Affidato alla cura di Piergiorgio Pasini, storico dell'arte e profondo conoscitore delle vicende storiche del patrimonio artistico riminese, il volume raccoglie gli esiti di studio e ricerca di un gruppo di storici, storici dell'arte e dell'architettura, espressione delle istituzioni culturali riminesi, sul tema della distruzione del patrimonio storico- artistico di Rimini a causa dei bombardamenti del 1943-44. La ricerca completa il percorso di riflessione avviato nel novembre 2023 nell'ambito del progetto "Rimini in guerra 1943-1945" voluto dall'Amministrazione comunale di Rimini per ricordare l'80° anniversario della guerra a Rimini, coordinato dalla Biblioteca Gambalunga e dall'Istituto per la storia della Resistenza e dell'età contemporanea della provincia di Rimini, con l'obiettivo di mettere a disposizione di tutti strumenti di conoscenza costruiti con rigore e metodo storico.

Ciò che emerge dalle pagine di questo breviario - il secondo della collana di Casa Sponge, articolato in otto capitoli - è la trama portante delle relazioni umane, che affida uno spazio di parola alle figure raccolte intorno alla mostra "Avvicinarsi. Paesaggio inevitabile" degli artisti Edoardo Loi e Ricardo Aleodor Venturi. Un artista mentore, una curatrice, un imprenditore, un creativo, un networker, un artigiano e due artisti: tutti chiamati a raccontarsi rispondendo alla domanda "Il fiume è già mare?". Nel frattempo, Loi e Venturi vengono a loro volta interrogati per un ultimo sguardo sul paesaggio da Giovanni Gaggia, che chiede loro "Perché l'acqua?", concludendo così un percorso che testimonia un inevitabile fare collettivo. Il volume si apre con un'introduzione di Lucia Camela e si chiude con una postfazione di Giovanni Gaggia. Comprende i contributi di Edoardo Loi, Ricardo Aleodor Venturi, Stefano Baraghini, Christian Amaducci, Gabriele Savoia e Francesco Perozzi, che ha curato il coordinamento editoriale.

Un libro che approfondisce, attraverso la fotografia e le parole, il tema della sostenibilità nel mondo di oggi. La sostenibilità deriva da un ideale così semplice che il più delle volte viene scientificamente espresso da tanti numeri e poche parole. Oggi la parola sostenibilità bisognerebbe definirla come il vero e unico senso dell'esistenza reciproca per qualsiasi essere vivente del nostro pianeta, tornando a dare importanza e priorità all'empatia. L'essere vivente per essere sostenibile deve sostenersi a vicenda, sostenere l'altro, "mettersi nei suoi panni", prendersene cura. La più paradossale delle soluzioni, per contribuire realmente al cambiamento, è tornare a provare emozioni. Il libro è diviso in capitoli in base alle diverse tematiche: rapporti umani e sociali, salute e istruzione, nutrizione e commercio, uguaglianza e parità di genere, lavoro e benessere economico, ambiente naturale e energia, città e patrimonio culturale.

Siamo nati dalla necessità di dare voce a un bisogno profondo: respirare. In un mondo dominato dall'economia, dalla finanza e dal consumismo, sentivamo di essere soffocati. Desideravamo qualcosa di più autentico, una connessione più profonda con noi stessi e con il mondo che ci circonda. Âtman Journal è il nostro tentativo di creare uno spazio libero, un'isola dove poter esplorare le profondità dell'anima. Un luogo dove la conoscenza non è solo quantitativa, ma qualitativa, dove il cuore parla più forte della ragione. Crediamo che la vita sia più di un semplice accumulo di esperienze. Vogliamo riscoprire il senso della tragedia, intesa come un'immersione profonda nel mistero dell'esistenza, un'esperienza che ci unisce e ci rende più umani. Con questo primo numero cartaceo, Âtman Journal raccoglie il meglio di due anni di esplorazione visiva e narrativa. La scelta di passare dal digitale alla carta rappresenta un passo fondamentale nella nostra crescita, un modo per consolidare il legame con i nostri lettori e offrire un'esperienza di lettura più profonda e coinvolgente. Fotografia e scrittura: un binomio vincente. Abbiamo scelto di combinare l'immediatezza dell'immagine con la profondità della parola per offrire una visione completa e articolata della realtà. Attraverso gli occhi dei nostri autori, esploriamo temi cruciali come le disuguaglianze sociali, le migrazioni, la storia e la psicologia, sempre con un occhio attento ai dettagli e un approccio critico. Da Gabriele Galimberti a Beatrice Benicchi, i nostri autori ci guidano in un viaggio attraverso il mondo, indagando

Il populismo, l'infotainment, i social network: Gianfranco Funari aveva già intuito le derive della comunicazione contemporanea. Attraverso la sua storia, il libro ci aiuta a capire il presente e a riflettere sul ruolo della televisione e dell'informazione. All'inizio degli anni '80, Funari inventa Aboccaperta, un talk show dove per la prima volta le persone comuni si confrontano con le proprie opinioni. È la scintilla di una rivoluzione che vedrà la gente sempre più protagonista in tv ed è l'inizio del grande successo popolare di Funari che, tra ascese e cadute, diventerà una leggenda della televisione. Prefazione di Carlo Freccero.

Una monografia in forma di album. In questo libro l'autore, Massimo Pulini, rende note più di cinquanta opere inedite di Elisabetta Sirani, tra dipinti, disegni e incisioni, che si vanno a sommare alle tante già note di una pittrice che ebbe solo dieci anni di vita per esprimere il proprio talento. Da questa ricerca emerge un volto nuovo, arricchito del singolare stile grafico di Elisabetta, espresso in una pratica innovativa che coniuga la pittura a inchiostro al disegno di tratto, ma vengono presentati anche diversi dipinti dispersi, che resero famosa l'artista e che le valsero in vita elogi e sonetti. Sta riemergendo la serie di Apostoli per la quale venne tributata all'autrice la definizione di "pennello virile". Attraverso queste opere la Sirani risponde, con la grazia che le è propria, alla tradizione bolognese, carraccesca, delle filosofiche Teste di carattere. Un'appendice, redatta da Stefano Antonio Marchesi, aggiunge un racconto sulla morte, sulle due autopsie e sul clamoroso processo che ne seguì.

La vita negli anni Cinquanta non è facile, soprattutto in montagna dove il tempo sembra essersi fermato, le donne si ricordano di essere tali solo nel momento del parto e gli uomini sono duri come la pietra. In un piccolo paese tra i monti arriva Alda, una ragazza di città, che per sfuggire alle malelingue sposa Efrem per corrispondenza. Considerata dagli abitanti una forestiera, picchiata e umiliata dal marito, alla fine trova la forza per ribellarsi. Dal matrimonio nascono Dina, Alfea e Pietro i quali, in modi diversi, risentono di un passato difficile che li segna profondamente e cui ognuno di loro cerca di sfuggire: Dina, la maggiore, diventa una prostituta inseguendo soldi e amore, Alfea cerca invano la felicità in un matrimonio convenzionale e Pietro, dopo una giovinezza sregolata, trova la sua stabilità vendendo scarpe usate al mercato. Sullo sfondo una madre con la quale i protagonisti cercano di fare i conti fino alla fine. Si arriva così agli anni '80 e sembra non esserci pace per nessuno dei personaggi narrati.

Vaghe visioni dai contorni indefiniti. Nella nebbia. L'Adriatico, quello che va da Rimini alle lagune del nord, nella morta stagione il più delle volte appare liscio, umido, appena increspato. Senz'onde. Così lo sguardo segue la linea dell'orizzonte che apre a paesaggi minimi, di pochi dettagli, quasi assenti, seppur significativi perché intimi. È un paesaggio conosciuto e al contempo sconosciuto. Un paesaggio dell'anima.

Che c'entrano tra loro Lacan, Kafka, Virginia Woolf, Audrey Hepburn e altri 96 personaggi del mondo culturale cosmopolita? All'apparenza potrebbero essere molto distanti l'uno dall'altro invece sono tutti accomunati dall'essere sognati dal protagonista di questo libro, forse lo stesso autore, che improvvisa testi narrativi a partire da sogni nei quali tutti e 100 i personaggi compiono azioni surreali e concretissime. Darwin sdraiato sull'erba, Brecht in fondo a una strada, Manganelli incontrato in un'estate afosa del 1961... via via si passano in rassegna grandi personalità, uomini e donne insoliti, famosi per la loro eccellenza in svariati campi della cultura. Atmosfere trasognate, ironia e narrativa dell'assurdo accompagnano il lettore in un piacevole gioco intellettuale che fa venire in mente Buster Keaton, la comicità di certe storielle di Malerba e certe estemporanee sonorità jazz.

Milano Scultura in questa edizione cambia completamente il contesto, si apre a nuove possibilità e offre quella capacità di adeguamento ai mutamenti che deve avere qualsiasi evento d'arte. Dagli edifici post-industriali della Fabbrica del Vapore agli splendori sette-ottocenteschi di Villa Bagatti Valsecchi a Varedo (MB) il cambiamento è notevole perché dal post-industriale si passa ad una collocazione storica e aulica. Inoltre la Villa offre un parco straordinario che merita certamente attenzione da parte degli espositori perché costituisce un'occasione unica di confronto tra le opere e la magnificenza di un giardino sette-ottocentesco pressoché intatto.

La ricerca di Edoardo Cialfi si inserisce, senza soluzione di continuità, nel filone di analisi del genere del paesaggio (umbro) e, al tempo stesso, intuisce e sviluppa un nuovo rapporto uomo-natura, che va oltre le categorie estetiche del sublime e del pittoresco indagate nel XIX secolo, per soffermarsi invece sul sentimento del "perturbante" quale carattere tipico della post-modernità. Con Cialfi il paesaggio assume nuove connotazioni oltre a quelle familiari dell'Umbria verde, si carica di significati estetici e simbolici, produce nell'individuo che lo osserva un senso di inquietudine e di spaesamento, in quanto tutte le certezze che lo caratterizzavano vengono eclissate dalla sua particolare stesura espressiva. L'originale tecnica ad aerosol, che unisce costruzione precisa delle forme, libertà del tratto, sintesi additiva dei colori, trasforma ogni veduta paesaggistica in una visione misteriosa e metafisica.

La talèa è la parte di una pianta capace di emettere radici, utilizzata per generare un nuovo essere vegetale: una forma di moltiplicazione vegetativa, che permette di conservare le caratteristiche della pianta da cui deriva; questa parte è di solito un ramo provvisto di almeno una gemma, ma anche le radici e le foglie. Uno dei tanti miracoli della Natura è chiamato oggi a raccontare la mostra bi-personale di due artisti, un pittore e uno scultore, rispettivamente Alessandro Giampaoli (Pesaro, 1972) e Lorenzo Scarpellini (Ravenna, 1994), appartenenti a due generazioni diverse ma accomunati da una indagine visuale poetica e carica di simbolismo e immaginario. Basti osservare le superfici dipinte di Giampaoli, o i corpi plasmati di Scarpellini: in una metamorfosi continua, i paesaggi onirici e carichi di echi simbolisti del primo e le sculture di origine mitologica del secondo germogliano forme e contaminano iconografie, evocando una pittura e una scultura capaci di suggerire, al visitatore, suggestioni mutevoli e forme in continua germinazione, come fossero, appunto, talèe custodite preziosamente in un vaso di vetro esposto alla luce ed all'acqua dell'arte.

Camminando si arricchisce di una proficua intersezione con la fotografia di Gigliola Ricci. Scrittura e immagini si compenetrano, qui, come emanazione da una comune sorgente. Si intrecciano in una dialettica che si racconta nella reciprocità del dialogo. I due mondi delle immagini e delle parole, d'altra parte, si declinano a partire da una stessa matrice. Si tratta della visione, atto soggettivo che sa cogliere le impressioni delle realtà vissute.  In "Cammiando" nelle poesie di Annamaria Semprini e nelle foto di Gigliola Ricci, ci sono la sofferenza e la speranza, l'amore e la disillusione, la compassione e il distanziamento; c'è l'inesorabilità del tempo degli orologi, che scorre e invecchia, e c'è anche la qualità della temporalità vissuta e interiore. È un cammino che conduce verso l'esistere, nella sua frammentarietà, certo, eppure nella forza dell'imperfezione.

Tra la fine dell'Ottocento e i primi decenni del Novecento, l'arte emiliano-romagnola si contraddistingue per un complesso intreccio di tradizione e innovazione, dove si alternano e si sovrappongono molteplici voci artistiche, con tensioni intellettuali e sociali che attraversano la coscienza di scrittori, pittori, scultori e poeti. È in questo contesto che la figura di Emilio Filippini, pittore di Cattolica (1870-1938), emerge come una presenza discreta ma profondamente incisiva, testimone delle trasformazioni culturali e sociali del suo tempo. La sua opera riflette non solo il paesaggio umano e naturale della sua terra, ma anche una sensibilità individuale, un'introspezione che rimane indissolubilmente legata al suo luogo di origine.

"Dove la strada discende per una lunga serpe di ciottoli, rotolata fra le umide conche terrose, l'Alpe - tagliata da un vento dell'ovest - sibila come nudi sonagli di pietre nude. Nudi persino gli orizzonti; incagliata verso il principio nascente d'un perduto luglio, carico di more, s'erge una pieve: diroccata come diroccato è il signore dei dirupi nel primo sole torrentizio dell'anno, che concede il suo subisso di rocce, incastonato in un viluppo di rami franti e sterpaglie; mistici e impennacchiati suoni frinenti di cicale oblique nei boschi, aride sabbie e polverose, segnano il respiro nei danzanti voli d'uccelli che uggiosamente canicolano nel crepuscolo delle forme terrestri; lontane, già spente nei lumi delle notti giacciono sgualcite, come coperte rotte, le città - tra spettri e grembi luccicanti di fanali. A quale senso giungiamo? Alle civette che guizzano come un demone - squittendo - e seguono il vorticoso sangue nelle vene."

La Rimini di cui si parla in questo libro è soprattutto quella restituita nel paesaggio che si è trasformato nel tempo con le mutate forme di vita, dei modi di produrre e di rapportarsi della società con il proprio territorio. Spesso carico di suggestioni, quanto stravolto sotto la spinta di nuove attività e iniziative, mutazioni rapide condizionate dal 'produttivismo'. Così è accaduto qui come altrove e continua ad accadere. Laddove un tempo il paesaggio si configurava attraverso interventi esperti e secolari che esprimevano per intero una cultura, quello che si evince più spesso oggi sembra il risultato di derive risultanti dalle regole del gioco economico e dalle sue scenografie consumistiche. Ma nella sua pittura, semplicemente, il paesaggio vuole andare "dalla retina verso l'anima" accompagnando l'osservatore in un itinerario del 'saper guardare' dove anche i luoghi di tutti i giorni della città generano contemplazione.

"Vita da autodidatta" è una sorta di monologo fiume di un ragazzo alla deriva. Il protagonista, senza nome, si sente un fallito totale. Il suo amico Oscar, lo esorta a reagire, ad avere più amore per sé e per il mondo circostante, ma lui, il protagonista senza nome, tra rabbia e ironia, continua in questo distopico romanzo infallibilmente a fallire in ogni ambito della sua vita: sesso, amore, lavoro, sogni, speranze. Come in una vera theory fiction i lettori vengono catapultati, allo stesso tempo, nella realtà e nella teoria. Fino alla fine dei nostri infallibili giorni da autodidatti.

Il protagonista del romanzo sta leggendo "L'uomo senza qualità" di Musil e nel frattempo la sua vita sentimentale è un casino. Si lascia alle spalle una storia d'amore tormentato, vive avventure con femme fatal, si macera dentro a un territorio, la pianura, nel bar scalcinato del paese, micromondo in cui c'è tutto e il suo contrario. Intanto legge Musil, e la vita va avanti anche se lui s'innamora della cameriera di questo posto chiamato "Due Platani" in cui reduci del '900 si incontrano con le donne e gli uomini del futuro.

a cura di Massimo Mattioli la mostra realizzata in occasione della diciannovesima Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI - Associazione dei Musei d'Arte Contemporanea Italiani alla Galleria ZamagniArte di Rimini.

In questo libro alcuni cani hanno raccolto i propri racconti: storie reali del loro quotidiano. Sono i cani che incontriamo tutti i giorni: quello che traina al guinzaglio con il padrone affaticato alle calcagna, oppure il cucciolo appena arrivato a casa che, con grande sorpresa dei padroni, si diverte a far danni e a sporcare in casa; il cane tutto muscoli in grado di proteggerci a costo della propria vita. Avete mai visto un cane randagio senza possibilità di alcuna cura che vive in strada privo di quel calore che solo una famiglia può donargli? O quell'altro, proprio vicino a casa vostra, che notiamo tutti i giorni vivere da recluso in un piccolo giardino. Cosa avrebbe potuto pensare Laika, la prima cagnolina "sparata" nello spazio, se solo il suo viaggio fosse durato un po' di più? E quali pensieri sono passati nella testa di una delle vittime del premio Nobel Ivan Pavlov?

Catalogo pubblicato in occasione della mostra "Contemporanea ventiventitre. Niente di antico sotto il sole", a cura di Contemporary Cluster, tenutasi dal 29 luglio al 10 settembre 2023 al Palazzo Ducale di Tagliacozzo.

Collana di Arte e Storia del territorio di Modena e Reggio Emilia a cura di Zavatta, Bigi Iotti, Farioli e Piccinini.

Il fatto sorprendente è che la staticità misteriosa di queste latografie viene affiancata comunque dal movimento di scoperta dell'opera che è comunque richiesto allo spettatore. La dimensione temporale è il movimento che accompagna lo sguardo che entra nella profondità dei piani dell'immagine. C'è una dimensione quasi scultorea che si avverte, la nostalgia dello spazio aggrediti quotidianamente dalle migliaia di immagini sostanzialmente bidimensionali dei media. Ritornano alla mente le parole profetiche di Umberto Boccioni sulla scultura quando realizzò Forme uniche nella continuità dello spazio (1913), la tecnica della Latografia© richiede la collaborazione dell'osservatore per vivere lo spazio, per attraversarlo e rivelarlo. Una forma di elementarità interattiva che appartiene alla storia dell'arte dalle scatole prospettiche e ai panopticum ottocenteschi ai meravigliosi boxes di Joseph Cornell che tanto colpirono i surrealisti.

Le sculture inedite che Pegah Pasyar propone nella mostra Mnemosine presso il Museo Davia Bargellini, riportano lo sguardo interiore alla Memoria ed al Ricordo, ad un momento dove tormento e felicità convivono. Giocattoli, che si fondono in un magma di forme geometriche che li avvolgono e danno struttura ai ricordi, come cervelli che contengono pensieri della nostra infanzia. Il dialogo con le opere del Museo, tra splendide marionette, ceramiche e sculture antiche dal Rinascimento al Barocco, oltre ai capolavori della Pittura, si legano nel ricordo che trae fonte dalla nostra storia, dalla nostra civiltà. L'artista Iraniana, legata all'uso della miniatura Persiana ed alla creazione di gioielli con una manualità che trova ispirazione nei piccoli formati, traduce la sua cultura Orientale in quella dell'Occidente, mediando con l'utilizzo di piccoli giocattoli. Già come il poeta Rilke indicava, il gioco introduce una ambiguità spazio-temporale non ordinaria. Il gioco ha in sé stesso il suo fine, come l'arte.

«Per la X edizione della manifestazione artistica Contemporanea, a marzo 2023, è stato indetto dal Direttore Artistico Emanuele Moretti e la curatrice Arianna Sera, il primo Contemporanea Prize, rivolto ad artisti nazionali ed internazionali che operano sul territorio italiano. La selezione ha decretato 29 artisti vincitori, oggi esposti all'interno delle Scuderie del Palazzo Orsini-Colonna, invitati a realizzare opere in dialogo con il luogo che le ospita. Ogni opera è un racconto personale che l'artista ha realizzato site specific. (...) L'esposizione, celebrazione della contaminazione culturale tra il passato e il contemporaneo, esplora le intersezioni creative e le influenze reciproche che hanno plasmato l'arte e la cultura nel corso dei secoli».

«Nessuna velleità letteraria in quello che ho scritto. Solo la volontà di lasciare che le mie radici rimangano impresse nell'animo dei miei figli e nipoti». (Iose Berti)

IRAE nasce come un progetto che illustra un impegno concreto per la sostenibilità in relazione all'arte pubblica, nata insieme all'associazione Yourban 2030. Questa onlus, nei suoi primi anni, si è posta l'obiettivo di promuovere iniziative ispirate agli obiettivi delle Nazioni Unite 2030, attraverso gli occhi degli artisti. E con IRAE vogliamo portare alla luce il tema della sostenibilità per quante più persone possibili e ispirarle a contribuire con i propri punti di vista, ma soprattutto con il loro talento.

IRAE nasce come un progetto che illustra un impegno concreto per la sostenibilità in relazione all'arte pubblica, nata insieme all'associazione Yourban 2030. Questa onlus, nei suoi primi anni, si è posta l'obiettivo di promuovere iniziative ispirate agli obiettivi delle Nazioni Unite 2030, attraverso gli occhi degli artisti. E con IRAE vogliamo portare alla luce il tema della sostenibilità per quante più persone possibili e ispirarle a contribuire con i propri punti di vista - ma soprattutto con il loro talento.

Il tredicesimo volume di una nuova ed elegante collana dedicata alla fotografia.