Una guida per chi vuole avvicinarsi al delicato tema della conservazione e della cura di una collezione d'arte. Consigli pratici e indicazioni per non dimenticarsi che ogni collezionista può diventare il miglior conservatore della sua collezione.

Una breve guida che Arturo e Collezione da Tiffany hanno pensato per chi vuole essere accompagnato nei primi passi di un'attività di archiviazione e documentazione di una collezione d'arte e non.

Nel lavoro di Roberta Diazzi ogni dettaglio diventa una pietra preziosa, il riflesso di un ricordo, piccola parte di un'espressione del tutto, elemento di un codice umano frammentato ma univoco nel suo complesso e che proprio in questo complesso restituisce l'unicità assoluta dell'essere umano. Un'unicità spesso sfuggente anche a noi stessi ma di cui l'arte riesce ad impadronirsi per descriverla, mostrarla, in definitiva, raccontarla.

«Poiché all'epoca, nel 1973, il concettualismo era ancora, ma solo da poco, considerato come una delle ultime 'audaci' mosse nella linea della pratica artistica avanzata, e questo modello aveva caratterizzato il modernismo durante tutto il ventesimo secolo, avevo cominciato a pensare che i problemi che iniziavano ad emergere all'interno del concettualismo erano solo un sintomo. Il problema generale era lo slancio ideologico del modernismo stesso. Nella pratica artistica, la particolare forma attraverso la quale il modernismo si è espresso era il modello d'avanguardia del soggetto artistico (nel 1990 ho fatto riferimento a questo modello con l'acronimo di AGMOAS). Così la ricerca che ho iniziato e sostenuto sin dal 1975 è stata mossa da ciò che pensavo fosse una sorta di determinata via negativa contro il modernismo. In questo territorio investigativo mi sono impegnato in quello che io chiamo 'scommesse e tentativi'. Ho condotto l'indagine attraverso una sorta di dispositivo della lista della spesa. Mi sono impegnato a tentare di pensare e provare a fare di un soggetto artistico, una critica al canone modernista, al modello d'avanguardia del soggetto artistico stesso.» Terry Atkinson

Ogni collezione d'arte nasce da un primo acquisto. E la prima volta non è mai semplice: cosa comprare, dove e soprattutto... come? Se ogni volta che passate davanti alla vetrina di una galleria d'arte contemporanea vi brillano gli occhi, ma poi il timore dell'errore vi frena, siete nel posto giusto. Perché il vostro acquisto d'arte sia un'esperienza piacevole è necessario che prendiate alcune precauzioni. Ecco quindi una guida pratica che vi aiuterà a muovere i vostri primi passi nel mondo del collezionismo. Dedicata a chi non ha mai comprato arte, ma vorrebbe tanto farlo, un piccolo vademecum per il primo acquisto d'arte che, un giorno, magari, potrebbe risultare il seme da cui far nascere una vera e propria collezione.

L'arte di Felice Meo è l'arte del recupero: creare nuove forme dai rifiuti dando loro nuova vita dal vuoto e dall'ostile, dal no-sense, dall'inestetica, dall'informe, dall'impossibile insomma. Non una metamorfosi, cioè una mutazione o una trasformazione della materia, cosa già avvenuta attraverso il processo naturale di consumazione e decomposizione, ma di rinascita e di riabilitazione della materia stessa mediante l'uso di processi e abilità artistiche che fanno sì che dal nulla del rifiuto possa rigenerarsi una nuova vita.

Con Camorani si rivive l'atmosfera dell'arte magistrale e rivoluzionaria; un'arte di rottura e dalle geometrie e forme fresche e matematiche, scientifiche e spirituali, tesi e antitesi di se stesse, eccessive, umorali ma dense di coerenza e profondità, grazie a una tecnica superba e impetuosa, precisa e luminosa che dà valore al nuovo corso. E da lì Camorani omaggia con classe e stile la nuova epoca artistica, esaltandola - nel contempo - con rilanci originali propri e potenti, precisi, ricercati, poetici. Nell'espressione del nostro artista c'è molto dei moti d'azione della storia rivoluzionaria dell'immagine, così come c'è molto dell'arte di precisione, sia nella pittura che, oltremodo, nell'incisione a cui egli si ispira continuamente originando opere straordinarie per analisi, applicazioni ed equilibri. Analizzare per raccogliere, creare per comporre, segnare per raccontare, qui è il gioco istintivo di Camorani, un artista poliedrico e dinamico, capace e perspicace, mai fermo ne silente, riservato in apparenza, minuto nella struttura, contaminante nella sua natura.

Il volume prende in esame l'architettura degli edifici dei sedili nobiliari sorrentini (Porta e Dominova), le trasformazioni attraverso i secoli di quello più antico (Porta), la sua ricostruzione cinquecentesca, e i lavori di restauro e di abbellimento relativi ai due seggi ricavati da documenti dell'Archivio di Stato di Napoli. L'indagine sul sedile di Porta è arricchita da uno sguardo panoramico sulle emergenze monumentali non più esistenti nell'area circostante il seggio (piazza Tasso): Castello, porta urbica, fontana sul ponte, ecc.Documenti inediti del Museo Correale gettano luce sulla fondazione del Sedil Dominova nel primo quarto del '300: una copia manoscritta settecentesca di un prezioso documento angioino del 1319 (andato distrutto nel 1943); schede di notai sorrentini che permettono di proporre una nuova ipotesi sull'origine del nome Dominova. Le finte architetture di questo seggio sono oggetto di un tentativo di attribuzione. Conclude il volume uno sguardo sui reperti antichi della città murati sotto il campanile del duomo (sede delle riunioni del parlamento sorrentino) e sulla letteratura relativa alla statua del faraone Seti I del largo Dominova.

In occasione della mostra 'Manet. Incisioni' ospitata dal Ca' la Ghironda - ModernArtMusuem, Zola Predosa (B0), dal 17 marzo al 28 aprile 2019 è stato realizzato un catalogo dove sono presenti le 30 incisioni realizzate dall'artista francese tra il 1860 e il 1882 utilizzando le tecniche dell'acquaforte, dell'acquatinta e della puntasecca. Acquistate nel 1905 da Alfred Strölin per essere tirate in 100 esemplari, le 30 lastre rappresentano una raccolta esaustiva della produzione dell'artista. Furono, infatti, selezionate come le opere più indicative della sua ricerca sul mezzo per dar vita ad una delle tre maggiori edizioni postume dedicate all'esperienza grafica del Maestro. Nel caso di Manet, infatti, le pubblicazioni postume risultano indispensabili per lo studio della sua ricerca grafica, non essendo mai state realizzate da lui o dagli stampatori con cui all'epoca lavorava vere e proprie edizioni panoramiche della sua produzione. In catalogo il testo critico 'Édouard Manet, Istinto e libertà nelle lastre anti-virtuose dell'edizione Strölin' e scheda delle opere di Chiara Gatti e il testo di presentazione di Vittorio Spampinato e Walter Marchionni.

'Con la pittura di Tina Cantisano affrontiamo un'esperienza nel mondo del naturalismo rivisto da una prospettiva moderna. Non più nell'ambito di quel limite posto dal rigore di un positivismo superato dalla realtà dei fatti, dalla storia, dalla scientificità dell'esperienza che deriva dall'esame e dal risultato, ma dal cuore di chi nella verità di una realtà che viene colta nella sua essenza affidi la propria anima all'esigenza di raccontare di bellezza e di armonia, di colore e di calore, per ritrovare il candore delle cose consuete, dei piccoli gesti, delle forme già note e talmente a noi così vicine che così per questo dimenticate.Uno studio e un percorso ampio e diversificato, attento e meticoloso, dove nulla è lasciato al caso; un'indagine ed un'analisi equilibrata e rigorosa, partita proprio dai classici delle passate epoche e dai Maestri conclamati della storia dell'arte moderna e contemporanea fino alla scuola che parla di Giorgio Morandi e del Prof. Fava, attraversando studi e serie sperimentazioni di anni e anni per arrivare alle atmosfere, alle intensità e alle intimità delle proprie opere'.

Mons. Gaetano Pollio, missionario in Cina nella prima metà del secolo scorso, scrisse questo 'Diario del viaggio dall'Italia alla Cina ovvero da Sorrento a Kaifeng' per tenere memoria delle esperienze e delle emozioni vissute durante il lungo tragitto che lo portò nell'arcidiocesi cinese in cui avrebbe prestato la sua opera di diffusione della fede. Con una prosa vivida e colloquiale, dalle sue parole traspare in modo immediato il racconto dei fatti accaduti e dei sentimenti provati, che egli raccoglieva per sé e per i propri cari a cui inviò il manoscritto che ha fatto da base a questa edizione. In questo diario sono condensate la nostalgia per la terra d'origine, la forza del desiderio missionario, l'incertezza del viaggio e dei luoghi sconosciuti ma soprattutto la fede nel Dio ispiratore di una tale impresa.

Sevini diventa il poeta semiotico del versus/verso lirico benché fisico-matematico che detta le regole del Cosmo, ma anche l'interprete delle forze contrapposte del versus/contro che muove lo spazio e distanzia l'un elemento dall'altro e nel contempo diventa altresì il narratore di quel versus/verso che ne recita, dell'universo, la forza dell'attrazione fra le sue componenti. Quel 'movimento' insomma che altri non è che il contrario di quel che appare di primo acchito al cannocchiale e che guida l'evoluzione e la trasformazione perenne delle cose e della vita in ogni sua forma e sostanza. Qui la forza della pittura di Gianni Sevini e qui la sorpresa: la rappresentazione di quel movimento sempre e costantemente dinamico delle strutture planetarie apparentemente statiche, forme precise e immobili dello spazio silenzioso ed eterno, apparentemente scenografia passiva del tutto infinito che viene reso vivo con grande tecnica e gioco di segni e colori perché così è nella realtà più vera ed efficace del gioco della vita.

Dopo i tanti volumi dedicati ai monumenti straordinari della Romagna, questa edizione racconta i capolavori della natura che caratterizzano il nostro territorio, e in particolare l'area protetta del Parco nazionale delle Foreste Casentinesi, Monte Falterona e Campigna. Il racconto del parco parte dagli importanti archivi storici del primo Novecento di Pietro Zangheri e di Torquato Nanni, accompagnato da una selezione di scatti di alcuni fotografi tosco-romagnoli: immagini che restituiscono una panoramica dei 600 km di sentieri e dell'incredibile varietà di ambienti del parco.

Alfonso Calabrese ha voluto raccontare la storia di un padre che cerca di ritrovare il rapporto perduto con la figlia. Un padre che non si rassegna, ma che, nonostante tutti gli sforzi che mette in atto per arrivare a un esito positivo, non riesce ad avvicinarsi alla ragazza la quale non gli permette il minimo contatto, spinta da un rancore che ferisce il protagonista e lo rende vulnerabile e incapace di agire guidato da una comprensione profonda, necessaria per riuscire a curare le ferite che Gigliola si porta dentro. Il perno attorno al quale si sviluppano le riflessioni e le vicende di Alfredo Capuano, l'autore lo specifica anche nella nota all'inizio del libro con questa frase: 'l'onore al padre è la prima cosa che un figlio deve dare per tutta la vita, e lo stesso alla madre'. Calabrese scrive la vicenda sotto forma di diario attraverso il quale il protagonista fa una disanima del periodo, forse peggiore, della sua vita con l'intento di trovare pace e riscatto e di mettere in ordine pensieri, avvenimenti, torti inflitti e subiti.

Argillà Italia è il lungo week-end della ceramica a Faenza, una delle capitali mondiali della maiolica, da cui ha origine il termine Faïence. Alla scoperta del mondo della ceramica artistica e artigianale internazionale, con la mostra-mercato lungo le strade del centro storico di Faenza, le mostre e tanti eventi culturali. La Germania è paese ospite di Argillà Italia 2018.

Con Cosmo-polis 2 Gianni Sevini rinnova le sue visioni del cosmo e l'indagine delle strutture in equilibrio del firmamento. Una nuova visione, con lo sguardo attento di chi nell'arte esprime concetti tecnici e cromatici narrativi di una realtà ai limiti tra il sogno e la scienza. Sevini ci suggestiona con maestose tele che racchiudono i colori e le nomenclature degli spazi incontaminati e silenziosi vicini e lontani. Luoghi sconosciuti da cui la vita proviene, da cui tutti noi proveniamo, ignari e solitari per intraprendere il nostro breve viaggio terreno confuso tra Spirito e Materia, in una concezione del 'Bello' ben nota all'artista, ma a volte disperso fra le superflue fatiche di un quotidiano banale ed evanescente. Così l'artista riesce a ricongiungere il dimenticato senso di appartenenza alla nostra Madre Celeste per riportarci a Casa, consapevoli finalmente che forse il nostro 'passaggio' esperienziale e faticoso, possa riscattarci nella sublimazione delle bellezze dell'Universo.

Se Dalí fosse stato soltanto un surrealista, oggi vedremmo probabilmente in lui l'esponente emblematico di un movimento fondamentale nella storia dell'arte e della cultura del Novecento, ma che ha finito da tempo la sua spinta propulsiva. Non ci sarebbe niente di male e ciò non toglierebbe nulla alla grandezza dell'artista. Ma è provocatoriamente possibile pensare ad un Dalí... aumentato? La nostra proposta è diretta a cogliere cosa possano ancora oggi ispirare il metodo e il percorso di Dalí, cercando di capire se possono essere considerate valide per lui stesso queste sue parole: 'un vero artista non è quello che è ispirato, ma quello che ispira altri'. Abbiamo quindi cercato di fare una mostra che sia non solo 'su' Dalí, ma anche 'a partire da' Dalí, dove le sue opere dialogano con le nostre installazioni multimediali e interattive, in un gioco di continui rimandi e ri-creazioni. Abbiamo cercato, se non proprio di... aumentare Dalí, almeno di aumentare le esperienze e gli stimoli, moltiplicando le possibili percezioni e i livelli di lettura. Questo libro è la testimonianza di quanto è stato fatto e pensato per la mostra Dalí Experience a Palazzo Belloni - Bologna.

'Bologna Experience' è una sollecitazione a guardare di nuovo per vedere cose nuove, perché riguardare è una cosa che si fa con ciò che merita non solo il nostro interesse ma il nostro rispetto, ciò che è appunto di riguardo. E tramite questo sguardo che si rinnova, rinsalda, sviluppa la relazione con ciò che guardiamo. Perciò in questa mostra abbiamo prima di tutto cercato di invitare lo spettatore a fare attenzione, non necessariamente verso qualcosa di nuovo o di sconosciuto, anzi! Puntiamo i riflettori verso elementi, storie, caratteristiche della città che il visitatore già conosce, ma li mostriamo in maniera diversa, per trasmettere angolature nuove e nuovi punti di vista. Per scoprire che riguardando si vedono cose diverse. E che riguardando impariamo ad avere riguardo.

In Bassetti non c'è solo una spasmodica volontà di fare pittura per esigenza di vita e di sfogo di passioni ma, anche e forse soprattutto, per dar sfogo a quell'attività di studio 'matto e disperatissimo' che lo ha assalito fin da ragazzo, e per colmare quella sete di saperne, di arte e di semiotica, più di ogni altra cosa al mondo, riempendo di conoscenza quel suo mondo già colmo di vibrazioni e sensibilità, di paure e di certezze, di amori e di affetti, così come di lontananze e solitudini.

Le opere di Sergio sono questo, finestre di emozioni che finiscono per essere imprigionate dalla tela. Lo sguardo si concentra sulla finestra, i colori prendono il sopravvento sulla forma e percorrono una strada propria, colori che vengono dalla memoria e riaffiorano con prepotenza sulla tela. Il passaggio dall'acrilico all'olio ha intensificato questo aspetto ed ha portato alla luce un'altra identità dell'artista, la scultura che si percepisce in tutte le opere ma diventa evidente quando dalla finestra guarda le città, Venezia con la Basilica di San Giorgio che si affaccia sul Canal Grande, per citarne solo una. La violenza dei colori è un'altra chiave d'accesso al lavoro di Sergio, dopo il primo impatto ci si rende conto dell'equilibrio dei colori che, come succede per il riflesso del sole nel mare, quasi ci fa distogliere lo sguardo ma al contempo ci incanta. Un viaggio intenso che ci fa riaffiorare alla memoria ricordi di mare e di città, quasi come fosse un indizio di primavera una rondine o il ricordo di un estate che non riusciamo a collocare nel tempo ma siamo sicuri di aver già vissuto.

Il protagonista del romanzo è Marco Cicala, un diciannovenne di Cugliano, paesino della provincia di Napoli. Cresciuto in un ambiente gretto e retrogrado, dove ciò che conta è avere i soldi ed essere belli 'come quelli della Tv', Cicala trova il suo rifugio in casa, tra pc e romanzi. Non ha mai fatto sesso e non ha una vita sociale. L'occasione buona per uscire dal bozzolo che si è costruito viene dal cugino, che dopo l'esame di maturità gli propone una vacanza a Mykonos. Da lì inizia una vita all'insegna della movida, in giro per i locali più glamour dell.hinterland napoletano. Sbronze, ragazze e divertimento segnano la metamorfosi del protagonista. Ma alla fine tutti gli sforzi di adattamento al mondo che lo circonda non daranno i frutti sperati: Cicala non è fatto per quello vita e lo capirà al prezzo di insuccessi e delusioni.

Vedere dal vivo la lunga teoria di altorilievi narranti l'Inferno di Dante è una esperienza indimenticabile. La scultura del Maestro Robazza è vigorosa e possente, filologicamente esatta, da profondo conoscitore e amante della 'Divina Commedia'. Selezionando, scomponendo, isolando ogni figura, ripetendo a mente le terzine ritratte, i due linguaggi differenti, la parola e l'immagine, compongono un'emozione intraducibile. Robazza ha scolpito con il cuore la passione dell'itineriarium mentis in Deum entrando dentro i personaggi stessi e usando una tecnica di cui lui solo ha il segreto. Le atmosfere si addensano intorno ai momenti drammatici e lirici del Poema, specie quando si ha a che fare con il dolore tenero di Paolo e Francesca o col dolore devastante del Conte Ugolino. A Robazza va lode di non aver tralasciato i gruppi dei penitenti, di aver segnato a forti contrasti chiaroscurali e volumetrici pure coloro i quali sono infitti nel ghiaccio al fondo dell'imbuto, alcuni fino al collo, altri riversi, altri ancora lontani e sfocati come in un incubo.

Forse nessuna mappa potrà contemplare mai la disomogeneità di questo 'secolo breve' e troppo veloce in cui decine e decine di movimenti, di sperimentazioni, di stili si sono avvicendati, accavallati, schiacciati ed esauriti a volte in un tempo sufficiente solo a lasciare piccole e superficiali impronte nella storia. Abbiamo delineato, quindi, 8 nuove regioni attraverso le quali intraprendere questo viaggio nella pittura italiana del '900. Regioni fluide, con provincie spesso condivise e capoluoghi trasversali dove opere e artisti potrebbero abitarne liberamente il limite, dove il confine è la linea che unisce e non divide movimenti e stili che si intrecciano e dialogano tra di loro per svelarci nuove letture possibili: la valle del Corpo Sognato, il teatro dei Luoghi e gli Scenari, la terra degli Oggetti Enigmatici, la piana dei Segni, dei Gesti e delle Scritture, le grotte delle Materie e delle Alchimie, il golfo delle Azioni ed i Pensieri.