L'1-2 giugno del 1973 su «Momento Sera», un quotidiano sul quale pubblicava spesso, Lorenza Trucchi, nell'articolo dal titolo Quadriennale: ultimo tempo. La ricerca estetica dal '60 al '70, a proposito della X Quadriennale Nazionale d'Arte di Roma, coglie tra i più giovani artisti presenti nella mostra "il bisogno di fare subito storia". Questa espressione ci è dunque sembrata efficace per sintetizzare una metodologia particolare della critica Lorenza Trucchi, alla quale con il Convegno del 22 marzo 2024 e ora con questo libro, abbiamo voluto dedicare un'attenzione particolare. Trucchi ha attraversato la storia dell'arte italiana e non soltanto, come questa giornata potrà dimostrare. Guardando da vicino, indulgente a quelle che apparivano le più utilizzate classificazioni per contestualizzare tendenze, opere e artisti, Trucchi ha inventato un metodo: sguardo ravvicinato e senza filtri sulle opere, amicizia con gli artisti, conoscenza delle situazioni delle quali parlava, continui confronti con contesti europei e internazionali per aprire e ripensare alla scrittura critica. Il Convegno ha voluto restituire il ritratto di una donna critica militante la cui scrittura rigorosa e appassionata al contempo, ha saputo registrare e descrivere in maniera indipendente una storia dell'arte sempre considerata come il crocevia di contraddizioni, discontinuità, aperture e vitalità delle ricerche artistiche. Gli anni dell'insegnamento all'Accademia di Belle Arti L'Aquila sono stati, inoltre, lo spunto per la giornata di studio che questo libro documenta.

Come delle vere e proprie partiture visive, le opere di Alberto Magnelli riescono a trasportarci in una dimensione altra, segnata da una musicalità sommessa e garbata, frutto di una calibrata definizione formale. In questo volume, l'elegante orchestrazione dei colori che caratterizza la sua complessa parabola creativa, protagonista della mostra Armocromie organizzata al Museo Novecento, si offre come chiave di lettura dell'universo pittorico del grande artista: un universo fatto di infinite variazioni, crescendo improvvisi e delicate sospensioni, che si rivela oggi in tutta la sua vitale creatività.

Quella con Chiara Camoni è una relazione che si è sviluppata nel tempo, fin dalla sua partecipazione alla sesta edizione del Premio Santa Croce Grafica (2011), la prima che vedeva l'invito rivolto ad artisti che, tra le tante altre tecniche, usano anche la grafica e in particolare le tecniche calcografiche all'interno di una produzione più vasta. Nel 2015 l'artista ha realizzato per noi un progetto generoso e bellissimo: La Ninessa e altre creature è stata la mostra con cui l'artista ha risposto all'invito della Direttrice Ilaria Mariotti a guardare l'intero archivio delle opere del Gabinetto dei Disegni e delle Stampe del Comune di Santa Croce sull'Arno e a tracciare alcuni possibili percorsi di dialogo con questa collezione preziosa e di assoluto interesse. Sicché l'ingresso in collezione di Autoritratto (una luna) di Chiara Camoni, reso possibile dal Bando "Cantica21. Italian Contemporary Art Everywhere", è stato per noi motivo di grande orgoglio e soddisfazione che declina un percorso continuativo nel tempo che salda passato e presente, mette in relazione artisti di generazioni diverse, rigenera il senso di collezione, archivio, patrimonio. (Dall'Introduzione di Giulia Deidda)

Ciò che ha guidato negli anni l'attività della Fondazione Malvina Menegaz per le Arti e le Culture è stata la profonda visione di come l'arte sia una lente d'ingrandimento sulla realtà, capace di attraversare la complessità e, in un certo senso, di tradurla. Dal piccolo borgo di Castelbasso alle megalopoli l'arte ha il potere di toccare la vita delle persone, attivare riflessioni, critiche, domande sul nostro presente. E in questo senso, come presidente della Fondazione, sono molto orgoglioso di poter presentare l'artista protagonista della mostra di quest'anno, legato a Castelbasso da comuni radici e visioni: Giuseppe Stampone. Nato in Francia da genitori abruzzesi e arrivato nel nostro territorio all'età di sei anni, Stampone è oggi presente in importanti musei e collezioni in Italia e all'estero. A Castelbasso Stampone presenta una doppia personale, a palazzo de Sanctis e a palazzo Clemente, concepita come la prima retrospettiva sui suoi trenta anni di attività, dal 2004 al 2024. Il tema principale delle opere esposte è il ritorno alle origini, al punto zero, da cui ri-creare il mondo: da qui il titolo della mostra, Game Over. Questa retrospettiva in due sedi è curata da Ilaria Bernardi che da sempre ha operato per la promozione e l'approfondimento dell'arte italiana sviluppatasi dagli anni Sessanta fino ai giorni nostri. La mostra si pone in prospettiva di estrema continuità con la vocazione storico-artistica della Fondazione, che da sempre presenta i lavori dei più grandi artisti italiani, e con la sua vocazione partecipativa, tenendo a intessere un rapporto diretto co

Ogni fotografia di questo libro è la descrizione di un incontro magico, tra la libertà e la grazia degli uccelli e le forme audaci e innovative delle sculture di arte ambientale che stanno silenziose, come in attesa di questi animali, creando un'armonia che celebra sia la creatività umana che la bellezza naturale.

Accanto di Eugenia Vanni entra a far parte del Gabinetto dei Disegni e delle Stampe del Comune di Santa Croce sull'Arno grazie al sostegno dal PAC2022-2023 - Piano per l'Arte Contemporanea, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. L'opera si compone di 15 formelle ad affresco su base in terracotta. Ognuna di esse è costituita da uno strato di arriccio (calce e sabbia) sul quale è visibile una sinopia realizzata con la tecnica a spolvero (la tecnica che si usa per riportare un disegno sulla parete da dipingere ad affresco), la cui matrice è una pagina di libro trovata forata in vari punti perché attaccata da anobidi (tarli). Le pagine che funzionano da matrice per quest'opera provengono da una serie di libri appartenuti alla famiglia di origine dell'artista allineati su uno scaffale uno accanto all'altro. I tarli hanno rovinato i libri creando gallerie e quindi forando molte pagine. Questi ci introducono in un percorso letterario privato e familiare composto da romanzi di formazione, libri scolastici, narrativa, poesia e documentazione storica. Ogni formella ha le stesse misure del libro da cui è stata tolta la pagina forata che ha dato vita alla sinopia, compreso lo spessore. Le formelle verranno sempre allestite a parete, rispettando l'ordine di ritrovamento nello scaffale della libreria. (Dall'introduzione di Ilaria Mariotti)

Fu soprattutto durante il regno di Carlo Alberto di Savoia, quando l'Accademia di Belle Arti trovò casa nel suo attuale edificio, che la collezione di stampe inizio a farsi particolarmente significativa. Quali di preciso siano stati gli acquisti fatti da Giovan Battista Biscarra non è possibile dirlo; è certo comunque che nel periodo in cui fu direttore dell'Accademia (dal 1821 al 1851) sia il numero delle stampe (incisioni e litografie) sia quello dei libri aumentò in modo considerevole per acquisti e per donazioni. Prendendo in considerazione una documentazione come quella che si ritrova nelle memorie delle sedute accademiche è possibile in particolare tracciare un quadro abbastanza chiaro dei donatori e delle loro motivazioni. L'elenco comprende personaggi importanti dello Stato, indotti al dono anche da opportunità politica (al di là di eventuali rapporti di amicizia con esponenti dell'istituzione); artisti, architetti e studiosi piemontesi ed «esteri», responsabili di altre accademie (tra cui anche quella di San Luca di Roma), per un logico scambio di testi ufficiali quali gli atti a stampa pubblicati annualmente in occasione della distribuzione dei premi agli allievi. (Dall'introduzione)

L'incontro con l'opera di Lorenzo Bonechi richiede uno sguardo sui fenomeni e la tradizione dell'area geografica del Valdarno e della Toscana. Questa zona che si avvalla fra le città di Firenze e Arezzo, una conca attraversata dal fiume Arno, è come un giardino nella sua distesa fertile, esito del vasto bacino idrografico nato in era pliocenica. Il paesaggio è ora caratterizzato dalla sinuosità collinare, percorsa da linee orizzontali, dove si trovano a cingere i monti del Chianti e il Pratomagno. Tra le varie ondulazioni si sovrappongono dei pinnacoli argillosi, le Balze, che frastagliano di tanto in tanto questo giardino aperto, calanchi risultati dal cuneo dei rivoli copiosi nello scandire del tempo. (Dalla prefazione di Giovanni Bonechi)

La nostra professione, dinamica e in costante evoluzione, richiede una qualità essenziale: la capacità di interpretare il presente guardando al futuro. Significa trovare soluzioni innovative, costruire valore e affrontare le sfide con una visione che coniuga creatività e pragmatismo. È un approccio che riflette lo spirito di Prato, una città unica, capace di porsi come ponte tra tradizione e innovazione, e di emergere come punto di riferimento nel panorama artistico e culturale contemporaneo. (Dall'introduzione di Paolo Biancalani)

Questo libro nasce da alcune esperienze e domande che le autrici e gli autori condividono in quanto persone interessate a contrastare le discriminazioni nelle istituzioni educative e nella società, in tutti quegli spazi in cui si produce, riproduce, comunica un sapere: la scuola, l'università, il museo, lo spazio pubblico urbano e non, i nostri stessi corpi. In che modo possiamo smettere di riprodurre posture e saperi egemonici, inferiorizzanti nei confronti di persone che la nostra società si rifiuta di riconoscere come soggetti umani e politici? I saggi contenuti nel volume, ciascuno da un punto di vista e un margine disciplinare diverso, si interrogano su come imparare a disimparare: per rendere i luoghi culturali e pedagogici degli spazi sicuri per tutte quelle persone che li sentono come escludenti, per trasgredire l'assetto coloniale dei nostri saperi, per costruire, a partire da un profondo riconoscimento e da una fondamentale reciprocità, saperi nuovi, radicali e trasformativi.

Assieme a pittori come Guttuso, Birolli, Scipione e ai loro predecessori Morandi e Casorati, Mario Mafai rappresenta una delle punte di diamante della Raccolta Alberto Della Ragione oggi conservata al Museo Novecento di Firenze. La sua nutrita presenza è segno dell'interesse dell'ingegnere Della Ragione, collezionista illuminato, per un'arte attenta alla vita ma alleata delle emozioni, vicina all'esistenza reale ma anche al sogno. Il catalogo raccoglie tutte le opere del pittore romano presenti oggi nella collezione permanente del Museo Novecento, tra cui molti paesaggi, nature morte e nudi, realizzate nel periodo a cavallo del secondo conflitto mondiale: dalla stagione della Scuola Romana, che Mafai condivide con la moglie artista Antonietta Raphaël e con l'amico Scipione, fino alle opere nate durante la guerra, che raccontano l'impegno politico e sociale in difesa dell'uomo.

Negli ultimi venti anni, a pochi chilometri da Firenze, è cresciuto un vasto sistema di nuovi ambienti naturali frutto di inediti criteri di intervento progettuale e artistico legati al paesaggio e all'ecologia dei luoghi. Queste opere, ampiamente documentate in questo volume, costituiscono una straordinaria realtà e un grande patrimonio collettivo di interesse culturale, artistico, naturale e paesaggistico e si offrono al pubblico come un innovativo continuo connubio fra arte e ambiente, ambiente e arte. Con il coinvolgimento di numerosi esperti internazionali di cultura artistica e ambientale in un intenso programma di visite su campo, conferenze e dibattiti pubblici, questi ultimi svoltisi presso il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci di Prato, dal 2012 in poi si è aperto un ampio dibattito, denominato "Artlands", incentrato sull'azione del biologo Carlo Scoccianti, autore di questi interventi. Dall'insieme delle diverse riflessioni e considerazioni, anch'esse contenute in questa pubblicazione, è emersa con forza l'originalità di questo tipo di ricerca, estetica ed ecologica al tempo stesso, che si pone nel campo condiviso fra scienza, architettura e arte contemporanea: per la prima volta il paesaggio non è più l'oggetto che fa da sfondo o accoglie in sé un intervento o installazione (Land Art), non è il contesto fisico che contiene progetti architettonici né il complemento per nuove architetture, ma è esso stesso, con le proprie ampie dimensioni e caratteristiche, il soggetto che diviene opera d'arte (Art Land).