Se il lettore si aspettasse che nelle commedie di Plauto la figura del senex implichi valori legati alla maturità, alla saggezza, al sapere, all'esperienza, commetterebbe un grandissimo errore. I senes plautini sono vecchi avari e libidinosi che, passando per L'avaro di Molière, Scrooge del Canto di Natale di Dickens e l'opera buffa rossiniana, arrivano all'immaginario collettivo dei nostri giorni nella forma disneyana di zio Paperone e in quella di Totò. I senes di Plauto attraversano i secoli e i generi letterari, cambiano volto e nome, ma sono vivi e vegeti ancora oggi... nonostante l'età. Nel quarto volume dei Ludi Plautini Sarsinates, filologi e studiosi, registi e attori indagano le possibilità di riuso letterario, teatrale e cinematografico di questa poliedrica maschera plautina.

I personaggi e le narrazioni del primo libro si estendono in una dimensione introspettiva, temprata d'onirico, di leggenda e d'epopea, pur mantenendo una connotazione forte, fisica, sanguigna e guerresca. Si scoprono le memorie dei personaggi e dei loro stessi luoghi. Il doloroso passato di Matilde con il padre, la relazione tra lei ed il sensuale, pacifico fioraio del cimitero di Roma, la presenza di una sfuggente entità dall'abito talare esperta di morte e d'anima umana, l'incontro tra la bellissima donna dagli occhi violetti e Mikhael. D'Adalgisa si contempla lo snodarsi di una storia di passione, di dolore e d'impotenza, la quale si intreccia, si sfila e si dipana lentamente scalfendo appena la trama della congregazione militare più antica di tutti i tempi. L'umano sfuma in tratti d'animale quando s'innesta in un'eletta creatura femminile. Di Saul di Tarso se ne percepisce ovunque l'ombra e la presenza. Tre guardiani, proiezioni terrene di ancestrali dei e demoni inferei, custodiscono arcani segreti, storia, conoscenza e spirito, avvolgendo con il loro sconfinato ed intangibile drappo oscuro l'intero romanzo nonché l'anima ed il cuore del lettore.

Questo romanzo, primo di una collana, è un'appassionata storia d'amore a carattere storico-epico con una forte connotazione sensuale e tratti di erotismo, che coinvolge creature mortali ed entità eterne. L'amore s'infonde nei personaggi del libro come una travolgente onda di spirito, diffondendo contemporaneamente alle loro fisicità e alle loro anime e temprandole d'assoluto. Cangia, alternando forme di sensualità a forme profetiche ed eteree, si impregna di sesso e di passione, s'intreccia con l'esistenza ed il destino ultraterreno delle anime dell'universo e si circonda infine di moti carnali apparentemente contrapposti, radicati nella violenza e nell'odio.

Due elementi si impongono nel messaggio poetico dell'Autrice: la sottile ricombinazione dei meccanismi della lingua e la freschezza di un sentimento. Il fenomeno della positio debilis nella poesia latina arcaica è una legge: quando una muta è seguita da liquida, la sillaba che precede le due consonanti è da considerarsi sempre breve. Allo stesso modo la poesia della prima sezione mostra un animo muto, una vita in osservazione di un mondo in cui non si trova comprensione reciproca e si sfocia in emozioni spesso cupe e criptiche. La seconda sezione descrive invece l'ingenuo incresparsi di un sentire che, figlio del suo tempo, avrà una gestazione in absentia, idealizzandosi in una realtà immaginifica e musicale.

Lascito postumo, questo libro raccoglie in un solo corpo gli studi da Caterina Ricciardi inseguiti per anni nell'ambito del mondo della poesia americana, intendendo per «americana» sia la statunitense che la canadese, la caraibica e la postcoloniale, con l'inclusione della poesia generata, e ricreata, dall'isola di «Smeraldo», l'Irlanda, fino alle radici nella lingua che fu dell'impero britannico, resa canone permanente da autori inglesi come Keats e Shelley. Nato da recensioni e da interventi inediti a seminari, convegni, conferenze (da Amy Lowell a Robert Frost, da Elizabeth Bishop a Leonard Cohen e Susan Howe), 'Novecento poetico americano' è un esercizio saggistico per sua natura rapsodico che conduce ogni lettore, se anche si avvicini alla materia in oggetto per la prima volta, ad un sapere che viene ritrovato nel testo in modalità sempre contestuali, analitiche e di rispecchiamento del nostro presente.

Oggetto di questo libro è una lettura analitica di 'The Hollow Men di T.S. Eliot'. Pubblicato tre anni dopo il più celebre 'The Waste Land (1922)', il poemetto è ben noto agli esegeti di Eliot, tanto quanto il disegno oscuro dei suoi scarni versi, espressione di un disagio esistenziale ed epocale che, più di altre sue opere, manifesta la coscienza inquieta di Eliot negli immediati anni postbellici. Nel rispetto delle reticenze del suo autore, la lettura di Caterina Ricciardi prova a non violare la segretezza intima del poema, senza tuttavia rinunciare a ricostruire la storia e il ruolo delle figure archetipali, letterarie e storiche chiamate a costituirne il contorno, confidando a tal scopo su nuove risultanze contestuali e sullo sguardo epistemico del nostro tempo.