La particolare identità dell'isola Comacina - un luogo straordinario per la sua intensa natura incorniciata dal lago di Como, ma anche sede di un importante sito archeologico e delle case per artisti progettate da Pietro Lingeri negli anni '30 - è al centro di un'intensa esperienza didattica, finalizzata a esercitare sguardo, pensiero e manualità in una pratica dell'arte che esce dalle aule per entrare in rapporto diretto con il contesto ambientale e i visitatori. In questo laboratorio open air si è lavorato in stretto dialogo tra docenti e allievi per interpretare lo spirito del luogo attraverso progetti artistici che si sono concretizzati in opere di varia tipologia, destinate a restare sull'isola per alcuni mesi. L'obiettivo principale di questo progetto, nato all'interno della Scuola di decorazione dell'Accademia di belle arti di Brera, è dunque quello di rendere gli studenti sensibili al tema del colore e della storia come elementi costitutivi di un percorso progettuale condiviso, che si è poi sviluppato liberamente nella ricerca individuale dei numerosi giovani autori.

'Il senso di quest'opera è nel farla e disfarla. Nel momento in cui, mi auguro, continuerà a essere fatta e disfatta, l'opera sarà viva'. La pazienza di Bruna Esposito, la lungimiranza di Bruna Esposito, la fantasia di Bruna Esposito. Tra le voci più internazionali dell'arte contemporanea italiana, tra le più eclettiche nell'usare linguaggi, tecniche, codici espressivi. Nel 2000 il museo era un cantiere e lei - scelta per la prima edizione della selezione riservata ai giovani talenti che dal 2018 si chiamerà Premio MAXXI Bulgari - portò e realizzò il progetto 'E così sia'.

Sebbene il tema che lega tre artisti formalmente così diversi come Lüthi, Ontani e Opalka sia il tempo, occorre precisare che a loro non interessa mostrare il mero passare del tempo che, come ci hanno fatto vedere Giorgione e Tiziano, trasforma il giovane in vecchio. Nonostante questo piano, inevitabile laddove il corpo si fa 'documento' visivo, abbia la sua attrattiva, non esaurisce tuttavia il senso del lavoro dei tre artisti che questa mostra intende proporre. È la capacità di fare attraverso l'arte un lavoro sul tempo che sfida il tempo stesso, che si eleva da esso, lo svincola dai suoi obblighi lineari, sebbene non ne nasconda il trascorrere, ad affrancarne il lavoro da quel piano meramente naturale che la testimonianza biologica suggerisce. E in questo continuo rimando tra un piano di manifesta naturalità, dove il tempo si racconta nel corpo dell'artista, e il piano simbolico della trasfigurazione artistica, risiede la forza e il fascino del lavoro di Lüthi, Ontani e Opalka.

Lui era un gigante, imponente, dal volto squadrato e gli zigomi alti. Al primo sguardo poteva incutere un certo timore. Ma poi era capace di prodursi in frasi straordinarie, che avresti voluto tenere sempre a portata di mano un taccuino per appuntarle, o in battute esilaranti e contagiose che sapevano coinvolgere tavolate intere. Lei è minuta, dai lineamenti dolci e le mani morbide. Sfiora la terra coi suoi passi. Ma non è facile starle dietro, con quegli occhi veloci e attenti che colgono particolari sfuggenti e invisibili agli altri. Ha una mente lucida e con la parola illumina cose e persone, che le basta un attimo per conoscerle in profondità. Per gli artisti e i critici di mezzo mondo sono Mario e Marisa: non serve nemmeno indicarne il cognome. La storia dell'arte è costellata di coppie di artisti che hanno collaborato a lungo; in molti casi alla donna è stato affidato il ruolo di musa ispiratrice, lasciando al suo partner la responsabilità dell'opera, altre volte le due personalità si sono fuse e hanno dato vita ad un duo inscindibile. La relazione di Mario e Marisa non si può descrivere né in un modo né nell'altro.

Il presente volume, con la prefazione del critico teatrale Rodolfo di Giammarco, presenta una raccolta fotografica degli scatti di Tommaso Le Pera, il più importante fotografo teatrale italiano con il più vasto archivio fotografico europeo sul teatro. Le Pera ha avuto il privilegio di immortalare gli spettacoli più significativi della grande attrice milanese dagli anni '70 al 2000, un documento unico un percorso teatrale che parte da Orestea di Ronconi del '73 fino a uno degli ultimi spettacoli Sola me ne vo, un one woman show in cui con grande ironia la Melato racconta i suoi esordi fino ai successi internazionali, un omaggio dovuto ad un'attrice unica nel panorama teatrale italiano talmente popolare, grazie ai memorabili film con la regia di Lina Wertmuller, da richiamare anche il pubblico meno aduso al teatro. Unitamente alla sezione fotografica che consta di 250 foto circa, una raccolta di omaggi e ricordi di registi, compagni di lavoro, amici, personaggi trasversali e insospettabili con i quali la grande attrice ha condiviso vita e palcoscenico completa il ritratto a cura della giornalista Anna Testa.

Lo spirito dell'operazione sorge dal riposizionamento del concetto di relazione, secondo il modo d'essere di una cosa rispetto a un'altra, la connessione tra due o più soggetti, individuali o collettivi, tale che dalla conoscenza del comportamento di uno di essi è possibile inferire il comportamento corrispondente dell'altro o degli altri. Si tenta così di definire quel ponte tra il lavoro di Bernard Aubertin, Giovanni Gaggia, Piero Mottola, Hermann Nitsch, Concetto Pozzati e Giuseppe Stampone, con il senso sintetico del quale si trova traccia nel trattenere insieme opere dissimili. Relationship allude a sei autori e sei paternità contemporanee dall'inizio degli anni sessanta ad oggi; sei modi di stare insieme, di essere simili nella differenza, anche evidente, risoluta, perfino invalicabile, ma sempre ammissibile, comprensibile, musicata per il comprovato status di 'opera d'arte'.

Maria bifronte Crispal. Accanto al grande tema dell'icona femminile, c'è l'idea del mondo di oggi, radicalmente trasformato da Internet. Le due tematiche appaiono sotterraneamente collegate tra di loro, come vasi comunicanti. Maria Crispal infatti parla di utero web, lei stessa si pone come 'icona connessa'. Cos'è Internet, si domanda l'artista, se non una macchina che genera energia cosmica? Internet si configura come una grande, articolata e polivalente macchina/madre. L'accostamento tra il corpo femminile e un congegno meccanico non è nuovo nella storia dell'arte. Marcel Duchamp con la 'Sposa messa a nudo nel Grande Vetro' ha in fondo reso meccanica la Grande Madre rappresentata da Gustave Courbet in 'L'origine du monde'. Riflettendo sul Grande Vetro Vettor Pisani costruirà un vero e proprio congegno meccanico, 'Lo Scorrevole'. Poi ci sarà la mostra 'Le macchine celibi' di Harald Szeemann. Maria Crispal però lo declina in modo assolutamente inedito, originale e contemporaneo.

'La città nell'anima' è un libro che descrive e riproduce le immagini dei mosaici trencadìs, intitolati: Attraversa/Menti, Sicura/Mente e I fiori del bene. Le opere sono state ideate e realizzate nella città di Forlì dal prof. Luigi Impieri con la collaborazione degli studenti e degli insegnanti di diverse scuole di ogni ordine e grado della Romagna. Utilizzando la tecnica del trencadìs, l'artista-insegnante ha 'tappezzato' le pareti di alcuni sottopassi cittadini che versavano in uno stato di degrado, insieme ad altri luoghi che reclamavano una maggiore cura. Il lavoro ha avuto un iter progettuale basato su disegni preparatori in scala che sono stati poi riportati a dimensione reali sulle superfici su cui realizzare il mosaico. La decorazione si è sviluppata utilizzando alcuni bassorilievi ceramici realizzati a mano da Impieri nonché attraverso l'applicazione di pezzi di specchi tagliati in forme geometriche, piastrelle rotte e formelle in terracotta messe a punto dai ragazzi sotto la guida del professore-artista. Tutti questi elementi, a cui sono stati aggiunti anche altri oggetti di diverso materiale, sono stati applicati sui disegni col fine di dare forma al trencadìs.

L'impegno della Fondazione Fòcara per la valorizzazione ed il rilancio dell'antica tradizione novolese legata al culto di Sant'Antonio Abate e la Fòcara si è rivelato un virtuoso progetto contemporaneo verso la tutela della cultura popolare in simbiosi con l'arte e la comunicazione. Nel suo percorso, la nostra festa popolare è stata connotata da veri e propri eventi comunicativi, caratterizzati dall'incontro della creatività di artisti internazionali con l'esperienza e la passione popolare, nel suo simbolo più autentico della Fòcara. Con Kounellis la Fòcara, opera della passione e della sapienza contadina, si è manifestata in tutta la sua potenza comunicativa e profonda, che il Maestro ha saputo affidare ad elementi dalla forte simbolicità e teatralità. Il Suo intervento all'interno delle sale del Palazzo Baronale costituiscono un'altra meta di visitatori che insieme a noi rivivono qualità irripetibili di quegli spazi segnati da una firma che, come in ogni altro gesto artistico del suo percorso, è luogo di linguaggio universale.

Nell'anniversario dei quattrocento anni dalla morte di William Shakespeare, la Galleria Russo di Roma celebra il più grande drammaturgo di tutti i tempi con la mostra 'Shakespeare in Rome': un omaggio contemporaneo al suo genio e all'influenza che egli ancora oggi esercita sui linguaggi artistici. La mostra, che sarà inaugurata il 16 aprile e durerà fino al 7 maggio, si avvale del saggio in catalogo del giornalista e critico britannico Andrew Dickson, è patrocinata dal British Council in Italia (l'organizzazione internazionale del Regno Unito per le relazioni culturali) e si colloca nell'ambito del più ampio progetto Shakespeare Lives: un programma annuale globale di eventi e attività per celebrare l'influenza di William Shakespeare nella ricorrenza del quattrocentesimo anniversario della sua morte, in collaborazione con i GREAT Britain campaign partners. Grazie ai sette giovani artisti Enrico Benetta, Diego Cerero Molina, Roberta Coni,Manuel Felisi, Michael Gambino, Massimo Giannoni e Tommaso Ottieri opere, luoghi, atmosfere e personaggi di William Shakespeare rivivranno negli spazi della Galleria Russo attraverso una reinterpretazione inedita ed originale.

catalogo di una grande mostra organizzata al Macro, curata da Antonella Sbrilli, docente presso la Sapienza Università di Roma, e da Maria Grazia Tolomeo, curatore di arte contemporanea, che vuole offrire un percorso sul tema del tempo quotidiano, dell'oggi come motivo ispiratore del lavoro di artisti internazionali. Le tele, i video, le fotografie, i foglietti volanti, i quaderni, i suoni, i ricami, le installazioni degli artisti in mostra suggeriscono un gioco continuo con l'oggi.

Politico De Lirio è un comunista romagnolo figlio di Emma Coriandoli e di Adelmo, bagnino inventore della coltivazione turistica intensiva di ombrelloni a filari - come le pesche. Deluso dalla caduta del muro di Berlino, dallo stesso suo Partito Comunista e dal nascere della Lega, si 'consegna' spontaneamente ai funzionari dell'Aeroporto de L'Avana a Cuba il 15 Marzo del 1991 - gli ultimi veri comunisti rimasti - pensa.

Entrare nella Casina delle Civette seguendo la scia luminosa e cromatica delle opere di Patrizia Dalla Valle ci trasporta su una 'montagna dorata', in cui ognuno riflette il 'colore dell'oro'. La luce, che penetra attraverso le vetrate decorate a motivi vegetali e zoomorfi, diventa nucleo generatore di un gioco di riflessi che si rincorrono nello spazio circostante fino a incontrare gli ori, gli argenti, le cromìe delle opere dell'artista, che vengono intimamente vivificate, entrando in un contrappunto di rimandi con la luce naturale filtrata dalle vetrate. Noi stessi diventiamo parte di questa musica celestiale, che attiva la nostra luce interiore, ponendoci in risonanza con le opere dell'artista, che diventano come dei generatori energetici, in sintonia con lo spazio circostante e con chi lo vive. Le opere di Patrizia Dalla Valle sono portatrici visive di significati spirituali: gli smalti, gli ori e gli argenti delle tessere vetrose da lei utilizzate intensificano la luce, moltiplicano i riflessi, definiscono un clima mistico all'interno dell'ambiente in cui si collocano.

Uno scultore, la propria opera e la materia di cui è fatta, la pianura, un feticcio, sono i protagonisti di questo libro che non ha storie da raccontare. È, piuttosto, il resoconto di un'esperienza sensoriale e del suo stretto radicamento con il territorio sul quale essa si innesta. Custodita e allevata come un corpo vivo che reclama il suo sviluppo, la materia è dallo scultore anche abitata come una patria o un destino cui si appartiene per discendenza ed elezione assieme. La pietra scolpita riporta alla memoria la natalità dello spazio che accoglie l'individuo, in cui trovano ospitalità l'eco del passato, il miraggio del futuro, il respiro del presente, i luoghi ideali, quelli fisici, il territorio, la pianura come è nel nostro caso. E non è un caso che sia proprio la pianura uno degli interpreti di questo libretto anomalo.

'Arte, Città e Territorio' è un progetto realizzato dalla Scuola di Decorazione dell'Accademia di Belle Arti di Brera con l'obiettivo di sollecitare il confronto su una questione secolare e ancora straordinariamente attuale, ossia la ridefinizione di un senso del fare dell'arte negli spazi altri delle zone urbane e dell'ambiente naturale. Le condizioni mutevoli del paesaggio urbano con la presenza di aree marginali sia periferiche sia centrali e la presenza di un paesaggio naturale reso sempre più precario dallo sfruttamento dell'uomo, rappresentano gli estremi all'interno dei quali è possibile una rinnovata modalità d'intervento da parte degli artisti. Alle due giornate di studio che hanno visto la partecipazione e il coinvolgimento diretto degli studenti, ha fatto seguito una fase di riflessione e di produzione con ulteriori ricerche e arricchimenti. Il volume raccoglie le immagini dell'arte e i contributi di coloro che hanno condiviso l'approfondimento di alcuni dei più significativi aspetti connessi a questo rapporto.

'Questo libro spiega la forza attrattiva degli ormoni ai limiti della logica perché possiamo impadronircene ed usarla a nostro vantaggio. Comprendere il vero sesto senso è comprendere la più grande energia a disposizione dell'essere umano. Potremo così impiegarla per capire meglio il partner o il proprio figlio, scivolando senza più attrito in un piacere condiviso, fondamento della gioia di stare insieme e della crescita reciproca. Stiamo per svelare i misteri dell'energia ormonale, che si manifesta come un vortice innescato dalla ricerca del piacere ed alimentato dai sensi. Essa guida le nostre emozioni e plasma il nostro comportamento. Quante volte gli altri ci sembrano irrazionali o misteriosi. Noi stessi lo siamo senza rendercene conto. Viviamo in balia di queste forze che si fondono in un sesto senso che ci attrae in una precisa direzione, unisce le folle nei concerti, sacrifica vite umane e guida verso conquiste impensabili.'

Scomparso prematuramente nel 2004 Cerone è stato un artista difficilmente classificabile nelle dinamiche del sistema artistico italiano. La sua scultura è stata dominata da un'inquietudine profonda e dalla consapevolezza di muoversi sul fragile confine che esiste tra memoria e futuro, in quella zona friabile e spesso incomprensibile che è l'esistenza. Cerone è stato un grande intellettuale e poeta, convinto che il suo fare fosse la conseguenza di una condizione mentale, di una necessità concettuale che ha consentito la nascita delle forme e dei segni nelle sue opere. L'evidenza e la suggestione delle contraddizioni messe in campo dalle sue sculture e dai materiali sui quali ha lavorato, sono state la forza del suo lavoro e la causa di riflessioni critiche complesse. La mostra non traccia un percorso cronologico né un criterio di illustrazione della scultura di Cerone attraverso i differenti materiali utilizzati dall'artista, ma segue la presenza costante, nelle sculture, del colore bianco quale filo conduttore. Per Cerone il bianco era, infatti, un colore che serviva a celare la materia, privandola di quella dimensione naturalistica che qualsiasi materia porta con sé.

La città di Leonia raccontata da Calvino misura la sua opulenza dalle cose che vengono buttate via per far posto alle nuove e finisce per ritrovarsi circondata da montagne di rifiuti che rischiano di travolgerla. L'incubo dei rifiuti che invadono le strade in molte città è oramai un dato di fatto. Expo 2015 ha rappresentato un momento importante di riflessione su molti aspetti legati al futuro non proprio roseo del nostro pianeta e sulle possibilità offerte dalle energie sostenibili. Anche gli artisti, dagli anni Settanta, hanno avvertito nelle loro opere l'urgenza di porre in primo piano il problema ecologico. Tra tutti Beuys nel progetto 'Difesa della Natura', basato sulla piantumazione di querce, concretizzò il tema della tutela dell'ambiente naturale in un'azione collettiva volta a sensibilizzare la comunità. La sua arte ha lasciato un segno indelebile sulle generazioni successive e ha dimostrato come l'artisticità possa anche diventare radicalmente concreta. Il gesto di Beuys ha rappresentato un precedente imprescindibile per quegli artisti che, sensibili ai temi dell'ecologia e dell'ecosostenibilità, sono stati raccolti nella mostra Creative Energy. Arte per il rinnovabile.

Come confrontarsi con la distruzione di una chiesa decorata da uno straordinario pittore del Trecento e con il furto dei pochi frammenti di pittura superstiti? Una ricostruzione digitale del monumento può valere come risarcimento culturale? O si tratta della restituzione di un'immagine, a fronte della scomparsa di un oggetto? La particolareggiata descrizione del procedimento attraverso cui si giunge a rendere la sensazione di solidità del monumento digitale ne mostra la reale inconsistenza numerica; ma una certa natura delle immagini dipinte nel secolo di Dante e di Giotto appare incompatibile con questa elaborazione; come affrontare questo problema attraversando l'odierna tempesta iconica? Una mostra innovativa 'La casa di Nostra Donna' (Dante Alighieri, Paradiso XXI, 121-123) 'Immagini e ricordo di Santa Maria in Porto Fuori', a cura del prof. Volpe, che, attraverso una ricostruzione virtuale, renderà possibile visitare nuovamente lo straordinario edificio della Chiesa di Santa Maria in Porto Fuori ed i suoi magnifici affreschi trecenteschi distrutti durante la Seconda Guerra Mondiale. Oggetto della mostra sono le immagini che dall'Ottocento ad oggi hanno rappresentato la chiesa.

Lia Drei e Francesco Guerrieri, compagni nella vita e nell'arte, lungo gli anni sessanta furono protagonisti delle ricerche gestaltiche, programmate e strutturaliste, particolarmente a Roma. Drei e Guerrieri, insieme a Di Luciano e Pizzo, fondarono infatti il Gruppo 63 e poi, in coppia, il Binomio Sperimentale (1963-68). In quegli stessi anni entrambi parteciparono ai fondamentali Convegni internazionali di Verucchio e alle varie mostre-dibattito itineranti del movimento strutturalista. Così, per esemplificare il loro percorso di ricerca lungo gli anni sessanta e i primissimi settanta, al MACRO vengono esposte 27 opere. La coppia Drei-Guerrieri spicca nell'ambito delle ricerche programmate italiane per la fedeltà assoluta al linguaggio della pittura, senza l'ausilio di mezzi meccanici o tecnologici, nell'applicazione delle teorie gestaltiche della percezione visiva, ribadendo la centralità del 'quadro' nella fruizione estetica. Inoltre entrambi, pur nelle reciproche differenze, si sono distinti anche per la capacità di rendere visibile un'intuizione lirica distillata nella purezza geometrica e rigorosa della forma.

Pirandello ebbe la sua prima educazione artistica nell'allenamento ad uno sguardo oggettivo e crudo, a un segno di realtà insistita e forzata, di lucidità quasi chirurgica nell'indagare gli aspetti anche scarni e brutali della figura umana, tipico di quella tendenza tedesca. In questa scelta forse atipica, comunque rara per l'Italia del tempo certamente ritroviamo un'indicazione del padre, il grande drammaturgo Luigi, nei confronti del giovane figlio: infatti, come è noto, egli ebbe una lunga e determinante fase di studio giovanile di stampo mitteleuropeo, laureandosi a Bonn, e l'indirizzo di Fausto fu certamente determinato dalle sue simpatie e preferenze culturali. Subito dopo Pirandello segue la scuola di pittura di Felice Carena e dalla sua inquieta ricerca, Pirandello assume un senso di plasticità cromatica solida ma non priva di complicazioni intellettuali. Pirandello dipinge allora soggetti contadini e pastorali, arcaizzanti, sul modello del maestro, ma subito vi infonde una carnalità realistica e 'sgradevole', contorta e sofferta, che lo proietta ancora giovanissimo in una dimensione autonoma, quasi un inquietante precursore di Lucian Freud. [...]'

La mostra 'Hermann Nitsch e il teatro curata' da Hubert Klocker, direttore della Friedrichshof Collection (ZurndorfVienna), raccoglie una vasta gamma di opere realizzate da uno dei maggiori esponenti viventi dell'Azionismo Viennese. L'opera di Nitsch si snoda attraverso diversi campi d'indagine, che all'Arena Museo Opera (AMO) a Palazzo Forti si articolano in varie sezioni espositive: la composizione di musiche che si possono ascoltare nelle sale della mostra, i costumi di scena realizzati per le opere di cui Nitsch ha curato la regia teatrale, le fotografie di alcune performance e diverse installazioni realizzate con tecniche miste. Prende vita ad AMO un progetto collaterale della 12a edizione di ArtVerona che con Boxart Galleria d'Arte di Verona diventa un'occasione di approfondimento su una mostra che riflette sul cuore teatrale nell'accezione più originaria, risalente ai riti greci, e sfiora altresì la più moderna forma operistica-teatrale.Il visitatore scoprirà non solo le opere che hanno reso Hermann Nitsch popolare nell'ambito della corrente artistica di appartenenza, ma potrà approfondire altre tematiche, legate ad argomenti imprescindibili dalla vita umana.

L'amore per la pittura, unito sicuramente ad altri interessi comuni e accresciuto attraverso occasioni di incontro di varia natura, ha dato forma ad un'amichevole frequentazione tra il ,aestro de Chirico e l'onorevole Amintore Fanfani. Ne dà testimonianza un bigliettino di ringraziamento, conservato negli archivi della Fondazione de Chirico e indirizzato a Isabella de Chirico. L'on. Fanfani ricorda una piacevole visita nella casa di Piazza di Spagna e così scrive: '- 6.XII.63 - Signora Gentilissima, a lei per la squisita accoglienza, al maestro Giorgio per il panorama splendido della sua solida pittura a nome di Biancarosa e mio pervenga un sincero grazie. / E in attesa di poter ricambiare, modestamente, la cortese ospitalità, questa volta senza panorami pittorici personali, porgo a Lei ed al Maestro a nome di Biancarosa e mio un saluto cordiale e grato. Amintore Fanfani'.

Ogni intervento artistico, interagisce fortemente con l'ambiente medesimo che lo ospita, divenendo quest'ultimo parte integrante della stessa opera. Al visitatore si riserva una partecipazione coinvolgente, perché a differenza delle opere esposte entro le bianche stanze di un museo, per lo più asettiche, l'arte nello spazio pubblico ha un carattere dinamico, la si 'percorre' spesso per comprenderla e genera impressioni diverse: secondo l'inclinazione della luce, la direzione di visuale, il modificarsi della vegetazione nelle stagioni. L'arte ambientata certamente non nasce 'in situ'; lo spazio circostante crea una ambientazione che migliora la percezione dell'opera esposta. Le forme scultoree di grandi dimensioni, realizzate sia dai più noti artisti, che da quelli meno conosciuti, hanno sempre generato una necessaria relazione con lo spazio specifico, tendendo a misurarsi con il profilo degli ambienti prescelti, rimodellando la complessiva spazialità. Le opere negli spazi urbani, si pongono come particolari segni incisivi che creano equilibri di forze; tutto questo dunque è inteso come una continua, rinnovata e pur sempre affascinante rilettura dello spazio pubblico.

La mostra 'Mario Sironi e le illustrazioni per 'Il Popolo d'Italia' 1921-1940', curata da Fabio Benzi con il sostegno della galleria Russo, ci restituisce una dimensione poco conosciuta del grande artista sardo. Perché Sironi fu artista completo: pittore, scultore, architetto, scenografo, illustratore e questo suo eclettismo ne determina la straordinaria modernità. In queste 344 illustrazioni ritroviamo il Sironi 'vignettista', feroce nella sua satira, come i grandi della nostra epoca contemporanea, come Forattini, Vauro, Andrea Pazienza, Staino, Giannelli o Vincino. La grandezza di questa particolare forma di satira per immagini, nel tratto essenziale della cosiddetta 'vignetta', sta proprio nella capacità di sintetizzare un concetto, una situazione, uno stato d'animo in cui riconoscersi immediatamente, senza mediazioni. Sono delle vere e proprie istantanee del pensiero quelle di Sironi, pubblicate negli anni del fascismo sul quotidiano di regime, 'il Popolo d'Italia', giornale fondato da Benito Mussolini. La satira nella dittatura ci accompagna, giorno dopo giorno, in una sorta di diario del ventennio, certamente di parte ma straordinario nella sua efficacia.

In questo significativo nucleo totalmente inedito di ben 120 disegni, ritroviamo un Mario Sironi 'vignettista': vere e proprie istantanee pubblicate negli anni del fascismo sul quotidiano di regime, 'il Popolo d'Italia', il giornale fondato da Benito Mussolini. Intorno al giornale ruotavano, un insieme di altre pubblicazioni che costituivano la rete editoriale principale del fascismo: testate direttamente dipendenti dal quotidiano, come il settimanale 'Domando la Parola! Il Lunedì del Popolo d'Italia', poi trasformato in 'La Rivista Illustrata del Popolo d'Italia', l''Almanacco enciclopedico del Popolo d'Italia', e infine 'Gerarchia'. Un bozzetto per 'La penna dei ragazzi' (poi 'Anno XII') che si trova nel gruppo sembra esulare dallo stretto giro del 'Popolo', ma la direzione di Vittorio Mussolini, figlio del Duce, lo riconduce all'ambito strettamente mussoliniano, e probabilmente Sironi si trovò ad elaborarlo direttamente nella sede del quotidiano. Inoltre, troviamo un significativo nucleo di disegni eseguiti per i bassorilievi destinati alla facciata e all'atrio della nuova sede del 'Popolo d'Italia' che l'architetto Muzio aveva progettato nel 1938.