Camaldoli, luogo immerso in splendide foreste, è un centro di spiritualità dalla storia millenaria, nato nell'XI secolo con l'edificazione da parte di san Romualdo di una piccola chiesa e di cinque celle per altrettanti eremiti, affinché vivessero in solitudine e preghiera. In occasione delle celebrazioni per i quattrocentocinquanta anni della morte di Giorgio Vasari, questo volume, promosso dalla Fondazione CR Firenze, ripercorre lungo i secoli le vicende dell'eremo e del vicino monastero, rappresentando una summa di tutti gli studi che hanno cercato di mettere ordine in una storia complessa, segnata da incendi devastanti e soppressioni ecclesiastiche, ma allo stesso tempo dalla presenza di alcune figure tra le più rilevanti del panorama artistico delle varie epoche. Così le costruzioni e le numerose ricostruzioni che nel corso dei secoli hanno avuto luogo sia all'eremo che nel cenobio, oltre che negli ambienti annessi a entrambi gli edifici (tra cui la spezieria, la biblioteca, il refettorio), trovano finalmente una sistemazione che si nutre di un confronto serrato tra fonti spesso discordanti. L'attività di pittori, scultori, decoratori, è ampiamente delineata, al pari di quella dei numerosi "monaci artisti" che hanno operato a Camaldoli. Un luogo che i priori avvicendatisi nei secoli hanno cercato di fare sopravvivere ed evolvere, fino al Novecento, in cui il complesso ha anche rivestito un ruolo significativo nel momento di passaggio a un'Italia democratica, con gli incontri degli universitari della Federazione Universitaria Cattolica Italiana, che qui elaborarono il f

Il volume accompagna la mostra dedicata alle raffigurazioni della croce e delle stimmate di Francesco a Santa Croce, fra Due e Trecento. Il convento dei Francescani fiorentini, intitolato alla Santa Croce e a capo della Provincia minoritica di Toscana - entro cui ricadeva La Verna, dov'era avvenuto il miracolo - tra la seconda metà del Duecento e la prima metà del secolo successivo divenne infatti luogo privilegiato di riflessione sull'evento stimmatico e di realizzazione di immagini volte a suggerire la centralità della croce nella biografia di Francesco e la sua conformità a Cristo. Una selezione di dipinti e manoscritti, legati alla basilica francescana, narra dunque l'evoluzione dell'iconografia delle stimmate con particolare attenzione all'opera di Taddeo Gaddi, grande protagonista dell'arte del Trecento in Santa Croce. ll progetto scientifico della mostra è stato sviluppato nell'ambito delle collaborazioni attivate dall'Opera di Santa Croce con i Dipartimenti di Storia Archeologia Geografia Arte e Spettacolo (Sagas) e di Architettura (Dida) dell'Università di Firenze, e di Civiltà antiche e moderne dell'Università di Messina, di Studi Umanistici dell'Università degli Studi Roma Tre.

A quasi quattro anni dalla sua costituzione, il Sistema Museale Pistoiese - SIMUP presenta al pubblico una mostra diffusa sul territorio con l'intento principale non solo di mettere in collegamento le tredici realtà museali della Provincia di Pistoia, che a oggi ne fanno parte, ma anche di comunicare una visione d'insieme. "Nuovi percorsi tra passato e futuro. 5 mostre per 1 sistema museale" rappresenta un'inedita e originale esposizione "di sistema", dislocata appunto su cinque sedi ma proposta al pubblico come un unico progetto da visitare in forma itinerante. Afferisce a questo ambizioso obiettivo il Museo di San Salvatore dove sono esposti alcuni reperti che testimoniano la storia stratificata dell'Antico Palazzo dei Vescovi; ancora a Pistoia, presso il Museo Civico d'arte antica, sono indagati importanti aspetti inerenti la genesi delle collezioni della prima e maggiore istituzione museale cittadina. A Monsummano Terme è proposto, invece, un approfondimento sul Tesoro della chiesa di Maria Santissima della Fontenuova, collocato in parte nella sezione museale, che permette di conoscere meglio la raccolta frutto del legame secolare tra il santuario cittadino e i suoi fedeli. Infine a Pescia, due istituzioni diverse - la Gipsoteca Libero Andreotti e il Museo della Carta di Pescia - affrontano rispettivamente una panoramica sull'arte del disegno e la genesi del volume Il Porto Sepolto di Giuseppe Ungaretti, ornato dalle xilografie di Francesco Gamba e tirato in 500 copie numerate su apposita carta filigranata.

Era l'11 maggio del 1874, erano appena trascorsi gli anni di Firenze capitale e, alla presenza del re d'Italia, veniva inaugurato il Mercato Centrale di San Lorenzo. Un'opera architettonica maestosa e avveniristica di ferro e vetro, progettata da Giuseppe Mengoni - brillante ingegnere e architetto, famoso per la Galleria Vittorio Emanuele II a Milano - ispirandosi ai più importanti mercati esteri. Questo nuovo libro di Luciano e Ricciardo Artusi, profondi conoscitori della storia fiorentina e attenti conservatori delle gloriose memorie del passato, ci racconta questo e tanto altro. Il Mercato Centrale di San Lorenzo è, infatti, la storia di Firenze legata al suo storico mercato, voluto al posto del Mercato Vecchio nei cosiddetti "Camaldoli di San Lorenzo", appartenenti al Gonfalone del Lion d'Oro, nel quartiere di San Giovanni, che a fine Ottocento versava in condizioni sociali critiche. E il Mercato Centrale di San Lorenzo significò proprio la bonifica di quei luoghi e l'apertura di un nuovo spazio di compravendita, che portò Firenze ai livelli delle grandi capitali europee, come aveva desiderato l'amministrazione cittadina. Gli Artusi ci narrano questo processo di innovazione, anche urbanistica, mostrandoci pure il suo lato ombra e i sacrifici che comportò con documenti, foto del tempo e immagini suggestive. Soprattutto, dopo l'excursus storico, la parola è data alle persone del mercato, ai vecchi e nuovi esercenti, che sono dei bravi imprenditori intenti a portare avanti e proiettare verso il futuro, attraverso varie iniziative, un'importante tradizione. Per celebrarne i

"Vasari. Il Teatro delle Virtù" è un invito a seguire l'intricato percorso di decifrazione dell'opera del colto ed eclettico maestro aretino. Fra le celebrazioni che ricorrono quest'anno in suo onore, il progetto espositivo - dislocato in due prestigiose sedi nel cuore di Arezzo e declinato in otto sezioni tematiche - e il catalogo che lo accompagna si stagliano, infatti, in un nuovo filone interpretativo, volto a riesaminarne i complessi apparati visuali e allegorici. Per molto tempo, le sottilissime citazioni e la carica simbolica che permeano le creazioni vasariane sono state percepite come un appesantimento erudito, dettato più da intenti celebrativi della committenza che da significati reconditi e pregnanti. Oggi, invece, critici e storici dell'arte hanno riportato alla luce i "mondi" sia visibili che invisibili di Vasari. All'interno di questi "mondi" le Virtù - da qui il titolo - sono protagoniste, nonché uno dei concetti cardine. Virtù intese sia come valori che guidavano la condotta personale dell'artista, sia come principi ispiratori della sua arte. Grazie al mirabile lavoro del comitato scientifico - che ha selezionato e reperito in Italia e all'estero quadri, oggetti d'arte, disegni, documenti e pubblicazioni rare - i fruitori e i lettori vengono introdotti nell'universo parallelo che sta dentro e al di là di Giorgio Vasari e che, seppur distante, è vicino alle realtà virtuali della società odierna.

"Santa Croce tra passato e futuro. Conoscere, conservare, condividere" è il secondo volume della collana "Voci di Santa Croce", nata per dare appunto voce a docenti ed esperti del settore che da anni si occupano del complesso monumentale della basilica francescana di Santa Croce a Firenze sotto vari punti di vista. Questa nuova uscita raccoglie i contributi emersi nella giornata di studi tenutasi l'8 ottobre del 2022 e rappresenta una tappa significativa nel dibattito che si è aperto sulla ricerca storico-artistica, l'analisi dell'architettura e la pratica della tutela portate avanti dall'Opera di Santa Croce negli ultimi tempi. La raccolta di saggi è stata, infatti, sapientemente curata da Eleonora Mazzocchi, storica dell'arte e conservatrice del complesso di Santa Croce, ed è frutto della collaborazione con i Dipartimenti di Storia Archeologia Geografia Arte e Spettacolo (SAGAS) e di Architettura (DIDA). L'obiettivo è quello di ricostruire la storia antichissima - artistica, architettonica e religiosa - della basilica, comprendere in profondità tutte le trasformazioni e le conservazioni che sono avvenute nei secoli, per restituire al pubblico e ai fedeli un'esperienza completa ed esaustiva di uno dei luoghi più suggestivi e famosi di Firenze, dove Cristianesimo, arte e storia si intrecciano. Si tratta quindi di un viaggio profondo nel passato per affrontare in modo ottimale le sfide del futuro, che riguardano la tutela e la fruizione di un luogo di culto dalle bellezze artistiche inestimabili.

Il "Progetto Jacquelin de Montluçon" è stato concepito nel gennaio 2016, dalla Fondazione A. G. Leventis con l'intento di riportare in vita un capolavoro perduto: una pala d'altare francese della fine del XV secolo. Il percorso di studio è durato quattro anni e, sotto la guida del professor Frédéric Elsig dell'Università di Ginevra, ha coinvolto il Musée des Beaux-Arts di Chambéry, il Musée des Beaux-Arts di Lione e il Victoria and Albert Museum di Londra. Dopo l'interruzione causata dalla pandemia di Covid-19, il progetto è ripreso con nuova forza e l'intenzione di ampliare la comprensione dell'opera di Jacquelin de Montluçon, eccezionale artista e miniatore del XV secolo. Il progetto ha poi coinvolto anche il Centre de recherche et de restauration des musées de France [C2RMF] di Parigi, che ha effettuato la radiografia e la scansione digitale dei pannelli, nonché l'analisi dei colori e dei pigmenti utilizzati dall'artista, aggiungendo preziose informazioni sul processo creativo alla base dei pannelli. Il volume raccoglie i risultati di questi studi e ricostruisce la storia di un corpus unitario di dipinti disseminati in più enti museali, dimostrando che sono, tutti attribuibili non solo alla stessa mano, quella di Jacquelin de Montluçon, ma anche alla stessa pala d'altare, commissionata dai monaci Antonini di Chambéry. Il presente volume, in inglese e in francese, arricchito da un Atlante delle tavole dell'autore, testimonia la determinazione di tutte le parti in causa nel presentare al pubblico questo importante lavoro di ricerca. La riscoperta dei pittori, padre e figli

Marco Tanzi, professore ordinario di Storia dell'Arte moderna all'Università del Salento, conduce un'accurata analisi del Ritratto di giovane gentildonna di Sofonisba Anguissola in collezione Klesch, occasione propizia a fornire sotto una nuova luce le coordinate della vita e dell'opera dell'artista cremonese, spesso oggetto di curiosità per la sua peculiare vicenda mondana, piuttosto che di studio accurato e accompagnato da una precisa definizione dei dati formali della sua produzione, influenze, modelli, contesti.

Giunto alla terza edizione, il concorso "Second Life: tutto torna", promosso da Alia Servizi Ambientali SpA e che ha come focus l'arte e la sostenibilità, si conferma un contest di primo piano per i giovani artisti. Come già intuito nelle precedenti edizioni, i temi ambientalisti, ecologisti e del cambiamento climatico sono centrali nella riflessione delle generazioni più giovani. Nelle opere proposte, infatti, questi temi si manifestano con prepotenza, anche nelle opere in cui il soggetto non è immediatamente identificabile come attinente al leitmotiv del concorso ma a una più generale e allargata "difficoltà di vivere" in un mondo in evidente sofferenza climatica, generata anche da un'eccessiva produzione. Le trenta opere selezionate, di cui tre vincitrici e tre insignite di una menzione speciale, sono realizzate con una ampia ricchezza di strumenti: dai più tradizionali a quelli considerati ancora nuovi (quale il video) a significare come la tematica possa essere affrontata in modo diverso e personalissimo ma con il comune denominatore di farsi denuncia della deriva consumistica odierna.

Il catalogo della mostra, tenutasi alla Biblioteca Medicea Laurenziana di Firenze, è un viaggio che ripercorre la storia del cioccolato attraverso la collisione tra il Vecchio e il Nuovo Mondo. Dopo la colonizzazione e la caduta dell'Impero azteco, iniziò un processo di spiritualizzazione a opera di missionari, tra cui Bernardino de Sahagún, ritenuto il fondatore dell'antropologia moderna grazie alla sua Historia general de las cosas de Nueva España, un'opera in dodici libri- conosciuta come Codice Fiorentino - in cui viene narrata la storia del popolo azteco, strettamente connessa a quella della cioccolata, delle sue proprietà e qualità, della sua ricetta e del suo approdo in Europa. Attraverso mappe, reperti archeologici, artistici e artigianali, si scopre la leggendaria origine del cioccolato in Mesoamerica fino all'attuale movimento "bean to bar", sulla sostenibilità della sua coltivazione.

La Galleria dell'Accademia di Firenze, che di recente è stata oggetto di importanti interventi di ammodernamento, raccoglie in questa pubblicazione tutti i dipinti di attribuzione certa e anonimi, ma anche altre classi di manufatti per un totale di 270 esemplari. Il repertorio si presenta strutturato in ordine alfabetico, secondo una disposizione che lo rende facilmente fruibile e godibile: a ogni pittore, infatti, è dedicata una scheda di approfondimento biografico, seguita dall'opera - o dal corpus - presente in Museo che viene accompagnata da un puntuale approfondimento cronologico e tecnico, da una breve spiegazione e dall'immagine in altissima qualità. Introduce il volume un ricco saggio del direttore della Galleria, Cecilie Hollberg.

Laddove in ogni religione la figura dell'angelo ha un ruolo di messaggero, nel progetto Angels Listening dell'artista statunitense Rachel Lee Hovnanian, residente a Miami, presentato per la prima volta alla LIX Biennale di Venezia, nel 2022, sette angeli in bronzo di grandi dimensioni con la bocca chiusa da un nastro adesivo, disposti intorno a una scatola confessionale, divengono ascoltatori privilegiati dei pensieri più intimi dei visitatori. Nato durante la pandemia da Covid-19, che aveva limitato la comunicazione tra le persone, Angels Listening ha invitato gli spettatori a trascrivere in forma anonima su pezzi di nastro i loro messaggi più nascosti, repressi per paura del giudizio degli altri o per pura incapacità e a inserirli nella scatola collocata nel cuore dell'istallazione. Alla fine di ogni giornata, i nastri venivano raccolti su tappetini e condivisi, come un flusso di coscienza collettivo. Il volume fotografico raccoglie l'esperienza - catartica e liberatoria - in cui molti sono riusciti a esprimere finalmente qualcosa di profondo e difficilmente condivisibile. La partecipazione del pubblico ha rappresentato il cuore dell'opera di Hovnanian, dove gli angeli di bronzo si sono rivelati ascoltatori empatici, fornendo un approdo a una necessità di comunicazione ineludibile da parte di ciascuno di noi.

Tommaso di Cristofano, detto Masolino da Panicale, era nato nel 1383 a Panicale de' Renacci, nella campagna fuori San Giovanni Valdarno. I suoi inizi sono avvolti nel mistero: probabilmente collaborò con Lorenzo Ghiberti alle formelle della Porta Nord del Battistero di Firenze, forse viaggiò lontano dalla Toscana, dove tornò al seguito di Pippo Spano fra il 1425 e il 1427. Negli anni venti si trovò a collaborare con un conterraneo più giovane, Tommaso di ser Giovanni, detto Masaccio, negli affreschi della cappella Brancacci al Carmine, e insieme contribuirono a un rinnovamento profondo della pittura italiana. Poco prima aveva lavorato a Empoli. Il 2 novembre 1424 venne saldato per la pittura di una cappella della Compagnia della Croce nella chiesa degli Agostiniani, Santo Stefano. Del ciclo con le Storie della vera Croce purtroppo restano solo alcune sinopie e pochi frammenti. Probabilmente Masolino l'aveva dipinto in primavera, assieme ad altri affreschi nel transetto destro, mentre stava già lavorando alla Brancacci. Empoli a quel tempo cercò di attrarre i migliori artisti dalla vicina Firenze, prima i campioni del gotico internazionale, Lorenzo Monaco (nel 1404) e Gherardo Starnina (nel 1409), poi artisti promettenti come il giovane Donatello e Giovanni di Francesco Toscani, in San Martino a Pontorme, infine appunto Masolino, che qui lasciò un capolavoro solenne quale la Pietà del Battistero. Empoli è allora un osservatorio perfetto per raccontare la storia di Masolino, artista dalla delicatissima vena espressiva, implicato in questa tumultuosa fase di transizione manten

Il volume dà conto della giornata di studio che si è tenuta a conclusione della mostra "Meraviglia senza tempo" allestita presso la Galleria Borghese (25 ottobre 2022-29 gennaio 2023) e ideata a partire dalla collezione del museo. In questo contesto, i materiali, la loro ricerca, la loro lavorazione, le interazioni tra i vari artigiani responsabili dei supporti pittorici e delle cornici sono stati oggetto di vari studi e di questi saggi. L'uso pittorico della pietra, così frequente nelle architetture romane dal tardo Cinquecento, è stato esaminato in relazione alla sfarzosa cappella Paolina di Santa Maria Maggiore, edificata per volontà di Paolo V. Inoltre, si è indagata l'origine della pittura su pietra che non può più essere datata intorno al 1530, come spesso si è sostenuto, ma a prima del Sacco di Roma del 1527, forse già nel 1522, quando Sebastiano del Piombo aveva previsto di dipingere la pala d'altare della cappella Chigi a Santa Maria del Popolo su conci di peperino. Se pochissimi pittori si specializzarono in questo genere artistico, molti lo praticarono in modo occasionale; la disponibilità locale di certe pietre e la specializzazione di alcuni artigiani nel lavorarle hanno significativamente condizionato le loro scelte. Negli anni venti in area veneta la passione per i supporti lapidei andò tramontando; nella Roma barberiniana invece la produzione di dipinti su pietra per una clientela raffinata passò nelle mani di gioiellieri che lavoravano lapislazzuli e ametiste, mentre l'alabastro fu destinato a un collezionismo minore. In questo infinito gioco offerto dalle

"La fiorentina fashion, style e luoghi cult di Firenze" è la prima guida di Firenze non turistica, un itinerario dettagliatamente ed elegantemente illustrato tra i suoi aspetti più cool. L'autrice Martina Olivia Bondi è una fiorentina doc che ci porta a scoprire i tratti caratteristici della "fiorentinità", la sua anima ricercata, tradizionale ma anche al passo con i tempi. Dopo vari lavori in ambito creativo, ha deciso di far confluire la sua esperienza da blogger, la passione per la moda e il buon cibo che le hanno tramandato i suoi genitori in questo libro. Seguendola passo passo, scopriamo chi è la fiorentina per antonomasia, cosa le piace, come si veste per le varie occasioni, come arreda la casa, come celebra le festività e molto altro. Il libro diventa poi un percorso tra le botteghe artigiane, i negozi storici e quelli di abbigliamento. Uno spazio è dedicato anche alle librerie e ai negozi d'arredamento più interessanti. Non mancano i fioristi e i luoghi dove portare i bambini a fare acquisti e a trascorrere il tempo libero, così come gli amici a quattro zampe, a cui è dedicata una dettagliata sezione. Arte, cultura, artigianato, ma anche cura estetica della persona. Particolare attenzione viene data alla ristorazione con qualche ricetta da provare. Non mancano i consigli su dove fare la spesa e, per chi non è di Firenze, i suggerimenti sugli hotel più esclusivi. Musei rigorosamente non convenzionali e luoghi particolari per occasioni speciali, anche fuoriporta. Grazie alle foto e alle raffinate illustrazioni, è un libro da non perdere per chi vuole conoscere Firenz

Padre Andrew, artista e sacerdote dell'arcidiocesi di New York, racconta le sue impressioni durante un ritiro itinerante in Toscana alcuni anni fa, sotto la guida di Timothy Verdon un prete che è anche storico dell'arte. La speranza di Timothy Verdon era di aiutare gli ascoltatori ad aprirsi alla bellezza spirituale ed estetica degli edifici, delle sculture e dei dipinti visti insieme, e il libro di padre Andrew indica che qualcosa di questo tipo è accaduto, almeno nel suo caso. Tuscan Résumé è un lavoro 'ispirato' dallo stesso Spirito che ha toccato gli architetti e gli artisti, i cui capolavori padre Andrea descrive.

Con il catalogo Divine Creature si completa e conclude l'ambizioso progetto che coniuga pittura, fotografia e disabilità, nato da un'idea di Adamo Antonacci, prodotto da Stranemani International e ospitato al Museo dell'Opera del Duomo di Firenze. Partendo infatti da una selezione di dieci celebri opere d'arte sacra che illustrano la vicenda umana di Cristo - dall'Incarnazione nel grembo virginale di Maria fino alla cena in Emmaus, Antonacci ha concepito la messa in scena di altrettanti tableaux vivants interpretati da ragazzi diversamente abili. Questi quadri viventi, realizzati con un'attenzione particolare ai singoli attori e alle loro specifiche esigenze, sono stati immortalati con sapiente maestria dall'obiettivo del fotografo e postproduttore Leonardo Baldini per essere poi affiancati al modello, in uno straordinario accostamento dove a fatica si distinguono originale e "copia". Accompagna il lettore nella disamina tecnica, biblica e soprattutto umana della mostra un saggio di Antonio Natali che non manca di sottolinearne l'unicità e la straordinaria ricerca d'uguaglianza: «Esposizione di rara bellezza. Non solo perché son belle le foto, ma anche perché bella è l'invenzione». Completa il testo un saggio di Andrea Mannucci dedicato alla storia del corpo nel cammino della diversità: un excursus che ripercorre il concetto di "normale e diverso" partendo dall'antico Egitto fino alla recente istituzione delle Paralimpiadi.

Toscana Aeroporti S.p.A, la società di gestione degli aeroporti di Firenze e Pisa, è la promotrice di Firenze Travel Notebook e Pisa Travelbook, due speciali guide turistiche che mirano a fornire al visitatore, o al semplice lettore, un'esperienza diversa dal solito. Grazie ai disegni - schizzi e acquerelli - dell'architetto, urban sketcher e autore di comics Roberto Malfatti, i taccuini ci conducono per le città, e allo stesso tempo ci invitano a soffermarci sulla bellezza dei luoghi, a coglierne la magia, rendendo ogni momento di visita un'esperienza unica e personale, da realizzare con calma e attenzione, osservando e apprezzando ogni dettaglio. Attraverso immagini, aneddoti e notizie storiche, questo taccuino racconta alcuni degli innumerevoli luoghi monumentali e delle opere artistiche inestimabili di Firenze, seguendo due diversi percorsi.

Più liberi ma soli, o più soli ma liberi? Antonio Brizzolari è stato una singolare figura di artista che, rimasto nell'ombra per decenni, non ha mai interrotto una pratica artistica con la quale è possibile identificare la sua stessa vita. Studente promettente dell'Istituto d'Arte di Porta Romana e poi giovane talento del panorama artistico fiorentino negli anni sessanta, quindi insegnante di Disegno e Storia dell'arte in diversi istituti della città, sarà costretto al ricovero presso strutture protette a causa dell'acutizzarsi dei disturbi psichici da cui era tormentato da tempo. Solo oggi, grazie alla determinazione del fratello Giuseppe e della curatrice Elena Bottinelli, si è riusciti a ricomporre una parte sostanziosa, circa 150 opere, del corpo che l'artista ha sparso lungo la sua travagliata vicenda, facendo emergere un'identità artistica che richiama alla mente i vortici cromatici di Van Gogh, l'allucinata visionarietà espressionista, la sensibilità al colore dei CO.BR.A. e della Transavanguardia, ma che mantiene tuttavia una identità precisa riscontrabile nella ricorrenza di alcuni temi (le astronavi, l'assassino, il grido), nella qualità materica della superficie pittorica, nella varietà dei supporti utilizzati. Una personalità di cui ci viene trasmessa un'immagine viva e ricca di poesia grazie al commosso contributo di Antonio Natali e al racconto di Elena Bottinelli, che fotografa l'artista nella sua eterna condizione di outsider.

Il testo di questo libro è nato per un'occasione particolare: la serata che l'Opera di Santa Maria del Fiore ha organizzato, il 14 giugno 2024, per salutare il cardinale Giuseppe Betori nel momento in cui si apprestava a lasciare la guida dell'Arcidiocesi di Firenze. In queste pagine si propone un racconto che si svolge nell'arco di una notte in cui Michelangelo, nella sua casa romana, lavora sul grande blocco di marmo da cui avrebbe "tratto" la meravigliosa opera. Un marmo difficile, pieno di imperfezioni. Proprio mentre scolpisce, l'artista - ormai anziano - ripercorre la propria vita, le opere che gli hanno donato fama e gloria, il suo rapporto conflittuale con papi e governanti. E da questa riflessione emerge la fede forte e sincera del genio, ma anche la paura della morte, il senso di precarietà della vita, una fede tormentata e sempre alla ricerca. Il testo parla della Pietà Vaticana, del David, della Cappella Sistina, del lavoro per San Pietro. Offre anche una riflessione sul tema della pietà, sul significato di questa parola nella sua etimologia e nel linguaggio biblico. Significativa poi . anche l'identificazione dello stesso Michelangelo con Nicodemo: un personaggio dei Vangeli che si prende cura del corpo di Cristo dopo la morte e, secondo i miti nati successivamente, ne raccoglie il sangue in una coppa. C'è poi la figura di Maria, donna dell'attesa e madre del silenzio, che è talmente vicina al figlio che è difficile distinguerne i corpi. Quel grembo che ha donato al mondo un bambino nella grotta di Betlemme . lo stesso che lo accoglie, adulto, disfatto dopo la

Toscana Aeroporti S.p.A, la società di gestione degli aeroporti di Firenze e Pisa, è la promotrice di Firenze Travel Notebook e Pisa Travelbook, due speciali guide turistiche che mirano a fornire al visitatore, o al semplice lettore, un'esperienza diversa dal solito. Grazie ai disegni - schizzi e acquerelli - dell'architetto, urban sketcher e autore di comics Roberto Malfatti, i taccuini ci conducono per le città, e allo stesso tempo ci invitano a soffermarci sulla bellezza dei luoghi, a coglierne la magia, rendendo ogni momento di visita un'esperienza unica e personale, da realizzare con calma e attenzione, osservando e apprezzando ogni dettaglio. Attraverso immagini, aneddoti e notizie storiche, questo taccuino racconta alcuni degli innumerevoli luoghi monumentali e delle opere artistiche inestimabili di Pisa. La città, secondo la leggenda, fu fondata dai guerrieri achei dopo la guerra di Troia, ma risale in realtà al periodo etrusco. Divenuta insieme a Venezia, Genova e Amalfi una delle quattro repubbliche marinare nell'XI secolo, fu a lungo uno dei centri più fiorenti d'Italia, prospero e autonomo, come testimoniano la sua storia e i suoi antichi edifici riccamente decorati.

La vigorosa scultura, di qualità molto elevata, rappresenta un volto maschile con barba incolta e capelli folti e scarmigliati, che ride in maniera beffarda. La fisionomia sgraziata e l'espressione caricata rimandano ai tratti di un fauno, divinità italica con aspetto semiferino che vive nei boschi. La scultura appare come una sorta di opera sperimentale frutto di elaborazioni variate, ripensamenti, aggiustamenti, dove tutti gli indizi sembrano rimandare alla celebre scultura che Michelangelo Buonarroti realizzò nei primi anni della sua frequentazione del giardino delle sculture in piazza San Marco intorno al 1490-1492, a seguito della quale Lorenzo il Magnifico lo accolse nella propria dimora. Quella del fauno scolpito dal Buonarroti è una vicenda che ha conosciuto grande fortuna figurativa nel corso dei secoli, la cui dispersione ha da sempre affascinato e messo in difficoltà la critica. Il volume, attraverso i numerosi confronti con l'opera michelangiolesca, giacché la testa di fauno presenta tratti stilistici e motivi che ritornano più volte nel corpus del maestro, rappresenta uno stimolo suggestivo per approfondire l'opera giovanile di Michelangelo.

Il volume è consacrato alla smagliante tavola con l'Adorazione dei Magi di FineArt by Di Mano in Mano. L'autore ne argomenta con efficacia l'attribuzione al pittore fiammingo Cesare Smet, attraverso il confronto con il catalogo noto dell'artista, incaricato della commissione dalla nobile Giulia Correale nel 1599. Ma non solo. Attraverso il quadro ricostruito dall'autore in queste pagine, l'opera è ora - finalmente e in modo nitido - collocata nel suo contesto d'origine, quello della Napoli di fine Cinquecento e della colonia fiamminga presente in città, assumendo così la sua corretta posizione nella catena dei dipinti di analogo soggetto - le cosiddette Epifanie meridionali - realizzati dai maestri ponentini nel centro-sud Italia.

"Vasari. Il Teatro delle Virtù" è un invito a seguire l'intricato percorso di decifrazione dell'opera del colto ed eclettico maestro aretino. Fra le celebrazioni che ricorrono quest'anno in suo onore, il progetto espositivo - dislocato in due prestigiose sedi nel cuore di Arezzo e declinato in otto sezioni tematiche - e il catalogo che lo accompagna si stagliano, infatti, in un nuovo filone interpretativo, volto a riesaminarne i complessi apparati visuali e allegorici. Per molto tempo, le sottilissime citazioni e la carica simbolica che permeano le creazioni vasariane sono state percepite come un appesantimento erudito, dettato più da intenti celebrativi della committenza che da significati reconditi e pregnanti. Oggi, invece, critici e storici dell'arte hanno riportato alla luce i "mondi" sia visibili che invisibili di Vasari. All'interno di questi "mondi" le Virtù - da qui il titolo - sono protagoniste, nonché uno dei concetti cardine. Virtù intese sia come valori che guidavano la condotta personale dell'artista, sia come principi ispiratori della sua arte. Grazie al mirabile lavoro del comitato scientifico - che ha selezionato e reperito in Italia e all'estero quadri, oggetti d'arte, disegni, documenti e pubblicazioni rare - i fruitori e i lettori vengono introdotti nell'universo parallelo che sta dentro e al di là di Giorgio Vasari e che, seppur distante, è vicino alle realtà virtuali della società odierna.