'[...] Una stesura cromatica vibrante e intensa, pennellate incisive che costruiscono la forma con energia, spazi misteriosi abitati da un'inafferrabile nostalgia dell'altrove: seguendo queste coordinate, Arianna Matta si segnala tra le personalità più interessanti di una generazione di artiste e di artisti che stanno dando un contributo importante e anticonformista al rinnovamento della pittura nella sua interazione con le nuove tecnologie digitali. Matta propone infatti una visione personale alternativa che include le possibilità offerte dai nuovi media che diventano strumenti e campi di espressione possibili, senza eliminare però la presenza fisica della tecnica pittorica. L'opera di Matta è di particolare interesse anche perché non cede alle facili tentazioni dell'intelligenza artificiale, che molti autori stanno utilizzando in modo passivo, lasciando tutto agli elementi predeterminati dei programmi, quasi sempre impostati sulla parola scritta che si traduce in forma visiva, cedendo alle macchine tutte le fasi di immaginazione e di esecuzione che per millenni hanno dato forma alla realizzazione delle opere d'arte'. [...] (Lorenzo Canova).

[...] Il progetto espositivo di Chiara Valentini è stato concepito appositamente per il Museo Hendrik Andersen e, come accade spesso quando l'artista è in sintonia con il luogo, le opere e il contesto s'illuminano reciprocamente. Chiara Valentini, presente con due libri d'artista acquisiti nel 2022 per la collezione del Museo, riprende il tema dell'atelier, trattato in modi e tempi diversi da altri artisti che hanno esposto anni addietro nel Museo, in quanto esso rappresenta una potente chiave di lettura dell'opera del norvegese naturalizzato americano, vissuto nella dimora di via Mancini, oggi casa Museo a lui dedicata, per quasi quarant'anni. Il Museo era la casa e atelier dello scultore e le tracce visibili e invisibili del suo vissuto hanno sollecitato Chiara Valentini a confrontarsi con l'opera e con la biografia dell'artista.

Il libro raccoglie una serie di ricerche di Ugo La Pietra sul rapporto individuo/ambiente, dedicate in particolare allo spazio collettivo urbano. Le ricerche, attivate fin dagli anni sessanta, fanno riferimento alla città come espressione formalizzata delle contraddizioni della vita sociale. Da I gradi di libertà (sulle periferie urbane) fino alle Attrezzature urbane per la collettività, le ricerche descritte nel libro sottolineano la differenza tra abitare domestico e abitare urbano. Attraverso opere di decodificazione, metaprogetti e il referendum cittadino Per il miglior dissuasore, La Pietra ipotizza la realizzazione di 'luoghi di decompressione' per il recupero di valori ambientali in opposizione agli eccessi e agli squilibri urbani.

'Direi che il viaggio in South Dakota merita un posto speciale nella mia storia, tanto ho 25 anni, cosa mai potrò avere da dire per annoiarvi oltre? Ci terrei piuttosto a raccontare come quel viaggio ha cambiato per sempre il futuro di ES. Lì, tra i territori sconfinati delle Grandi Pianure, tra le sacre Black Hills, ero spesso letteralmente immerso in mezzo al nulla, eppure la percezione era di essere così connesso a ciò che la mia anima tenta di ricordare, che talvolta mi capitava di pensare di essere stato un bisonte, un Lakota o un albero, in una qualche vita passata. Poco importa se questa allusione sia una storiella piacevole che adoro raccontarmi o una preparazione al prossimo capitolo di vita dopo la materia.' (Riccardo Contini)

[...] 'Presenze', invece, è il titolo che alla fine ci ha messo d'accordo. Non solo noi, io e Beatrice, ma che ha fatto convergere sullo stesso orizzonte nominale, e di senso aggiungerei, quegli strani, insoliti, apparentemente cosi diversi, frammenti di realtà che si guardano, gli uni di fronte agli altri, nella Gipsoteca della Galleria Nazionale di Roma. Da un lato quelle curiose reminiscenze di una scultura che ha visto i suoi momenti di gloria nel secolo scorso e che oggi, grazie a quella originalissima prospettiva visiva in cui li ha collocati Cristiana Collu, riemergono dall'inevitabile oblio deciso dalla storia dell'arte e, dall'altro, le reminiscenze di un passato del tutto personale di Beatrice Pediconi che oggi rivivono grazie alla sperimentazione che l'attitudine contemporanea spinge l'artista a praticare. [...]

La VAF-Stiftung ha per scopo (o per mission, come si usa dire adesso) la promozione e la difesa dell'arte italiana, in tutti i suoi aspetti. È una difesa proteiforme, la sua, che vuole studiare e valorizzare indifferentemente sia tendenze espressive che singoli artisti e, in quest'ultimo caso, sia artisti poco noti del ventesimo secolo, sia aspetti meno conosciuti di maestri famosi, sia giovani emergenti. Dove l'aggettivo 'giovane' non ha necessariamente un carattere anagrafico e notarile, ma intende indicare artisti che non sono ancora sufficientemente affermati.

Questo libro raccoglie le opere più recenti di Fan Bo, un artista che si stacca dai cliché di lettura degli artisti contemporanei cinesi, la cui maggior parte è cresciuta con una formazione artistica di stile realista-socialista, e che in larga parte ha in seguito partecipato a quell'onda di dissidenza dall'omologazione stilistica che ha interessato la Cina dal 1985 in poi, portando la maggior parte di loro a guardare ai linguaggi occidentali. Questo periodo di tempo riveste una particolare importanza per l'artista che, come ricorda lo studioso Filippo Salviati (il cui saggio è presente nel libro), in questi anni registra un cambiamento repentino nel suo percorso artistico, che vede volgere l'artista dall'uso di una pittura visionaria, ma pur sempre figurativa, a un utilizzo ampio e a 360 gradi di materiali, media e linguaggi, con uno sconfinamento assoluto anche tra una sensibilità orientale e una occidentale.

Sempre più spesso si sente parlare di 'Mondo dell'arte': come fosse un pianeta diverso e lontano, un sistema con le proprie regole e i propri valori. La bellezza può attrarre istintivamente il nostro occhio e la nostra mente ma conoscerla veramente, in tutti i suoi aspetti, non è un'impresa semplice. Certamente può essere prezioso, però, prendere in prestito lo sguardo di chi questo mondo così particolare lo ha abitato per tutta la sua esistenza. Francesco Boni ci è praticamente nato, lo ha respirato fin da bambino e ci ha trovato poi una professione già dall'adolescenza. Ecco allora un'esperienza diretta, sul campo, con pochi eguali: come una chiave, in grado di aprire al lettore le porte più segrete e nascoste. Da lì escono piccoli affreschi di storie, aneddoti, pezzi di vita vera in grado di trasportarci dentro gli studi dei pittori che hanno fatto la storia, così come dietro le quinte di chi fa questo mestiere, ne comprende le difficoltà e il fascino.

«Come ideatore e coordinatore del progetto 'Alto Liccio - L'arazzo tra passato, presente e futuro', inizio col ringraziare la Presidenza e la Direzione dell'Accademia di Belle Arti di Brera, la direttrice di Scuola Maria Cristiana Fioretti e tutti i colleghi, le studentesse e gli studenti che hanno condiviso e sostenuto il progetto. Un ringraziamento speciale a Massimo Bilotta, Caterina e Franca Alcaro dell'Arazzeria Scassa che hanno ospitato il nostro workshop. Adesione che tra le altre cose significa dare sostegno e continuità a quell'idea di arte che oggi si nutre ancora di tecniche e strumenti provenienti dalla tradizione secolare italiana.»

'Il radicale naufragio del nostro esistere'. Così Giulio Latini, nella conversazione con Lorenzo Madaro qui pubblicata, descrive, in una battuta tanto complessa quanto diretta, la condizione esistenziale che trapela, trasuda, da ogni inquadratura della trilogia video Shipwrecks/Naufragi, opera oggetto di questo libro/catalogo. Un oggetto libro che ha l'obiettivo di racchiudere più di venti anni di lavoro e una produzione sviluppata in molte fasi diverse, qui ben documentate e accompagnate dai testi di eminenti studiosi come Guido Barbieri, Giovanni Bietti, Laura Cherubini, Marco Maria Gazzano, Lorenzo Madaro.

È per me un grande piacere scrivere queste righe di prefazione al nuovo catalogo del Premio 2021/2022 - esse infatti significano che il Premio, nonostante le difficoltà, quest'anno ha luogo. Dopo l'ultima edizione del Premio, ancora organizzata e inaugurata dal nostro stimato Dr. Klaus Wolbert, che purtroppo è mancato, è toccato a me prendere il suo posto. E parlo solo di posto a ragion veduta, perché è quasi impossibile raccogliere il testimone di quella che era tutta l'ampiezza delle sue competenze e conoscenze.

'Il cammino è iniziato da un incontro cui è seguita la lettura appassionata; dai versi sono scaturite le immagini che hanno coperto infiniti fogli di carta, poi sono diventate oggetti in ceramica, in marmo, in legno e stoffa sempre carichi dell'incanto e delle nostalgie delle mille vite da vivere ancora. Per un mondo immaginato, per ricordi lontani, per dolori e dolcezze evocate da una parola. Borges è sempre presente in questo itinerario di ricerca, nei petali della rosa come nell'oro delle tigri, la Tolomeo attraversa gli incanti con la sapienza di chi sa di aver vissuto e con l'innocenza di chi scopre il mondo sensibile, le sue mani hanno l'abilità di tradurre nella materia quel che prima esisteva nell'aria o sulla carta; così nascono i 'Bestiari'... uno, due, tanti e sempre differenti perché ogni volta Borges rivela e si rivela con un'emozione differente che l'artista coglie e traduce in un linguaggio assolutamente personale. Apparentemente facile, in verità criptico, frutto della sua grande cultura e della sua fame di conoscenza, della sua curiosità verso la vita che la rende un personaggio unico nel mondo dell'arte contemporanea.'

Questa è una mostra piuttosto speciale di Mario Sironi. Presenta prevalentemente delle opere che provengono da due collezioni che furono tra le più significative di arte italiana del XX secolo. La prima è quella di Margherita Sarfatti. Non v'è chi non sappia quanto la grande critica d'arte nativa di Venezia, poi naturalizzata milanese e infine romana, fu determinante per la storia dell'arte del secolo passato. [...] Margherita lo riteneva il più grande artista italiano della sua epoca, lo amava al punto da collezionarne diecine anzi centinaia di opere, selezionatissime. La seconda è quella di Ada Catenacci, con la quale Sironi era in rapporti d'amicizia, e a cui ella era solita commissionare opere specifiche proprio grazie alla consuetudine con l'artista. [...] Ma non era Sironi, come nel caso della Sarfatti, l'unico artista rappresentato nella straordinaria collezione Catenacci: nella sua raccolta figuravano capolavori di Casorati, Wildt, Arturo Martini, ecc. A questi due gruppi di opere sironiane, già selezionati attraverso gli occhi di due tra le maggiori intelligenze collezionistiche del tempo, sono stati aggiunti capolavori che la Galleria Russo ha trattato negli ultimi anni.

È un elogio della pittura, quindi, il suo; un'apologia che ha il sapore dell'inattualità, in alcuni casi, articolata in sequenze, brani di un discorso amoroso che ha avuto inizio per Facco dai tempi lontani dei primi disegni e che si è fatto via via più complesso, man mano che la sua mente entrava nel dispositivo pittorico scomponendo il meccanismo che lo regola. Per farlo l'artista ha avuto bisogno di sondare le diverse figure retoriche che regolano il nostro approccio percettivo all'idea di quadro, spaziando nei percorsi della storia dell'arte per fermarsi e approfondire un tema quando i suoi occhi incontravano un artista o un'opera che potessero fargli gioco. Non a caso, per spiegare il modus operandi di Facco, utilizziamo questa espressione. Egli gioca infatti mischiando i ruoli e le regole della dimensione pittorica con la disinvoltura di chi ne padroneggia i segreti e fa giocare noi, in qualità di spettatori, muovendo il nostro sguardo come farebbe uno scacchista esperto che dirige le sorti della partita prevedendo le mosse dell'avversario. [...]

La mostra curata dall'Archivio Sughi e allestita nello spazio espositivo Arte32 di Forlì, con un profilo prevalentemente documentario, ha proposto una sintesi di questo legame, espresso in un centinaio di realizzazioni del maestro: studi, disegni, dipinti su tela, opere grafiche. Accanto alle litografie eseguite nel 2004 per la Divina Commedia nella edizione FMR Scripta e alle riproduzioni delle opere appartenenti ai tre cicli del 2002, intitolati Dipinti per la Vita Nuova, i Ritratti immaginari di Dante e Dante tra di noi, saranno presenti gli scritti, le riflessioni, le conversazioni con l'amico Sergio Zavoli, i libri di argomento dantesco della biblioteca dell'Archivio, i saggi di Sanguineti e di Eliot a testimonianza dell'intensità intellettuale con cui Sughi intraprese il suo viaggio pittorico dedicato a Dante. L'impegno di Sughi nell'affrontare i testi di Dante, come egli stesso ebbe a dire, fu quello di non allontanarsi troppo dalla sua pittura, cercando all'interno della sua ricerca, gli strumenti per offrirne una possibile lettura visiva.

Nel giugno del 2019 si è tenuta nel Piano Nobile di Palazzo Collicola a Spoleto la mostra personale di Loris Cecchini dal titolo Hypermeasures, occasione per cui l'artista ha realizzato l'opera Waterbones (sequence 105), scultura modulare in acciaio composta da circa cento elementi e collocata sulla base esterna del museo. Rimasta in comodato al museo per un anno, la scultura ha partecipato, su domanda del Comune di Spoleto, al bando PAC (Piano per l'arte contemporanea) della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, risultando tra le vincitrici ed entrando così a far parte della collezione permanente del museo. Il catalogo, con testi di Marco Tonelli (Direttore artistico di Palazzo Collicola) e Lorenzo Fiorucci (Responsabile progetti speciali di Palazzo Collicola), documenta l' esposizione del 2019 e in particolare la scultura Waterbones (sequence 105) esposta, con un apparato fotografico che ripercorre l'attività dell'artista dedicata nel corso degli ultimi 20 anni a questa affascinante tipologia di opere, organiche e artificiali allo stesso tempo, imprevedibili e rizomatiche.

[...] Alcune periferie hanno riscoperto il colore, la street art, esibiscono oggi immagini attrattive sulle pareti degli edifici, a rallegrare aree del tutto prive altrimenti di elementi accattivanti, di segni particolari. È quello che sta caratterizzando Roma in questi ultimi anni, dove la nascita di gruppi di artisti visivi riuniti in spazi industriali suburbani dismessi, convertiti in spazi di lavoro (artist-run spaces), sta modificando le periferie della capitale in veri e propri contesti culturali, fertili luoghi dove gli artisti trovano lo spazio per potersi affermare riuscendo così a plasmare il substrato creativo di tutta la città. Una nuova generazione che sperimenta non solo pittura, scultura o fotografi a, ma anche pratiche performative e mediali, spostandosi con disinvoltura dall'ambito dell'arte contemporanea a quelli del teatro, della televisione, della musica, del design e della comunicazione visiva: Castro, Condotto48, Officina, Ombrelloni, Paese Fortuna, Post-ex, Spazio Mensa, Spazio in situ, sono gli studi collettivi che si è scelto di rappresentare. [...]

Oggi più che mai si sente ripetere la solita litania: dopo esser stato ferito gravemente, prima dalla televisione e dal telecomando, poi dal videoregistratore e dal dvd, il cinema nelle sale oramai agonizza in fin di vita, ferocemente colpito dal Covid sotto lo sguardo indifferente degli schermi collegati alla rete. Nessun timore al riguardo: la storia delle arti, anche nel caso della settima, si ripete ma in circostanze diverse. Il cinema, una volta raggiunta la maturità, ha iniziato a meditare sul proprio statuto, sul declino e su una possibile rinascita, a patto però di sottoporsi a un inevitabile confronto con le rivoluzioni tecnologiche e il progresso dei nuovi media. Il saggio affronta, con un approccio interdisciplinare tra la storia del cinema e l'estetica, le diverse modalità di attivazione dell'esperienza cinematografica, e in particolar modo la differenza tra il vedere un film in streaming e l'andare al cinema.

'In Common è la doppia personale di Isabella Pers e Nada Prlja, due artiste internazionali che dialogano tra loro con lavori recenti e inediti, realizzati appositamente per questo progetto condiviso: opere che ampliano la riflessione rispetto a urgenti questioni sociali e ambientali della contemporaneità, con due sguardi diversi ma complementari'.

Bronzi di Riace, avvenuta il 16 agosto 1972, si propone una raccolta di brevi saggi rivolta al grande pubblico, col desiderio di tracciare una sintesi dei principali aspetti relativi alla conoscenza di questi due capolavori dell'arte greca, conservati al Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria: dal rinvenimento alla descrizione stilistica, dalle ipotesi ricostruttive all'esposizione museale, fino alle più recenti indagini subacquee nel luogo in cui furono trovati. Simboli di un Mediterraneo che è sempre stato crogiuolo di culture e integrazioni, i Bronzi di Riace affiancano il ricordo di Sebastiano Tusa, un Archeologo che ha dedicato tutta la vita al patrimonio subacqueo, creando in Sicilia la prima Soprintendenza del Mare italiana.

Il Premio Termoli è uno dei più longevi della storia dell'arte contemporanea in Italia; infatti, è uno dei pochi rimasti ancora in attività fin dai suoi inizi, alla fine degli anni Cinquanta. È molto interessante comparare questa edizione con le edizioni storiche, dove ci fu il grande apporto di un artista originario della città, Achille Pace, che si spese molto e diede molte energie e continuità al Premio Termoli. È stato un premio che ha catalizzato l'apporto veramente creativo e costruttivo delle migliori energie critiche che c'erano allora in Italia.

ES è un progetto creativo, estetico, introspettivo, sensoriale. Attinge il nome dalla psicoanalisi freudiana in cui es è 'Voce primordiale della Natura nell'anima dell'uomo' con l'intenzione però di spostare l'approccio logico psicanalitico che essa rappresenta, in una chiave interpretativa olistico sintetica, in cui il tutto è correlato. Nella visione che caratterizza la nostra società infatti, tutto è scandito da dogmi analitici che spezzettano la realtà nel tentativo di dare un senso logico e non olistico al creato: Scienza, Medicina, Religione...

La guida breve del Museo Hendrik Christian Andersen a Roma permette di scoprire la casa, realizzata su disegno dello stesso artista, contenente tutte le sue opere, insieme alla vita e al percorso artistico e umano che ci ha lasciato in eredità. Il patrimonio del Museo costituito perlopiù da sculture monumentali, molti dipinti e disegni è oggetto degli approfondimenti di questo agile volumetto. Una piccola guida, accessibile a tutti i tipi di pubblico che introduce all'opera e al pensiero di Hendrik Andersen e ne approfondisce la conoscenza attraverso i capitoli dedicati alle opere di maggior rilievo e all'ambizioso progetto del World Center of Communication. Grazie alla presenza di qrcode è possibile approfondire aspetti particolari relativi alla vita e alla casa museo. Il Museo Hendrik Andersen, altresì denominato Villa Helene, è situato all'angolo fra Via Pasquale Mancini e Via Giuseppe Pisanelli nel quartiere Flaminio di Roma. Costruito negli anni '20 dello scorso secolo da Hendrik Andersen, con la collaborazione di alcuni architetti, è ora un museo aperto al pubblico dal 1999. Caratterizzato dalla presenza di sculture monumentali in gesso e bronzo è una delle case museo più singolari nel panorama della capitale.

Una storia d'amore senza titolo può essere anche una storia d'amore senza storia: né inizio né fine, solo desiderio, immaginazione, forse. Contatti sognati, costruiti nella mente come una sequenza cinematografica priva di regista, effetto di una sceneggiatura confusa che gli attori nemmeno conoscono, increduli o ignari della reciprocità di quei sentimenti oppure, più semplicemente, abili mentitori. [...] Fin dal principio, la poetica di Coser si traduce in una teoria del nascondimento.

Ventitré le ragazze complessivamente selezionate da un'apposita commissione che ha valutato la fattibilità dei bozzetti da realizzare nei workshops durati lo spazio di una settimana, durante i quali sono stati tessuti piccoli arazzi del formato di 25x25 centimetri con la tecnica ad alto liccio, sotto la guida di Caterina e Franca Alcaro. Un'esperienza che ha portato le allieve a misurarsi con un'arte antichissima, che oggi tra mille vicissitudini rischia di scomparire per sempre dalla scena delle apprezzatissime produzioni artigianali made in Italy, considerando che in Italia laboratori come quello astigiano sono sempre più unici che rari. Con questa prospettiva si è voluto quindi aprire una necessaria riflessione su quelle antiche quanto preziose discipline artistiche che da anni scivolano silenziosamente verso l'oblio, scomparendo una dietro l'altra dalla pratica quotidiana anche a causa di quel corto circuito che si è generato tra mondo analogico e digitale. Situazione che in qualche modo ha avviato quei processi di smantellamento dei saperi riscontrabili in diversi settori artigianali, considerati oramai inopportunamente obsoleti dalla stessa politica.

«Ogni tanto mi capita d'imbattermi in qualche artista che sembra ribaltare totalmente quest'idea del 'tutto già detto e fatto', apportando invece nuova linfa al serbatoio delle novità costitutive dell'opera d'arte. Questa tipologia di artista sembrerebbe dunque per fortuna non ancora estinta, ed è quella, a mio parere, che ci può far sperare in un futuro dell'arte un po' più roseo di quello attuale. Uno degli artisti che includerei all'interno di questa categoria è certamente Giorgio Tentolini, inventore di una tecnica artistica raffinatissima che lascia lo spettatore stupefatto di fronte alle sue opere. Io stesso, quando ho visto per la prima volta i suoi 'quadri - scultura', realizzati attraverso la sovrapposizione di sottilissime reti metallicheintagliate a partire da fotografie, sono rimasto talmente sbalordito dall'incredibile effetto, che ho dovuto stropicciarmi gli occhi per capire se sotto ci fosse qualche trucco, qualche diavoleria!»

Il libro presenta i lavori di Antonio Barrese che sviluppano la riflessione sulla poetica dell'Arte Cinetica e sulla sua continuità. Il suo operato testimonia la necessità di un'arte alta, esemplare e significativa. Fonde l'esperienza dell'arte, del progetto, della tecnologia e della scienza in una visione olistica e meta-disciplinare. Il libro, con l'intento di dimostrare l'integrazione tra l'arte e l'opportunità che l'ultimo cinquantennio ha reso disponibili, presenta una gamma operativa normalmente considerata inconciliabile, ma estremamente significativa per l'Avanguardia del Novecento.

'In una mostra chi è conosciuto oltre all'artista ovviamente è il curatore che deve sviscerare l'essenza dell'autore carpendone il significato più profondo per spiegare al pubblico l'opera. Il curatore rappresenta l'anima della mostra ma esiste anche un'altra figura di altrettanta sensibilità e competenza che cura l'allestimento redigendo un progetto espositivo.' Io amo fare i progetti e gli allestimenti delle mostre perché posso esprimere la mia creatività di pari passo all'artista, compenetrandomi nella sua identità e cercando di coinvolgere lo spettatore per rendere chiaro il messaggio che si vuole proporre. Ho lavorato in armonia sia con la curatrice della mostra Marina Guida che con Franca Pisani. Tra l'altro questa sinfonia di donne è stata l'ideale per le idee d'avanguardia al femminile della Serao.

Le mie tante esperienze di ricerca, condotte dagli anni ottanta ad oggi nei vari territori, attraverso i rapporti con gli artigiani, sono qui descritte per raccontare la difficoltà di un percorso culturale che, soprattutto in questo momento dove tutti parlano di artigianato, rappresenta una testimonianza storica per la comprensione del fenomeno di rinnovato interesse per le arti applicate.