Crocevia è il terzo ciclo poetico di Aleksàndr Aleksandroviè Blok. Le poesie che lo compongono furono scritte tra il 1902 e il 1904, un periodo di riflessioni angosciose e di incertezze, di un vago desiderio di liberarsi rompendo i lacci di un sogno luminoso che lo allontana dalla realtà di fronte ai minacciosi eventi sempre più prossimi. Nella lirica di Blok emergono note di commovente pietà verso gli umili e gli offesi, come testimoniano in modo particolare le poesie Fabbrica e Dai giornali. L'eroe lirico romantico sembra diviso in due: da un lato, è disilluso dalla vita e attratto dalla morte; dall'altro, ama intensamente l'esistenza e desidera ancora goderne appieno. Blok, come tutti i grandi poeti, possedeva un dono profetico; la sua poesia era proprio come quell'uccello parlante Gamajun di cui scriveva. La sua anima, «come l'ago di un sismografo», per sua stessa ammissione, percepiva i più lontani tremori della vita del paese. Infatti, per quanto lontane dai problemi sociali fossero le sue tematiche artistiche, la vita della Russia, la vita del mondo e i grandi eventi imminenti si riflessero anche in queste liriche d'amore e di misticismo, nella loro melodia tesa, inquieta, quasi di primaverile attesa.

Nella Milano del 1822, alcuni anni dopo il ritorno degli Asburgo, un brutale omicidio scuote l'alta società: il marchese Aliprandi Martinengo viene trovato morto nelle scuderie del suo palazzo di città. Il giovane Renzo, onesto servitore del marchese stesso, è accusato del delitto dal commissario Radetzky, cugino del più noto Maresciallo. Il commissario austriaco è determinato a condannarlo, gettando così nella disperazione la sua promessa sposa Lucia e la madre di questa, Agnese. Il conte Alessandro Manzoni, nobile illuminato e acuto osservatore, durante gli anni della prima stesura del suo romanzo, si trova coinvolto in un'indagine che svelerà i lati più oscuri dell'aristocrazia meneghina, aiutato in questo dal medico Meroni e dal proprio fedele servitore Ambrogio. Attraverso lo spirito arguto e attento del conte, l'autore esplora temi universali come la giustizia, l'amore e la natura umana, dipingendo un affresco vivido della Milano del primo Ottocento. Mentre il conte si avvicina alla verità, aumentano le tensioni e i segreti più oscuri della famiglia Aliprandi Martinengo vengono alla luce. Chi ha davvero ucciso il marchese? Quali segreti si nascondono dietro la rispettabilissima Casa Aliprandi Martinengo? E soprattutto: riuscirà il conte a salvare Renzo prima che sia troppo tardi?

Negli ultimi anni della sua vita, Alfred Jarry tornò al suo primo amore con una serie di operette buffe che portarono a conseguenze estreme le innovazioni contenute nella saga di Ubu re. La più spinta, L'oggetto amato (1906), unica in assoluto a risultare composta pressoché totalmente in rima, è presentata qui in prima traduzione mondiale con testo a fronte e apparato critico, corredata da una conferenza dell'autore sulle marionette e dalla sua fonte dichiarata, Gli amori del Sig. Vecchio-Legno (1837) di Rodolphe Töpffer, l'inventore della bande dessinée. L'atto unico in undici scene fu rappresentato una sola volta, a Parigi nel 1937, ma con un regista d'eccezione come Sylvain Itkine e nel clima entusiasmante del Fronte popolare.

«L'universo, che è formato da cielo, terra e mare, con tutte le cose che contiene è opera di Dio. Perciò è scritto: 'Il mondo fu fatto per mezzo di lui'. Come è stato stabilito dai filosofi latini, la terra è in moto sempiterno, come il sole, la luna, l'aria e i mari. Infatti non è concessa alcuna requie ai suoi elementi e proprio a motivo di ciò è in moto perpetuo. I Greci hanno dato un nome all'universo sulla base dei suoi ornamenti, a causa della diversità degli elementi che lo formano e della bellezza delle stelle. Infatti lo hanno chiamato ?ó??o?, cioè cosmo, che in latino si traduce appunto con ornamentum. Non v'è infatti niente di più bello che gli occhi carnali possano ammirare».

questo un ritratto del commediante da giovine attraverso i campi di una memoria emotiva ancora lucida e viva. Una piccola autobiografia che colloca e giustifica nell'infanzia i motivi e le ragioni del mio percorso artistico. La presenza e la rappresentazione scenica di una icona come la Morte è il filo rosso, o nero per meglio dire, che lega una buona parte dei lavori teatrali e delle partiture sonore da me trattate nell'arco di decenni. Quando la commedia soccombe al dramma la parola si fa memoria storica, diventa confessionale, veglia funebre, rito e mito, si fa tritono in musica, in verso poetico, stride in urlo, interroga il delirio. Teatro di parola o di poesia, teatro da camera. Un ritratto in nero alla signora che danza obliqua con la falce e la clessidra. Prefazione di Giuseppe Leone.

'Questo libro dà conto di un doppio smarrimento: quello del senso della società umana, del mondo in cui ci troviamo a vivere e della Storia, e quello più strettamente individuale del senso della propria vita. Lo si può vedere come un lungo e sofferto cammino di elaborazione in vista di un superamento e di ricerca di una possibile risposta. Roberto Veracini dice che si tratta del suo libro 'più intimo e più politico'. In effetti in esso coesistono, o meglio quasi vi si contrappongono, un aspetto intimistico che ripercorre la vita dell'Autore, partendo dalle figure dei genitori e risalendo attraverso l'infanzia, il ragazzino che è stato, e poi attraverso l'adolescenza su su fino al fiorire della giovinezza, alla sua ricchezza di fermenti, di speranze, di gioiose aspettative e succhi e germogli, e un aspetto in senso lato 'politico' che diventa grido di dolore e di denuncia. In questo cammino, il poeta, al di là dell'omologazione e dell'appiattimento, dello straniamento che oggi soffocandoci sembra voler annientare tutti quei valori che sono tuttavia tuttora profondamente radicati nel profondo della nostra umanità, cerca di recuperare una qualità si spera indistruttibile della Persona tentando una ricostruzione del Senso a partire dalle radici. E dando così voce a un bisogno, oggi, di tutti noi.' (dalla prefazione di Donatella Bisutti). Postfazione di Daniele Luti.

'Nel leggere questa corposa raccolta] fin dall'inizio mi sono entusiasmata per le visioni o quadri astratti pieni di colori e di linee che si fanno notare anche al di là dell'introspezione (oppure è proprio parlando della complessità del sentire che occorre disegnare e fermare sulla pagina quello che è forte impatto sfuggente). Certamente viene fuori un moderno San Sebastiano avvolto nel turbine delle sue frecce che sa rielaborare e fermare, traendone insegnamenti, orrori e bellezza. È ben resa la complessità delle situazioni adoprando chiarezza e velatura mentre si costruisce un ben preciso piano architettonico. Coerente è il segno disegnato dalle parole per un quadro complesso, dove l'intimo si fonde con la natura, in domande. Spiccano le geometrie del corpo e dell'anima, dei vuoti e delle fiabe, della fuga e dell'esserci mentre si percepisce il rifiuto dell'odiosa menzogna. La poesia è anche spazio siderale, un non luogo dove l'universo assorbe i passi del quotidiano in apnea. L'acqua è un altro elemento che ricompone i frantumi in mari aperti mentre l'in/cubo odia i sogni a morte. È un testo sincero che cerca nella scrittura il suo senso, come l'autore che ha questo dono.' (dalla prefazione di Liliana Ugolini)

'L'haiku è un componimento poetico di origine giapponese, caratterizzato da precise regole formali e contenutistiche. Come insegnava, tuttavia, Nâgârjuna, tutte le dottrine e le teorie sono da considerarsi costruzioni di nomi e forme, e di per sé autocontraddittorie; ogni pratica e ogni dottrina risultano solamente dei mezzi individuali per la ricerca. È solamente con questo spirito che un individuo può sperare di andare oltre la vacuità dei concetti e dei sistemi e cercare di dirigersi verso la pienezza della vera realtà. Anche oltre le regole dell'haiku...' (l'autore)

'La mia matita è fatta di parole, non di grafite. Nella prima sezione, ho cercato di tratteggiare in pochi versi le caratteristiche peculiari di persone reali, tutte a me familiari... cerco l'anima delle persone amiche. La seconda sezione è incentrata su testi di poesia 'civile'; componimenti di osservazioni assolutamente sentite, ma puramente personali: poesie più articolate nella forma e nell'espressione, come richiesto da situazioni politico-sociali che viviamo purtroppo quotidianamente nel mondo ai nostri giorni. Ritengo che la poesia di oggi non possa essere che testimonianza civile. Il poeta non è un'isola felice: ha il dovere di interpretare i problemi del suo tempo. La terza sezione, Canti scompigliati, rappresenta in pieno la mia natura disordinata, un po' severa e un po' selvaggia, tendente talora all'apollineo, talora al dionisiaco; si susseguono impressioni di paesaggi, lettere ad amici, ricordi di un passato magari lontano, lapidarie considerazioni su situazioni contingenti, che possono essere per altri forse di poco conto, ma che io ho reputato rilevanti per me. Ho voluto in questa sezione affiancare a bella posta forme stilistiche e registri diversi, perché i momenti di scrittura non sono mai uniformi e le parole si compongono, come la musica, in modo vario, come lo spirito spira e impone. Le parole del poeta sono trasportate via dal vento, libere come semi all'aria e l'autore non saprà mai se attecchiranno o no in terreno fertile: può solo sperare che qualcuno le raccolga e da lì quel qualcuno parta per andare oltre.' (dalla prefazione dell'autrice)

«'Stanze per una fuga' è un poema ritrovato. Composto in dieci anni di scritture e pubblicazioni ormai rare (se non introvabili), soltanto adesso, nel cannocchiale rovesciato del tempo, si mostra per quello che è: un tragitto di poesia, tanto coeso quanto aperto, che fa del paradossale contrasto fra immobilità e movimento, fra paura e desiderio il suo principio di sviluppo. Da qui la circolarità dei capitoli che lo compongono: tutto ora comincia con Le fuggitive e le sue immagini di un antico gioco crudele, procede poi nelle scene oniriche e infestate di Appartamenti o stanze, per spalancarsi, in Paura degli occhi, nel fiato trattenuto fino all'apnea dei verbi all'infinito. Per quanto giochi con la forma drammatica, con quella del cinema e della coreografia, questo libro resta il tentativo di sfuggire - spalle al muro - con le armi dei pronomi, del catalogo e di un'ironia perturbata e spiazzante, dalle forze che da ogni luogo vogliono catturare una protagonista plurale e anonima che sembra fatta della stessa materia del linguaggio. La ascoltiamo nella voce degli spettri, ci alleiamo con lei per trasformarci e per nasconderci; ma la potenza del meccanismo allegorico ci lascia infine inermi. È la caduta più del salto il gesto che ci restituisce di nuovo e daccapo a una fuga interminabile: essere terra non chiamata/ invocazione senza nome/ distanza da percorrere sottovoce.» (Tommaso Di Dio)

'Didascalie venatorie continua l'originale e, per certi versi, solitario lavoro poetico di Ivan Schiavone. Ogni lassa che compone il testo è ecfrasi di un paesaggio sintetico abitato da uomini, animali e cose, alieno a qualsiasi gerarchia ontologica. Se la tecnica compositiva è sequenza metrica del fiato, se il fiato mostra una cadenza macchinica, come si percepisce in queste pagine, allora l'uomo è catturato nella rete di un gioco automatico. La coazione a ripetere di questa prosa metrica, che evoca il suono di certe composizioni di musica elettronica, è essa stessa l'automa che perimetra lo spazio. Al centro non c'è l'emissione di fiato di un io ma neanche la nuda descrizione di uno spazio quanto piuttosto un'inane luce che segna l'inizio e la fine. Lì dove è assenza, per l'intenzione dell'occhio, è; scolpita nella luce, dalla luce, detta. Al di là della lirica, quindi, ma anche al di qua della prosa, in una battuta di caccia in cui l'antropos depone le proprie armi per essere a sua volta cacciato, così come avviene nella riscrittura del mito di Atteone che occupa la seconda sezione del libro. La caccia mostra il limite interno dell'azione, acuendo lo sguardo verso l'atto fondativo della parola in cui si annida il senso ultimo della voce, nella distopica, apocalittica, regressione dell'antropocene.' (Vincenzo Frungillo)

'Il modo più sbrigativo per sopprimere i dissidenti' è un pamphlet satirico pubblicato per la prima volta nel 1702. È una delle opere più famose e controverse di Defoe, scritta durante un periodo di grande tensione religiosa e politica. All'epoca, infatti, l'Inghilterra era profondamente divisa tra la Chiesa anglicana (la chiesa ufficiale) e i dissidenti (protestanti anticonformisti che ne rifiutavano l'autorità). La maggioranza anglicana spesso considerava i dissidenti una minaccia alla stabilità sociale e politica. Defoe, egli stesso un dissidente, scrisse l'opuscolo con intento satirico, imitando la retorica estrema degli anglicani della Chiesa alta che invocavano misure severe contro i dissidenti. Inizialmente il testo fu preso alla lettera da molti anglicani della Chiesa alta, che ne lodarono l'apparente invito ad agire duramente contro i dissidenti. Tuttavia, quando divenne chiaro che l'opera era una satira, Defoe dovette affrontare una dura reazione nei suoi confronti. Fu accusato di sedizione e diffamazione e, nel 1703, fu arrestato e imprigionato.

Gli 'Idilli' appaiono in tre edizioni, tra il 1756 e il 1772. Gessner vi adombra l'ideale di un'esistenza sobria, immune da passioni perturbanti e tutta protesa verso il perseguimento della virtù. La vita della piccola comunità dei pastori trascorre indisturbata in accordo con il ritmo della natura. Gli intervalli di ozio concessi dalla cura del gregge sono occupati da gare di canto accompagnate dal suono del flauto e della zampogna, nelle quali trova espressione prima di tutto la gratitudine per la munificenza degli dèi. Il mondo bucolico si basa sulla solidità delle relazioni di mutuo soccorso e sulla costanza dei sentimenti di amore e di amicizia che si dipanano instancabilmente tra i suoi abitanti. Le trasformazioni sociali ed economiche che intorno alla metà del Settecento iniziano a mutare il volto dell'Europa appaiono attutite e neutralizzate. In linea con alcuni presupposti della cultura illuministica che Gessner condivide senza riserve, l'equilibrio neoclassico di queste miniature evoca una condizione di appagamento resistente alla seduzione del desiderio, perfettamente risolta in se stessa e alimentata dall'impulso a sviluppare in modo armonioso tutte le migliori disposizioni dello spirito.

Opera pubblicata inizialmente in forma anonima nel 1733, 'Le Temple du goût' fu oggetto di grande scandalo a causa della sua irriverenza. L'autore, impugnata l'arma tagliente della satira, immagina un viaggio allegorico verso il 'Tempio del gusto' in cui il protagonista, il cardinal de Polignac, guida il narratore. Aperto solo a pochissimi eletti, ne è escluso un gran numero di intellettuali: i colti e i preziosi, così come gli innovatori estremi e ridicoli. La gerarchia letteraria che regna nella società francese del tempo viene qui completamente ribaltata e aspramente criticata. Per farne parte, infatti, coloro che noi consideriamo grandi scrittori sono obbligati a correggere le loro opere o persino a bruciarle. Alternando prosa e verso, quest'opera si spoglia di ogni forma di dogmatismo e, con sottile ironia, svela una critica letteraria condita di vivacità intellettuale in grado di far divertire e al contempo riflettere.

Quello offerto dall'autore è un ritratto affascinante di una delle città-Stato più enigmatiche e potenti dell'antica Grecia: Sparta, una società dedita alla disciplina, al sacrificio e all'arte della guerra. Il lettore è trasportato in un mondo in cui il bene comune prevale sul singolo e la forza del guerriero si plasma attraverso un'educazione spietata e rigorosa. Un'opera dalla forte potenza comunicativa, dunque, che svela l'essenza di un popolo educato per dominare, dove ogni cittadino è un soldato, ogni donna è una madre di eroi e ogni legge serve a un solo obiettivo: preservare l'invincibilità di Sparta.

Il disperso, sino a pochi anni fa generalmente noto con il titolo 'Amerika', attributogli nel 1927 da Max Brod che ne curò la prima edizione postuma, è il primo romanzo incompiuto a cui Franz Kafka lavorò (con interruzioni e riprese) tra il 1912 e il 1914. Ma Il disperso non è solo il primo romanzo di Kafka, antecedente a 'Il processo' e 'Il castello' - è anche quello in cui, in una serie di avventure picaresche che curiosamente ricordano il Pinocchio di Carlo Collodi, si esprime forse con più forza la vena ironica e umoristica dell'autore praghese. Nelle peripezie del protagonista Karl Rossmann, ambientate in un'America che rappresenta la modernità postrema, Kafka fornisce una descrizione acuta e precisa, a tratti esilarante e tanto calata nella 'carne del mondo' da farla apparire imparentata con i migliori film di Chaplin, della società capitalista moderna: dei meccanismi che regolano la circolazione di merci, persone e denaro, della velocità e dei ritmi della metropoli, delle figure bizzarre che la popolano, con le loro deformazioni fisiche e caratteriali.

Questo testo del 1790, in modo suggestivo ed efficace, mostra le relazioni strutturali esistenti tra il mondo dell'arte e della scienza in connessione alla dimensione esistenziale, autobiografica dello stesso Goethe. Il celebre autore tedesco sosteneva che gli studi di scienze naturali gli erano serviti per comprendere la propria interiorità attraverso l'analisi delle parti fondamentali dell'essere della natura. La metamorfosi delle piante esamina il problema generale del divenire della forma, mettendo in luce le condizioni in cui i fenomeni si manifestano nel gioco infinito della creatività della natura, che pur rinnovandosi conserva la sua unità. Secondo Goethe, l'infinita varietà delle piante diffuse sulla terra non sarebbe apparsa di getto, in maniera statica, ma sarebbe l'espressione di un'unica «pianta-tipo» originaria (die Urpflanze), che egli contrapponeva alla rigida suddivisione in generi e specie imposta dai botanici del suo tempo.

Il libro presenta quattro racconti da cui emergono i temi prediletti della narrativa gotica e fantascientifica di Mary Shelley: amori proibiti, spettri, doppia identità e il tentativo di vincere la morte. Ne 'La Ragazza Invisibile', che dà il titolo alla raccolta, fantasmi e amori in frantumi animano il Galles. Rosina ama segretamente Henry, contro il volere del padre, che perciò l'allontana da casa. Sarà lei lo spettro notturno che si aggira per i boschi? 'Roger Dodsworth': l'inglese rianimato narra la vicenda di un uomo apparentemente morto durante il periodo cromwelliano e 'ritornato in vita' all'inizio del Diciannovesimo secolo. La protagonista de 'Il figlio maggiore' si innamora di due fratelli: uno la seduce con le sue lusinghe, l'altro la conquista con le sue virtù. 'La fanciulla in lutto' è incentrato sul rapporto affettivo, fortemente ambiguo, tra una figlia e un padre e sulle tragiche conseguenze di questo indissolubile attaccamento.

Gli otto racconti di 'Puoi ancora dirmi di sì' tracciano otto diversi sentieri, su ognuno dei quali l'autore segue orme lasciate da altri e che conducono al cuore segreto della vita. Otto storie che sembrano essere costruite per consentire di arrivare all'alba sani e salvi. Un percorso fuori dalle regole, dove non è chiaro quale sia la salvezza o il traguardo raggiunto, se non quello di un'ostinata voglia di raccontare, per vivere sempre tutto come se fosse la prima volta.

«Antonio Ricci ci presenta un percorso che va dalle emozioni umane - che ci si presentano in certi istanti della nostra vita, attraversano il sentimento di solidarietà che proviamo di fronte a tragedie collettive - fino ad arrivare al ricordo e alla commemorazione con testi dedicati a singole persone che hanno rappresentato, con il loro esempio e sacrificio, figure importanti per noi. Il volume è arricchito da immagini che alcuni artisti hanno voluto comporre per dare più forza ai significati dei testi. È un tentativo originale di rappresentare e comunicare a due voci: la parola poetica, con tutta la sua capacità evocativa, che si coniuga con l'immagine artistica, che contiene tutta la forza visiva che le è propria.» (dalla prefazione di Giovanni Ribaldone)

«Con la raccolta Insolvenze ho provato a dare uno spaccato del percorso di vita di un quarantenne e, forse, di gran parte della mia generazione. Molti dei miei coetanei, infatti, hanno genitori claudicanti e non hanno figli; ciò significa un passato incerto e un futuro mai iniziato o già finito; le possibilità sono buchi sigillati in un muro di cemento. Da queste riflessioni emerge un forte senso di smarrimento e frustrazione, in un continuo rimando tra passato e futuro. L'interruzione e la rottura dei legami primordiali riconducono al tema delle insolvenze, a tutto quello che volevamo e dovevamo essere e fare e non è stato compiuto. Insolvente per vocazione.»

«Ana è [...] una poetessa riservata, quasi sotto copertura, e come tale in grado di stupire con il suo mondo segreto che diventa rivelazione, tanti flash di luce nel buio. Poesie, appunto. Quelle raccolte in questo libro attingono da un vissuto costellato di delusioni, sofferenze, frustranti sensazioni di immobilità, domande irrisolte. Appartengono al vissuto di tutti noi. La loro carica di ribellione sta nella ricerca di un senso nonostante tutto, nelle scintille di vita che possono irrompere nell'oscurità di certe giornate, nelle immagini che capovolgono la prospettiva della paura e della morte, sovrappongono voci e storie, volti e nomi, sul crudo mantello dei fatti: migranti annegati in mare, bambini rom che giocano sul ciglio di una strada di periferia, le ostinate invocazioni d'amore consapevoli del rischio del baratro, la memoria dolorosa scritta in ogni cellula del corpo, il peso dell'esperienza e la via di fuga nella fantasia, in ciò che l'autrice chiama 'magia'.» (dalla prefazione di Paolo Pasi)

«Come riuscire a definire ricordi che sfuggono alla definizione, che si allargano o si restringono prendendo la forma stessa delle nuvole? È la dolcezza dell'endecasillabo a governare la marea montante della memoria, a cominciare dal bellissimo titolo (Mio padre somigliava a Dustin Hoffman) per tentare una musica, una melodia che ci restituisca attimi, profili, voci di chi non c'è più. In questo ricordare, la presenza della figlia è discreta: un'ombra che si aggira nelle foto ricordo [...] Il padre è per sempre la figura amata di Sciangabèn (Jean Gabin), e il ricordo in questo caso, si fa musica di poesia, settenari galoppanti. È sempre estate di San Martino, nelle regioni della memoria: il primo amore, i giovani insegnanti delle scuole superiori, la voglia di giovinezza, la musica e le canzoni come Something, consentono alla poeta di rinascere sempre, attraverso la memoria, di riattraversare la propria scrittura e i propri studi, in cui amore per la musica e il cinema si sono concretizzati in ricerche e libri importanti. La poesia è dunque, per Silvia Albertazzi, riattraversamento affettivo delle passioni, degli affetti, dei libri che ha scritto e delle ricerche compiute, in un continuum che è autenticità di vita e di scrittura.» (dalla prefazione di Loredana Magazzeni)

'Certamente, questo mio umile lavoro è un tributo al grande poeta Dante, ma, allo stesso tempo, un esempio di come la rima incatenata, di sua invenzione, si possa impiegare anche nella nostra epoca. Le mie letture di poesia sono un andirivieni dal passato al presente, dai grandi della nostra letteratura ai poeti moderni, da chi è già famoso a chi è ancora da scoprire. Può un poeta di oggi esprimersi in rima? Con versi in terzine, con sonetti o madrigali? [...] Riversare il nostro talento nelle forme inventate dai geni del passato farebbe bene alla poesia in generale. Ma spetta al lettore l'ardua sentenza!' (dalla Nota dell'autore)

«È con enorme gratitudine che vogliamo portare al grande pubblico degli operatori e degli addetti ai lavori, ma non solo, un testo illuminante e capace di abbracciare le sfide e le provocazioni che la realtà di giorno in giorno ci sottopone. Siamo dinanzi a fenomeni che sono, di fatto, tristemente universali e trasversali dal punto di vista storico, geografico e culturale e che esigono una rimessa a fuoco degli strumenti per farvi fronte. Siamo, a diverso titolo, sospinti da quell'istinto di protezione che nasce come responsabilità morale e spirituale e che, come singoli individui e come corpo sociale, sentiamo e viviamo nei confronti dei cuccioli d'uomo che si trovano in una condizione di fragilità e di dipendenza. Come diceva il cardinale Carlo Maria Martini: 'Il bambino trova tutto naturale e tutto grande, tutto in qualche modo molto bello, perché lo allarga con i suoi sogni'. [...] L'obbligo giuridico di proteggere i minori è dunque solo un punto di arrivo (sempre in evoluzione), una sorta di passo ulteriore, che nasce da un dovere morale, da una tensione etica, entrambi fortemente connessi all'impegno per la costruzione di una società più giusta, più equa e, in definitiva, più umana.» (dalla postfazione di Giuseppe Bettoni)

'Eleonora Giulia Amalia Duse (Vigevano, 3 ottobre 1858 - Pittsburgh, 21 aprile 1924). Le numerose iniziative legate al centenario della morte di Eleonora Duse mi hanno offerto l'occasione di approfondire la figura della più importante attrice italiana di tutti i tempi, nonché capocomica e impresaria teatrale, unica donna antesignana, nel periodo di fine Ottocento-primo Novecento, di una professione che ai giorni nostri potremmo definire di imprenditrice teatrale a tutto tondo [...], incredibile per intelligenza, volontà ferrea, fascino e capacità artistica e imprenditoriale insieme [...]. Fu una donna eccezionale che seppe, pur nelle sofferenze e nelle contraddizioni di una vita ambivalente, creare se stessa, la propria vasta cultura, una fama universale [...]. Ci insegna la volontà, la passione per la propria professione, l'indipendenza totale dall'uomo, in qualsiasi campo e a qualsiasi costo, pur mantenendo il gusto per la femminilità, coltivando la capacità di seduzione, il fascino assoluto dell'eterno femminino, il gusto dell'amore che ha bisogno di essere coltivato con l'uomo, che non è mai una controparte, ma un compagno e un complice, anche nei momenti di incomprensione.' (dalla Nota introduttiva dell'Autrice)

'Mi troverai vivo è il guanto di sfida lanciato alla vita che, con ostinazione, pone l'uomopoeta di fronte a prove stremanti, gravide di turbamenti e afflizioni. La parola poetica è l'arma affilata da Antonio Corona per affrontare la ferita originata dal duro contatto con la malattia, con il carcere e la delusione sentimentale e per riuscire a vedersi come altro rispetto alla propria sofferenza. L'autore affronta il dolore in un corpo a corpo, utilizzando una parola attenta e fendente, per esserne poi attraversato in una sorta di atto di purificazione. È una parola che lascia il segno, una spada che oltrepassa il mero sfogo emozionale. [...] Mi piace evidenziare come il linguaggio di Antonio Corona sia variato rispetto alle opere precedenti, apparendo volutamente più ambiguo, come a richiedere al lettore l'impegno a cercare la propria verità. Il poeta ha acquisito maggiore consapevolezza della necessità del non detto in poesia, cedendo al suo fascino nella composizione del verso, rinunciando alla comodità di una parola facile e avvilita. In una sostanziale omogeneità stilistica, a parte qualche inserto prosastico, Corona mantiene un registro lessicale compatto e non sfrangiato.' (dalla postfazione di Rosanna Frattaruolo)

'La poesia di Vittoria appare generosamente confidente. In una apparente semplicità, la sua parola si affranca dal simbolico e con slancio emotivo si consegna al rischio di riportarne il senso alla sua origine e di tornare a essere nella sua pienezza, pur nelle assenze e nelle lontananze, quell'attimo e quel sussulto di immanente perenne presente. La sua poesia non è fatta solo di nostalgia, non cristallizza il tempo, non confina le singole vicende in bolle di memoria e non imprigiona il pensiero nel ricordo, ma nell'albore del suo autentico ri-dire partorisce il passato, ogni volta, ed è sempre una ri-nascita, in carne e anima. La poetica di Vittoria, con le sue rime, allitterazioni e assonanze, possiede una grande forza evocativa e una reale forza di gravità verbale, pienamente in grado di sostenere la luce interiore da cui trae origine. Come una piuma sul baratro, la sua poesia sa essere contrappeso alla verticalità del vivere, porta a dimora le peregrinazioni dell'umano cammino.' (dalla prefazione di Claudio Ongarato)

La 'Gigantomachia' di Claudiano fu composta negli ultimi anni del IV secolo d.C., quando le prime nubi di tempesta cominciavano ad addensarsi sull'Impero romano. Il tema è uno dei più celebri del mito classico: la guerra dichiarata dalla Madre Terra agli dèi dell'Olimpo, colpevoli di averle mancato di rispetto in più di un'occasione. Lo strumento della vendetta sono i Giganti, scaturiti dal suolo per portare rovina e distruzione e rovesciare il potere di Giove, instaurando un nuovo ordine cosmico. Solo dopo una lotta feroce, gli dèi potranno uscire vincitori dall'immane conflitto e porre fine al Caos che minaccia di divorare l'universo intero.