Il volume è diviso in due parti articolate in quindici capitoli, per un totale di oltre 550 pagine. La prima parte (la Vita) è strettamente biografica e si compone di dodici capitoli che ripercorrono i settantaquattro anni dell'esistenza di Morandi in un racconto fatto di parole e immagini, tutto basato su documenti d'epoca. La seconda parte (il Pensiero), si sviluppa in tre capitoli: il primo ripropone le sole cinque interviste da lui rilasciate nell'arco di cinquant'anni; il secondo riporta undici visite di personalità della cultura e dell'arte che tra il 1913 e il 1964 hanno incontrato l'artista e ne hanno così composto un ritratto a più voci; il terzo, forse il più necessario, cita testualmente numerose riflessioni dello stesso Morandi, tratte da sue lettere e appunti, preziosa testimonianza in gran parte inedita di un artista sempre molto restio a parlare di sé e del suo lavoro.

La pubblicazione che accompagna la mostra Daniel Buren. Fare, Disfare, Rifare. Lavori in situ e situati 1968-2025 (Palazzo Buontalenti, 8 marzo - 27 luglio 2025) si configura come un volume di ricognizione e approfondimento sul lavoro di Daniel Buren in Italia e dunque come un imprescindibile strumento di studio sulla figura di uno dei più importanti artisti contemporanei viventi. Il libro si apre con un dialogo tra Buren e Monica Preti, direttrice di Fondazione Pistoia Musei, che ripercorre alcuni dei momenti salienti delle presenze italiane dell'artista, introducendo l'atlante fotografico delle opere in mostra. Nel capitolo seguente a cura di Michele Giuliano Cipolla, Annamaria Iacuzzi e Sophie Strefkerk, si dispone un capillare regesto degli interventi dell'artista in Italia dal 1968 a oggi corredato da un ricco apparato di photo-souvenir; un approfondimento visivo è dedicato ai lavori in situ e in situ permanenti. Chiudono il volume i contributi critici di Alessandra Acocella, Francesco Tedeschi, Riccardo Venturi e Annamaria Iacuzzi.

L'itinerario fotografico di Carlo Vigni trae origine da un invito a documentare e interpretare il paesaggio delle crete senesi, delle sue evoluzioni e delle sue meno note insistenze industriali. Questa ricerca si è concentrata specificamente su due stabilimenti di laterizi ormai non più attivi che per loro vocazione hanno contribuito alla trasformazione del paesaggio stesso, consumandolo e usandolo come materia prima, per poi restituirlo alla natura non privo delle tracce della fatica del lavoro occorso. Di questa logorante contrapposizione rimangono visibili sulla terra i segni: gli scavi e le fabbriche come trincee e bastioni, ormai teatri di una silenziosa tregua. Le opere di quattro artisti contemporanei, di stessa origine e generazione - Francesco Carone, Serena Fineschi, Giacomo Ricci ed Eugenia Vanni - contribuiscono a innescare una profonda riflessione sul rapporto tra l'uomo e il paesaggio, percepito e vissuto, sulla memoria e sulle molteplici identità dei luoghi attraverso la variabile del tempo.

Si possono leggere queste pagine come una sorta di erbario magico crepuscolare emerso da una serie di escursioni nei parchi attorno a Milano, in Brianza e verso il mare, luoghi legati alle mie radici, in cui vado alla scoperta di fiori e arbusti illuminati da un raggio di sole filtrato dagli alberi.

Ci sono artisti che scelgono di agire esclusivamente all'interno della catena formale del linguaggio artistico. Indagano, cioè, il mezzo espressivo: la sua modalità esecutiva, la sua dotazione sensoriale, il suo funzionamento percettivo. Marco Brandizzi, invece, sposta il focus dal funzionamento dell'arte alla sua funzione. Ossia s'interroga sul compito dell'arte in un sistema globalmente interconnesso, come quello odierno, contraddistinto da improvvise accelerazioni della Storia, ma anche da una progressiva elusione della complessità. Marco Brandizzi evita le tipiche preoccupazioni tardo-moderniste nei confronti del medium. Egli agisce identificando di volta in volta il mezzo più idoneo per la domanda di fondo. L'arte, infatti, è sempre la risposta a una domanda. Non necessariamente formulata in termini logici, questa domanda, per Brandizzi, si codifica spesso in istanze sociali e politiche; ma, prima ancora, etiche. Per lui la tecnica artistica è il supporto a una narrazione che sia esemplare. Tuttavia, la condizione di un'arte "di servizio", intesa quale braccio estetico dell'ideologia o, peggio, della propaganda, è sideralmente lontana dalla sua ricerca. L'azione artistica, nel suo caso, è e resta un fenomeno legato al dibattito culturale. Brandizzi è alieno da paternalismo come da ogni tentazione pedagogica, per lui l'arte è la specola da cui osservare criticamente il mondo, è un'azione formale e formativa che si compie nel mondo. Il resto è la follia dei politici.

È un grande piacere e allo stesso tempo uno degli obiettivi più riusciti per una istituzione accademica partecipare alla Biennale di Venezia Architettura con un progetto pensato appositamente per Campo San Lorenzo dai nostri studenti di Scultura dell'Accademia di Brera. Questi giovani artisti insieme a Gabriella Lo Ricco e a Vittorio Corsini che li hanno seguiti e coordinati con grande cura, hanno portato nella realtà le pratiche di relazione con lo spazio e con le persone che caratterizzano le ricerche più interessanti e diffuse dell'arte contemporanea. Ringrazio tutti gli studenti per il loro entusiasmo e per la qualità della loro partecipazione e naturalmente il Padiglione della Repubblica di San Marino per la magnifica opportunità che ci ha concesso. (Donata Lazzarini)

Con il progetto espositivo dedicato a David Tremlett (Antoher Step e The Organ Pipes) la Fondazione Palazzo Magnani si confronta - come mai aveva fatto in precedenza - con una complessa committenza di arte pubblica. "Complessa" per almeno tre motivi: innanzi tutto per la dimensione e le caratteristiche fisiche dell'intervento all'exmangimificio Caffarri, 13 silos per 750 mq di superficie dalla lunghezza complessiva di 75 metri, una facciata da 100 metri quadrati, per un'altezza di 11,30 metri ciascuno; secondariamente per la necessità di introdurre il visitatore al percorso di uno dei più importanti artisti viventi, di cui The Organ Pipes diventa una tappa davvero significativa; terzo - e forse più importante motivo - per la possibilità di crescita che una operazione culturale simile consente al territorio di Reggio Emilia. (Dall'introduzione)

Il sistema degli enti di beneficenza, pur con tutti i suoi limiti, le sue contraddizioni e le sue storture, ha rappresentato comunque un punto di sviluppo importante e di crescita generale a favore delle popolazioni più disagiate. In questa evoluzione, le straordinarie figure di Niccolò Puccini prima e di Tommaso Conversini poi, rimangono esempio di dedizione totale ad un modello sociale più equo e più distribuito, seppur in qualche modo condizionato da un atteggiamento paternalistico ed aristocratico frutto dei tempi in cui è maturato. Questo niente toglie alla grandezza ed al coraggio dimostrato dai due mecenati ad aver destinato i propri patrimoni a favore del progresso della città, devolvendoli al bisogno educativo e lavorativo dei ragazzi appartenenti ai ceti più sfortunati. Niccolò Puccini e Tommaso Conversini, estremamente diversi nelle idee e nel pragmatismo, hanno inciso profondamente nelle vicende pistoiesi da fine Ottocento in poi, prima separatamente, poi attraverso Istituti Raggruppati, unico soggetto oggi titolato ad essere custode della loro memoria e del loro patrimonio, sia economico che intellettuale. (Dall'introduzione di Umberto Grieco)

La mostra Routes di Elena Mazzi nasce attorno al dialogo con tre opere della collezione permanente del Museo Novecento di Firenze - Il veliero di Mario Sironi (1929-31), Contadini in strada/Uomo davanti alla stufa di Renato Guttuso (1938 ca.) e Vita Bioplastica di Enrico Prampolini (1938) - e si struttura come un immaginario viaggio che dalla Sicilia attraversa l'Italia, ci conduce in Islanda e poi in Cina, suggerendo diverse possibili traiettorie. Il presente volume intende approfondire il processo creativo che ha guidato la realizzazione della mostra così come la poetica dell'artista, concentrata sul rapporto tra l'essere umano e l'ambiente in cui vive e sulle strategie in atto per rispondere alle emergenze sociali ed ecologiche del nostro tempo.

L'artista ha individuato un luogo simbolico del Museo di Faenza, la scala, che è la "vena dell'architettura", il punto in cui la progettualità dello spazio risente della percezione dei volumi. Questa installazione presentata per l'ingresso principale del Museo si caratterizza fin dalla sua concezione per un ambivalente gioco di parole: nella sua etimologia anglosassone "stairing" è l'azione di guardare ma anche di salire la scala. Maggini propone un dialogo con il grande pannello di Alberto Burri, posto esattamente di fronte, e con lo stesso visitatore che viene coinvolto nella visione e nella percezione dell'opera, accolto dal materiale, la ceramica, che rappresenta il focus delle raccolte stesse del Museo. Il visitatore viene dunque avvolto da un flusso creativo, in contrasto con la severità razionalista dell'architettura dell'ingresso, un flusso vitale espresso dalle tonalità cromatiche impiegate, in un dichiarato contrasto che diviene dialogo tra generazioni, tempi, storie e materiali. (Dall'Introduzione)

Quando con i miei fratelli pensavamo a questo libro, ci veniva voglia di intitolarlo così: PNRR un'occasione inaspettata. Era infatti da tempo che nostro padre Giuliano, da sempre attento e impegnato a curare la tenuta di Celle, cercava una soluzione per l'inarrestabile danno idrogeologico che aveva colpito i giardini barocchi davanti alla villa. Quando è uscito il bando del PNRR: Programmi per valorizzare l'identità dei luoghi: parchi e giardini storici finanziato dall'Unione europea Next Generation EU, ci è sembrato che si presentasse l'opportunità per procedere al consolidamento e al ripristino di tanta bellezza, traccia dell'impegno degli allora proprietari Fabroni. Ci veniva inoltre data anche la possibilità di compiere un censimento delle piante storiche del giardino e del parco ottocentesco. Si è formato così un gruppo di progettisti e di maestranze di prima qualità che ci hanno permesso di vedere rifiorire qualcosa di prezioso per tutto il territorio pistoiese. Il bando richiedeva inoltre di lavorare sul tema della comunicazione e dell'agibilità da parte del pubblico, sulla scorta di quanto si fa già a Celle da più di quarant'anni: i visitatori entrano e fruiscono di una visita guidata. Vi abbiamo, quindi, aggiunto un rinnovamento della piattaforma web e social media. In questi tre anni di lavoro abbiamo visto e imparato molto, non sono mancate le ansie ma anche lo stupore delle scoperte. Per questo, abbiamo pensato di prenderci del tempo per una giornata di riflessione, aperta al pubblico, il prossimo 19 ottobre. Abbiamo invitato vari esperti internazionali di cura

Come progettare spazi urbani che consentano esperienze di qualità per corpi in movimento? Dentro le cornici di un'urbanistica ancora radicata a una conoscenza strettamente razionalista, i corpi destinatari dei progetti degli spazi pubblici contemporanei sono trattati per lo più come oggetti funzionali a un sistema governato da logiche economiche. Coreografare esperienze urbane diventa allora l'invito a una progettazione spaziale che integra gli approcci tecnicisti dell'urbanistica con quelli più sensibili delle arti performative: una progettazione dinamica, praticata nella forma di corprogettazioni da corpi intesi come soggetti attivi e vivi, che tornano a sentire e a sentirsi. Perché "solo sentendoci vivi nei luoghi possiamo ricreare, molecola per molecola, una città abitabile". Postfazione di Pietro Gaglianò.

Dove la notte ancor s'arrende è un'opera sognante che si sottrae a una facile catalogazione: costruito come un passo a due, è un volume di poesia e, assieme, un percorso attraverso una serie di lavori inediti, elaborazioni digitali da fotografie. Le parole sottraggono di continuo lo sguardo alle immagini e, altrettanto, la sequenza delle immagini anticipa e incalza il movimento dei versi. In questo libro Elena El Asmar torna sulla coniugazione tra poesia e visualità, già sperimentata in una recente pubblicazione, immergendo chi legge in una dimensione onirica e notturna. Si ripropongono qui temi già noti a chi segue la sua ricerca: il potere creativo della memoria, la sua estensione nelle forme dell'arte, un sentimento dell'antico che si coagula in visioni fuori dal tempo.

La mostra Corrado Cagli. Artista copernicano rende omaggio a uno degli artisti italiani più interessanti del ventesimo secolo, ripercorrendo in senso cronologico alcuni snodi importanti della sua parabola creativa. Dedicata alle opere donate alla città di Firenze dallo stesso Cagli e dai suoi eredi, l'esposizione riunisce i lavori giovanili e quelli della maturità, successivi all'esperienza dell'esilio negli Stati Uniti. Pittore e disegnatore, ma anche scenografo, scultore e creatore di arazzi, Cagli interpreta l'arte come una ricerca continua, come rivela la sua poliedrica attività, difficile da categorizzare e spesso oggetto di critiche e fraintendimenti. La mostra monografica dedicata a Mirko Basaldella offre un'ampia panoramica delle eclettiche sperimentazioni condotte dall'artista friulano, su cui incide, tra l'altro, l'assidua frequentazione di Corrado Cagli. Imperniata sulle opere donate al Comune di Firenze negli anni Settanta, la mostra consente di indagare la sua grande capacità di approfondire parallelamente più filoni di ricerca, contenutisticamente affini, ma linguisticamente distanti. Prende vita così un mondo di presenze inquiete, fra nuovi totem e animali fantastici, da cui emerge il costante e onnivoro interesse antropologico dell'artista per riti e figure di culture arcaiche e lontane.

SPLEEN è un progetto espositivo che nasce dall'esigenza di riflettere sul ruolo e la posizione che un'istituzione storica dell'arte e della critica contemporanea, la Fondazione Filiberto e Bianca Menna può avere all'interno del tessuto urbano e socio-culturale della città di Salerno. Le tre installazioni, di collettivo damp, Davide Sgambaro, Marco Strappato, sono state concepite e adattate al contesto della Fondazione con l'obiettivo di costruire una sorta di spazio transizionale dove l'esperienza dell'arte sia al tempo stesso esperienza della vita, dove l'opera d'arte possa inserirsi silenziosamente e luminosamente nella struttura programmata della città, sulla scia della riflessione di Filiberto Menna nella Profezia di una società estetica (1968).