L'età del bronzo è una riflessione sul valore del 'bronzetto' con il desiderio di riprendere le maglie di una specifica tendenza della produzione scultorea che, con alti e bassi, ha connotato sia la ricerca plastica della seconda metà del secolo scorso (prima dell'avvento del 'multiplo' realizzato secondo i metodi del disegno industriale), sia l'interesse del collezionismo che riconosce nel 'bronzetto' uno specifico genere di oggetti d'arte'. La collezione della Fondazione Caporrella testimonia, di fatto, lo sviluppo di pratiche che conservano i processi propri della scultura in bronzo, ove la creatività artistica dialoga con la capacità di elaborazione artigiana, dando vita a opere che conservano il sapere e l'esperienza di una comunità di artisti e artieri: la fonderia.

Artista indifferente alle prescrizioni e alle retoriche del sistema dell'arte, Paolo Signorino ha fatto della sua assidua ricerca sull'immagine l'occasione di una riflessione intima che non si è mai sottratta alla responsabilità del dialogo e dell'incontro con la comunità. Fin dalle sue prove più precoci, frutto di un'urgenza non imbrigliata dal rigore dello studio accademico, il pittore si è mostrato sensibile ai ritmi, ai luoghi e ai rituali della vita civile e religiosa scegliendo in alcuni casi di intervenire con la sua opera direttamente nello spazio pubblico. La sua inconfondibile cifra figurativa ha segnato così le piazze, le strade, le chiese di paesi e città a lui familiari, abitandole con i colori della sua pittura che non di rado hanno incontrato la materia ceramica, una pratica antica che più di altre è in grado di interpretare il rapporto, oggi davvero urgente, tra l'arte e l'abitare, una relazione che è innanzitutto esperienza di ospitalità, esercizio di coabitazione e di dialogo.

Quello di Giuseppe Di Guida è un universo, sorprendente e complesso, non ascrivibile ad una unica prassi espressiva ma risultato di una eterogenea convergenza di procedure, che conferiscono indelebilmente una riconoscibilità concettuale intensa e struggente ai suoi lavori. E, mentre dispiega come vele al vento, i suoi grandi teleri, e riflette, emerge una chiara ma sferzante dialettica personale che incrocia il pensiero di Jaques Lebel il quale afferma che «la storia dell'umanità è la storia della sua autodistruzione. E noi che facciamo cultura o contro-cultura siamo pazzi per passione, cerchiamo di esprimere emozioni e desideri altri. Noi con l'arte, con la poesia, con la filosofia e con lo sguardo critico cerchiamo di dare un senso alternativo alla vita. So che è quasi impossibile, ma noi tentiamo lo stesso».

Il Battistero Paleocristiano di Santa Maria Maggiore a Nocera Superiore (SA), con la sua architettura simbolica, determina di per sé una dimensione religiosa in cui l'immagine è strumento di alterità. Antonella Pagnotta, parte dalla convinzione che la religione non abbia mai smesso di accompagnare l'arte contemporanea, ed anzi, che quest'ultima costituisca per molti versi uno degli ambiti in cui la religione oggi, possa esprimersi. Ciò è possibile pensarlo a partire dal fatto che, l'opera contemporanea cogliendo in forma l'invisibile rivela qualcosa sull'essere, e facendo ciò, stabilisce sempre un rapporto universale con il cosmico, con l'infinito e dunque mantenendo una sua intrinseca e naturale religiosità.

In vista del primo anniversario dalla scomparsa di Daniel Spoerri, la città di Narni vuole rendere omaggio alla memoria dell'artista tramite un'esposizione che spazia dai celeberrimi tableaux pièges a opere scultoree forse meno note, ma non per questo secondarie all'interno della sua produzione. La collezione di bronzi della Fondazione d'Arte Contemporanea Vittorio Caporrella costituisce infatti un corpus di straordinaria pregnanza, dove le installazioni entrano in rapporto mai scontato con lo spazio intorno, nell'ottica di una poliforme 'arte ambientale' attraverso la quale il pioniere del Nouveau Réalisme pone e interroga, nell'arco di circa quarant'anni di sperimentazione, il tema del rapporto tra scultura e natura.

In bilico tra emozione e astrazione, tra memoria e visione, questo libro propone un viaggio nella pittura di Alessandro Savelli, artista che ha saputo trasformare la tela in uno spazio di rivelazione interiore. Dalle prime opere degli anni Settanta fino alle più recenti tele ispirate al cielo stellato, la ricerca di Savelli è una confessione lirica, un'indagine sul senso del vivere e sull'atto stesso del creare. La pittura, per Savelli, è 'un'emozione piena di verità', un linguaggio che non rappresenta, ma evoca; non descrive, ma suggerisce. Lontano da ogni compiacimento formale, egli costruisce un dialogo intimo con la materia e con il colore, lasciando affiorare una dimensione spirituale, talvolta rarefatta, talvolta incandescente. Come i gesti spontanei sulla superficie immacolata, le sue opere tracciano un sentiero nella solitudine dell'esistenza contemporanea, tra incertezze globali e frammenti di bellezza. Attraverso un'attenta selezione di dipinti e un'analisi critica profonda, il volume racconta l'evoluzione del linguaggio pittorico di Savelli, sottolineando la sua capacità di restituire al colore e alla luce una voce emotiva e necessaria.

Gli artisti Antonio Carotenuto, Cristina Cianci, Mario Ciaramella, Max Coppeta, Ugo Cordasco, Anna Crescenzi, Giovanni Cuofano, Eliana Petrizzi, Ernesto Terlizzi e Luigi Vollaro si interrogano sul significato dell'acqua in una mostra che trae la sua riflessione dall'identità del luogo, il Battistero Paleocristiano del Complesso Museale di Santa Maria Maggiore, sito in Nocera Superiore (SA). È una mostra che conserva un carattere laico, nell'accezione più inclusiva del termine ma che, nell'interpretazione di ogni artista, propone spunti di riflessione sull'assenza di spiritualità che connota il nostro tempo, con una crescente attenzione ai valori materiali e alla diminuzione della connessione umana con qualcosa di trascendentale; insomma la perdita di quel significato più profondo fra l'uomo e un possibile oltre, qualcosa che è al di là del mondo.

Rizoma è la metafora del pensiero creativo che sottende a questo progetto: Il Rizoma dell'Arte vive nascosto e rappresenta un mistero. In un contesto complesso come quello dell'arte, caratterizzato da numerose ricerche interconnesse e indipendenti tra loro, capaci di innovare, attraverso l'adozione di diverse prospettive interpretative lo sviluppo di narrazioni soggettive, nasce questo progetto, che partendo dalla natura, cerca punti di connessione tra i diversi linguaggi. 13 presenze tra artisti e architetti Designers, esporranno le loro installazioni negli spazi dei Vivai vesuviani, a Ottaviano.

Un obelisco alto nove metri sormontato, in cima, non da l'effige di conquistatore o da un elemento decorativo a ricordo di gradi imprese, ma da un grande masso che, da un momento all'altro, sembrerebbe poter cedere al peso della gravità. Quella di Lista è una ricerca volta al raggiungimento di un equilibrio, voluto, mantenuto o scardinato, in un mondo così palesemente sbilanciato; in qualsiasi contesto, con qualsiasi tipo di forze e contro sovrastrutture con le quali ci si deve quotidianamente confrontare; la sua è un'estetica del bilanciamento perfetto: è un disequilibrio che cerca l'equilibrio. Lista con pochi, minimi elementi ci fornisce, dunque, una stratificata lettura della nostra condizione esistenziale, nella consapevolezza che solo chi è in grado di trovare il giusto equilibrio sarà in grado di dominare il suo stare al mondo.

Un viaggio nel tempo all'interno degli ambienti della Gypsotheca di Antonio Canova, situata a Possagno. Una storia che ci permette di conoscere i capolavori in gesso canoviani qui esposti: opere intrise di straordinarie vicende creative, storiche o mitologiche dove è possibile riconoscere il passaggio di due dolorose guerre mondiali pur nell'infinito candore e bellezza che pervadono le sale. Alice Bonora, autrice ed illustratrice al suo esordio, sceglie una guida d'eccezione in questo viaggio emozionante e necessario nell'arte e le sue tante sfaccettature. Età di lettura: da 10 anni.

Il book prende forma nel 2022 in occasione di un viaggio del fotografo Jacopo Naddeo come volontario ed ha interessato alcuni villaggi nella provincia di Koupéla in Burkina Faso: Jacopo ha fotografato villaggi, nuclei familiari, un'esistenza calata nella sua drammatica realtà. Il segnale di speranza proveniva e proviene dalle trivelle al lavoro per scavare pozzi, al fine di trovare acqua, elemento essenziale della vita. Il book fotografico, cioè migliaia di file, ha offerto l'opportunità di tradursi in un calendario che racconta il viaggio e la realtà che lo sguardo ha incontrato.

'Kafkalto. Del Quaderno e Delle Metamorfosi' è un'opera totale, parafrasando con un pizzico d'ironia Wagner, non un semplice libro e per questo non può essere racchiuso in una categoria di genere. Sfogliando le sue pagine si ha l'impressione di essere al cospetto di un libro d'artista e al contempo di una silloge poetica il cui protagonista è lo scrittore praghese Franz Kafka. Quello di Prisco De Vivo e Raffaele Piazza è, sotto questo punto di vista, un omaggio all'imprevisto, alla vita in tutta la sua assurdità, così come Kafka la rappresentava nei suoi scritti a partire da 'La Metamorfosi', 'Il Processo' e' Il Castello'. Le luci e le ombre giocano sullo stesso piano nelle opere figurative di De Vivo così come nei testi dello scrittore, mentre la poesia di Raffaele Piazza nel suo incedere non risparmia di evocare immagini nette e al tempo stesso deliranti. Frustrazione e consapevolezza sono le cifre distintive della poetica di Kafka perfettamente traslate nelle pagine di 'Kafkalto', libro che plasma e materializza la sensazione di impotenza dell'uomo innanzi ad una realtà tutt'altro che leggibile.

Un ampio e complesso arco produttivo in cui l'artista circoscrive il vuoto in una relazione profonda fra la sua esistenza e la manipolazione della materia. Cristina Cianci si muove in uno spazio di ricerca strettissimo: fra visibile e invisibile, nello scavo profondo della perdita, dove si incontrano insieme ai resti, il dolore del mondo e il nostro. Michelangelo Giovinale ne ricompone un quadro d'insieme fin dagli esordi, quando a colpire l'interesse dell'artista è il carattere dominante di antiche anfore, il lato oscuro e la forza intrinseca ed immanente del loro contenere. Lungo il corso degli anni l'orizzonte creativo gradualmente si dilata, nella costante frequentazione che l'artista intrattiene con l'autore.

Sotto il cielo dei Caraibi documenta la capacità della Fondazione Rossi, attraverso la sezione internazionale del Premio Bugatti-Segantini di tenere insieme l'ordito di più prospettive che, nel tempo, hanno rivelato nuovi orizzonti di ricerca e di intervento, rinunziando, a priori, ad uno sguardo già informato, come accade di frequente nelle dinamiche referenziali della critica occidentale. Un percorso, se pur non esaustivo, del dibattito in corso nella cultura artistica cubana che registra, come palesano diverse opere, una molteplicità di stili e di linguaggi, sempre in pieno confronto dialettico con la cultura europea e nord americana.

Il primo e più importante tratto distintivo che caratterizza la personalità di artista di Antonio Salzano è quello della sua profilatura morale: ciò che fa di lui un testimone delle sue idee e, con esse, del nostro tempo, mettendolo in grado di offrire, attraverso il prodotto della sua azione, una 'visione del mondo', alla quale egli indirizza non soltanto la disposizione della attività creativa, ma la sua stessa 'mission' comunicativa. In tal modo, in Antonio Salzano, si saldano tra loro l'intendimento morale e la caratura dell'impegno produttivo, venendo a formare il tutto un insieme organico al cui interno trovano ragione le evoluzioni d'una incrementazione stilistica che vede la sua ricerca trovare spunti sempre più pienamente coerenti e sempre più convincenti sul piano della coesione formalecontenutistica. (Rosario Pinto)

Pur adoperando le tecniche dell'arte pittorica le opere di Gianni Menichetti sono miniature dell'anima di un signore silenzioso, il quale offre ad altrui attenzioni il suo intimo amore per quel luogo del cuore, il Vallone Porto, dove vive da decenni la sua quotidianità, a difesa di una natura ancora incontaminata. Con i suoi occhi neri, profondi, incastonati in un viso di antico sapiente, Gianni Menichetti scruta l'invisibile per tutti.

Nell'opera di Di Lieto è la meraviglia il punto centrale di uno stato emotivo spirituale, uno stato di estasi che guida l'immaginario dell'artista in un percorso creativo, intrecciando la dimensione morale, l'amore profondo per la sua terra, per quei luoghi eletti, nel tempo, come 'paesaggi' dell'anima reiterati sulla tela e la scelta estetica di un linguaggio naïf, proprio del sogno. Di Lieto muove, quindi, il suo sguardo tra la meraviglia, quale sentimento di stupore, e il sogno che, per Freud, realizza un desiderio sollecitato dalla sfera dell'inconscio, in quanto appagamento di un desiderio o, meglio ancora, 'è la soddisfazione di un desiderio'.

La 'cornice progettuale' che ha dato forza a questa edizione di Restart è quella del Salerno Green Forum, promosso e ideato da Fondazione Cassa di Risparmio Salernitana, realizzato in collaborazione con diversi enti e soggetti del territorio, con lo scopo di coinvolgere, informare e sensibilizzare la comunità sulle tematiche ambientali di sviluppo sostenibile e contribuire ad accrescerne conoscenze e competenze legate all'economia circolare, indispensabili per affrontare le nuove sfide poste dalla transizione ecologica. Restart ha inteso sensibilizzare in particolare i giovani, sul tema della sostenibilità ambientale, economia e riuso, uniti ai valori etici del rispetto e della cura delle cose che ci circondano e del creato.

'Come nasce un'amicizia?' è una riflessione che esplora la creazione, il mutarsi, del legame più forte e bello che abbiamo la fortuna di condividere: l'amicizia. Un racconto che si sviluppa a mo' di indagine... C'è un legame, accompagnato da un sentimento, che cresce silenzioso nel tempo. E quando ci avvolge, può regalarci momenti indimenticabili. Età di lettura: da 4 anni.

'L'impronta dorica nel segno contemporaneo' è il catalogo che Gutenberg Edizioni ha dedicato al compianto Sergio Vecchio, artista salernitano. Un viaggio fra passato e presente con un ponte proteso verso il futuro per sottolineare il suo forte legame con il territorio di Paestum e parallelamente con l'immaginario della Magna Grecia. Terre che ritornano ciclicamente, con preponderanza nelle sue creazioni di impronte classica. Da qui il sogno di Sergio Vecchio: realizzare un museo della memoria che raccolga la sua sterminata collezione di stampe, cartoline, tele e ceramiche di Paestum.

Sfogliando l'ampio repertorio di disegni, di incisioni, di monotipi realizzati da Raffaele Bova, nel corso della sua lunga carriera artistica, all'incirca sessant'anni - scrive Massimo Bignardi - il dato che salta all'occhio è un palese realismo che, anche nelle pagine dalle quali affiorano indizi di una forte astrazione, non perde mai il senso pieno del reale. Se poniamo a confronto uno dei numerosi disegni, resi con matita grassa che danno vita al ciclo 'Spaventapasseri', realizzato da Bova nella prima metà degli anni Novanta, con le opere pittoriche dello stesso periodo, ci possiamo render conto del suo comprendere l'oggetto, il luogo che lo accoglie, con esso il vento, la prospettiva, nonché le materie delle vesti, la paglia, l'ironia dei personaggi.

Quaranta opere che raccontano l'artista casertano Raffaele Bova, ove il vero e l'immaginario si fondono indistintamente per restituirci la bellezza della sua produzione che copre un arco di tempo vastissimo. Antologica 1972-2022: questo il titolo del ciclo delle sue opere in cui, Bova, racconta il suo vissuto dagli anni '70-80 al 2022. Gutenberg Edizioni ha curato il catalogo dal titolo Antologica 1972-2022, in occasione della mostra organizzata dalla Provincia di Benevento in collaborazione con il museo FRaC che si terrà dal 1 marzo al 14 aprile 2024 al museo Arcos. La mostra ricostruisce circa 50 anni circa di operato di Bova e si articola su due linee parallele: da una parte l'impegno sociale e attivo dell'artista, dall'altro la passione per la pittura che arriva fino ad oggi.

Oltre la cronaca è una selezione di articoli pubblicati tra il 2013 e il 2016 come Blog di La città di Salerno, quotidiano del Gruppo Repubblica Espresso allora diretto da Angelo Di Marino, con articoli ed editoriali a libera scelta, inserimento di foto e commenti su varie vicende salernitane. La sequenza di articoli rappresenta lo spaccato di una città esplorata con sguardo critico, nella convinzione che l'approfondimento e la riflessione contribuiscano alla crescita civile di un territorio. Negli articoli si parla di teatro, di cinema e di arte e molte sono le testimonianze su alcuni passaggi cruciali della città: le elezioni amministrative, il referendum del 2016, il fallimento dei nuovi movimenti. Oltre la cronaca descrive un periodo di Salerno in cui si è cercato di offrire una diversa narrazione, la testimonianza di un giornalismo impegnato a svelare le contraddizioni del potere, compito principale del mestiere di giornalista.

Il volume raccoglie le opere dell'artista tedesca Carin Grudda collocate nella mostra allestita nei vari luoghi emblematici del centro storico di Montepulciano: la Fortezza, che accoglie un'antologica dei dipinti e delle grafiche, il Giardino della Fortezza, il Palazzo Comunale, la terrazza di Piazzetta del Leone, le Logge del Vignola, dove sono collocate le sculture in bronzo, unitamente ad un ampio repertorio di opere ambientate in diverse città europee Un volume indispensabile alla conoscenza dell'artista, tra le principali interpreti della scultura contemporanea.

Il sentimento più profondo della costruzione trova nelle opere e nel lavoro di Domenico Fatigati, qui documentato, il terreno dove costruire la sua casa ideale. Essa, animata dall'utopia e dal labirinto delle forme geometriche, schiude una cupola di echi di villiana memoria, universi paralleli intonsi di nuovo conio ma da lungo tempo perduranti nell'immaginario costruttivo dell'artista. Peripezie di cicli che si rincorrono coerenti da decenni che, per la loro assoluta fedeltà di moduli espressivi, talvolta farebbe pensare alle convinzioni inoppugnabili di un mistico, che devoto si inchina alla religione dello spazio e dell'archè.

Materia e colore, questa la natura irriducibile delle mura di Liberti che assumono una dimensione ambientale invadendo gli spazi senza circoscrivere ma disegnando zone di contatto, indicando percorsi di scoperta e di trasformazione. In questa ulteriore curvatura il discorso pittorico si apre ad elementi naturali, la tela si lega alla cenere ed alla lava condensate in grandi pietre poggiate al pavimento che ribaltano e decostruiscono la verticalità delle opere creando delle architetture effimere.

Questo libro fotografico si propone di aggiungere, alle tante mostre e progetti importanti che hanno avuto per protagonista il Vesuvio, un punto di vista documentale 'che è parte integrante del processo partecipativo - e non d'interpretazione - nel rapporto tra paesaggio e intervento plastico'. La fotografia, in Guardiani del Vesuvio, è stato un mezzo per mappare idee e per attraversare frontiere sia fisiche che interiori.

Un luogo, tra i tanti possibili dell'area vesuviana, ha visto chiamati a raccolta, undici artisti contemporanei a cimentarsi con un inedito attraversamento di rinvenimenti archeologici custoditi al Museo Matt di Terzigno, lì dove l'eruzione del Vesuvio datata 1929, è stata fissata per sempre in foto bianco e nero, da fotografi coraggiosi. Nel corso dei tempi, e di migliaia d'anni, le eruzioni hanno modificato lo stato dei luoghi originario, seppellendo e poi lasciando riemergere, come accaduto alla Cava Ranieri, ville imponenti ricche di affreschi affascinanti e di utensili e gioielli, che hanno indotto gli artisti selezionati presenti nelle sale interne del museo, a spargere a piene mani, i loro semi fruttiferi per captarne sconosciute valenze di senso.

Peppe Ferraro è uomo sensibile al pari di uno sciamano della foresta pluviale. Una di quelle creature profetiche che avvertono, in anticipazione, sommovimenti e metamorfosi, crisi o modificazione della Natura e, di essa, soprattutto le energie diffuse, non captate dalle distrazioni comuni. In questa opera materica, compiuta e conclusa nello spazio, ci rivela l'azione immersiva, con generosità. Si cala delicatamente nelle spalle e raccoglie una qualsiasi scheggia di un qualsiasi legno. La osserva, la trancia ancora, la modella e, infine, la brucia.

Il paesaggio, in questa fase recente della pittura di Gianluca Negrini, è un dramma materico giocato su un addensarsi di concrezioni figurative e slarghi di riposo visivo. Si tratta infatti di paesaggi mentali, privi di riferimenti a luoghi riconoscibili, per quanto dalla memoria affiori il ricordo delle vette alpine: la montagna è il frutto del movimento della mano, che segue un proprio rituale e una propria educazione gestuale nel tracciare una serie di segni dal cui intreccio, o meglio dalla disposizione di una serie di macchie di colore scuro contrapposte ad altre più chiare, nascerà un'immagine di senso, chiara alla distanza, ma pronta a dissolversi mano a mano che ci si avvicina alla superficie della tela.