenteranno otto preziosi album-souvenir, e indagherà il contesto paesaggistico e culturale in cui è costruita l'idea di ineffabile perfezione, in cui si muovono i protagonisti, uomini e donne, della fotografia giapponese dell'Ottocento.

L'opera rappresenta il frutto di un progetto di educazione ambientale svolto da Italia Nostra-Firenze nell'anno scolastico 2008-2009 nelle scuole secondarie di primo e secondo grado della Provincia di Firenze.

Lombardini dipinge osservando, dalla finestra del suo studio, la distesa di colline che vanno dall'Impruneta a San Casciano nelle diverse fasi del giorno e cogliendo con grande sensibilità i segreti di quei paesaggi. Li osserva con un candore quasi fanciullo, ritrovando una visione vicina a certi incanti fantastici dei racconti della nostra adolescenza. È questo un paesaggio fuori dal tempo, una campagna vera e immaginata, solo apparentemente riconducibile ai luoghi reali e agli spazi fisici e geografici frequentati dall'artista. I colori primari, puri, amati da Lombardini, sono quelli della solare campagna mediterranea, dei campi e delle colline. Egli si presenta oggi con una storia definita e coerente, una storia scritta attraverso le sue opere, un discorso svolto incessantemente negli anni, sulle immagini della campagna, dei fiori deposti su un tavolo di fronte alla finestra. Un artista spontaneo, senza orpelli concettuali: in un mondo che diviene sempre più costretto a un'immagine artificiale della natura, quasi cieco alla luce e ai colori, un maestro come Angiolo Lombardini costituisce un'eccezione felice, una testimonianza del 'piacere' della pittura.

Oltre 300 fotografie d'inattesa bellezza, pervase da un senso di nostalgia, che danno la sensazione di un mondo sospeso in un'indefinita aura d'ineffabile perfezione, di un meraviglioso universo esotico che scomparirà all'alba del XX secolo. Ritraggono il Giappone della seconda metà dell'Ottocento e rappresentano un importante capitolo della storia della fotografia, essendo delle vere e proprie opere d'arte realizzate con la tecnica dell'albumina e il ritocco ad acquerello. Le fotografie sono state presentate all'omonima mostra tenutasi a Lugano, a Villa Ciani, dal 23 ottobre 2010 al 27 febbraio 2011.

Gli articoli raccolti nel volume propongono una prospettiva antropologica nello studio dei media, combinando, da una parte, una pratica di ricerca radicalmente contestualizzata e, dell'altra, discutendo il ruolo della tecnologia nelle pratiche di ricezione. La raccolta si apre con i testi più teorici di Friedrich Kittler e Stuart Hall e si compone di vari studi etnografici sui media dedicati a mezzi di comunicazione diversi, dal telefono cellulare alla televisione, dal cinema a internet, dal grammofono ai new media, per problematizzare la categoria stessa di 'media'.