Il catalogo della mostra di Palazzo Ducale a Venezia (6 aprile - 29 settembre 2024) è il libro ufficiale delle celebrazioni dei 700 anni dalla morte di Marco Polo, e ripercorre - attraverso studi inediti e opere preziose quanto eterogenee - la vita, i viaggi e le scoperte del più grande esploratore di tutti i tempi, con attenzione inoltre alle interpretazioni contemporanee che molti artisti hanno dedicato a questo personaggio. Il volume, che si presenta come opera di riferimento su Marco Polo, mette in scena l'amore per la conoscenza del mondo e dell'altro, attraverso una galleria di immagini, opere e reperti provenienti dall'Armenia, dalla Cina, dal Qatar, dal Canada, dalla Francia, da molte collezioni e altre importanti istituzioni nel mondo. Le varie sezioni del volume - con dei focus sulla cartografia, sulle aree di interesse dei viaggi di Marco Polo e delle scoperte mai pubblicate sinora sulla sua casa a Venezia - permetteranno di rileggere la geografia fisica, politica e umana degli incontri di Marco Polo in Asia.

Il volume, con copertina rigida cartonata e vignetta incollata a mano, è un viaggio tra le terre, le tradizioni e le storie di montepulciano. Ne vengono ripercorse le antiche origini, le eccellenze gastronomiche e gli scenari di armoniosa bellezza. Terra che vanta i natali di alcuni tra i più grandi protagonisti del Rinascimento italiano, dal Poliziano a Michelozzo, fino a Antonio da Sangallo e Baldassarre Peruzzi, Montepulciano rimane un piccolo gioiello nell'entroterra toscano, qui illustrato dalle fotografie dell'autore Paolo Barcucci. Dalle piazze che si fanno teatri, alla poesia del vino, alla monumentalità dei palazzi, «Montepulciano si svela come una perla del passato che continua a brillare nel presente».

Il catalogo della mostra 'Nel tempo' (FAI - Villa e collezione Panza, 6 giugno 2024 - 6 gennaio 2025) illustra le opere di ventitré artisti provenienti dalla collezione di Giuseppe Panza di Biumo, selezionate per indagare il complesso, controverso ed eternamente dibattuto rapporto dell'uomo con il tempo. «Nell'alternanza tra ciò che è in qualche modo misurabile e ciò che invece sfugge ad un mero computo matematico, sta la nostra vita»: ecco quindi che il tempo della realtà, lineare e sequenziale, e il tempo eterno, assoluto e totale, diventano le due categorie esplorate da artisti come Vincenzo Agnetti, Pier Paolo Calzolari, Hanne Darboven, Grenville Davey, Joseph Kosuth, Walter De Maria, Allan Graham, Jan Dibbets, On Kawara, Maurizio Mochetti, e molti altri ancora. In catalogo, oltre ai testi di Gabriella Belli e Marta Spanevello, è riproposto l'articolo di Italo Calvino 'Il crollo del tempo (su alcuni disegni di Saul Steinberg)', 1977, e un estratto del testo 'Segui il tuo demone' (2020) di Ivano Dionigi.

Nella monografia di Federico Gori il tempo della storia e il tempo delle opere coesistono in un dialogo intimo e sussurrato. Il volume si articola in due parti: un iniziale focus sulla mostra 'L'età dell'oro (La muta)', ospitata negli spazi del Museo Archeologico Nazionale di Taranto - MARTA (8 aprile 2022 - 8 gennaio 2023), offre una rilettura dell'operazione simbolica di commistione tra antico e contemporaneo, compiuta attraverso l'elemento delle esuvie di serpente, «emblemi del mutamento, della trasformazione, dell'ineluttabilità del ciclo vitale», mentre una selezione antologica delle opere di Gori, attraverso saggi di approfondimento e un apparato iconografico variegato, risale il percorso dell'artista, dal 2013 al 2023.

Catalogo della mostra curata da Nicola Lucchi al Center for Italian Modern Art (CIMA) di New York (16 febbraio - 10 giugno 2023). La mostra esamina l'intersezione tra arte d'avanguardia e manifesti commerciali in Italia, con particolare attenzione ai decenni tra le due guerre mondiali e gli anni del cosiddetto 'miracolo economico', nel secondo dopoguerra. Artisti in mostra: Erberto Carboni, Fortunato Depero, Nikolay Diulgheroff, Lucio Fontana, Max Huber, Bruno Munari, Marcello Nizzoli, Bob Noorda, Giovanni Pintori, Severo Pozzati (Sepo), Enrico Prampolini, Giuseppe Riccobaldi del Bava, Filippo Romoli, Mimmo Rotella, Xanti (Alexander) Schawinsky, Mario Sironi, Albe Steiner, Armando Testa, Luigi Veronesi e Giuseppe Vincenti.

Catalogo della mostra curata da Raffaele Bedarida al Center for Italian Modern Art (CIMA) di New York (12 ottobre 2023 - 27 gennaio 2024) e realizzata in collaborazione con l'Archivio Corrado Cagli di Roma. La mostra è dedicata all'artista ebreo Corrado Cagli (1910-1976) e fa luce sull'affascinante viaggio umano e intellettuale di Cagli durante i suoi anni di trasformazione negli Stati Uniti, dal 1938 al 1948.

Il volume, che accompagna l'esposizione al Museo Comunale d'Arte Moderna di Ascona (aprile-giugno 2023), a cura di Alberto Fiz, in collaborazione con l'Archivio Nanda Vigo, offre l'opportunità di approfondire l'indagine di Nanda Vigo (1936-2020), tra le figure più significative e dirompenti del dopoguerra che nella sua ricerca ha saputo integrare arte, architettura e design. Attraverso un percorso tematico, il volume analizza l'iter creativo dell'artista dalla fine degli anni Cinquanta agli anni Duemila, documentando la sua vasta produzione a partire dai 'Cronotopi', le sue opere più famose, che rappresentano la fusione del tempo con lo spazio attraverso la luce. Ma l'approfondita pubblicazione descrive anche gli spettacolari ambienti immersivi e propone una selezione delle più celebri creazioni nell'ambito del design tra cui la 'Golden Gate', la sua lampada più emblematica, con la luce fluorescente che sembra scaturire dall'acciaio cromato. Il volume è arricchito dai saggi critici di Alberto Fiz, Ilaria Bignotti, Barbara Könches, Marco Meneguzzo, un testo di Riccardo Blumer, con le schede tematiche dell'Archivio Nanda Vigo.

Il volume, catalogo dell'esposizione presso Magonza (Arezzo, dal 16 dicembre 2022 al 10 marzo 2023), giunge come risultato di una selezione di nuclei di ricerca sul paesaggio che nel corso degli anni la casa editrice ha affrontato e approfondito. Il paesaggio non è qualcosa di dato, non coincide con il concetto di natura, ma è «una situazione scelta o creata attraverso il gusto e il sentimento» (Alain Roger). Operando una cesura rispetto alla lettura romantica, gli artisti colgono, attraverso la fotografia, la pittura e la musica, aspetti del reale - dell'uomo e insieme della natura - che si manifestano in analogie, discordanze, distopie. Artisti in mostra: Olivo Barbieri, Alberto Burri, Giuliana Cunéaz, Brian Eno, Flavio Favelli, Mario Giacomelli, Abel Herrero, Nevio Mengacci, Michele Alberto Sereni, Giuseppe Uncini. Nel libro è presente anche una sezione con la scelta di una serie di opere, multipli e libri d'artista dalla collezione Magonza (Marco Gastini, Franco Giuli, Paolo Icaro, Jannis Kounellis, Sergio Lombardo, Andrea Mastrovito, Claudio Parmiggiani, Renato Ranaldi).

Il libro - il primo di taglio monografico dedicato all'artista - è incentrato su Antonio Campi (Cremona, 1522/1523-1587), uno tra i protagonisti del secondo Cinquecento in nord Italia, ed è articolato in due parti: il primo volume raccoglie le attestazioni oggettive sulla vita e l'attività di Antonio Campi (ne risulta un regesto di oltre 400 numeri che permette di seguire l'artista per tutto l'arco della sua esistenza); il secondo volume, in forma saggistica, ripercorre la fortuna dell'artista attraverso i secoli (dalla prima menzione del suo nome a stampa fino alla grande mostra sui Campi organizzata nel 1985 a Cremona). I due volumi sono arricchiti, rispettivamente, da un saggio di Jacopo Stoppa e da una postfazione di Giovanni Agosti.

Il volume analizza e presenta la vasta e preziosa produzione artistica di Elisa Filomena, attraverso una ampia selezione iconografica, un nuovo approfondito saggio di Liletta Fornasari e una selezione di testi antologici. «Venticinque anni di studio meticoloso, di ricerca assidua, di elaborazioni ardite, di ascolto attento, di sperimentazioni eclettiche, di ricordo finalizzato a non dimenticare e tradire le regole dei grandi maestri del passato, oltre che di riflessioni profonde volte all'indagine introspettiva, fanno sì che Elisa Filomena sia diventata oggi un'artista capace di trovare un equilibrio maturo tra i vari elementi del suo interessante e complesso linguaggio pittorico. Si tratta quindi di una lettura analitica di nuclei di dipinti, di disegni e di installazioni, circa cinquecento opere, che hanno contribuito a delineare una personalità molto interessante del panorama artistico italiano e anche internazionale, avendo partecipato a collettive sia in Europa, che negli Stati Uniti, dove ha avuto sempre ottime recensioni e ha ricevuto il prestigioso grant dalla Pollock-Krasner Foundation» (Liletta Fornasari).

Il libro - il primo di taglio monografico dedicato all'artista - è incentrato su Antonio Campi (Cremona, 1522/1523-1587), uno tra i protagonisti del secondo Cinquecento in nord Italia, ed è articolato in due parti: il primo volume raccoglie le attestazioni oggettive sulla vita e l'attività di Antonio Campi (ne risulta un regesto di oltre 400 numeri che permette di seguire l'artista per tutto l'arco della sua esistenza); il secondo volume, in forma saggistica, ripercorre la fortuna dell'artista attraverso i secoli (dalla prima menzione del suo nome a stampa fino alla grande mostra sui Campi organizzata nel 1985 a Cremona). I due volumi sono arricchiti, rispettivamente, da un saggio di Jacopo Stoppa e da una postfazione di Giovanni Agosti.

«Si tratta di testi che coprono quasi 70 anni di ricerca e affrontano una serie molto vasta di argomenti, spaziando dalla psicologia della percezione alla psicoanalisi, dalla teoria dell'informazione all'intelligenza artificiale, dalla critica d'arte (o piuttosto dalla critica della critica d'arte) alla storia dell'arte, dall'estetica alla sperimentazione artistica. ... Eppure un unico scopo accomuna funzionalmente tutti gli scritti: la costruzione della teoria eventualista. Una visione che si è formata all'interno del complesso sistema dell'avanguardia artistica internazionale, mettendosi in evidenza come proposta elitaria, specialistica, lontana dalle mode che dominavano il mercato». (Sergio Lombardo)

Le opere di Masaccio e Beato Angelico disegnano uno stimolante dialogo tra due grandi artisti del primo Rinascimento, attorno all'iconografia della Madonna con il Bambino e dell'Annunciazione, ai quali si aggiungono i confronti con i lavori dello Scheggia, di Mariotto di Cristofano e Andrea di Giusto. Il volume si configura come un nuovo modello di letteratura artistica: nel libro testi non solo di storici dell'arte ma anche di medici, costumisti, teologi, filosofi, poeti, registi, architetti dei giardini, scrittori, e degli studenti dei Licei 'Giovanni da San Giovanni' di San Giovanni Valdarno. Il coinvolgimento dei ragazzi è stato ispirato dal concorso nazionale organizzato nel 1960 per il migliore saggio su un dipinto del Beato Angelico scritto da uno studente di liceo. Nella giuria c'era allora lo storico dell'arte R. Longhi che tenne un discorso recentemente riscoperto e qui pubblicato per la prima volta insieme al saggio vincente scritto da S. M. Zanoccoli. Nel volume anche un inedito di U. Eco, dall'intervento a San Giovanni Valdarno nel 1968 a difesa dell'happening del gruppo UFO, violentemente contestato nel paese, a rivendicare l'importanza della provocazione nell'arte

Il volume ripercorre l'intera opera di Andrea Mastrovito, con un focus specifico sugli ultimi lavori, a partire dal 2015 ad oggi. Articolandosi in sezioni, dai frottages alle vetrate, dalle conversazioni agli intarsi e alle lavagne, fino 'NYsferatu' e ad 'I Am Not Legend', il libro evidenzia la complessità, l'eterogeneità ma anche l'unità stilistica messa in scena dall'artista, seppur nell'utilizzo disparato di media. I testi appositamente scritti da Alberto Fiz, Elena Forin, Lucrezia Longobardi, Jennifer Piejko e Claudia Slanar si aggiungono a quelli di Ilaria Bernardi, Leora Maltz-Leca, Stefano Raimondi, Karine Tissot, Eugenio Viola. Il libro è pubblicato in doppia edizione (italiano e inglese). I titoli su tutte le copertine sono realizzati a mano. Una tiratura limitata del volume contiene un disegno originale di Andrea Mastrovito. Il volume verrà presentato in anteprima presso Arte Fiera 2023 a Bologna, congiuntamente all'opera multipla, edita da Magonza, 'America, I've Given You All and Now We're Nothing'.

Il volume ripercorre l'intera opera di Andrea Mastrovito, con un focus specifico sugli ultimi lavori, a partire dal 2015 ad oggi. Articolandosi in sezioni, dai frottages alle vetrate, dalle conversazioni agli intarsi e alle lavagne, fino NYsferatu e ad I Am Not Legend, il libro evidenzia la complessità, l'eterogeneità ma anche l'unità stilistica messa in scena dall'artista, seppur nell'utilizzo disparato di media. I testi appositamente scritti da Alberto Fiz, Elena Forin, Lucrezia Longobardi, Jennifer Piejko e Claudia Slanar si aggiungono a quelli di Ilaria Bernardi, Leora Maltz-Leca, Stefano Raimondi, Karine Tissot, Eugenio Viola.

Il volume indaga i rapporti tra Afro, la pittura classico-rinascimentale e i grandi maestri del passato, focalizzandosi in particolar modo sulla tematica della pittura murale, che occupa una posizione privilegiata nella sua produzione e che costituisce per molti aspetti ancora una ricerca inedita sull'artista. A partire dalla mostra realizzata alla Galleria Comunale d'Arte Moderna e Contemporanea di Arezzo (maggio - ottobre 2023), proprio a fianco della chiesa di San Francesco che conserva il ciclo delle Storie della Vera Croce di Piero, il libro ripercorre un raffinato insieme di lavori, anche mai pubblicati, dove si evidenzia l'evoluzione della sua pittura nel passaggio dalla figurazione all'astrazione, dagli anni '30 alla metà degli anni '50, periodo in cui Afro era ancora solito procedere - prima di lavorare sul dipinto definitivo - con studi e bozzetti preparatori anche di grandi dimensioni, così come i pittori del passato. Afro si riteneva un «pittore classico » e, nel superamento del confine tra astrazione e figurazione, rielaborò il tonalismo veneto, la luminosità e le trasparenze del Tiepolo, i volumi del Mantegna, la spazialità e l'impassibile razionalità pittorica di Piero della Francesca. Un focus particolare è dedicato alla ricerca sui dipinti che Afro realizzò a Rodi, dove si recò con Cesare Brandi e ai bozzetti e le opere realizzate per il complesso architettonico dell'E42 di Roma.

Il volume indaga i rapporti tra Afro, la pittura classico-rinascimentale e i grandi maestri del passato, focalizzandosi in particolar modo sulla tematica della pittura murale, che occupa una posizione privilegiata nella sua produzione e che costituisce per molti aspetti ancora una ricerca inedita sull'artista. A partire dalla mostra realizzata alla Galleria Comunale d'Arte Moderna e Contemporanea di Arezzo (maggio - ottobre 2023), proprio a fianco della chiesa di San Francesco che conserva il ciclo delle Storie della Vera Croce di Piero, il libro ripercorre un raffinato insieme di lavori, anche mai pubblicati, dove si evidenzia l'evoluzione della sua pittura nel passaggio dalla figurazione all'astrazione, dagli anni '30 alla metà degli anni '50, periodo in cui Afro era ancora solito procedere - prima di lavorare sul dipinto definitivo - con studi e bozzetti preparatori anche di grandi dimensioni, così come i pittori del passato. Afro si riteneva un «pittore classico » e, nel superamento del confine tra astrazione e figurazione, rielaborò il tonalismo veneto, la luminosità e le trasparenze del Tiepolo, i volumi del Mantegna, la spazialità e l'impassibile razionalità pittorica di Piero della Francesca. Un focus particolare è dedicato alla ricerca sui dipinti che Afro realizzò a Rodi, dove si recò con Cesare Brandi e ai bozzetti e le opere realizzate per il complesso architettonico dell'E42 di Roma.

Il volume 'Ex natura' riunisce quarantasei lavori di dieci artisti realizzati tra i primi anni Ottanta e gli anni Duemila, frutto di un'ampia e nuova donazione della famiglia Panza al FAI. Due le polarità attorno cui le interpretazioni delle opere si concentrano: 'natura' e 'forma', raccontando di un'interrelazione tra i due elementi che si riformula, di lavoro in lavoro, in euritmie, dissonanze o negazioni. L'intervista di Anna Bernardini a Emanuele Coccia rilegge il tema della natura in ma- niera interdisciplinare, tra arte e filosofia, scienza e attualità. Il catalogo della mostra ('Ex natura. Opere dalla Panza Collection (1982-2003)', Villa e Col- lezione Panza, 10 novembre 2022 - 1 ottobre 2023) è il primo di una collana più ampia che si svilupperà nel tempo, e che raccoglie in questa occasione le schede e le opere di: Lawrence Carroll, Piero Fogliati, Hamish Fulton, David Goerk, Christiane Löhr, Richard Long, Emil Lukas, Gregory Mahoney, Ross Rudel, Peter Shelton.

Nell'universo di Mirta Carroli ogni opera denota un'intima armonia poetica ed evoca lievi e profonde riflessioni. Caratterizzate da imponenti dimensioni e da titoli fortemente suggestivi, le sculture dell'artista di Brisighella tendono a mutare insieme alla luce, allo spazio, al tempo. L'artista - che predilige il ferro e l'acciaio corten per i suoi lavori - «sa imporsi sul cielo e sulla terra» e dota le sue opere «di un prolungamento magico, di un supplemento di anima». Le coesistenze, l'energia empatica, la memoria, la costante tendenza alla primarietà, la complessità dei contenuti e l'evidente importanza dei contrasti, dei ritmi e delle pause sono alcuni dei temi approfonditi nel volume, arricchito da un vasto repertorio fotografico e da una raccolta di saggi che rivelano considerazioni critiche.

«In questa esposizione coincidono due propositi fondamentali. Da un lato, mostrare nuovamente a Cuba l'arte di Herrero e, dall'altro, prospettare una rivendicazione nel tempo di un gruppo di intellettuali russi che, per motivi di diversa natura, nel periodo sovietico, furono relegati in una zona d'ombra dove rimasero per decadi, in un anonimato totale. Queste figure, ritratte dall'artista in tele di grande formato, hanno ritrovato solo in anni recenti la posizione che meritano all'interno dell'importante panorama culturale e letterario. Tutte loro sono state riconosciute come voci fondamentali della poesia e delle lettere di questo paese e collocati nel pantheon letterario della nazione.» (Eugenio viola).

Il catalogo della mostra (tenutasi dal 19 marzo al 3 aprile 2022 presso il Centro di Istruzione e Formazione professionale 'Bufalini' a Città di Castello, a cura di Nello Teodori e Roberto Vecchiarelli) raccoglie l'interpretazione visiva di un gruppo di artiste attorno al tema della malattia e al potere dell'arte, dispositivo privilegiato per entrare in contatto con il mistero della vita. Opere di Barbara Amadori, Catia Ceccacci, Chiara De Megni, Martina Donnini, Giulia Filippi, Wilma Lok, Ilaria Margutti, Donatella Marinucci, Lidia Nizzo, Barbara Novelli, Elisa Pietrelli, Virginia Ryan, Isabella Sannipoli, Meri Tancredi, Maddalena Vantaggi, Rita Vitali Rosati.

«Tattilmente di Giacomo Zaganelli si inserisce all'interno del progetto ... Musei [e] pubblici, che a partire dall'ambivalenza del titolo ha inteso riflettere, nella prospettiva di un ripensamento delle funzioni e dell'operato dei musei in un'ottica inclusiva, sia sul rapporto che l'istituzione museale intrattiene, o dovrebbe intrattenere, con i suoi diversi pubblici, sia sul museo in quanto istituzione pubblica in sé. ... Zaganelli, invitato a coinvolgere le comunità locali secondo pratiche relazionali e partecipative, ha inteso offrire alla collettività un nuovo livello di lettura e comprensione del patrimonio culturale locale attraverso il racconto di un pubblico di non vedenti e ipovedenti, coinvolto attraverso l'Unione Italiana dei Ciechi e degli Ipovedenti Sezione di Catanzaro» (Silvia Pujia). Musei [e] pubblici. Verso una rivoluzione inclusiva dei musei come spazi relazionali è un progetto di educazione museale promosso dall'Associazione culturale DI.CO., a cura di Silvia Pujia, con il cofinanziamento della Regione Calabria, realizzato tra maggio e giugno 2021 presso il MARCA, il MUSMI e il Parco della Biodiversità Mediterranea di Catanzaro.

«Il Progetto di educazione museale Musei [e] Pubblici. Verso una rivoluzione inclusiva dei musei come spazi relazionali ... nasce dall'esperienza che l'Associazione DI.CO. ha maturato nel corso degli anni occupandosi della gestione dei servizi educativi, dapprima presso il Museo MARCA - Museo delle Arti di Catanzaro e successivamente presso il Museo MUSMI - Museo Storico Militare Brigata Catanzaro e il Parco Internazionale delle Scultura o MARCA_OPEN. Due le parole chiavi che hanno guidato l'iniziativa: inclusività e accessibilità, requisiti fondamentali per rendere pienamente fruibili i luoghi del patrimonio che le istituzioni museali della città di Catanzaro mettono a disposizione, a favore di differenti tipologie di pubblico. L'obiettivo è stato quello di cercare di superare, ma soprattutto di abbattere oltre che le barriere fisiche, anche quelle comunicative e culturali per garantire il pieno accesso ai luoghi della cultura.» (Rossella Talotta). Il volume ripercorre le diverse fasi di articolazione del progetto, nato «come riflessione sul rapporto tra l'istituzione museo e i suoi diversi pubblici e, a livello operativo, su come rendere partecipe un pubblico sempre più eterogeneo» (Silvia Pujia).

Il volume ripercorre le proposte didattiche, le visite guidate e i laboratori artistici organizzati dall'Associazione Culturale DI.CO. (all'interno del progetto Musei [e] Pubblici. Verso una rivoluzione inclusiva dei musei come spazi relazionali) che hanno consentito di scoprire il patrimonio custodito all'interno del museo MARCA, del museo MUSMI e del Parco Internazionale delle Sculture o MARCA_OPEN. «Il museo della contemporaneità non più esclusivamente luogo della conservazione e dell'esposizione, della ricezione passiva e acritica, ma spazio educativo laicale e critico, si afferma sempre più come vero e proprio laboratorio di ricerca e formazione della comunità, spazio relazionale di incontro, confronto e progettazione condivisa che promuove una migliore e più estesa fruizione e partecipazione.» (Silvia Pujia).

«Giocare al gioco del museo è l'esito di un incontro con Giorgio De Finis tenutosi al MARCA Museo delle Arti di Catanzaro all'interno progetto Musei [e] pubblici. Verso una rivoluzione inclusiva dei musei come spazi relazionali, un progetto di educazione museale e museologia contemporanea che a partire dall'ambivalenza del titolo ha inteso riflettere sul concetto di fruibilità, sia nel rapporto con i diversi target di pubblico, che in relazione all'identità del museo come istituzione pubblica, quale spazio 'inclusivo, partecipativo, polifonico, democratizzante', di costruzione e de-costruzione critica e 'non di retorica consolatoria'». (Giorgio de finis)

Il volume raccoglie 113 fotografie, 105 in bianco e nero e 8 a colori, scattate da Giorgio Colombo tra il 1975 e il 1992, e selezionate da Giuseppe Panza di Biumo, che le fece stampare nel 1993, a raccontarne le sue scelte collezionistiche ed espositive. Le preziose immagini documentano alcuni progetti allestitivi elaborati da Panza per l'esposizione della sua collezione nella villa varesina e in importanti istituzioni europee. Alcuni scatti dal carattere privato restituiscono poi il racconto visivo di frammenti di vita del collezionista. Il catalogo della mostra (13 aprile - 25 settembre 2022, FAI-Villa e Collezione Panza, Varese) raccoglie inoltre il testo di Bruno Corà e una intervista di Anna Bernardini a Giorgio Colombo.

Il volume accompagna la mostra a Ca' Pesaro - Galleria Internazionale d'Arte Moderna di Venezia dal 21 aprile al 23 ottobre 2022, curata da Elisabetta Barisoni ed Edith Devaney, con la direzione scientifica di Gabriella Belli. Focus della ricerca sono gli anni dal 1950 al 1970, cruciali per la produzione dell'artista, che entra a stretto contatto con il mondo americano e, delineando un proprio e irripetibile linguaggio, unisce il carattere tonale della pittura veneta con i linguaggi più all'avanguardia del periodo. Nel volume un importante approfondimento è dedicato alle partecipazioni dell'artista alle Biennali veneziane, mentre una cospicua sezione di documenti (anche fruibili in una sezione digitale) accompagna le varie sezioni del libro.

Il catalogo della mostra, curata da Giovanna Ginex al Center for Italian Modern Art (CIMA) di New York (25 gennaio - 18 giugno 2022), costituisce un focus sulla produzione artistica italiana compresa tra il 1880 e il 1917, in un contesto storico, come quello contemporaneo, segnato ancora una volta da difficoltà economiche e tensioni sociali. Pitture, sculture, riviste, documenti selezionati, restituiscono una particolare lettura dell'arte italiana sul crinale di due secoli, in un frangente storico di passaggio nella definizione di un nuovo linguaggio artistico d'avanguardia. Tra i molti artisti in mostra: Medardo Rosso, Angelo Morbelli, Luigi Nono, Antonio Mancini, Emilio Longoni, Giuseppe Pellizza, Giacomo Balla, Achille D'Orsi.

Il volume, realizzato con materiali di pregio, in due edizioni separate (italiano/inglese, russo/inglese), documenta il progetto 'Paolo Icaro. The Space of History' e l'opera 'Polarità', con il quale il Comune di Volterra è risultato vincitore dell'Italian Council IX. 'Polarità' è un'opera site specific collocata nel chiostro del palazzo della Pinacoteca Civica di Volterra. L'artista ha pensato l'opera strettamente in connessione con Volterra, con la collezione del museo (che ospita i capolavori del Signorelli e del Rosso Fiorentino) e la sua architettura, e con lo spazio osmotico (interno/esterno) del chiostro, al quale si arriva dalla città e dal paesaggio. Il libro sarà anche occasione di una raccolta, catalogazione e rilettura dei lavori site specific realizzati dall'artista nell'arco di tutto il suo percorso precedente.

Il volume indaga i confini e le potenzialità della materia con la quale Fabio Viale instaura un dialogo a più voci. Nelle sculture, protagoniste della mostra diffusa di Arezzo (19 giugno - 30 settembre 2022), l'artista inserisce, quasi segretamente, un grammo di oro, metallo duttile e malleabile, ma allo stesso tempo 'minerale di conflitto', elemento significante, anche nella sua accezione più drammatica. Come nelle parole dello scultore: «L'oro ha in sé un potere seduttivo che esula dalla sua mera bellezza: è come il canto di una sirena, si percepisce la sua forza di attrazione mentre lo lavori, ha capacità, come il marmo, di tirarmi fuori dal tempo, di trascendere la sua perfezione per svelarne il pericolo».