Cosa ci rende deboli? Cosa ci può salvare dalla nostra debolezza? Quanta distanza possiamo frapporre tra la nostra identità, tra quello che vogliamo essere e i solchi già scavati per noi? È possibile allontanarsene? E di quanto? Come può ogni individuo continuare ad essere un inizio in una società sempre più controllata e omologata? È fattibile resistere per conservare la nostra esistenza?

Il volume, che prende il titolo dall'omonima mostra che il Museo dell'Arte Vetraria Altarese ha dedicato all'artista, ripercorre la ricerca fotografica di Matteo Musetti a partire da alcune sue serie iconiche: Il silenzio è violenza, Un silenzio assordante, Connessioni, Ferrania, Se vuoi sognarlo, puoi farlo!, Sann-a, a modo mio. Fotografie che rivelano uno sguardo laterale, "maturate negli anni sulla base di una personale fragilità insita nel suo sguardo". Come lo stesso Musetti dichiara: "Ho scelto di fotografare e rappresentare il disagio umano, le sue difficoltà nell'entrare in connessione con il pianeta, la sofferenza di porre se stessi al centro di ogni ragionamento".

"La mia ricerca artistica esplora in partenza la costruzione, la definizione del sé e l'alterità nel loro delinearsi attraverso dinamiche relazionali. La riflessione intima ed esistenziale sul mio rapporto con il reale ha caratterizzato il primo decennio di produzione. In seguito, ho iniziato a concentrarmi su opere di natura partecipata. Inizialmente indagando il linguaggio performativo, poi permettendo a queste "azioni" di convergere in progetti video strutturati. Il mezzo filmico, unitamente alla fotografia, al disegno, la scultura e l'installazione hanno rappresentato tanto un insieme di tecniche da approfondire, quanto una pluralità "linguistica" indispensabile a declinare in modo efficace la complessità del sistema mondo. Il mio processo artistico si nutre inoltre del dialogo tra discipline umanistiche quali la storia come dispositivo di memoria e narrazioni, l'antropologia come luogo dell'incontro, la psicoanalisi come giardino in cui germoglia la parola. L'elemento sociale e politico è il collante che contraddistingue la ricerca, la quale, tuttavia, conserva un forte sguardo poetico." (Elena Bellantoni)

«[...] L'oggetto ready made e, di più, il recupero e il riuso di materiali non artistici, prelevati da altri contesti e rielaborati liberamente, permettono di aprire nuove possibilità alla narrazione estetica, rendendo valoriale la trama e l'ordito di un tessuto di vicende, azioni, eventi, situazioni che amplificano e potenziano il senso ultimo dell'opera d'arte... [...]. Seguendo questa premessa osserviamo come Alessio Barchitta agisca sul materiale con un'intenzionalità predeterminata, funzionale non solo a riassorbire unicamente quanto "dimenticato" e "disperso" nell'ambiente - prendendo in carico sia ciò che è considerato e pensato come "rifiuto" e "scarto", sia altre sostanze la cui energia rappresentativa è per lui peculiare - ma anche a concatenare eventi nuovi che, dalla loro memoria pregressa (la loro storia), si aprono all'evenienza del momento della visione risvegliando ricordi nella memoria di chi osserva».

Il volume è un racconto corale della storia di CEPIM Interporto Parma e del territorio che lo ospita. Nel tempo la Società è notevolmente cambiata: nata nel 1974 per rispondere a bisogni di gestione logistica delle merci, si è trasformata divenendo un Logistic Service Provider, in grado di progettare e sostenere tutta la catena di servizi necessari dentro e fuori l'area interportuale. I cambiamenti societari, territoriali e strutturali sono andati in questi anni di pari passo con quelli umani. Nel volume viene data voce alle molte anime e alla storia del luogo, dalle trivellazioni dei primi pozzi di petrolio del 1929 alla realizzazione del nuovo Terminal. La profonda unione col territorio viene ricordata con approfondimenti di Arte, Storia e accadimenti tout court che connotano ancora oggi quell'area di strada con la quale CEPIM dialoga quotidianamente, sulla quale viaggiano merci, clienti e grazie alla quale storie e oggetti si incontrano.

"Il titolo, lo confesso, non è farina del mio sacco, l'ho preso in prestito da un'opera che Angelo Molinari ha realizzato nel 2007: una composizione in cui due piccoli tacche blu, sottili come petali e trasparenti come l'aria, sono state risucchiate da energiche pennellate nere e gialle. Davanti a loro, quasi a voler celare quanto sta accadendo, onde laviche arrossano buona parte del primo piano lasciando larghe scie incandescenti su quasi tutta la superficie del quadro. Il ritmo è concitato, i colori sono emotivamente carichi e le minuscole tarsie, ormai irrimediabilmente in balia del ciclone, sono rettangoli di cielo a questo punto irraggiungibili. Tutti elementi importanti e immediatamente riconoscibili, ma L'inizio non è mai dove si pensa, suggerisce saggiamente il titolo..."

La complessità della realtà, le mille sfaccettature che la compongono, un arcobaleno la cui cromaticità sfuma e si dissolve mediante una gestualità che si espande oltre la superficie e abbraccia ciò che la circonda. Alice Voglino (1995) agisce non tenendo conto dei confini, dei limiti del supporto, il suo è un linguaggio emotivo in grado di surclassare le zone limbiche tra il possibile e l'incerto e accogliere dentro sé quell'universo cromatico in grado di donare nuova luce ai propri sensi, a quella personale capacità di illuminare, mediante una pittura veloce, istintiva ed energica, l'ambiente che accoglie e protegge.

A quasi quindici anni dalla mia prima personale sento la necessità di documentare il mio percorso artistico e l'evoluzione della ricerca pittorica che si è sviluppata negli anni. Il mio lavoro è articolato su diverse serie ed è essenzialmente incentrato su soggetti botanici e floreali. Le serie ne mostrano chiaramente l'evoluzione: sia nella padronanza delle tecniche pittoriche, sia nel mettere a fuoco e trattare tematiche e interessi a me cari, come la botanica e la percezione visiva, che sono riuscito a coniugare e esprimere a pieno nella serie che ho chiamato 'Narciso'. Sono sempre stato affascinato dagli aspetti della percezione visiva focalizzati sui 'pattern' (motivi ripetuti): insiemi di linee, forme e strutture, che sono ovunque intorno a noi: sia nelle geometrie del nostro urbano quotidiano, sia soprattutto nell'apparente disordine della Natura...

Nüshu significa letteralmente "scrittura delle donne". La sua pronuncia si basa sul dialetto locale, ovvero quello dei villaggi situati intorno alla contea di Jiangyong, nella provincia di Hunan, nella Cina meridionale. È difficile stabilire una data precisa della sua creazione, ma nacque sicuramente in risposta alla società patriarcale dell'epoca... Prende lo stesso nome il progetto che l'artista Alessandro Cardinale ha dedicato alle donne yao e alla loro scrittura ermetica...

È probabile che l'idea secondo cui si possa scoprire di più solo se si è disposti a vedere di meno, e soprattutto più a lungo, sia da attribuire a Marilena Ramadori. Poiché l'artista, articolando una ricerca che si pone tra la veduta d'architettura e il drastico riduzionismo visivo, assegna al frammento l'intero valore della sua analisi. Così, con un attento sguardo alla dinamica della linea, la pittura si ordina su traiettorie fortemente scorciate, creando tensioni e tessiture spaziali cariche di un fascino imprevisto per l'incertezza su dove ci conducano. Tuttavia, ogni scarto visivo è generato da un disciplinato e radicale empirismo, derivato dalla sua personale formazione, distinta da una conoscenza della storia dell'architettura internazionale...

L'opera di Stefania Puntaroli è un "perpetuum mobile" in costante ricerca di un punto di quiete che si sposta continuamente senza che lo si possa mai raggiungere. Non solo, il nomadismo linguistico la conduce a cercare di affrontare più linguaggi contemporaneamente spaziando dalla performance alla pittura, dal disegno alle tecniche incisorie. Nelle recenti "Anatomie" ha sviluppato un senso particolare per l'iperbole visiva per un universo al limite tra naturale e soprannaturale che era presente nel suo lavoro fin dal lontano 1995 ("Creatures") al termine dei suoi studi accademici.

Catalogo della Mostra dei Finalisti di Arteam Cup 2022, 7ª edizione, a cura di Livia Savorelli e Matteo Galbiati, 26 novembre 2022-7 gennaio 2023, Palazzo del Commissario - Fortezza del Priamàr, Savona.

La ricerca artistica di Antonio Marchetti Lamera (Bergamo, 1964) si avvale esclusivamente della pittura e del disegno, i quali nella sua pratica sono i mezzi efficaci e puntuali per sintetizzare e ricomporre le immagini che provengono dallo sterminato archivio fotografico dell'artista.La sua pittura è caratterizzata dall'impiego di una palette minimalista e da un'estrema liquidità del segno, poetico ed evocativo insieme.In occasione della mostra personale "Eclissi e riflessi. La rivoluzione di Aristarco" (28 gennaio - 11 marzo 2023, Studio la Città, Verona), a cura di Matteo Galbiati, viene presentata la nuova monografia dell'artista - accompagnata da un testo di Matteo Galbiati - in cui si ripercorre il suo percorso espositivo dal 2011 ad oggi.

Chiara Calore (Abano Terme, 1994) vive e lavora tra Abano Terme e Venezia. La sua pittura è caratterizzata dalla giustapposizione dei più diversi elementi figurativi in forma ironica e visionaria. Le sue opere sono popolate da un ammasso bizzarro e inverosimile di uomini, animali e freaks, che si agitano sulla tela in maniera anarchica, in una selva di rimandi. Questa monografia - realizzata a seguito della mostra personale Crossing Views, a cura di Carlo Sala, tenutasi presso la Galleria Giovanni Bonelli di Milano dal 15 settembre al 21 ottobre 2022 - contiene i testi critici di Carlo Sala e Antonio Grulli e tutte le opere più recenti dell'artista (2020-2023).

«La narrazione visiva di Nunzio Paci ha il potere di rendere verosimile ciò che per la scienza non lo è, esponendo anzi come scientificamente plausibile quello che non potrà mai esserlo. Che si tratti di miracolo, magia o inganno - e che cos'è la natura, agli occhi del fanciullo, se non la somma di questi tre elementi - di fronte a una simile distorsione della realtà non possiamo essere altro che vittime compiacenti di chiara suggestione. Se ciò che ci viene mostrato sia autentico o meno poco importa, poiché ci richiama alla mente qualcosa di già visto, o che abbiamo creduto di vedere. Un déjà-vu orchestrato ad arte che, violate le difese della nostra psiche, si traduce in un falso ricordo, o falsa memoria». Dal testo Memoria e illusione: la natura trasfigurata di Nunzio Paci di Monica Zaghi

Catalogo edito in occasione della mostra Iro Colore. Anelito tra quiete e tempesta di Tetsuro Shimizu, a cura di Matteo Galbiati e Serena Paderno, tenutasi al Castello di Palazzolo sull'Oglio (BS) e Villa Kupfer, dal 14 gennaio al 25 febbraio 2023. "La mostra Iro Colore. Anelito tra quiete e tempesta, grazie al suo taglio antologico, contribuisce a determinare una lettura precisa e puntuale, panoramica ed estesa, del lavoro e della ricerca di Tetsuro Shimizu: nelle due sedi del Castello di Palazzolo sull'Oglio e della vicina Villa Kupfer sono predisposti lavori che attestano la profonda coerenza con cui l'artista legittima la sua passione e vocazione totali per il colore. Tele e carte - e un prezioso libro d'artista - si susseguono attraversando trent'anni di riflessione, costante e ininterrotta, sulla dinamica evolutiva e costitutiva del "puro colore"...".

"Appuntamento con l'artista" è un progetto di residenze grazie al quale gli artisti invitati vengono accolti nella casa di Maria Antonietta Collu, Paolo Palmieri, Paolina e Giuseppina (e i loro gatti) attivando un'osmosi tra la sfera pubblica e quella privata. In questa bella casa sulle prime colline di Celle Ligure affacciata sul mare, gli artisti possono vivere e lavorare per il tempo che desiderano, avendo a disposizione uno spazio dedicato e la possibilità di intrecciare la propria vita con quella della famiglia. Al termine della residenza, le opere realizzate dagli artisti vengono esposte nella casa e rese accessibili al pubblico. Per tutto il periodo dell'esposizione la famiglia convivrà con le opere, prendendosene cura e aprendo su richiesta le porte della propria abitazione al pubblico tutte le volte che sarà necessario. Per la quarta edizione dell'iniziativa è stato invitato Giulio Alvigini (Tortona, 1995), artista, content creator, consulente per la comunicazione del settore culturale e, soprattutto, inventore delle pagine social Make Italian Art Great Again sulle quali pubblica meme pungenti rivolti al sistema dell'arte contemporanea.

Catalogo della mostra Millennium Gardens, bipersonale delle artiste Irene Balia e Loredana Galante, a cura di Alessandra Redaelli, galleria Area\B, Milano, 10 marzo - 5 maggio 2023. "Il racconto di Irene Balia e di Loredana Galante assomiglia a una fiaba dei fratelli Grimm, perché la narrazione non è mai piana, ma al contrario irta di trabocchetti, scene rivelatrici, personaggi misteriosi che sembrano muoversi seguendo copioni paralleli e anche momenti spaventosi nei quali tutto quello che credevamo di avere capito si ribalta e si scompagina. E dietro ogni frase, fino la più rassicurante, si celano le ansie condivise, i turbamenti di questo muovo millennio". (Dal testo di Alessandra Redaelli)

La Galleria de' Bonis di Reggio Emilia propone la sua prima mostra monografica dedicata ad Antonio Ligabue, intitolata Terra: luogo d'origine, campo di lavoro, scenografia di una impresa. Quindici opere ad olio che celebrano il grande artista e la sua terra, indagando il suo viscerale legame con la natura. «Ho conosciuto a fondo Ligabue, fin da quando io ero bambino, e ritengo che l'unica sua ragione di vita sia stata solo ed unicamente la pittura», dichiara Sergio Negri, autorevole esperto del suo lavoro. «Ligabue non dipinge per trovare un punto di incontro con chi osserva - aggiunge il gallerista Stanislao de' Bonis -, dipinge per sé stesso. Ligabue dipinge sé stesso, o meglio, libera sé stesso sulla tela».

Pubblicato in occasione della mostra Hauntology - Natura Spettrale Della Pittura, a cura di Ivan Quaroni, 25 marzo - 14 maggio 2023, Galleria Giampaolo Abbondio, Todi (PG). Hauntology è un concetto coniato da Jacques Derrida nel libro Spettri di Marx del 1993 e ripreso poi da Mark Fisher nel suo Spettri della mia vita. Scritti su depressione, hauntologia e futuri perduti del 2019. A partire dai contributi di importanti filosofi, saggisti e sociologi, Ivan Quaroni sviluppa il concetto di Hauntologia giungendo a formulare l'idea che la pittura possiede una natura intimamente hauntologica. A dare corpo a tali ragionamenti, il curatore ci conduce entro una fitta selva di rimandi, dialoghi e contrasti tra i lavori di un gruppo di pittori italiani molto differenti per generazione, esperienze e modalità di esecuzione, ma tutti capaci di fermarsi di fronte al tempo e generare una pittura autenticamente hauntologica: Giampiero Bodino, Giuditta Branconi, Danilo Bucchi, Pablo Candiloro, Maurizio Cannavacciuolo, Andrea Chiesi, Vanni Cuoghi, Alberto Di Fabio, Gianluca Di Pasquale, Fulvio Di Piazza, Elisa Filomena, Daniele Galliano, Miltos Manetas, Marco Neri, Nicola Verlato, Fulvia Zambon.

[..] Tempo e processo. Queste sono le due coordinate che certamente appartengono anche a Margherita Levo Rosenberg che, della concentrazione e della caparbietà, nel fare e nella coerenza di percorso, ha fatto la sua cifra stilistica, lei che si è dedicata all'arte come esigenza non più contenibile o rimandabile. [...] La sua ricerca, dopo le prime incursioni nella pittura, ha saputo accogliere un'evoluzione in una scultura modulare, additiva che ha sviluppato forme tridimensionali tessendo e incastrando elementi modulari ricavati da vecchie radiografie, film plastici e materiali consimili. Levo Rosenberg, come Penelope, tesse e con pari trasporto crea, seguendo il ritmo del tempo e la scansione del processo che la conducono, passo passo, a maturare una forma organica; una scultura la cui materialità e plasticità sono addizionali, fatte di accumulazione progressiva, ripetuta ugualmente diversa, che è prassi intenzionale di un fare che non ha mai spazio di resa, né vuole averlo. Dal testo "La tenacia della ripetizione tra de-strutturazione e ri-creazione" di Matteo Galbiati.

"Plurale femminile" è il titolo della prima personale di Antonella Cinelli al Museo Casa Frabboni di San Pietro in Casale - BO (11 marzo - 30 aprile 2023). L'esposizione raccoglie per la prima volta una selezione di opere che offrono una panoramica ampia della sua produzione dagli anni 2021 fino ad oggi, con la presenza di due grandi tele assolutamente inedite. Due anni di intensa sperimentazione e ricerca personale che hanno costituito una decisiva svolta stilistica nell'artista, guidandola a un'osservazione sempre più approfondita della figura femminile in rapporto al sé, agli altri, all'universo emotivo tradotto in pose, dettagli, oggetti e abiti, di cui i corpi di Antonella si spogliano, per diventare essi stessi protagonisti delle tele e delle installazioni come involucri delle anime.

«Il tempo rarefatto nelle opere di Andrew Smaldone proviene dall'osservazione dell'architettura e da un processo di estrazione simile. Lo spazio genera immagini legate a un ricordo dell'artista in cui l'arte, come pratica, come formazione, come percezione, ha occupato quelle stanze: una scuola d'arte a Londra, una galleria non profit in Italia. Nel momento in cui vengono ritratte, dismessa la funzione originaria, le architetture di Andrew rivelano di conservare una memoria dormiente della loro storia, di quello che hanno accolto. Si tratta di qualcosa che, come nelle visioni dei personaggi di Resnais, non si è indurita in una forma definitiva, ma continua a trasformarsi, si mantiene plastica e modificabile da parte di chi torna a sollevare il sipario per lasciar passare la luce. Sensibilmente è proprio la luce (più persistente degli odori e dei sapori, più pervasiva di qualsiasi altro fattore nello scatenare la reminiscenza) a veicolare la memoria: il suo depositarsi sulle superfici, il suo attenuarsi, il suo creare, assieme all'ombra, un mondo riflesso, più intenso, fragile, più profondo del mondo materiale». (Dal testo "L'anno scorso da un'altra parte" di Pietro Gaglianò)

"[...] Attraversando il lavoro di Franco Belsole si ha la sensazione di vestire uno sguardo in cui la comprensione della complessità della scena guardata non allontana l'autore dalla possibilità di esprimere una grande cura formale. Un fare l'immagine in cui la consapevolezza tecnica e la capacità compositiva riferiscono una famigliarità con un panorama iconografico che si spinge ben oltre quello contemplato dalla storia della fotografia a cui l'autore rimane pur sempre profondamente legato. [...] Lontano dalle posture proprie della fotografia di architettura "pura", le fotografie si soffermano piuttosto a rilevare quanto questa architettura produce e organizza sulla persona. Tratte in un illuminismo Foucaultiano, le immagini di Belsole inseguono il transitorio, il fuggitivo, il contingente, le posture del passaggio che si produce in un abitare nel quale la governamentalità ha prodotto i suoi monumenti nel disegno stesso dell'ambiente-mondo. [...]". (dal testo di Matteo Cremonesi)

La fabbrica di ceramiche Giuseppe Mazzotti, fondata ad Albisola nel 1903 da Giuseppe Bausin Mazzotti, festeggia il suo 120esimo anniversario. La manifattura è stata tra le protagoniste del rinnovamento dell'artigianato e dell'arte, attraverso il suo lavoro ha portato sulle Rive del Sansobbia le più importanti personalità militanti nel panorama artistico internazionale, facendo diventare Albisola la capitale mondiale della ceramica nel corso del Novecento. Una metamorfosi culturale e produttiva che, per la prima volta, viene raccontata unitamente da Giovanni Rossello e Tullio Mazzotti, quarta generazione della famiglia e attuali proprietari delle Ceramiche Mazzotti e della Fabbrica Giuseppe Mazzotti 1903, le due ditte che continuano l'attività della ditta iniziale fondata dal loro bisnonno.

Catalogo monografico edito in occasione della mostra Matteo Sanna. Sunglasses, a cura di Angela Madesani, NM Contemporary, Principato di Monaco, 17 marzo - 30 aprile 2023. "Per la sua terza personale nel Principato di Monaco, Matteo Sanna presenta la sua nuova ricerca attraverso cinque serie di lavori inediti, originati da una profonda indagine interiore resasi quanto mai urgente durante i momenti più duri della pandemia. La personale da NM Contemporary, dal titolo Sunglasses, ci avvolge in un ambiente accogliente, glamour per la forza dell'impatto visivo, per le tinte pastello e i blu brillanti. Tutto sembra perfetto ma di fatto quello che ci circonda non enfatizza la bellezza omologante, la perfezione a cui la nostra società ambisce quotidianamente quanto il suo esatto contrario, l'imperfezione, la fragilità, la caducità che trovano in queste sale la rappresentazione perfetta di quell'"Elogio dell'imperfezione", citato dalla curatrice Angela Madesani nel suo testo in catalogo". [Livia Savorelli]

"Nella sua pratica artistica, Ugo Marano ha unito la concretezza della ricerca sul design e sui materiali a una sensibilità che affonda le sue radici nelle antiche tradizioni meridionali. [...] L'arte di Marano trae spunto dal quotidiano e a esso ritorna, caricando sedie e tavoli, piatti e altri oggetti di uso comune di nuovi significati. La sua pratica appare continuamente vivificata dalla sua fervida immaginazione e soprattutto da una forte volontà di rinnovamento e riflessione consapevole sui propri mezzi espressivi."

Catalogo di Fotografia Calabria Festival II edizione 2023, il primo festival diffuso di fotografia in Calabria, ideato e promosso dall'Associazione Culturale "Pensiero Paesaggio", che ha luogo dal 21 luglio al 20 agosto a Fiumefreddo Bruzio (già sede della I edizione del festival) e San Lucido (CS), suggestivi centri del basso Tirreno cosentino pronti ad accogliere mostre, eventi, talk e workshop dedicati alla fotografia. Un'esperienza emozionante per immergersi e scoprire l'autenticità e la bellezza del territorio calabrese attraverso un viaggio culturale unico nel suo genere. "Il cambiamento" è il tema di quest'anno. Un tema che non è solo legato naturalmente a questa edizione, visto il nuovo naming che porta con sé, ma che vuole mostrare il cambiamento come qualcosa che parte da ognuno di noi e che smuove emozioni e sguardi profondi: che sia ricercato e attuato con coraggio da un bambino, accolto e accettato con naturalezza da un anziano, che sia la conseguenza della tensione tra la scienza e il suo sfruttamento commerciale e causa di grandi e piccoli mutamenti del nostro tempo.

Catalogo pubblicato in occasione della mostra «Sabino Galante. Vanitas», a cura di Alessandra Redaelli e Un Quadro di Te, in collaborazione con Laura Tartarelli Contemporary Art, 29 luglio - 20 agosto 2023, Sala del San Leone e Laura Tartarelli Contemporary Art, Pietrasanta (LU). Nel ciclo pittorico Vanitas Galante ha ritrovato la bellezza nell'arte classica che lo ha ispirato con i suoi modelli iconici dalla primitiva purezza e delicato equilibrio. L'artista rappresenta delle sculture colte in attimi drammaticamente umani, costrette a un'apparente immobilità dal marmo con cui sono realizzate, crepate e spinte alla vita grazie alla natura rigogliosa. La pietra si fa cedevole e morbida, si piega sotto il peso dei pensieri e delle riflessioni che opprimono ogni uomo. L'obiettivo del pittore non è dunque solo quello di effettuare un semplice esercizio di copia della realtà che ci circonda, ma anche proporre una riflessione sullo scorrere del tempo: quello all'apparenza immobile del marmo, quello lento della crescita delle piante e quello fugace delle bolle di sapone o del fremito delle ali.

"Mario Porcù (Villamassargia, CA, 1917 - Savona, 2001), pur lontano dal suo paese natale, la Sardegna, non dimenticò mai le sue radici. Nell'intera produzione dell'artista, è infatti possibile rintracciare elementi derivanti dalla natura e dalle tradizioni popolari sarde. Gli usi e le abitudini della sua terra furono complici del suo amore per la scultura. Porcù, infatti, ebbe per tutta la vita, un chiaro ricordo della madre che, nelle occasioni importanti, modellava la pasta del pane creando figure di stelle e animali. I protagonisti della produzione artistica di Porcù sono proprio gli animali, che poté osservare durante il periodo passato in montagna e che sono "elemento di richiamo e di amore verso la terra di origine". Giuliano Niccoli definisce gli animali di Porcù "soggetti più sentiti ed amati" dall'artista, che coglie cinghiali, capre e mufloni (sacri per la civiltà nuragica), in atteggiamenti spontanei "nel segreto genuino della loro esistenza". [...] Gli animali del suo "bestiario", in apparenza semplici, finiscono per assumere il valore di allegoria e si presentano come figure ancestrali e primigenie, appartenenti al passato". Dal testo di Edoardo Fresia