Questa raccolta di testi è la testimonianza diretta di un singolare processo critico e intellettuale vissuto in prima persona, attraverso il dialogo con alcuni protagonisti della scena artistica contemporanea italiana e internazionale. Non una storia dell'arte - impresa impossibile senza concedere al tempo di sedimentare i fenomeni e distillare le essenze più resistenti - ma una riflessione profonda su esperienze, incontri e mostre che hanno segnato il percorso dell'autore. Con la sua trentennale esperienza curatoriale, Danilo Eccher traccia un itinerario che illumina i fenomeni più significativi dell'arte recente. Uno sguardo personale e parziale, certo, ma al tempo stesso diretto e privilegiato, capace di restituire la complessità e la vitalità di un mondo artistico inafferrabile.

È nella caduta della tragedia che l'arte di Francesca Leone ritrova la poesia liberatoria dei frammenti di una figurazione accennata, diluita, annebbiata; è nella pelle di una lamiera ondulata che affiora l'eleganza di un paesaggio sospeso, intuito più che visto, ovattato dal ricordo e dall'emozione. Alla crudele durezza dei materiali compositivi si affianca silenzioso il sussurro di una pittura appena accennata, più vicina a un'incerta apparizione che a una chiara visione: è così che si ricostruisce l'intera narrazione di quest'arte in perenne oscillazione fra incanto e analisi, ricerca e sogno, realtà e apparenza.

Lo sviluppo artistico di Enzo Esposito, nell'arco di circa cinquant'anni di attività, ha un tracciato consequenziale, ma anche composito, all'interno del quale si colgono azioni e reazioni, momenti di slancio emotivo e di riorganizzazione delle ragioni formali. Al centro si pone comunque la pittura, come materia del lavoro, come strumento esistenziale, come metro dell'esperienza quotidiana. Una pittura con la quale l'artista si misura, avendone abbracciato le ragioni, ma volendo sempre verificarne e quasi forzarne le possibilità. Per questo, pur essendo stato, soprattutto in un momento decisivo per la sua storia personale, tra i protagonisti di quel 'ritorno alla pittura' ampiamente messo sotto i riflettori della critica negli anni Ottanta, non si può considerare, il suo, l'esito di una scelta lineare, dalla quale siano derivate logiche perseguite senza sofferenza. Al contrario, Esposito ha sempre affrontato con lucidità critica il suo essere pittore, con l'esigenza di mettere in discussione l'innata capacita a fare della pittura il terreno su cui misurarsi, vivendo piuttosto come un conflitto il confronto con la tela, con i colori, con le superfici, mai sufficienti a contenere il suo bisogno di espandere il segno e il colore e con essi costruire un'immagine plastica.

Una monografia dedicata alle opere su carta realizzate dall'artista contemporaneo milanese dal 2003 al 2015. Un complesso e ricco itinerario che si snoda fra le opere su carta di Luca Pignatelli, all'interno delle sue visioni, negli intrecci delle sue riflessioni, negli equilibrismi del suo virtuosismo, nelle improvvisazioni della sua istintività. Come spiega Danilo Eccher nel suo saggio 'il concetto stesso di 'disegno' nell'opera di Pignatelli risulta inadeguato e riduttivo: il suo linguaggio su carta è a tutti gli effetti 'pittura', cambia la dimensione e il supporto ma l'ortografia e la sintassi della sua arte non registrano alcun mutamento. Le categorie critiche che si applicano all'interpretazione della sua pittura sono le stesse che aiutano a orientarsi nelle sue carte: non siamo mai di fronte a 'studi preparatori' o a 'bozzetti', non c'è mai la superficialità della prova, anche quando l'azzardo della sperimentazione e della ricerca innervano l'opera.' Introdotto dal saggio di Danilo Eccher, il volume presenta i contributi di Danilo Eccher, Arturo Carlo Quintavalle, Elena Lydia Scipioni, Arianna Bona, Anna Musini, Luca Beatrice, Luca Doninelli, Achille Bonito Oliva, Donald Kuspit, Marina Fokidis, Angela Tecce, Michele Bonuomo, Salvatore Veca, Antonella Renzitti, oltre al catalogo delle opere suddivise in sei sezioni (Opere su carta; Architetture e paesaggi; Treni; Cosmografie; Standard; Arazzi italiani).

Published for the 56th Venice Biennale, a complete monograph devoted to the Irish-born American-based painter and printmaker who has twice been named a Turner Prize nominee. Born in Dublin, Ireland, in 1945, Sean Scully has gained international prominence as one of the most admired contemporary abstract painters today. Fusing the traditions of European painting with the distinct character of American abstraction, Scully’s great achievement is the reinvigoration of abstract painting with the metaphorical, the philosophical, and the sublime combined with the earthy tangibility of paint.
From his precisely gridded works of the 1970s to the three-dimensional panels of the 1980s and his now celebrated Wall of Light paintings from the 1990s, this volume gathers the entire oeuvre of the artist, whose work is held in numerous public collections including the Metropolitan Museum of Art, MoMA, and Solomon R. Guggenheim Museum, New York; the National Gallery of Art, Corcoran Gallery of Art, and Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Modern Art Museum of Fort Worth, Texas; and the Tate, London.

'Cappelle sul Tavo è un piccolo paese sulle colline prospicienti Pescara. È il paese dove, nel 1940, è nato, dal quale non si è mai allontanato e dove tuttora vive Ettore Spalletti. Poche curve in discesa, una piccola retta e si entra nel comune di Moscufo, già in piano ma non ancora verso il mare, sulla strada una garbata trattoria dove Ettore sente il clima familiare e, poco distante, un grande capannone industriale, di quelli che feriscono il paesaggio ma indicano l'operosità di un territorio cresciuto dall'artigianato, sebbene non ancora approdato all'industria...' Il volume si propone di ricostruire l'atmosfera dello studio e l'essenza dell'opera di Ettore Spalletti. L'intento non è quello di riprodurre fisicamente lo spazio in sé quanto di trasmettere la poetica dell'artista ricreando l'energia che si respira in quell'ambiente illustrando parallelamente alcune opere significative del suo percorso artistico.

James Brown presenta alla GAM di Torino, per la prima volta in Italia, la serie Firmament realizzata tra il 2007 e il 2010, costituita da nove dipinti di grande formato e numerosi studi preparatori. La serie è il risultato di una profonda ricerca che affonda le radici in molteplici riferimenti culturali: dalla teorizzazione storico-artistica di Vassilij Kandiskij in Lo spirituale nell'arte, alla Suite The Planets del compositore inglese Gustave Holst fino al poema letterario The Cosmos Trilogy dello scrittore americano Frederick Seidel.

E già stato più volte sottolineato come il disegno di Mimmo Paladino non possa essere marginalizzato a ruolo di studio preparatorio o schizzo istintivo. I tracciati critici convergono nel ritenere il ruolo del disegno centrale a tutta la ricerca artistica di Paladino: archivio e forziere di tutta l'iconografia, la simbologia, il tratto e il colore di una narrazione che si coniuga per linee plastiche e pittoriche, filmiche o installative.

Irish-born Sean Scully is one of the most important abstract painters alive today. Over the course of more than thirty years, he has produced a vibrant, compelling and constantly inventive body of work in a range of media that is widely collected and internationally exhibited. His familiar signature style of lines or bands of color alluding to architectural elements such as portals, windows and walls is instantly recognizable.
Published to accompany a major European exhibition tour, Sean Scully: A Retrospective includes work in all media - painting, photographs, prints, drawings and watercolors - from the early 1970s to the present, the only book to cover Scully's entire career to date. Texts by respected curators Danilo Eccher, Lorand Hegyi and Maria Lluisa Borras and award-winning American critic and art historian Donald Kuspit position the artist in his rightful place within the traditions of earlier abstraction and of painting in general, while discussing the spiritual, emotional and very human nature of his art.

Ventuno artisti partecipano all'esposizione, di cui il volume è il catalogo, tenuta a Trento nel luglio 1994: Barcelò, Baselitz, Basquiat, Beuys, Brown, Clemente, Cucchi, Cragg, Kounellis, Lupertz, Maraniello, Mert, Nitsch, Palladino, Penck, Rainer, Schnabel, Scully, Tapies, Vedova, Zorio. Il catalogo propone, oltre alle riproduzioni di tutte le opere esposte (circa sette per artista), un saggio di Bonito Oliva sulla bellezza dell'arte tra incanto e trascendenza.