In fin dei conti lo ha detto proprio lui in un suo libro di ricette: "La mia cucina è un gusto da masticare". Non può quindi stupirsi se ora gioco (tra nome e sentimento) con le parole. Se si pensa poi che Felice Lo Basso, o Felix Lo Basso qualsivoglia, conquista la Stella a soli quattro mesi dall'apertura dell'omonimo ristorante a Milano aggiungendo un valore gourmet che ferma il tempo in una città che di tempo non ne ha neppure per se stessa, non si può certo pensare che passi (lui e il tutto) inosservato e indenne tra pubblico e critica, sempre famelici di novità da inchiodare.

"il ritratto può essere studiato da diversi punti di vista. È proprio questo che lo colloca nella contemporaneità: la rappresentazione del Sé, in qualunque epoca, non è necessariamente realistica, fedele e fisionomica, ma rappresenta l'immagine che di sé si vuole trasmettere, il proprio ruolo nel mondo e la propria immagine interna. Il Iritratto, essendo sempre il risultato di una volontà di memoria, è un elemento di enorme interesse per la contemporaneità".

"Il mio percorso artistico rimane studiare, conoscere, capire e raccogliere le storie di vita e delle comunità che si sviluppano intorno a un tema o a un problema. Il libro è pensato in due parti: la prima è dedicata alla Tap, la seconda alla centrale elettrica a carbone di Cerano, che si trova vicino Brindisi. La questione Tap è nelle cronache italiane da tempo, io ho la mia idea e senza dubbio sono per il no, perché credo che il gas sia un approvvigionamento energetico antiquato. Il mondo va in un'altra direzione. Nel libro ho scelto di narrare attraverso fotografie, disegni e pitture alcuni fatti relativi al territorio, all'immagine e alla percezione che noi abitanti abbiamo di quel territorio. Questo perché è fondamentale documentare la trasformazione del luogo che in ogni caso ci sarà e di fatto è già in atto con il presidio militare costante attivo dall'estate 2017. Per il progetto di Cerano ho raccolto le testimonianze del comitato No al carbone, a cui mi lega un forte rapporto. Mi hanno aiutato a realizzare il video 'Raccontami di Cerano, 2010'. Tre anni dopo abbiamo realizzato la performance 'C'erano anche loro'." (L'autore)

"Poi comparivano i ricordi. Non avrei fatto un passo, lo giuro. Eravamo dieci o poco più. Le bluse erano colore della notte. E noi teste brune di ragazzi, alberi che ondeggiano nel vento. La città tutto intorno silenziosa. Osserva bene l'occhio dell'adolescente quando è notte. Bestia piena di paure, bestia affamata, osserva pure il muto mantello dei caseggiati orgogliosi, lo stillante rimbalzo dei gatti nell'immondezzaio mentre la vita scorre, mossa dal vento di primavera. Le femmine erano diritte e ferme all'angolo dei muri: attendevano l'urto dei maschi, passeri ciechi e bene avvezzati allo scambio mercenario. Fra tanti strazi abbandonati, e tutti solitari, sentivi idiomi barbari, paesani e contadini arieggiare dai pennacchi dell'Esquilino fino alle tombe della Via Appia."

"L'idea di VID Venice Innovation Design nasce proprio dalla volontà di fare sintesi tra pubblico e privato, tra capacità artigianali e artistiche, tra manifattura di precisione e di ricerca realizzate in un luogo di respiro internazionale di grande bellezza, aperto al mondo culturale e imprenditoriale più dinamico com'è oggi l'Isola di San Servolo".

"Arteologia intende porre il pensiero critico, razionale e oggettivo ai massimi livelli, in grado di sottoporre al suo vaglio ogni attività espressiva. Arte.o.logia significa rapportare (coniugare) il presente (contemporaneo) con l'antico, l'intero con il reperto, l'idea (il concetto) con la memoria. L'opera dell'Artista è la più innovativa e stupefacente interpretazione (visione) della connessione tra Arte contemporanea e pensiero (reperto) archeologico. L'Archeologia diventa così arte.o.logia, parola-o-azione, parola-o-arte. È opinione comunemente diffusa pensare all'Arte come a una rappresentazione diretta e inoppugnabile della realtà del nostro tempo e all'Artista come a un testimone sincero e fedele del pensiero contemporaneo. Proviamo, però, con la fantasia a viaggiare nel tempo e con il pensiero a trasferirci nel futuro. Proviamo a immaginare di vivere fra qualche secolo e di ritrovare delle testimonianze relative ai giorni nostri. Cosa immaginiamo di trovare? Non è facile dare risposta: la storia ci può aiutare, anche se essa più volte si è uniformata a una determinata ideologia."

Nel presente numero 17/18 della rivista, la Fondazione ha l'onore e il piacere di pubblicare gli atti del Convegno "Fine della bellezza? Dibattito tra arte classica e moderna", a cura di Riccardo Dottori, tenutosi all'Accademia Nazionale di San Luca il 22 novembre 2016 [...]. Una parte sostanziale del presente numero è dedicato alla prima parte di un'ampia ricerca di Giorgia Chierici sulla Biennale di Venezia, con una folta documentazione che copre gli anni 1924-1936 e che ha il pregio, ad avviso di chi scrive, di far capire la difficilissima situazione di divieto e di invidioso provincialismo nella quale de Chirico si è trovato in seguito dell'intervista rilasciata alla rivista «Comoedia» a Parigi alla fine del 1927. [...] Nikolaos Velissiotis ci dona un piccolo ma significativo contributo su Evaristo de Chirico, padre dell'artista [...] che tratta il grande dono che lo stesso ha conferito alla città di Volos con la costruzione della Chiesa Cattolica, alcuni anni prima della nascita del figlio Giorgio nel 1888.

"La mostra ordinata a San Servolo e di cui questo catalogo intende rendere testimonianza si è concentrata su una selezione di settanta lavori che ben documentano tutta la sua vicenda artistica, a partire dalle prime opere degli anni sessanta, in cui l'artista aveva tratto ispirazione dai segnali stradali, con opere significative come Trasporto terzi e Gli uomini timbro, passando per i lavori nati dal prelievo di immagini dei cruciverba e per la prima versione del Diario, quello degli amici del 1967. Gli anni sessanta si concludono con una sessione fotografica che ben documenta l'attività legata alle performance, attraverso una serie di scatti che vedono l'artista compiere azioni strettamente connesse al suo linguaggio visuale e al contempo preludio all'attività teatrale che lo vedrà impegnato dai primi anni settanta alla metà degli anni ottanta. La selezione prosegue con un nutrito gruppo di opere realizzate tra la fine degli anni ottanta, periodo in cui Mambor ritorna alla pittura dopo una pausa dai pennelli per l'impegno dedicato alla compagnia teatrale Trousse, da lui fondata, gli anni novanta e duemila, contraddistinti da opere come il Diario 2007."

Il talento, in molti casi, ha bisogno di tempo per maturare e manifestarsi. Così è accaduto a Cleto Munari. Non ama l'Università. Non gli interessa neppure scegliere una Facoltà che si suppone possa essergli congeniale: Architettura. Sa che non vuole costruire case o ponti. Sente che la sua immaginazione non coltiva visioni che possano dispiegarsi nella durata; istintivamente avverte che il sentimento della bellezza, che sin dalla nascita gli si è depositato dentro, ha bisogno di più urgenti e immediati campi di prova. La bellezza, dunque: come progetto, come ricerca ed espressione di quella verità che può trovarsi solo fuori da ogni canone, da ogni accademismo. Interrompe gli studi e consegna la propria formazione alla più eccentrica e personale Università che si possa concepire. Si rende conto che il mondo è pieno d'arte e pieno di "laboratori" dove gli artisti operano sulla materia viva di ciò che, resistendo al tempo, confluisce nei libri e nelle aule universitarie. Compone una visionaria, ma puntigliosamente reale, "geografia dell'estetica" e in questo atlante, che ha carattere internazionale, si muove: teatri, gallerie, musei, studi di artisti, centri di sperimentazioni.

"Varie sono le componenti che possono spingere un artista ad intraprendere un nuovo progetto. Esso, infatti, può nascere dalla sollecitazione di un incontro, dal suggerimento di un luogo, da uno stato d'animo, da una forte emozione o dalla necessità di riconnettersi con un mondo arcaico. [...] È nato, quindi, un nuovo progetto, "Incontro con gli Etruschi", che amplia in maniera significativa il progetto precedente. L'incontro ravvicinato con le vestigia di quelle popolazioni mi ha fatto rivivere in modo più intenso i loro luoghi, la loro cultura, i loro vissuti e mi ha proiettato anche nel mondo delle loro divinità. Alle divinità etrusche è infatti dedicato il corpus di opere scultoree eseguite in terracotta patinata. Gli dèi etruschi, da me realizzati, non riprendono l'iconografia tradizionale, in quanto ho puntato più su una valenza espressiva del loro viso, cercando di dare vita ai loro sguardi, alle loro espressioni, ai loro attributi iconografici. Ho invece riproposto la cultura etrusca con teleri, denominati "Metafore di vissuti" e realizzati in maniera disegnativa con una moltitudine di segni quasi ossessiva."

Il quadro di Giuseppe Biasio è un oggetto denso, quasi geologico nella sua complessità di elementi, uno scandaglio visivo che seleziona scarti dal consumismo del pianeta. I fondali espressivi di puro colore armonizzano la sintesi compositiva, anche merito di un grigio dominante che sostiene i suoi segni rapidi, i colori atmosferici, le materie frammentarie. Quel grigio perlaceo è lo specchio di una condizione spirituale, la pagina permeabile che ascolta e modula le ambizioni dell'umanità, i sogni spezzati, gli incubi ricorrenti, gli effetti del progresso. Perché Biasio dimostra lucida coerenza morale: i suoi frammenti figurativi reclamano minori diseguaglianze sociali, maggiore ripartizione dei beni, minore spreco di risorse, maggiore distribuzione energetica. [...]

Arezzo ospita la mostra "Uno per Tutti: l'opera di Renato Mambor". Nel barocco della Sala S. Ignazio, chiesa aretina ora galleria comunale, si presenta la storia culturale italiana raccontata da Roma; si presenta la pittura e la scultura di Renato Mambor. "Renato Mambor - Uno per Tutti" stabilisce la forma di un contenuto anonimo identico ripetuto; si riferisce alla chiave concettuale fredda, numerica, moltiplicata del lavoro dell'artista, ma è simpaticamente paradossale che, per raggiungere questo criterio del "fare arte" e del comprenderla, si usi una lettura strutturata sulla vicinanza di alcune figure direttamente o indirettamente salienti nella vita di Mambor. Sono cinque: Patrizia Speciale Mambor, Paola Pitagora, Blu Mambor, Gianna Mazzini, Marzia Spatafora. Si propone così un compendio biografico dell'artista basato su brevi ma significativi stralci del suo vissuto personale.

Per Emilio Isgrò, l'occasione della mostra "Emilio Isgrò" presso la Chiesa della Madonna del Duomo vecchio è un ritorno in Arezzo, sei anni dopo la realizzazione del boccascena del teatro Mecenate con i grandi pannelli dedicati alla commedia "As You Like it" di William Shakespeare; qui l'artista aveva cancellato il passo del Bardo "È il mondo intero una ribalta e tutti gli uomini e le donne sono semplicemente attori". Stavolta, di nuovo in coerenza con la sede espositiva, adesso ecclesiastica, è centrale il tema religioso, che accoglie il visitatore e lo conduce allo sprone altrettanto vigoroso del dovere civico o della coscienza estetica basata sulla comunicazione; così s'induce il singolo alla critica puntuale, ragionata, vigile dell'ambito comunitario, per monitorare la situazione sociale e politica italiana contemporanea circondata dall'esperienza del quotidiano mediatico. La comunicazione creativa, per Emilio Isgrò, riflette il concetto della scrittura iconica che invade oggetti, condizioni, ambienti, delineando il criterio dello spazio attivo che ridefinisce stati e strati del percepire, come stili espressivi da inediti canoni.

Che cosa rende così puntuali, così inseriti nel corpo delle istanze e delle tensioni estetiche del contemporaneo, i quadri di Dozio, artista schivo, tenutosi appartato e sottotono rispetto ai suoi colleghi e coetanei, che per anni hanno occupato la scena e dettato la linea nel sistema dell'arte italiano, salvo poi scoprire, che i loro barbarismi e i loro sperimentalismi erano inevitabilmente invecchiati anzitempo? Dozio ha creato una visione del mondo che prescinde dall'idea di rappresentatività, senza mai abbandonare quello che potremmo chiamare il fantasma del mondo reale. Non c'è in Dozio la volontà di rappresentare più di quanto non vi sia quella di agire con intenti estetizzanti o decorativi. E tuttavia, la sua è pur sempre una rappresentazione, simbolica quanto puntuale, del mondo e dell'universo secondo quella che potremmo definire una sorta di sua grammatica segreta, esoterica, iniziatica. La pittura di Dozio, si avvicina alle domande sul mistero e la forma della vita procedendo per gradi, per simboli, per metafore visive e tramite forme che si avvicendano sulla tela con ritmo sempre diverso e divergente, mutevoli come, la materia vivente, sia essa umana o animale.

Osservando l'opera di Luciano Sozio sembrano riecheggiare le paradigmatiche parole di Charles Baudelaire tratte dal Peintre: "Allorché finalmente lo incontrai, m'accorsi subito che non avevo a che fare propriamente con un artista, ma piuttosto con un uomo di mondo. Qui bisogna intendere, direi, la parola artista in un senso molto stretto, e la parola uomo di mondo in un'accezione molto lata. Uomo di mondo, ossia uomo del mondo intero, che comprende il mondo e le ragioni misteriose e legittime di tutte le sue usanze; artista, ossia specialista, uomo condannato alla sua tavolozza come il servo alla gleba". Nell'accezione baudelairiana, Sozio è certamente uomo di mondo, anima amorosamente versata a distillare le più armoniose polifonie del creato. Perché Back Side of the Blind Spot? Forse perché il desiderio di Luciano Sozio, quasi guidato da una presenza invisibile esperta del senso dell'esistenza, è quello di fare scoperte.

Alcuni amici hanno creduto di poterlo definire un vangelo del "concettualismo" anni Settanta: il mio "Duchamp invisibile", pubblicato da Aldo Quinti (Officina edizioni) nel 1975, fu però presto esaurito e da tempo è impossibile trovarne una copia. Peraltro l'interpretazione di Duchamp in chiave di consapevole, sofisticata e sistematica assunzione mentale dell'alchimia, quale proposta per la prima volta in quel libro, è stata ripresa da studiosi italiani e stranieri, benché non di rado, soprattutto da parte di questi ultimi, senza la debita citazione: a cominciare dalla pubblicazione a più voci Marcel Duchamp Abécedaire, III, Parigi 1977, con citazioni di autori da me introdotti per la prima volta nella letteratura su Duchamp come Pernety e Kircher.Altre volte la mia interpretazione è stata ritorta contro Duchamp, come nel caso di Mario Praz che condividendo la mia lettura in doppio del titolo del Grande Vetro, se ne avvalse per ridimensionare a banale battuti sta la statura del maestro. Infatti questi, incredibilmente, trova ancor oggi ostilità presso alcune penne eccellenti. (...)

La luce è uno strumento irrinunciabile nelle mani dell'artista e un materiale al pari degli altri in architettura. Direttamente connessa con la nostra percezione del mondo, la luce, che è sempre stata usata come commento a superfici e volumi, dall'avvento dell'illuminazione artificiale gioca un ruolo più autonomo e indipendente nei processi formali e strutturali. La luce, con la sua energia smaterializzante, ha contribuito a quel declino dell'opacità dei corpi e dei volumi che ha preso il sopravvento in buona parte delle realizzazioni artistiche e architettoniche dalla seconda metà del secolo scorso in poi. Lo scenario è quello che si è formato in poco più di cento anni, e precisamente da quando la luce al neon ha assunto nuova presenza nel mondo. La messa a punto da parte del fisico francese Georges Claude di tubi fluorescenti e diversamente colorati apre una nuova epoca a partire dal primo decennio del Novecento così come in questo nuovo millennio la tecnologia a LED ha impresso un nuovo ulteriore passo al mondo dell'illuminotecnica. (...)

Planisferi tracciati su pelli di animali; dischi circolari in cui l'imago mundi non conosce più l'ordine costituito; mappe come modelli di un'apparente immobilità e di futuribili profezie; carte geografiche che non forniscono segni convenzionali per orientarsi nella vita concreta; cartografie non più politiche in cui i confini si sono disciolti o i diversi stati si sono affastellati gli uni sugli altri. E ancora, segni aggrovigliati e avviluppati a formare strane figure di un animale che però lo sguardo attento rileva essere i perimetri delle diverse nazioni che formano il vecchio continente, oppure, nuovi e inediti spazi che irrinunciabilmente rimandano a enigmatiche figure che è possibile leggere soltanto come residui mnemonici d'ipotetici viaggi. Infine, una certezza, nei tracciati di quell'emigrazione che perduta nel tempo ha contribuito alla diffusione della presenza umana sul pianeta durante i primi e molti milioni di anni della sua evoluzione.

"Questa monografia dal titolo Roberto Paolini. I Gioielli della Collezione si pone a coronamento dell'omonimo progetto d'eccellenza che, grazie alla preziosa collaborazione con Sotheby's, ha inteso valorizzare l'universo delle sculture gioiello di mio padre Roberto Paolini. L'opera propone una ricognizione scientifica di questa straordinaria produzione risalente agli anni Ottanta e Novanta. Al/dialogo/tra le/sculture-gioiello e le architetture/museali è dedicato/il cuore di questa/monografia/-/Backstage at the Museum/-/che documenta con un reportage fotografico il viaggio attraverso prestigiose città italiane che ha visto come coprotagonisti: Museion di Bolzano, Mart di Rovereto, Palazzo Fortuny di Venezia, MAMbo di Bologna, Macro di Roma, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, la Fondazione Pier Luigi e Natalina Remotti di Camogli, la Collezione Tullio Leggeri - ALT di Bergamo e la Collezione Ernesto Esposito di Napoli.Il mio pensiero finale non può non andare a mio padre perché grazie alla sua instancabile ricerca e alle sue capacità originali e straordinarie tutto questo non sarebbe stato possibile." (Elena Paolini, Direttore Archivio delle opere di Roberto Paolini)

"Fu Giorgione che, come Leonardo, sentì l'esigenza di superare la maniera secca quattrocentesca e affrontare da principio il problema dell'imitazione della natura. Nasce in pittura la necessità di eliminare le regole prospettiche che avevano governato l'inizio dell'Umanesimo e del primo Rinascimento: con Leonardo e Giorgione in particolare l'artista si concentra sulle possibilità mimetiche del dipingere; nasce l'interesse dell'imitazione dei fenomeni naturali e in particolare per la resa della fusione atmosferica delle forme. Giorgione abbandona l'applicazione delle regole tradizionali, "usando", secondo le parole del Vasari, "nondimeno di cacciarsi avanti le cose vive e naturali e contraffarle"; ancora una volta la storia ci dimostra che nel momento in cui un movimento culturale trova la sua piena realizzazione, già nei suoi autori più significativi vivono i germi di quello che sarà il decadimento dell'idea principale. Essendo capaci però di indicare la nuova strada che la creatività proporrà di seguire."

Giacomo Rizzo diparte dalla res terrena per sublimare quest'ultima in imago anima e attraverso lo strappo, risalendo dal contingente-terra all'idea pura-anima. La realtà sensibile si epura dalla propria accidentalità, trasmuta fino a divenire idea universale plasticamente inverata. Rizzo ha dedicato gli ultimi anni della sua ricerca, con vocazione d'anacoreta e con religioso rigore d'analisi e d'esplorazione, all'operazione artistica dello strappo di brani di natura: tronchi, campi arati, greti di un fiume, scogliere e in special modo monti "sacri". Monti come padri dell'umanità, monti come padri di una spiritualità sepolta ma non dimenticata, perduta ma tenacemente cercata dall'artista, monti che con una dilatazione di pensiero e d'azione vengono ridestati a seconda vita per il loro senso storico, religioso, antropologico, culturale, apotropaico. La "petra alpestra e dura" di cui scrive Michelangelo e che nel processo di creazione scultorea viene assalita a colpi di scalpello diviene qui invece principio informatore (e spirituale) dal valore intrinseco già compiutissimo.