La fotografia è un atto di autocoscienza verso se stessi e il proprio background culturale. In sessant'anni di carriera Franco Fontana ha fotografato ciò che non si vede, riuscendo a fissare attraverso l'inquadratura un'immagine 'altra' che si astrae dalla realtà, libera dal soggetto ritratto. La geometria, le proporzioni e la composizione gli hanno permesso di raggiungere per gradi progressivi una sintesi concettuale che si è tradotta in unità linguistica e nella sua manifestazione formale, le immagini. Oggi la crisi della società liquida apre all'autore l'opportunità di esplorare nuovi territori dell'invisibile 'a occhio nudo', ampliando l'orizzonte visivo e l'impianto iconografico pur mantenendo coerenza stilistica e identitaria. Se l'unità ha origine dall'ibridazione delle differenze, dall'affermazione dell'unità stessa originano le differenze, in un sistema in equilibrio costante tra concettuale e formale, invisibile e visibile. "Invisibile", un libro di 168 pagine con oltre 100 fotografie, è la restituzione di una meticolosa ricerca d'archivio da cui sono emersi molti scatti inediti: dalle ricerche più sperimentali fino a prove più intime di libertà espressiva, che costituiscono il terreno fertile da cui è cresciuto lo stile inconfondibile che ha reso celebre Franco Fontana a livello internazionale. Dedicato a chi conosce o si avvicina al percorso espressivo dell'autore, a chi desidera esplorare quello spazio interiore, oltre la realtà, che attiene all'interpretazione soggettiva, dove si va alla ricerca dell'immagine che ancora non c'è e che soltanto la sensibilità de

Perché Pino Tovaglia custodisse questo inedito, o quale sia la sua vera genesi, non lo sapremo mai. Il fatto è che la figlia Irene ha rinvenuto queste 24 tavole, tenute insieme con il nastro adesivo. Quale che sia la sua origine, si tratta in ogni caso di un interessante e singolare studio sulla forma allungata, che evidentemente Tovaglia si diverte a compiere di propria spontanea volontà. Le 56 pagine di Una storia lunga come sono dunque un prezioso esercizio di stile, riproposto nella sua integrità formale, ma adattato per una pubblicazione contemporanea, corredata da un breve testo di Marta Sironi, che ci permette di indagare e valorizzare meglio una delle figure più significative della grafica italiana nella seconda metà del Novecento. Dedicato agli appassionati di grafica, di illustrazione e ai semplici ammiratori di un grande protagonista che spontaneamente si rivolge ai bambini, con un pizzico di mistero. Età di lettura: da 5 anni.

Un libro di culto, dedicato all'indiscusso maestro della comunicazione visiva Bob Noorda, che passa in rassegna mezzo secolo di carriera in cui ha creato più di centosessanta marchi. In un lungo e appassionato dialogo con il graphic designer Francesco Dondina, Noorda ripercorre icone contemporanee che con il loro segno, dalla radicata impronta razionalista, hanno dato volto e identità all'industria e riconoscibilità ai nostri tragitti metropolitani. Una comunicazione senza tempo, quella di Noorda, come dimostra il fatto che molti dei loghi e dei progetti da lui disegnati sono sopravvissuti ai trend visivi degli ultimi decenni, rimanendo pressoché identici alle versioni originali: la segnaletica della metro di Milano e di New York, i loghi di Coop, Mondadori, Touring Club, Feltrinelli ne sono solo alcuni esempi. Dal libro emerge anche il forte rimpianto per un'Italia colta, aperta al nuovo, dove i dirigenti d'azienda erano Enrico Mattei e Adriano Olivetti; dove la cultura milanese era segnata dalla Pirelli di Gio Ponti e dalla Regione Lombardia di Piero Bassetti; dove architetti, designer e intellettuali si confrontavano tra loro e con il mondo, in una libera circolazione di pensiero e progettualità. La riflessione sul visual design non può eludere, secondo Bob Noorda, la necessità di riportare la cultura del progetto al centro del dibattito, dalle aule accademiche ai consigli di amministrazione, fino ad arrivare alle sedi della politica. Dopo la prima edizione del 2009, torna Una vita nel segno della grafica disponibile in questa rinnovata edizione di 184 pagine, di cui 48

Sette disegni dello stesso paesaggio, ritratto dal 1953 al 1972, e di come questo cambia in così poco tempo. L'esordio dell'artista e illustratore svizzero Jörg Müller, pubblicato per la prima volta nel 1973 e grazie al quale l'autore si fece conoscere a livello internazionale, era allora qualcosa di completamente nuovo nel mondo dei libri illustrati ed è oggi un'opera quanto mai attuale. Niente parole, sono solo le tavole a parlare e una data a scandire il tempo: là dove c'era un prato, un ruscello, una casa dipinta con orti e alberi in fiore, poco dopo c'è anche un trattore e un treno che passa sullo sfondo. Pagina dopo pagina il bosco e il ruscello non ci sono più, arrivano le ciminiere e gli stabilimenti industriali, la casa dipinta viene demolita per far spazio a un'autostrada trafficata e a un supermercato. Un paesaggio che cambia volto nell'arco di pochi anni, un racconto per immagini che non vuole essere un cliché nostalgico dell'ambiente rurale, ma una cronistoria di viva immediatezza del cambiamento portato dalla gloriosa era del progresso. Le tavole dell'autore, splendidamente disegnate, sono senza tempo e senza luogo, dipingendo uno scenario che la maggior parte di noi ha vissuto negli ultimi sessant'anni: tutti ricordiamo quel prato dell'infanzia che oggi non c'è più e purtroppo continuiamo a vederne sparire altri. L'edizione di questo libro cerca di essere in parte fedele alla prima, originale edizione tedesca dando alle immagini spazio e centralità. "Dove c'era un prato", che valse all'autore il German Youth Literature Award nel 1974, è oggi un grande classic

L'effetto dei fuochi d'artificio al momento dell'esplosione sembra impossibile da riprodurre su carta, a causa della sua natura effimera e cangiante. Eppure alla fine dell'Ottocento, in Giappone, Jinta Hirayama intraprese questa sfida, pubblicando un catalogo. Se un tempo il volumetto aveva la funzione di mostrare ai clienti di Hirayama Fireworks Company la varietà e l'originalità delle produzioni pirotecniche, con tanto di istruzioni per l'uso, oggi il catalogo illustrato di fuochi d'artificio si mostra ai nostri occhi come un'opera d'arte grafica di grande valore. 81 magnetiche illustrazioni, geometriche ed eleganti, rigorose e sorprendenti, che riescono a evocare la brillantezza e la magnificenza dei fuochi così come appaiono di notte e costituiscono la riproduzione restaurata del catalogo originale, datato 1883. Proprio in quegli anni la società di Hirayama si distinse per la produzione di fuochi d'artificio, apportando notevoli innovazioni tecniche che culminarono in un nuovo orizzonte espressivo: dall'utilizzo esclusivo della tonalità arancione si passò infatti a un tripudio di colori. Le singolari illustrazioni, oltre ad essere fonte di ispirazione, incuriosiscono chi guarda con combinazioni sempre diverse, e riportano proprio all'etimologia nipponica del termine: pagina dopo pagina pare proprio di vedere i 'fiori di fuoco' (in giapponese, hanabi). Un libro insolito e originale, con l'inequivocabile sapore d'altri tempi di un'arte che non è mai passata di moda.

Frutto di un lavoro durato 6 anni, Il bacio della lucertola è la graphic novel con cui Luca Zamoc debutta nel mondo editoriale. Il racconto nasce da un intenso viaggio di Zamoc nel 2013 attraverso la giungla tailandese e si insinua nella mente e nella penna dell'autore fino a diventare oggi un capolavoro di 96 pagine, ridisegnato ben tre volte prima di arrivare alla forma definitiva. Tutto parte da un incidente nella selva indonesiana: la sorte drammatica del protagonista e della sua compagna saranno il pretesto per riflessioni esistenziali e spirituali profonde, mentre sullo sfondo la realtà dialoga con la fantasia, aprendo al lettore scenari immaginifici, primordiali e visionari. Anche in questo caso è possibile ritrovare la cifra stilistica degli autori, che si distinguono per l'indagine sul rapporto tra Uomo, Natura e Mitologia. Un viaggio d'esplorazione in un luogo inospitale e selvatico, in cui però convivono, assieme a tracce archeologiche e fauna tropicale, singolari connotazioni spirituali. È così che, all'incrocio tra natura e cultura, il viaggio nella foresta si trasforma in profondo viaggio interiore. I passaggi sono scanditi da continui flashback carichi di tensione e sorpresa, dove passato e presente, fuga e ricerca, si mescolano inesorabilmente, spingendo il protagonista a cercare delle risposte al confine tra l'ambiente che lo circonda e la sua interiorità. Il complesso figurativo, qui reso con disegni a china, riesce a immergere e coinvolgere il lettore nell'atmosfera sciamanica e misteriosa. Rivolto agli estimatori delle graphic novel e dei fumetti, per sc

Lorenzo Mattotti, illustratore di fama internazionale, amatissimo dal pubblico, ha sempre guardato alla settima arte come a una fonte inesauribile di ispirazione. Il libro, realizzato in occasione dell'edizione 2021 del Festival International du Film de La Roche-sur-Yon, che ha dedicato all'artista una mostra inedita, vuole mettere in luce il doppio filo che lega l'opera di Mattotti al cinema. Questo doppio filo lo ha portato negli anni a disegnare i manifesti di film e di importanti rassegne cinematografiche, fino a firmare nel 2019 il lungometraggio animato di grande successo La famosa invasione degli orsi in Sicilia, che è stato presentato al Festival di Cannes. Il volume è diviso in quattro sezioni: manifesti per festival di cinema, illustrazioni editoriali, manifesti di film e infine i Film d'animazione, accompagnati da schizzi e storyboard inediti. Conclude il volume, una lunga e appassionata intervista della direttrice artistica del Festival Charlotte Serrand a Lorenzo Mattotti, che ripercorre le tappe del suo viaggio all'interno della settima arte, iniziata nel cinema del prozio, il Cinema Mattotti. Il libro si rivolge agli appassionati di cinema e di illustrazione.

Lorenzo Mattotti, illustratore di fama internazionale, amatissimo dal pubblico, ha sempre guardato alla settima arte come a una fonte inesauribile di ispirazione. Il libro, realizzato in occasione dell'edizione 2021 del Festival International du Film de La Roche-sur-Yon, che ha dedicato all'artista una mostra inedita, vuole mettere in luce il doppio filo che lega l'opera di Mattotti al cinema. Questo doppio filo lo ha portato negli anni a disegnare i manifesti di film e di importanti rassegne cinematografiche, fino a firmare nel 2019 il lungometraggio animato di grande successo La famosa invasione degli orsi in Sicilia, che è stato presentato al Festival di Cannes. Il volume è diviso in quattro sezioni: manifesti per festival di cinema, illustrazioni editoriali, manifesti di film e infine i Film d'animazione, accompagnati da schizzi e storyboard inediti. Conclude il volume, una lunga e appassionata intervista della direttrice artistica del Festival Charlotte Serrand a Lorenzo Mattotti, che ripercorre le tappe del suo viaggio all'interno della settima arte, iniziata nel cinema del prozio, il Cinema Mattotti. Il libro si rivolge agli appassionati di cinema e di illustrazione.

Il volume raccoglie una selezione degli scatti più significativi della carriera di Gusmano Cesaretti, di cui molti inediti, accompagnati da una lunga conversazione con Stefano Lemon, che lo ha intervistato nel 2018. Fotografo autodidatta, Cesaretti racconta di essere arrivato a Chicago su una nave nel 1963 armato di una macchina fotografica e di un biglietto di sola andata, per poi trasferirsi a Los Angeles dove ha iniziato a documentare la sottocultura urbana dell'epoca, e in particolare la nascita del fenomeno dei writer. L'uso di Cesaretti della fotografia come strumento per creare vicinanza e intimità lo rese presto uno dei pionieri della street photography. Ritraendo la scena jazz, la beat generation e la East Los Angeles dei Chicanos, Cesaretti ha continuato a lavorare come direttore della fotografia e consulente d'immagine al fianco di alcuni dei più influenti registi americani come Michael Mann, Tony Scott e Marc Forster. I suoi contributi includono anche il linguaggio visivo dei film western più iconici. Rivolto agli appassionati della street photography, di cui Cesaretti incarna uno dei più stimati e leggendari pionieri.

"Caleidoscopica" ci porta alla scoperta degli ultimi dieci anni della carriera di Olimpia Zagnoli, illustratrice di fama internazionale, le cui immagini sinuose e coloratissime hanno conquistato in breve tempo il mondo dell'editoria, della moda e della comunicazione. Il suo tratto inconfondibile ci guida tra le 148 pagine di quest'antologia in una sequenza travolgente di lavori - disegni, stampe, neon, tessuti e sculture - che vengono accostati per libere associazioni o per chiare affinità di tema, colore e forma. Il ritmo di questo viaggio immersivo è scandito da una serie di testi e pensieri, di autori e autrici che operano negli ambiti dell'illustrazione, del design e dell'arte, e che offrono molteplici e originali letture del lavoro di Olimpia. L'unicità della pubblicazione è accresciuta da una serie di schizzi, contenuti in taccuini di appunti visivi e di lavori preparatori che rivelano il processo creativo attraverso il quale Olimpia, ricercando la sintesi dell'immagine, arriva con la freschezza e la naturalezza che la rendono unica all'essenza del messaggio. Il libro, a cura di Melania Gazzotti, è rivolto agli amanti dell'illustrazione, a tutti coloro che si interessano di design, moda, stile e cercano ispirazione, e a tutti i fan di Olimpia.

«Cast it» è una pubblicazione che utilizza i caratteri CAST e si occupa di storia e cultura del carattere. Il numero 5 presenta The Processes of Type-making, un estratto dal primo capitolo di Plain Printing Types, un libro scritto dallo studioso-stampatore americano Theodore Low De Vinne e incluso nel suo trattato in quattro volumi The Practice of Typography (1900-1904). L'estratto si concentra sui riassunti di De Vinne sull'elettrotipia, la steretipia, le macchine da stampa e soprattutto sulle sue analisi dell'usura dei caratteri. Come sottolineato da Paul Shaw nella sua prefazione: «Il resoconto di De Vinne sulla tipografia, la composizione e la stampa è quello di uno stampatore commerciale su larga scala» [...] «Il suo linguaggio è lucido e facilmente comprensibile per un lettore moderno al contrario di quello di Moxon, Fournier, o anche Mackellar».

Cast it è una pubblicazione composta in caratteri CAST. Il numero 4 presenta la premessa di Fournier a Modéles de caracteres de l'imprimerie (1742) seguita dalla versione inglese di Harry Carter (1930) commentata da James Mosley (1995). La prefazione è di Sébastien Morlighem. Nel 1736, l'incisore e fonditore di caratteri francese Fournier le jeune (1712-1768) iniziò a produrre nuovi caratteri nella sua fonderia a Parigi. Sei anni dopo pubblicò il campionario caratteri Modéles de caracteres comprendente un "Avviso agli amanti della stampa" che siamo felici di ripubblicare. In questo testo Fournier traccia una storia della tipografia parlando dei colleghi più famosi che lo hanno preceduto. Descrive le sue scelte estetiche, spiega il suo sistema di misurazione a punti dei caratteri tipografici e ragiona sulla necessità di produrne in nuovi corpi. E conclude impegnandosi a migliorare i suoi caratteri e la qualità della stampa francese.

Quante volte, in metro, in autobus, in treno, siamo stati catturati dalle persone attorno a noi assorte nei loro mondi digitali? Siamo in grado di discernere dall'uso delle apparecchiature digitali, smartphone in testa, ciò che ci è utile da ciò che ci penalizza? Siamo davvero in grado di giudicare le nuove pratiche a cui ci siamo tanto facilmente e disordinatamente quanto velocemente abituati? Cremonesi è un artista che si esprime per immagini: con approccio ironico e tratto leggero disegna persone riprese nella quotidianità degli spostamenti in metropolitana, tutte magneticamente attratte dal proprio cellulare; ci mostra in fondo noi stessi allo specchio, facendoci sorridere e invitandoci a riflettere. Le frasi e i nomi disseminati lungo il libro invitano ad approfondire, esortano a indagare su cosa ci sia dietro a questa... "mobilezation", ci accompagnano mentre sfogliamo le tavole dei personaggi, sorpresi spesso in pose di inattesa plasticità ed eloquenza. Dedicato a chi è sensibile ai nuovi comportamenti sociali - come la mobilezation appunto - e apprezza lo spirito autoironico e tutt'altro che superficiale dell'autore, a chi ama l'illustrazione e la leggerezza.

"Melodramma" raccoglie una selezione di illustrazioni inedite realizzate dal pittore e illustratore Gianluigi Toccafondo per il Teatro dell'Opera di Roma. L'artista collabora dal 2014 con il prestigioso teatro romano per il quale ha creato tutti i manifesti delle ultime cinque stagioni di lirica e balletto, oltre a scenografie e costumi di capolavori operistici, come Il barbiere di Siviglia, Don Giovanni e Rigoletto. Toccafondo si avvicina al teatro al culmine di una brillante carriera come illustratore in ambito editoriale e come autore di cortometraggi e di lavori d'animazione, commissionati dalla televisione e dal cinema. Toccafondo porta questa sua incredibile capacità di creare immagini in movimento, facendo dialogare il linguaggio cinematografico con quello pittorico, anche a teatro introducendo tra gli elementi delle sue scenografie proiezioni di animazioni. Melodramma, prodotto in collaborazione con l'Assessorato alla cultura del Comune di Mantova, raccoglie alcuni fotogrammi di questi lavori video che, grazie alla magistrale capacità di sintesi delle forme e di uso espressivo del colore dell'artista, riescono a racchiudere in una tavola tutta la potenza onirica delle sue immagini.

Il tratto costituisce l'elemento fondamentale della parola scritta, a mano o stampata. Le qualità dei vuoti e dei pieni vengono esplicate in questo testo fondamentale del tipografo Gerrit Noordzij. Pubblicato per la prima volta in olandese nel 1982, in inglese nel 1985 e in una successiva edizione aggiornata in italiano nel 2007, Il tratto presenta un'attenta e organica sintesi della sua teoria della scrittura. Il metodo del disegno del tratto qui sviluppato prende avvio dall'innovativo contributo dell'autore durante il periodo di insegnamento all'Accademia di Belle Arti dell'Aja, in cui presero forma concetti fondamentali come quelli di espansione e di contrasto. Essi permisero da un lato di rivoluzionare l'insegnamento della scrittura e della sua storia, e dall'altro di avvicinarsi in modo concreto alla tradizione tipografica olandese. Con straordinaria precisione, Noordzij analizza in un felice intreccio tra dimensione diacronica e sincronica la morfologia della scrittura, restituendone allo stesso tempo il giusto rilievo, certamente nell'ambito della calligrafia ma anche della tipografia e del design. Un testo imperdibile, ora disponibile in una nuova edizione, per approfondire una figura in Italia ancora non abbastanza nota, ma altresì assai influente nel panorama tipografico internazionale.

L'arte della scrittura costituisce uno dei nuclei portanti della nostra civiltà. Fondata nel 1991, l'Associazione Calligrafica Italiana ha avuto un ruolo pionieristico nel promuovere la cultura della calligrafia e della scrittura nel nostro paese, attività che continua tuttora attraverso workshop, conferenze e visite guidate. I calligrafi dell'Associazione, tutti professionisti di alto livello, hanno preparato questo strumento in risposta al crescente interesse verso una disciplina che dopo anni di abbandono è tornata a essere oggi più attuale che mai. Nel volume sono presentate le regole fondamentali per praticare la calligrafia e i modelli base di scrittura, oltre a una ricca gallery di applicazioni contemporanee dei calligrafi che hanno collaborato con ACI. Un testo fondamentale per avvicinarsi all'arte della bella scrittura.

Non è la prima volta che Mattotti sente il bisogno di realizzare un diario illustrato di viaggio, lo aveva già fatto nel 2014, raccogliendo una serie di disegni che documentavano la sua scoperta del Vietnam in un prezioso travel book, poi pubblicato da Louis Vuitton. Sulla Patagonia l'artista non vuole però realizzare, come aveva fatto per il paese orientale, un vero e proprio reportage; a interessarlo di questo luogo è unicamente un aspetto: la sua natura sconfinata e vergine, non i suoi abitanti e le loro storie che tanto avevano affascinato narratori come Bruce Chatwin e Louis Sepulveda. Per Mattotti la Patagonia è prima di tutto un luogo della mente e per questo per rappresentarla la spoglia del colore, ne sintetizza le forme, la rende quasi astratta per riuscire a restituirci prima che un'immagine una sensazione, quella che prova ogni uomo quando si trova in una terra estrema, in una terra alla fine del mondo. Il libro presenta tutte le 24 tavole in bianco e nero contenute nel quaderno in carta nepalese dove Mattotti ha copiato gli appunti di viaggio, insieme a una selezione di disegni a colori realizzati dall'artista su un classico taccuino Moleskine® mentre si trovava in Patagonia. Entrambi i quaderni sono inediti e sono stati realizzati tra il 2003 e il 2004. L'illustratore italiano più noto al mondo, una mostra mai vista prima e un libro da collezionare: "Patagonia" di Lorenzo Mattotti si preannuncia come un evento da non perdere per tutti gli amanti dell'illustrazione contemporanea e non solo.

I volti delle donne di Franco Matticchio sono seri ed enigmatici, lui li disegna di getto su ogni supporto cartaceo che gli capita sotto mano, da una busta da lettere alla pagina di un libro o del «New Yorker». Sono i volti che incontra per strada, alla stazione, che osserva nel quotidiano e che si accumulano e si sovrappongono nel suo personale immaginario visivo. L'attenzione di Matticchio è catturata da donne dalla bellezza non appariscente, le cui espressioni impassibili sono accomunate da una certa intensità e fierezza nello sguardo. L'illustratore continua negli anni a ritornare su questo inesauribile soggetto, usando ogni mezzo: pastelli, acquarelli, acrilici o anche semplicemente una penna a china o una matita, collocando sempre queste figure su sfondi neutri o in ambienti spogli senza riferimenti temporali, riuscendo nella sottrazione ad acuire l'intimità delle scene e a creare atmosfere sospese e rarefatte. Nel tempo Matticchio ha raccolto una vera e propria collezione di volti femminili, quasi mai realizzati su commissione e per lo più non pubblicati: un cospicuo corpo di disegni nel quale si ritrova l'inconfondibile stile dell'illustratore ma allo stesso tempo si fatica a riconoscere quella vena surreale e ironica, che è uno dei suoi principali tratti distintivi. Matticchio infatti, quando si trova a disegnare un viso di donna si pone unicamente come un osservatore affascinato e discreto della profonda e misteriosa complessità dell'animo femminile. Il libro è accompagnato da un testo inedito di Ugo Cornia.

Opera dedicata interamente alla discografia cinematografica del maestro Ennio Morricone. Nasce dall'idea del collezionista, autore ed esperto di cinema Maurizio Baroni, il quale attinge dal proprio sconfinato archivio per dar vita ad una nutrita rassegna che riguarda oltre cinquant'anni di prestigiosa carriera, in buona parte inedita, che comprende spartiti manoscritti autografi del maestro, copertine dei dischi delle colonne sonore e tanto altro. Accompagnano sapientemente le oltre 550 immagini del volume i testi di Germano Barban, giornalista esperto di cinema e di musica da film, e gli appassionati interventi di grandi registi e attori, svelando così alcuni retroscena di questo straordinario successo e i motivi dell'influenza che Ennio Morricone ha esercitato nell'immaginario collettivo attraverso le sue musiche. Un omaggio in piena regola a questo grande compositore di musica da film italiano, senza dubbio il più famoso al mondo. Interventi di Dario Argento, John Boorman, John Carpenter, Liliana Cavani, Edda Dell'Orso, Roberto Faenza, Christopher Frayling, Daniele Furlati, Lisa Gastoni, Giancarlo Giannini, Guido Lombardo, Mauro Maur, Giuliano Montaldo, Franco Nero, Gino Paoli, Nicola Piovani, Quentin Tarantino, Giuseppe Tornatore e Carlo Verdone.

"Der Schriftgiesser" ("Il fonditore di caratteri") è una descrizione della fusione dei caratteri da stampa inclusa nella "Werkstäte der heutigen Künste oder die neue Kunsthistorie", una sorta di enciclopedia dei mestieri, originariamente pubblicata a Lipsia tra il 1761 e il 1779. L'autore, Johann Samuel Halle (1727-1810), era un accademico e funzionario prussiano. La sua descrizione del processo di produzione dei caratteri è probabilmente il primo testo dettagliato sull'argomento scritto in tedesco da un autore che non era né uno stampatore né un imprenditore del settore. Nel 1992, la fonderia Wilhelm Woellmer di Berlino ripubblicò il testo di "Der Schriftgiesser" come un album di memoria della riunione annuale delle fonderie tipografiche tedesche. Grazie a Dan Reynolds, oggi siamo in possesso dei testi di Halle tradotti in lingua inglese. L'estratto è accompagnato dall'unico commento sui suoi contenuti mai pubblicato in qualsiasi lingua.

Emi Ligabue pone al centro della sua ricerca gli oggetti del vivere quotidiano, dagli utensili di uso comune alle icone del design, realizzando prima sculture e installazioni e poi opere bidimensionali, prediligendo la tecnica del collage. Prelevare e ricontestualizzare le immagini è la sua cifra stilistica e ha permesso all'artista di sperimentare la commistione dei generi e di riflettere sui sempre più labili confini tra arti visive e arti applicate. Nei 65 collage de La settimana bianca, titolo della mostra a cura di Melania Gazzotti presso Mutty, Emi Ligabue si misura con un immaginario visivo diverso: la montagna, in quanto meta relativamente recente di villeggiatura e sport invernali. Stavolta quindi il soggetto dell'indagine è l'insieme visivo di cime innevate, sci, racchette e pose plastiche, collocato all'interno di un fenomeno collettivo di costume che grazie all'interpretazione artistica diventa evocazione e assume una prospettiva iconica, tutt'altro che scevra da ironia e provocazione, com'è consuetudine dell'artista. Un libro per gli amanti dell'illustrazione, della grafica e del design e, naturalmente, per gli irriducibili frequentatori della montagna d'inverno.

Il "libro dei libri" di Katsumi Komagata, opera essenziale dell'autore pubblicata nel 2013 da Les Trois Ourses, compare ora in lingua italiana, in un'edizione rinnovata e aggiornata. Per presentare Komagata è sufficiente riportare le due istanze con cui ha rivoluzionato l'editoria per l'infanzia. Egli riesce a forgiare una nuova sensibilità artistica grazie all'estrema semplificazione di forme e colori, realizzando veri e propri oggetti di design: le tecniche del pop-up, la nipponica arte dell'origami o del tangram sono solo alcuni dei tanti esempi con cui l'autore recupera il valore materico proprio di qualsiasi libro, in un ricco incontro di colori, forme e stimoli sensoriali. Così facendo, la sensibilità che traspare dai suoi libri non può che ampliare la platea del pubblico, raggiungendo anche quello adulto. Nelle 192 pagine della presente monografia si trovano oltre 100 illustrazioni che offrono una visione completa delle sue opere. Vi sono compresi inoltre i titoli prodotti da One Stroke negli ultimi 5 anni.

Dopo l'edizione di "Pittori di cinema", rassegna che racconta mezzo secolo di cinema attraverso manifesti, schizzi e bozzetti selezionati da Maurizio Baroni e descritti da Luca Barcellona, Andrea Mi e Alessandra Cesselon, è ora disponibile l'edizione speciale con prima e quarta di copertina dedicate ad Anselmo Ballester, in tiratura limitata di 130 + XXVI esemplari numerati e firmati dall'autore. Nelle 432 pagine di questa nutrita raccolta di immagini ne troviamo circa 500 di cui moltissime inedite. Il curatore Maurizio Baroni ha radunato negli anni decine di migliaia di poster, locandine, bozzetti e a conoscere e frequentare quasi tutti i 29 artisti pubblicati nel libro, le numerose testimonianze dirette e alcuni gustosissimi retroscena.

Dopo l'edizione di "Pittori di cinema", rassegna che racconta mezzo secolo di cinema attraverso manifesti, schizzi e bozzetti selezionati da Maurizio Baroni e descritti da Luca Barcellona, Andrea Mi e Alessandra Cesselon, è ora disponibile l'edizione speciale con prima e quarta di copertina dedicate a Silvano Campeggi, in tiratura limitata di 130 + XXVI esemplari numerati e firmati dall'autore. Nelle 432 pagine di questa nutrita raccolta di immagini ne troviamo circa 500 di cui moltissime inedite. Il curatore Maurizio Baroni ha radunato negli anni decine di migliaia di poster, locandine, bozzetti e a conoscere e frequentare quasi tutti i 29 artisti pubblicati nel libro, le numerose testimonianze dirette e alcuni gustosissimi retroscena.

Lo sguardo della gallina è obliquo, trasversale, diretto, frontale e laterale, ma solo la sintesi circonda l'oggetto di comprensione e significato. Le avanguardie che hanno caratterizzato il secolo scorso influenzando e confluendo come onde di senso nel presente, vengono rilette dallo sguardo di musicisti, fotografi, attori, danzatori, cuochi e bambini, per ritornare a essere universali nella portata e negli effetti voluti dalle loro intenzioni programmatiche. Il percorso manualistico è solo un pretesto; un'occasione per approfondire ciò che resta da ricordare. Accanto si affiancano le voci di chi rilegge quelle poetiche vivendole con lo sguardo della sua arte, disciplina e professione. Le loro versioni hanno con naturalità selezionato quelle avanguardie che ancora oggi vivono nella creazione artistica. In questo intersecarsi di piani si aggiunge anche una ulteriore dimensione, costruita dallo sguardo dell'illustratore - Alessandro Sanna - che a sua volta dialoga con la descrizione del movimento artistico e le suggestioni parallele attraverso il suo raffinato e ironico pennello. Una ipertestualità trasversale destinata ad aprire ulteriori sguardi per letture divergenti.

A cominciare dal dopoguerra, l'industria cinematografica italiana ha avuto la necessità di coinvolgere gli artisti per illustrare e promuovere i propri film. Nacquero così i "pittori di cinema". Nelle 432 pagine di questa nutrita raccolta di immagini, circa 500 di cui moltissime inedite, esistono diversi piani di lettura. Il primo è quello del curatore, Maurizio Baroni, forse il più noto appassionato e collezionista nell'ambiente cinematografico italiano. La sua passione lo ha portato a raccogliere negli anni decine di migliaia di poster, locandine, bozzetti e a conoscere e frequentare quasi tutti i 29 artisti pubblicati nel libro. Racconta mezzo secolo di cinema attraverso manifesti, schizzi e bozzetti da lui appositamente selezionati, le numerose testimonianze dirette e alcuni gustosissimi retroscena. Il calligrafo Luca Barcellona si sofferma invece sul lettering, mentre il graphic designer Andrea Mi si interroga sulla loro eredità grafica e le suggestioni ad essa collegate. Infine la storica dell'arte Alessandra Cesselon presenta uno per uno i pittori, contestualizzando le loro opere nell'ambiente artistico dell'epoca.

Una buona impaginazione può certamente catturare l'attenzione, ma quando i dettagli non sono curati, la lettura richiede uno sforzo eccessivo e il piacere finisce subito. In questo agile volumetto Jost Hochuli, uno fra i più noti e apprezzati grafici svizzeri, spiega come assicurare ai lettori la miglior esperienza possibile. Per farlo ci introduce al mondo del dettaglio tipografico o della microtipografia e analizza uno per uno i suoi elementi costitutivi: lettera, spazio tra le lettere, parola, spazio tra le parole, riga, interlinea e colonna di testo. Sono tutti aspetti spesso trascurati dai progettisti grafici perché non rientrano nella sfera creativa, ma dai quali dipende la leggibilità del testo. Attraverso esempi e casistiche, Hochuli segnala problemi e indica soluzioni, stimola acume e senso critico per poi invitare ogni grafico ad assumersi la responsabilità di decidere con coerenza, buon senso e sensibilità tutte le volte che la professione glielo richieda.

Jennifer Allora e Guillermo Calzadilla confermano la loro potenza espressiva e la lucidità della loro provocazione intellettuale. Per la prima volta presenti con una "personale" appositamente creata per gli spazi del MAXXI, sono già stati protagonisti di incursioni che hanno lasciato il segno nei nostri occhi. Leggerezza e complessità attraggono da sempre il sodalizio artistico e umano della coppia americana, di origini cubane, sbocciato a Firenze e trapiantatosi da tempo a Portorico. E proprio all'isola caraibica, investita da terrificanti uragani nell'estate 2017, è dedicata "Blackout": una raccolta di opere poetiche e graffianti. C'è la denuncia di una sofferenza prodotta dalla sua storia di sfruttamento coloniale, di marginalità, di una soggezione alle servitù militari e di una povertà endemica che hanno moltiplicato, all'estremo limite, i danni causati dal disastro climatico. Allora & Calzadilla, esprimendo la Portorico costretta a sopravvivere senza corrente elettrica, sembrano suggerirci che siamo senza luce, senza un disegno di futuro sostenibile, soprattutto alle nostre latitudini.

Nel 2016 Elisa Talentino trascorre un mese tra il dipartimento delle Hautes-Alpes e la provincia di Cuneo, immergendosi nella cultura occitana tra villaggi e valli al confine tra Italia e Francia. Le antiche danze di quei luoghi diventano l'oggetto della sua ricerca che porta nel 2017 alla realizzazione dell'animazione Dandelion. L'artista dipinge ad acquarello oltre mille tavole, per dar vita a due ballerini che come in un rituale di corteggiamento, si avvicinano, si allontanano e si sfiorano sulle note di una bourrée scritta appositamente da Julia Kent e ispirata alla musica tradizionale occitana. Tra i due corpi danzanti solo un fiore semplice e comune: il tarassaco o dente di leone (in inglese Dandelion derivante dal francese Dent-de-lion); la tradizione popolare vuole che spargendo i semi di questa pianta, contenuti in un soffione, si possa realizzare un desiderio d'amore. Un'animazione suggestiva e poetica, che colpisce La Fabbrica dei Suoni e Espaci Occitan, i quali intraprendono l'installazione della mostra Tempo di bourrée. Alcuni disegni realizzati per l'animazione sono stati raccolti in questo catalogo, curato da Melania Gazzotti e impreziosito da un esclusivo cadeau.