Per l'artista, il linguaggio musivo riveste una connotazione universale, che permette di essere eletto quale lessico mirabile e ragguardevole in ogni periodo storico. Patrizia Dalla Valle, infatti, opera per progetti artistico-culturali che investono l'intero scibile umano, affidando la sua creatività e la sua conoscenza ad un'azione modernissima, costantemente permeata di connotati astratti e figurativi. Nell'oggettivazione dell'idea progettuale, vengono così sovente coniugati linguaggi diversificati, al fine di rispondere ad un'urgenza espressiva libera da costretti limiti operativi. L'encomiabile iter espressivo dell'artista e l'alta valenza del suo impegno creativo sono stati onorati dal prestigioso invito, quale rappresentante italiana, ad esporre un considerevole nucleo di opere nello storico Museo Nazionale delle Belle Arti de L'Avana. Le creazioni, raccolte nell'eloquente titolo Il futuro del passato, sono state ufficialmente presentate in occasione delle celebrazioni per i cinquecento anni dalla fondazione della capitale cubana.

"Vita da cuoco" è un romanzo che emoziona raccontando il mondo della ristorazione stellata e dei grandi chef attraverso gli occhi di un ragazzo che diventa uomo inseguendo il suo sogno. Paolo è un ragazzo con un sogno: diventare chef. La provincia italiana, Londra, la Costa Azzurra, Barcellona e New York saranno le tappe di un viaggio che lo porterà dentro alle cucine più famose del mondo tra duro lavoro, creatività, estro, amore, fantasia, crudeltà, sregolatezza e passione; a stretto contatto con star internazionali e personaggi da film.

"Emanuele Parmegiani è, prima di tutto, un puro. Una persona intellettualmente onesta, che ha deciso di fare il pittore accettandone tutti i rischi del mestiere, compresi quelli delle stroncature critiche. Ha provato e riprovato, buttando una moltitudine spropositata di tele nel tentativo di trovare una sua lingua, un sua via. Ciò che è assolutamente da lodare è proprio questo suo atteggiamento di assoluta genuinità."

"È una visione di cucina volta a valorizzare la carne di selvaggina come materia prima sana dotata di importanti proprietà nutritive, attraverso ricette stuzzicanti e con il gusto di assaggiarle insieme. È la volontà di diffondere una nuova cultura culinaria libera da tabù, che promuova la qualità delle materie prime, l'importanza della filiera, il corretto trattamento della carne per esaltarne il sapore inconfondibile. Ed è soprattutto un network di chef e appassionati provenienti da tutto il mondo, che ci sorprendono con le loro creazioni e, attraverso ricette originali e innovative, condividono con noi il loro angolo di mondo e la loro idea di cucina. Questo libro ne propone cinquantadue, una per ogni weekend da gustare in compagnia, trasportandoci in un incredibile viaggio culinario in cui assaporare, tappa dopo tappa, sapori e accostamenti particolari. Che stiamo aspettando? Grembiule pronto e fornelli accesi... si parte!"

«A 699 anni dalla morte di Dante Alighieri, questo libro rappresenta la versione più compiuta del modo in cui Giuseppe Fanfani, per tutti Beppe, rende omaggio alla Divina Commedia. Così l'artista lavora all'illustrazione del celeberrimo scritto, in cammino, anche lui, nell'onda di un'altrettanto illustre tradizione: dando vita a un binomio arte-letteratura dalla soluzione del proprio essere, insieme, autore e scrittore. E tale condizione si fa precipua e strumentale, perché in questa maniera egli scopre e riscopre di continuo la sua ambivalenza. Il libro tratta la versione iconografica dell'Inferno dantesco, che l'artista realizza mirando all'emozione comunicata non tanto tramite una tecnica figurale curata e minuziosa, quanto contaminando la figura stessa di soluzioni quasi informali, immerse in atmosfere dense, cariche, turbate, stranianti, coltivando spontaneità e immediatezza: sentimenti che si lasciano voluttuosamente trasmettere all'occhio e alla mente di chi osserva. [...]»

Cos'è accaduto all'arte di oggi da renderla tanto diversa dal passato? Per comprenderlo si deve riflettere sul fatto che il mondo, la realtà, il tempo, la percezione che noi ne abbiamo sono profondamente mutati da quando il digitale ha assunto un ruolo decisivo nella determinazione non solo del nostro ambiente ma anche della nostra vita. Per la prima volta nella storia dell'umanità abbiamo infatti creato una tecnologia che non è solo d'uso, e cioè utilizzabile per uno scopo specifico, ma che si caratterizza come 'esistenziale', essendo divenuta determinante nel qualificare l'esistente e la qualità dell'esistenza. L'arte, non diversamente dal resto, sta partecipando alla rivoluzione nella quale siamo, mostrando essa stessa i segni di un mutamento che non è solo riconducibile a fattori di tipo linguistico o formali, ma che insiste fin dentro la natura del suo ruolo e delle sue funzioni.

Tutta l'opera pittorica di Giuseppe Biasio sembra ricevere la propria spinta a esistere, a esserci, da queste due fondamentali ambizioni. Una pittura che, se si conviene con questa traccia interpretativa, è lecito immaginare perennemente in viaggio, protesa a raggiungere luoghi, oggetti, nomi, momenti che si possano dire remoti, oppure perduti. Che si lascia consapevolmente attrarre nell'orbita del desiderio - desiderio di conoscere, incontrare, carpire - affinché sulle superfici lasci la sua impronta la carne del mondo. Che racchiude nella sua materialità tanto composita, quanto seduttiva, l'idea che l'opera possa dirsi compiuta nel momento in cui 'eccede' i suoi stessi confini; che possa dirsi riuscita quando sa riferire dei suoi spostamenti ideali nello spazio o attraverso il tempo.

Dopo gli anni del concettualismo e del neo-espressionismo e dei suoi epigoni, l'opera d'arte torna a darsi un progetto fatto di forme e significati dati dalla immediatezza espressiva. Questa nuova ricerca è articolata sia come elaborazione di forme più o meno inedite sia come riflessione su un possibile rapporto fra la stessa e il mondo. Ma come ebbe a scrivere Mario Perniola "si annuncia un tempo che contiene tutte le arti e un'arte padrona di tutti tempi, una contrazione di tutti tempi in un unico tempo che possiede tutte le forme e una mescolanza di tutte le forme, nessuna delle quali ha più intenzione di imporre la propria unicità in nome della necessità storica o della logica delle alternanze stagionali". Quindi oggi l'arte è caratterizzata da una molteplicità di proposte, non riconducibili ad un unico movimento, come nel passato, ma si realizza grazie a una specifica e personale cifra stilistica all'insegna della sobrietà e del distacco mentale.

Questo libro ricopre un arco temporale di centoventi anni di storia, il presente e il futuro della gastronomia mondiale, dal 1900 (prima edizione della Guida Michelin) sino al 2020 (anno di questa pubblicazione). Una piccola bibbia per gli amanti della cucina stellata, che potranno apprezzare i racconti dei templi dell'alta gastronomia francese e internazionale, gustarsi i menu e le ricette dei celebri chef dell'haute cuisine, analizzare le evoluzioni editoriali e i nuovi accordi commerciali della Michelin, osservare le ascese stellate e i declini gastronomici che si sono susseguiti tra il XX e XXI secolo, e scoprire i nuovi simboli utilizzati dalla celebre Guida Rossa. Dulcis in fundo, entrerete a far parte, come veri e propri commensali, delle esperienze gastronomiche vissute direttamente dall'autore che fanno di questo libro un unicum nel suo genere. Sono 286 i ristoranti Tristellati che troverete all'interno del volume, tutti quelli che sono stati insigniti delle Tre stelle Michelin dal 1933 (anno in cui compaiono per la prima volta) a oggi. Ciascun Tristellato viene accompagnato da una scheda descrittiva frutto della conoscenza diretta dello stesso Campiverdi.

Un romanzo che scorre tra la Sicilia, il Veneto e il Friuli Venezia Giulia ma che coinvolge tutta l'Italia, finalmente unita. Un libro che è uno spaccato di umanità attraverso gli occhi di Eugenio M. poeta, marito, amante, padre e soldato. La sua storia d'amore si intreccia al fervore e agli eventi dei primi anni del '900; poi travolto anch'egli dalla Grande Guerra. Sopravvive agli orrori del conflitto scrivendo su due quaderni neri con i bordi rossi; i suoi stati d'animo, le sue amicizie e i fatti che realmente gli accadono.

""Questo progetto è nato in un contesto molto particolare, unico direi". È così che mi sento di iniziare questo testo che introduce il catalogo che avete in mano. Una introduzione indispensabile se pensiamo che il progetto di Donato Piccolo è nato, ha avuto il suo cominciamento, per dirla con Foucault, proprio durante una pandemia globale, quella che tutti conosciamo e che probabilmente marcherà una linea di separazione, un prima e un dopo. Un evento indelebile che segnerà la nostra pelle per diversi anni e che ci può far aprire delle riflessioni: da quelle più filosofiche, il nostro scoprirci "animali" fragili in un mondo più grande di noi, a quelle pratiche, l'avvicinamento a piattaforme digitali, la scoperta che molto del nostro lavoro poteva essere svolto senza troppi movimenti. Ma, anche, l'importanza dell'uscire, dell'incontrarsi, e la schiavitù da computer (tutto si svolge lì! Chat, email, notizie, ecc.), capendo che il web è un grande compagno di strada al quale si potrebbe dare più fiducia, ma non è assolutamente totalizzabile. Guardiamo al grande fallimento delle mostre online, delle rassegne online, alla noia dei format convegnistici riportati tali e quali sul web."

L'arte si muove liberamente, senza barriere e senza confini. Indipendentemente dai limiti geografici, dalla lingua e dai costumi, l'arte accade. Il tema della 14a Biennale Internazionale di Arte Contemporanea di Curitiba "Frontiere aperte" ci guida verso i versi di Pablo Neruda, "la mia patria è nei tuoi occhi". E così ci rendiamo conto che la storia della nostra vita è composta dalle relazioni che creiamo, dai dialoghi che conquistiamo. Il Museo Paranaense rafforza la sua collaborazione con la Biennale di Curitiba ospitando nel suo circuito espositivo la mostra collettiva "Além da Ética", a cura di Massimo Scaringella, Paolo Mozzo e Sandro Orlandi, con opere di 17 artisti, tra cui brasiliani e stranieri. Presentando i suoi punti di vista in grado di liquefare le nostre barriere grazie all'arte raggiunge e al proprio "potere di scuotere l'anima", così unico.

"Nel 2018, in occasione del cinquecentenario della nascita di Jacopo Tintoretto, la Scuola Grande di San Rocco, che ospita gran parte dei suoi capolavori, invita Jorge R. Pombo a realizzare un progetto espositivo ispirato al maestro veneziano. Il documento di nascita di Tintoretto fu perso durante un incendio presso la stessa chiesa dove oggi è conservato il suo certificato di morte, avvenuta il 31 maggio 1594, all'età di 75 anni. Ne consegue che l'artista nacque tra la fine del 1518 e la prima metà del 1519. Con il desiderio di celebrare entrambe le date, la Scuola Grande di San Rocco decide di realizzare due mostre: una durante l'autunno del 2018 e un'altra nella primavera del 2019."

"Ma come funzionano le immagini in Mambor? E perché a distanza di oltre cinquant'anni dal loro concepimento esse sono ancora attuali? È noto che Mambor, come tanti suoi colleghi, soprattutto italiani della sua generazione, si sia servito di immagini mutuate dai media (il che significa riprese da giornali, riviste, rotocalchi) o dalla segnaletica stradale con un fine ben preciso: ovvero quello di "umanizzarle". Anche se Mambor aveva già esposto in alcune mostre collettive già a partire dal 1959, sarà con la mostra del 1963 alla Galleria La Tartaruga, dal titolo "Lombardo, Mambor, Tacchi. Tre pittori romani", che irrompe sulla scena artistica romana e nazionale (per non dire internazionale, dato che a quei tempi Roma lo era a tutti gli effetti), con una serie di opere che ponevano al centro del discorso il problema della standardizzazione umana a seguito dell'influenza passiva nei confronti dei media ("Uomini - Timbro", "Stadio", "Folla" fanno parte di questa serie)."

Il progetto editoriale della "Associazione Amici di Doccia" dedicato alla pubblicazione del catalogo completo delle opere di Gio Ponti al Museo di Doccia prende le mosse dal lavoro di ricerca sulle fonti iconografiche, svolto dalla dott.ssa Maria Teresa Giovannini in occasione della sua tesi di laurea nel 2007. Il volume ha l'obiettivo di dare al corpus delle ceramiche di Gio Ponti un preciso ordinamento cronologico, ad oggi mancante, fondato sullo spoglio del carteggio e di tutta la documentazione conservata nell'archivio del Museo. Il catalogo della collezione di Gio Ponti al Museo di Doccia più recente risale al 1983: Gio Ponti Ceramiche 1923-1930 Le opere del Museo Ginori di Doccia. Le ceramiche disegnate da Gio Ponti per la Richard-Ginori sono ben note ai collezionisti e agli studiosi di design di tutto il mondo. Le loro qualità estetiche, per l'originalità delle invenzioni di Ponti e l'esecuzione impeccabile, sono spesso esaltate, ma nessuno aveva in passato affrontato uno studio filologico sistematico di tutto il corpus conservato presso il Museo di Doccia. Questo volume e le relative schede di catalogo si propongono di colmare tale lacuna. Nati da una tesi di laurea, sono il frutto di un meticoloso studio dei manufatti e delle varie fonti documentarie disponibili: carteggio autografo di Gio Ponti, disegni, cataloghi, registri, tariffari, riviste d'epoca ecc. Alla luce dei dati accertati, si ricostruisce la cronologia puntuale di gran parte dei decori e delle forme, verificando le attribuzioni e indagando, caso per caso, l'iconografia del ricchissimo e affascinante i

In questa collezione di arte russa e sovietica c'è molto del gusto, sobrio ed elegante, di Laura e Giuseppe Boffa. Ma soprattutto c'è la testimonianza di una intensa esperienza di vita, di una adesione culturale, politica e perfino sentimentale alle vicende della Russia post-rivoluzionaria, che così tanto ha contato nelle loro biografie. Del resto, ognuna di queste opere è stata acquisita non certo attraverso un mercato dell'arte, che all'epoca non esisteva, ma grazie a una immersione totale nella vita intellettuale moscovita e all'amicizia con gli artisti o i loro eredi. È questo tocco esistenziale che conferisce alla collezione la sua singolare fisionomia, legata com'è a una stagione a suo modo eroica della storia sovietica, quella dominata dalla figuradi Nikita Chrusc?v. Nelle passioni e nei conflitti di quell'epoca presero forma molte delle convinzioni che poi avrebbero guidato il loro rapporto con il mondo russo.

[...] Il background molto vario degli artisti siriani, l'ampiezza dei loro contatti con altre esperienze artistiche in giro per il mondo, acquisite con la partecipazione ad eventi artistici di respiro internazionale hanno contribuito a rendere unica l'arte prodotta in questa regione. Per mezzo secolo gli artisti siriani hanno partecipato alla Biennale di Venezia. Tra di loro, due importanti esponenti delle arti visive siriane: Fatih Almoudares e Louay Kayali. È dal 2007 che la Siria ha il piacere di prendere parte a questo importante evento internazionale con un proprio Padiglione e avvalendosi della collaborazione di artisti internazionali che hanno adottato una grande varietà di stili. In questa edizione un ringraziamento speciale va agli artisti della madrepatria: Saad Yagan, la cui pittura si concentra sulla presenza umanitaria in Siria; Ibrahim Al Hamid, che si ispira alle tradizioni locali; Abdalah Abouassali con il suo realismo e Saed Salloum la cui astrazione guarda a mondi surreali. Con la loro partecipazione a Syrian Civilization is Still Alive, gli artisti invitati spingono oltre i confini nazionali la dimensione dialogica del proprio lavoro. [...]

"Questo libro parla di una grande chef, Cristina Bowerman, e di un grande artista, Eugenio Tibaldi. E affronta le loro relazioni creative, le loro differenze, le loro sintonie e i lunghi anni di evoluzione della loro ricerca. Imbarcarsi in una collana editoriale che mette a confronto artisti e cuochi può essere al contempo la scelta più scontata del mondo (assimilare cucina e creatività ormai è cosa sdoganata) e l'impresa più complicata possibile. [...] Arte e cibo, dicevamo in premessa, sono ambiti creativi che sperimentano le loro sovrapposizioni ormai da anni. Solitamente con una banalità fastidiosa, ai confini dell'inutile e ai bordi del dannoso per entrambi i versanti. Ma la superficialità può andar bene ed essere tollerabile quando ci si misura con la dimensione effimera dell'evento, non certo quando si raccoglie la sfida di una pubblicazione libraria chiamata a resistere al tempo nelle librerie, nelle biblioteche, nelle case, negli atelier e nei ristoranti. E allora qui si è dovuti andare necessariamente a fondo. A fondo non soltanto nei legami professionali tra i due protagonisti, ma anche nella relazione fertile tra arte e cibo in generale. Del perché sono storie e approcci che meritano di essere raccontati assieme, perfino nello stesso libro..." (Massimiliano Tonelli).

"Metafisica" è un periodico edito in lingua italiana ed inglese dal 2001 che pubblica studi recenti su Giorgio de Chirico, nonché documenti originali sulla sua vita e sulla sua opera. "Tante le attività intraprese dalla Fondazione in quest'ultimo anno che possiamo considerare come la prosecuzione del Quarantennale della scomparsa del Maestro (1978-2018). Così, spinti dall'entusiasmo celebrativo, come 'famiglia' dell'artista, ci siamo sentiti in dovere di dimostrargli il nostro riconoscimento come posteri. L'eredità, arricchita di memorie, enigmi disvelati e documenti significativi, è confluita, in maggior parte, nei diversi numeri di questa rivista che anno dopo anno continua a pubblicare contenuti inediti." Paolo Picozza, La realtà metafisica di Giorgio de Chirico. Un anno di meravigliosi viaggi.

Franco Simongini (Roma 1932-1994), poeta, scrittore e regista, ha inventato un nuovo genere di documentario d'arte che coinvolge gli spettatori nell'assistere alla nascita di un'opera d'arte, come se fosse un evento di cronaca o sportivo raccontato in diretta. Simongini ha saputo collegare il linguaggio cinematografico, fondato sul montaggio, con quello del piccolo schermo, basato sulla diretta televisiva. Ciò che però univa la sua attività poetica alla documentaristica d'arte era la ferma convinzione che l'occhio del poeta e quello del regista coincidono, col fine di svelare gli aspetti inattesi e spesso straordinari di una realtà che si presenta priva di schemi preordinati o di pregiudizi, come suggerivano nel secondo dopoguerra le pellicole di De Sica, Zavattini e Rossellini. [...] Simongini aveva compreso che non solo la realtà ma anche l'arte doveva essere colta direttamente, secondo la specificità del medium televisivo, senza intervenire con eccessive modificazioni del montaggio o particolari angolazioni di ripresa.

Nel quarantesimo anno dalla scomparsa di Giorgio de Chirico vede la luce il quarto volume del Catalogo generale curato, come i precedenti, dalla Fondazione Giorgio e Isa de Chirico. Risultato straordinario - 1831 le opere pubblicate nei quattro volumi - che offre, unitamente al Catalogo generale stampato in bianco e nero da Claudio Bruni Sakraischik (che, sebbene dato, resta uno strumento certamente valido), una visione pressoché esaustiva della straordinaria arte dechirichiana. Questa quarta edizione presenta un insieme di altre 451 opere ritenute autentiche dalla Fondazione pubblicate in ordine cronologico dal 1913 al 1975. Come per le precedenti edizioni (Vol. 1/2014, Vol. 2/2015, Vol. 3/2016), sono incluse soltanto opere non presenti nella catalogazione storica di Claudio Bruni Sakraischik (1971-1987). I testi di questa pubblicazione portano le firme di Paolo Picozza (Presidente della Fondazione), Lorenzo Canova e lo stesso Giorgio de Chirico.

"Scrivere d'arte è una tentazione alla quale, prima o poi, tutti gli artisti cedono. A me è capitato, per circostanze varie, perfino di eccedere. La cosa curiosa, rileggendo i miei testi dagli anni '60 ad oggi, è stata accorgermi che, a volte, una sola frase bastava a dare il senso di tutto un lungo ragionamento. Da lì a stralciarne una serie è stato relativamente facile. Nella prima parte parlo di pittura in senso generale, nella seconda mi soffermo di più sulla mia esperienza personale. Sono pensieri sparsi che, così brevi e fuori contesto, possono apparire qualche volta troppo assertivi o aforismi veri e propri: ma ne rispondo pienamente." (Claudio Verna)