'Qualcuno doveva spostare il sabbar, il cactus, in un vaso di fiori.' Così Anton Shammas apre la sua meravigliosa prefazione a questo libro, e questo è il compito che Asim Abu Shaqra ha portato a termine più e più volte nei suoi dipinti, in una sorta di ossessione, arrestata solo dalla sua morte prematura, all'età di ventotto anni. Durante tutto il corso della sua vita, l'artista è stato ossessionato da un senso di estraneità e di non appartenenza, come manifestato dalla sua infatuazione per il sabra, che erano in realtà autoritratti legati all'iconografia palestinese. Questa pubblicazione offre nuove interpretazioni sui dipinti di Asim Abu Shaqra da parte di tre eminenti studiosi d'arte: Tal Ben-Zvi, Kamal Boullata e WJT Mitchell; comprende un'introduzione della curatrice Nira Itzhaki e una prefazione di Anton Shammas.

Il nuovo mondo che si sta delineando richiede di essere esplorato dai linguaggi artistici più vari, con l'ambizione di affrontare in profondità le nuove frontiere del reale. Come è accaduto in passato ad altre nazioni, la fotografia in Italia sembra essere più che mai in sintonia con il tempo attuale, capace di recepire i caratteri dominanti dell'epoca odierna. La composizione fotografica comporta un processo di intensificazione e concretizzazione della realtà, una sintesi, esattamente come la poesia che distilla i concetti con parole essenziali e calibrate, non una in più di quelle necessarie. Inoltre, il dono dell'immagine e la brevità del verso sono luoghi dai quali osservare la nostra anima e vedere con precisione che cosa fa, pensa o sente. Nel 2013, Anno della Cultura Italiana negli Stati Uniti, la fotografia italiana contemporanea e i versi classici sono insieme protagonisti per mostrare all'America il legame speciale e tutto italiano tra tradizione e rinnovamento, tra passato e futuro.

In questo libro, Adéago ha voluto concentrarsi principalmente sul tema complesso di 'The Mission and the Missionaries', avvicinandosi ad esso attraverso la sua esperienza personale e professionale, nonché attraverso la storia e la religione, le sue relazioni e contraddizioni, ripercussioni e trasformazioni. Tuttavia, il suo lavoro non riguarda tanto la pluralità di oggetti e testi piuttosto i problemi, le complessità e le negoziazioni sull'accumulo e il consumismo, le traduzioni e le trasformazioni, le relazioni, e i movimenti di questi oggetti e testi. Perfettamente cosciente della natura specifica degli oggetti e dei diversi elementi che egli usa nei suoi assemblages, Adéagbo porta avanti una trasformazione globale, inserendoli in nuovi contesti, stabilendo nuove cornici di riferimento, e offrendo una diversa narrazione. Il suo 'archivio' di testi e oggetti trovati e recuperati è in uno stato di costante evoluzione e trasformazione.

Questo libro è diviso in due parti: la prima, Art for BEEple's Sake, ripercorre la straordinaria vita di Victoria Lu nel mondo delle arti e gli anni della formazione a Taiwan fino ai primi impegni curatoriali della fine degli anni Settanta a Los Angeles, fino a mostre recenti come 'Pass Future', presentata alla Biennale di Venezia 2011; la seconda parte, Viki Lulu Meets the Future, è un compendio delle sue teorie arricchito da approfondimenti sull'arte asiatica contemporanea del presente, passato e futuro. L'artista spiega il concetto di 'Animamix', un termine che ha coniato per descrivere l'influenza pervasiva dei fumetti e dell'animazione nella cultura globale dell'era digitale: una tendenza che, sostiene, sarà l'arte del XXI secolo, l'astrazione dell'ultimo secolo. Questi due ingredienti letterari - uno di memorie e uno di manifesto vero e proprio - combinati insieme danno origine a un ritratto autobiografico memorabile della prima donna curatore e critico nel mondo dell'arte contemporanea cinese.

Nessun altro libro affronta in modo così esauriente e attento la natura del rapporto con una così grande varietà di fiori come 'Not a Rose'. Anche se a un primo sguardo può sembrare un tradizionale libro illustrato, le accattivanti immagini di fiori innocenti non sono quel che sembrano ma sculture che l'artista ha creato recuperando frattaglie, organi sessuali, e altre parti di animali. Eleganti e inquietanti, queste opere mettono in discussione i fondamenti stessi della ricezione estetica e l'etica del nostro uso e abuso della natura. Accanto alle immagini, gli scritti di 101 importanti intellettuali, scrittori e artisti affrontano 'la questione del fiore' da una molteplicità di punti di vista: antropologico, filosofico, psicologico, sociologico, le neuroscienze, filologico, la storia dell'arte, studi di genere, botanica, fisica e chimica.

Tra i protagonisti indiscussi della ricerca contemporanea in Cina, Fang Lijun nasce nel 1963, tre anni prima della Rivoluzione culturale, e comincia a dipingere a cinque anni. Nei primi anni '90 Fang Lijun è tra i massimi esponenti del 'realismo cinico', termine coniato da Li Xianting e caratterizzato da un sottile umorismo ribelle, dove la parola 'ribelle' - che in cinese comprende il concetto di cinismo - include anche lo scherzo, il fare baldoria, comportarsi liberamente, la mancanza di moderazione, l'indifferenza e la capacità di vedere attraverso le cose. La ricerca personale lo porta a una progressiva evoluzione nel suo percorso artistico che lo conduce alla creazione di un mondo esteso di vastità eroica, profondamente umano, che racchiude storie di folle, paesaggi, nuotatori, teste affioranti, fiori, cieli e bimbi fluttuanti.

I disegni e le fotografie di Elyn Zimmerman scaturiscono dal legame tra la luce e il movimento nello spazio che si fusero a Los Angeles nel 1970. Le opere su carta dimostrano la straordinaria capacità che ha l'artista di cogliere, e 'sfruttare', il sottile gioco di luce e ombra per evocare un senso di tempo sospeso e creare immagini senza diminuirne il potere. Questo libro presenta tre gruppi principali di opere realizzate a partire dal 2000: i dipinti su carta della serie 'Water Rhythms', le fotografie della serie 'Topographies', e i disegni a pastello e pigmento 'Heaven's Breath'. Senza distinguere i confini tra i medium, queste opere recenti rivelano la continua esplorazione di Elyn Zimmerman nel territorio della percezione della luce, ombra e colore tra i corpi d'acqua, scogliere e campi, corteccia degli alberi, rivoli di lava congelata e masse minacciose o sottili filamenti di nuvole. Un lavoro che insegna ad essere partecipi del mondo in cui viviamo.

Il libro è il catalogo ufficiale pubblicato in occasione della mostra personale di Yu Hong, 'Golden Horizon', presso il Shanghai Art Museum (settembre 2011) e comprende una selezione di opere recenti (2009-2010) e una nuova serie di dipinti, realizzata a partire da una sua personale ricerca relativa ad opere d'arte classica cinesi e occidentali. L'artista è sempre più interessato all'idea di spiritualità e alle forme attraverso cui si presenta esteticamente e formalmente nella storia, in architettura e nelle opere di carattere religioso. Seguendo lo stesso filone della serie di dipinti su larga scala, Golden Sky, presentato per la prima volta presso UCCA (Ullens Center for Contemporary Art, Shangai) nel 2010, i nuovi lavori di Yu Hong elevano il banale nel regno del sublime e conservano i suoi fugaci e quotidiani momenti di affetto nell'oro delle sue tele.

Le sculture di Barry X Ball rendono omaggio ai loro prototipi storici ma sono completamente nuove. Grazie all'uso di materiali non convenzionali e di mezzi informatici, l'artista rinnova l'antica tradizione della scultura figurativa in marmo. Per realizzare le sue opere Ball utilizza un elaborato armamentario di strumenti e procedure, sia d'avanguardia che tradizionali: dalla scansione digitale in 3D alla progettazione virtuale del modellato, dalla lavorazione a controllo computerizzato alla minuziosa realizzazione manuale dei dettagli e della politura delle superfici. La complessità delle sculture è evocata anche nei titoli, poetici ma precisi come definizioni cliniche. Con la loro intensità delirante e la loro immobilità surreale, le opere virtuosistiche di Barry X Ball offrono un'importante opportunità di riconsiderare la pratica contemporanea della scultura. Questo libro è stato pubblicato in occasione dell'ampia rassegna di sculture di Barry X Ball realizzata a Ca' Rezzonico, magnifico palazzo-museo affacciato sul Canal Grande a Venezia.

'Dare il giusto risalto alla forma, riconoscere il contenuto nella forma, perchéio sono corpo e anima, ma l'anima e il corpo non possono essere intorno a me'. 'Nasimi, 1369 - 1417' Khanlar Gasimov, che esporrà nel Padiglione dell'Azerbaijan per la 54a Biennale di Venezia, aggiunge ed esplora una dimensione diversa alla percezione delle sue opere. Attraverso la sua propria invisibilità, la forma d'arte diventa visibile e con un effetto più intenso. I 'pugni diventano insensibili, ma più forti', come spiega l'artista: è il peso psicologico che hanno le sue opere basate sul presupposto della scoperta del sé, che conduce alla messa a fuoco dell'importanza della consapevolezza di sé e di cnseguenza alla necessità di tendere alla perfezione.

Tutto ciò che sappiamo, lo sappiamo attraverso i media che ogni giorno ci assalgono con nuove realtà. L'influenza e il controllo dei media, il mutare delle convinzioni, il persistere dei simboli, gli equilibri tra diversi sensi di appartenenza, i confini politici, i confini naturali, i confini mentali. Questi sono gli elementi presenti nelle opere dell'artista italiano Stefano Cagol e affrontati in questa monografia che spazia dalle opere attuali alle prime, da progetti che parlano del Concilio di Trento, dell'11 settembre, dell'influenza aviaria, fino ad altri che investono i limiti dell'Europa oltre il circolo polare artico.

'Outside itself' è un' installazione site-specific, scultorea ed auto-replicante, creata da Federico Diaz. Esposta per la prima volta presso l'Arsenale come evento collaterale della 54ª Esposizione Internazionale d'Arte, La Biennale di Venezia, e a cura di Alanna Heiss (Direttore di Art International Radio and The Clocktower Gallery). Un'installazione interattiva, matematicamente programmata, prodotta roboticamente e foto-sensibile che cresce e si trasforma come una forza vitale su se stessa. Migliaia di sfere nere assemblate da due robot in una composizione in continuo movimento. Sensori ottici monitorano la presenza della luce, influenzata dagli spettatori, dai loro movimenti e persino dal colore dei loro abiti, e generano un flusso di dati che controlla i robot. Insieme, gli spettatori di ogni età e nazionalità influenzeranno la forma ultima della scultura.

'Scostando il sipario, Sandi Haber Fifield consente agli spettatori di assistere a ciò che in genere i consumatori non vedono. Lungo il percorso, in fattoria o nel negozio di alimentari, si incontrano momenti di intimità, la quiete, lo splendore. L'artista esplora indugiando, senza muoversi troppo, e usando la fotografia come una forma di semina costruisce un vocabolario complesso di associazioni visive. Ogni scatto regala una nuova visione nel mondo con infinite potenzialità per svilupparsi nella mente delle persone.' (Leslie K. Brown, curatore indipendente e docente)

Le pietre non sono arte in sé stesse, ma agli occhi dei cinesi simboleggiano la natura e il cosmo; le rocce, così come si trovano in natura, sono chiamate jiashanshi e non sono come altre opere d'arte bensì dei 'ready-made', selezionate in natura dall'uomo che nel raccoglierle cerca la 'creazione divina', una sorta di semi-religione, uno 'spirito', non adorato ma che sta alle origini dell'universo. Sotto questa luce la roccia jiashanshi non può essere definita solamente dall'idea di 'arte' perché è più un concetto, una prospettiva filosofica necessaria per la vita reale. Per oltre vent'anni il cinese Zhan Wang ha creato jiashanshi in acciaio inox, ottenendo eco internazionale; anche se la superficie di queste opere è 'artificiale', l'interno è ancora una forma naturale, una 'verità' celata.

Delicate anche se monumentali, le installazioni di Carlito Carvalhosa trafiggono lo spettatore con un insieme di interazioni sensoriali. Questo primo libro in lingua inglese su questo artista brasiliano visionario raccoglie gli ultimi dieci anni del suo lavoro ma non è una tradizionale monografia. Progettato graficamente da Carvalhosa stesso, attraverso schizzi, planimetrie, maquette e scritti esplora pagina dopo pagina i pensieri dell'artista, il procedere del lavoro e le influenze dell'ambiente su di esso. Grazie a tutto questo i lettori non scopriranno solo il lavoro dell'artista ma saranno immersi nel suo spazio mentale e fisico.

Questo libro presenta i lavori di Barry Flanagan dal 1960 al 1980, inclusa una selezione della collezione dell'Irish Museum of Modern Art. Flanagan (1941-2009) è riconosciuto come uno degli scultori più radicali e indipendenti del suo tempo; nelle sue prime installazioni ha utilizzato materiali come sabbia, canapa o corde, su cui è intervenuto poco, usando piuttosto le caratteristiche fisiche dei materiali per articolare lo spazio. Al contrario, i bronzi realizzati a partire dalla fine degli anni Settanta, e per i quali è famoso, sono in genere a soggetto figurativo. Flanagan ha visto la lepre come un elemento particolarmente adatto per rappresentare gli sforzi e le emozioni umane: '... se si considera ciò che esprime il contesto e il significato in una figura umana, la gamma di espressioni è in realtà più limitata rispetto ai mezzi che impiega un animale - una lepre soprattutto: le orecchie per esempio, sono in grado di esprimere molto più di uno strabismo degli occhi o di una di smorfia sul volto'.

Il Museo di Arte Contemporanea del Massachusetts presenta 420.000 sfere nere assemblate da robot, una scultura site-specific di Federico Díaz, artista che vive e lavora a Praga. Originate da una fotografia digitale del cortile d'ingresso del museo attraverso un sofisticato software, le sfere rappresentano i voxel (elementi pittorici volumetrici). I voxel sono stati sottoposti a una simulazione del dinamismo dei liquidi, la struttura originale dell'immagine scomposta e convertita in frammenti di onde e spruzzi. I files digitali sono stati successivamente trasformati da un robot controllato dal computer, che ha assemblato la scultura lunga oltre 15 m per 6 m d'altezza. Geometric Death Frequency-141 riempie il cortile d'ingresso di Mass MoCA con un'onda apparentemente congelata tra il movimento e la stasi.

Dopo aver trovato una scatola di carte di collezione con i ritratti delle star di Hollywood, le artiste hanno ricostruito e ri-sognato le vite e le carriere di 100 attrici dagli anni Venti agli anni Cinquanta. Dall'oblìo a una luce nuova.

Pittore, scultore, fotografo e regista, Marco Fantini (Vicenza 1965) mette in scena negli Ambulacri di Castel Sant'Elmo a Napoli gli eterogenei e spesso contraddittori cortocircuiti visivi che attraversano il corpus di quindici anni di lavoro. Il risultato è un'Antilogia di opere disposte in forma di ossimoro, forma ideale per un artista che sembra aver ricondotto la categoria del dubbio e delle sue infinite declinazioni allo status di identità personale. Un atto di chirurgia della ricostruzione, un ricucire, tassello dopo tassello, come testimonia la sequenza volutamente acronologica delle opere pubblicate nel volume, i pezzi mancanti di un puzzle del quale sia andata persa la matrice. Così dichiara l'artista: 'Il principio motore di questa mostra è il dubbio. Dubito di tutto e tendo a concepire possibilità opposte per ogni situazione. Mi riconosco nell'altro, in tutte le molteplici forme dell'altro. L'unica cosa che posso fare è marginare questa tendenza con il lavoro, diminuendo la casistica delle possibilità, dicendo a me stesso, volta dopo volta: ecco, lavoro finito... avanti il prossimo...'

Uno dei più grandi esperti di arte cinese, Lu Peng, ripercorre il veloce sviluppo dell'arte cinese nel secolo scorso, gli scontri derivanti dal suo emergere, in Cina, Taiwan e Hong Kong, e in importanti centri all'estero come Parigi e Tokyo. Il volume guida il lettore attraverso la trasformazione di una cultura visiva che oggi siede al timone dell'innovazione contemporanea mondiale. Nell'epoca in cui l'economia cinese si affaccia alla ribalta, l'arte cresciuta insieme allo sviluppo turbolento della nazione rivela una complessa evoluzione con ampie implicazioni culturali. Un testo ideale sia per lettori occasionali, curiosi di avvicinarsi a questo 'pianeta', sia per studiosi che intendano approfondire l'argomento.

Un artista eclettico, originale interprete di miti e storie, ha invaso le raccolte d'arte del piano nobile della Reggia di Capodimonte a Napoli giocando con dipinti e oggetti d'arredo di Casa Farnese e dell'Appartamento Reale, realizzati al tempo di Carlo e Ferdinando di Borbone.Discreto e ironico Luigi Ontani si è mimetizzato nelle sale e ha scritto, attraverso ceramica e vetro di Murano, una storia contemporanea fantastica e suggestiva.

Nata nel 1942 nel New Jersey, Joyce Kozloff non è mai stata in Cina, ma ha fantasticato di viaggiare lungo la via della Seta per quasi quarant'anni. In questo periodo, la Cina si è avvicinata all'Occidente e per questo progetto l'artista ha esplorato quella a lei accessibile, visitando le Chinatown di Manhattan, del Queens e di Brooklyn a New York, oltre a quelle di Oakland e San Francisco in California, tutte mete della via della Seta del XXVI secolo. Le sue fotografie trasmettono il senso estremo di questi luoghi, l'eccesso dei loro gingilli pacchiani, i vestiti ultraeconomici e gli apparecchi elettronici luccicanti. Questi manufatti sono entrati nella cultura occidentale, legandosi al nostro kitsch indigeno, dislocandosi dalle origini e rappresentando l'equivalente cinese della cultura pop americana della quale il mondo è ormai saturo. Mettendo in luce il modo in cui questa miscellanea eterogenea si pone con la sua stessa estetica densa e stratificata, Kozloff sovrappone alle foto i collage, incorporando alle mappe di Google disegni di vecchie mappe e ritagli di figure cinesi tradizionali.

Sedurre con le parole, la voce, i gesti: questi sono i 'Giochi del Desiderio' protagonisti del film sui riti di corteggiamento realizzati da Shirin Neshat a Luang Prabang (Lao PDR). (...) L'artista iraniana li ha scoperti durante il primo soggiorno a Luang Prabang nel 2005 e nell'autunno 2008 è tornata a filmarli. I riti richiamano in modo molto diretto diversi soggetti dei film nei quali Neshat ha esplorato i confini tra i sessi, la specificità dei territori maschile e femminile e la loro ripartizione tra spazi pubblici e privati. (...) In questo lavoro c'è tutto l'occhio di Shirin Neshat e l'acutezza della sua visione, che da un punto di vista continuamente altalenante, grazie alla sinteticità delle forme e ai primi piani sui volti, trasforma la tradizione orale d'altri tempi in un'arte della presenza.

Una space fantasy, che si rifà liberamente al genere science-fiction, è l'originale lavoro che Giuseppe Ripa presenta nella prestigiosa sede americana della Leica Gallery. La continua alternanza delle immagini tra cielo e terra genera, in un'atmosfera di dirompente straniamento, uno yo-yo dello sguardo e del pensiero. Si è così coinvolti in un libero esercizio di immaginazione poetica, in contrapposizione agli eccessi di semplificazione e di conformismo prevalenti nella società contemporanea.

Come è possibile approfondire veramente un argomento ed esplorarne le sottigliezze quando i media hanno già rivendicato il possesso del contenuto e ne hanno fatto una caricatura? È raro trovare un artista in grado di superare queste trappole e di creare un'opera che trascenda ciò che abbiamo la sensazione di conoscere già a proposito di un argomento, facendocelo invece sentire e sperimentare direttamente, ignorando i preconcetti e i paraocchi ideologici. Questo è ciò che Michele Ciacciofera è riuscito a conseguire con i suoi lavori più recenti, dipinti permeati di mistero, forza e profondità. Lance M. Fung. Prigionieri, vinti, persone immerse nel loro abbrutimento fisico non voluto, un'immagine che rimanda alla sofferenza, alla guerra vissuta a livello diverso nella nostra quotidianità di cui ogni giorno leggiamo sui giornali, che sembra allontanarsi e avvicinarsi ossessivamente, una guerra che vorremmo non ci riguardasse mai da vicino, ma che è più avanti della nostra porta di casa. E allora i volti scavati e contorti, gli occhi sbarrati assumono una valenza di sopportazione al dolore, un tentativo di rispondere alla violenza, chiusi nel loro mutismo.

Gli atti di un convegno (Milano, 19 maggio 2008) promosso in occasione dell'acquisizione dell'Ofelia di Arturo Martini da parte della Pinacoteca di Brera. Curiosità, pensieri, dubbi, entusiasmi e scontentezze, analisi approfondite e allo stesso tempo affettuose, mosse dal desiderio, sempre rispettoso e discreto, di scandagliare aspetti anche poco noti della personalità di un artista che ha segnato la cultura del Novecento. Un trattato scientifico eppure appassionante come un romanzo su un gigante della scultura contemporanea.

Da più di cinquant'anni Nancy Spero (Cleveland, 1926) sviluppa un linguaggio visivo potentemente metaforico. Spero appartiene alla prima generazione di artiste americane vicine al movimento femminista, il suo operato si è sempre diretto verso la costruzione di una soggettività nuova, conquistando lo spazio mascolino della pittura con il suo esercito di 'femmine folli', vitali, in perenne movimento. Il libro sottolinea la coerenza di un percorso creativo di lucida e forte denuncia della violenza del mondo in tutte le sue forme. Il lavoro di Spero è stato a lungo sottovalutato (come quello di Golub, suo compagno di una vita) e relegato nell'ambito del dibattito femminista. Il pieno riconoscimento del suo valore è storia recente, tanto che per molti la straordinaria forza del lavoro presentato alla Biennale di Venezia del 2007, viscerale risposta alla politica militare statunitense post-11 settembre, all'orrore di Abu Ghraib e di Guantanamo, è stata una sorpresa.

Moltitudini di artisti si riversano a New York per migliaia di ragioni: il terreno fertile, la possibilità di essere scoperti, incontri stimolanti, per fuggire dal paese di origine e per sperimentare un isolamento produttivo in una città dove ci si sente immediatamente sia a proprio agio sia protagonisti. Il volume rappresenta la fotografia di uno scenario artistico dinamico in continua evoluzione: la comunità dell'arte contemporanea italiana di New York. Questa indagine 'istantanea' si propone di creare una piattaforma per giovani artisti italiani che non sono a New York solo di passaggio; tutti gli artisti citati, nati dopo il 1960, vivono e lavorano a New York o hanno partecipato a residenze artistiche organizzate in questa città dal 2005.