Il volume presenta i risultati del progetto di ricerca condotto sull'opera San Giovanni Battista con l'ausilio delle più recenti tecnologie di diagnostica scientifica per l'arte, a quasi 40 anni dagli ultimi studi che l'hanno vista protagonista. Il dipinto, da tempo al centro delle attenzioni degli studiosi per la complessa problematica attributiva che interessa gran parte dei dipinti riferibili alla cerchia di Leonardo da Vinci, è stato esaminato con tecniche non invasive, direttamente presso la Pinacoteca Ambrosiana, nel corso di una straordinaria giornata di studi che ha visto lavorare di concerto le più diverse professionalità, tra storici dell'arte, restauratori ed esperti di diagnostica.

Il volume monografico, parte della collana Scritti, è dedicato ad Alberto Martini (1876-1954), simbolista, esponente dell'arte fantastica e tra i precursori del Surrealismo, in occasione del 70° anniversario della sua scomparsa. Pittore, ma soprattutto illustratore di opere letterarie, la sua predilezione per il disegno ha parzialmente limitato la sua fama tra i posteri. Tuttavia, le sue invenzioni visionarie e le sue originali quanto misteriose creazioni nate nel clima decadente del tempo, hanno arricchito il nostro immaginario. Artisti, musicisti, autori di fumetti e registi, da Dylan Dog ad Alfred Hitchcock, si sono ispirati a lui, imponendo oggi una rinnovata attenzione verso la sua straordinaria arte.

Il volume, parte della collana Scritti, presenta una selezione di saggi dedicati da Tanja Michalsky alla storia dell'arte, dell'urbanistica e dell'architettura di Napoli, scritti e pubblicati in lingua tedesca e qui presentati per la prima volta in traduzione italiana. Un'antologia - testi, monumenti, immagini, mappe e film - che racconta il tentativo di avvicinarsi alla città da diverse prospettive e lunghezze focali, ad altezza d'occhio. Attraverso un ampio spettro di studi che esplorano diversi aspetti, dalle singole tombe fino alle cappelle familiari e alle interpretazioni cartografiche storiche della città, fino ad arrivare all'analisi critica dei luoghi comuni su Napoli nel contesto cinematografico, il libro si snoda con l'intento di comprendere Napoli, o meglio: le caratteristiche rilevanti di Napoli.

Il volume raccoglie gli esiti della residenza d'artista della fotografa Marina Caneve (Belluno, 1988), evento realizzato nell'ambito del progetto _CONFINE_ Una ricognizione fotografica lungo il Rubicone sostenuto dal PAC2022-2023 - Piano per l'Arte Contemporanea, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. Il progetto nasce dal rimando storico, suggestivo e fortemente legato alla memoria del territorio di Savignano sul Rubicone - nel 49 a.C. Giulio Cesare attraversa in armi il fiume Rubicone, confine sacro oltre il quale un magistrato non poteva guidare le sue truppe, e così si contrappone alla Repubblica romana decretandone la fine - per legarsi alla presenza concreta del fiume, per concentrarsi sull'esplorazione dell'idea di confine. Ostacolo ed elemento di separazione rispetto al 'non conosciuto', frontiera, ma anche membrana permeabile che permette scambi, spazio di contaminazione, evoluzione, mutazione.

Il volume, settimo appuntamento espositivo del Museo d'arte moderna e contemporanea Biscozzi Rimbaud, è dedicato al rapporto tra una delle più grandi agenzie fotografiche del mondo, la Magnum Photos (fondata nel 1947 da Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger, William Vandivert che riunisce sessanta tra i migliori fotografi del mondo) e la Puglia. La pubblicazione raccoglie le 35 fotografie dei fotografi Herbert List, David Hurn, David Seymour, Burt Glinn, Bruno Barbey, Stuart Franklin, Guy Le Querrec, Martin Parr, Harry Gruyaert, Ferdinando Scianna, Patrick Zachmann, Ian Berry e Burt Glinn.

Il volume, inserito nella collana Scritti, è dedicato alle figure dei collezionisti Giorgio e Anna Fasol. I coniugi Fasol hanno scoperto e sostenuto giovani artisti, acquisendo le opere prime dei più grandi nomi dell'arte contemporanea, consigliato e formato nuovi collezionisti, in un continuo confronto con galleristi, critici e curatori. Attraverso una ricostruzione della loro lunga carriera, la pubblicazione è dedicata al mondo del collezionismo di cui evidenzia i tratti più salienti, in modo particolare quelli meno conosciuti che distinguono il vero collezionista dall'acquirente curioso, rapace o business oriented oggi onnipresente nel mondo dell'arte. Per i coniugi Fasol la passione e la fantasia sono gli ingredienti necessari per cogliere il senso dell'arte e avviare i giovani verso quei percorsi che permettono l'espansione della conoscenza.

Il volume raccoglie la produzione artistica di Federico Lissoni (1980-2023), giovane pittore che si è spento prematuramente a 43 anni, nel pieno di una promettente carriera, in piena fase di sviluppo. La pubblicazione presenta il corpus totale delle sue opere, organizzate in ordine cronologico. A partire dalle prime produzioni, in cui erano inseriti singoli elementi architettonici come colonne e capitelli, fino alle opere più recenti. In entrambe le produzioni, passata e presente, c'è il recupero di storie: mentre nelle prime opere si trattava di citazioni, della Storia con la 'S' maiuscola, del monumento, nelle ultime, attraverso le carte, i manifesti, i residui di tela viene esaltata la quotidianità, il popolare.

Il volume è dedicato alla straordinaria figura di Inge Morath (1923-2002), fotografa austriaca e prima fotogiornalista a entrare nella celebre agenzia Magnum Photos nel 1953. Nel 1955 pubblicò la sua prima raccolta di fotografie e alla fine della carriera si contarono 30 monografie. La pubblicazione raccoglie e racconta il suo lavoro, che prima di ogni cosa è la testimonianza di una passione e di una necessità verso la fotografia. Un rapporto maturato negli anni attraverso esperienze e incontri, nonché parte integrante della vita di una donna che è riuscita, con coraggio e determinazione, ad affermarsi in una disciplina all'epoca prevalentemente maschile.

Il volume, dedicato al pittore statunitense William Congdon (1912-1998), in occasione della 45° Edizione del Meeting di Rimini, in cui l'artista intervenne nel 1980, l'anno del suo esordio. La pubblicazione, divisa in due parti, presenta i quattordici quadri (di cui un inedito) e contiene, nella prima parte, le trascrizioni delle due interviste realizzate da Ubaldo Casotto a Congdon. Nella prima intervista, risalente al 1992, l'artista racconta dei luoghi della sua vita, dei suoi viaggi per il mondo e dei quadri a essi legati, nella seconda, invece, intervistato nel suo studio alla Cascinazza, parla di come partorisce i suoi 'figli', della solitudine, della guerra, del viaggiare, dello stare fermi, dell'avvoltoio morente e del Crocifisso. Nella seconda parte, viene riproposto - per gentile concessione dell'autore - il libro di Pigi Colognesi, trentaquattro lettere in cui il pittore parla al suo amico dei suoi quadri, di come sono nati, di come guardarli.

Il volume presenta l'opera del pittore Cesare Tallone (1853-1919), ritrattista di fama internazionale, in occasione della mostra a lui dedicata dal Museo Villa Bassi Rathgeb di Abano Terme a cui l'artista è strettamente legato grazie alla presenza del Ritratto della sorella Linda Maria. La pubblicazione, frutto degli studi di Silvia Capponi e Elena Lissoni, si concentra su un aspetto particolare della produzione ritrattistica di Tallone: i ritratti dei membri della sua famiglia da cui emerge una profonda riflessione sulla rappresentazione e autorappresentazione della società dell'epoca, con particolare attenzione al fenomeno dell'emancipazione femminile. In conclusione, un'opera di confronto internazionale, offre una diversa visione del mondo femminile, introducendo il pubblico al mondo della Belle Époque. La mostra e il volume si inseriscono nel più ampio studio condotto da Barbara Maria Savy e Raffaele Campion sul Museo Villa Bassi Rathgeb, indagando il rapporto tra Tallone e i Bassi Rathgeb, evidenziato dalla targa commemorativa presente sulla facciata del loro palazzo bergamasco.

Il volume fotografico è dedicato a Mimmo Jodice (Napoli, 1934), fotografo d'avanguardia fin dagli anni sessanta, attento alle sperimentazioni ed alle possibilità espressive del linguaggio fotografico. Protagonista instancabile nel dibattito culturale, ha portato alla crescita e successivamente all'affermazione e al riconoscimento della fotografia italiana anche in campo internazionale. La pubblicazione, nata dalla collaborazione tra Fondazione Zegna e CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, presenta la serie fotografica realizzata da Mimmo Jodice a Trivero, nel Biellese, negli spazi interni ed esterni del Lanificio Ermenegildo Zegna e nella circostante Oasi Zegna tra la primavera e l'inverno del 2008. 40 fotografie inedite raccontano tutti i tratti salienti della poetica del grande fotografo, in particolare la capacità di trasformare luoghi, edifici, oggetti ed elementi naturali in apparizioni metafisiche, sospese nel tempo e nello spazio, senza rinunciare alla riconoscibilità dei soggetti.

Il volume nasce dall'incontro dell'artista aretuseo Davide Bramante (1970) con le sale di palazzo Bellomo, scrigno di tesori di una Siracusa permeata da linguaggi artistici contaminati capaci di narrare l'evoluzione dei ruoli culturali vissuti dalla città e dal suo territorio. La pubblicazione restituisce l'intenso dialogo tra le collezioni della Galleria Regionale di Palazzo Bellomo - dai marmi bizantini ad Antonello da Messina, dalle ceramiche aragonesi ai Gagini e Laurana - e le creazioni di Bramante, fotografie artistiche a cui si si affiancano volumi tridimensionali in argilla, che raccontano di un intimo amore per i luoghi d'origine, utero materno, dell'arte, da cui tutto ha avuto inizio. Il progetto, opera di una curatela non convenzionale, governata ritmicamente da Laura Milani (imprenditrice, manager ed esperta in strategie per l'innovazione culturale) e liberamente strutturata da una eclettica équipe di Civita Sicilia, si unisce alle tante voci che raccontano la vivacità culturale del Mediterraneo e dell'Europa.

Il volume nasce in occasione della grande retrospettiva dedicata dal Jeu de Paume alla fotografa e attivista italiana Letizia Battaglia (1935-2022) e presentata allo Château de Tours. Famosa per il suo lavoro su Cosa Nostra, la mafia siciliana che regnò negli Anni di Piombo, il suo lavoro colossale - ha prodotto più di 500.000 fotografie - è tuttavia molto vario. Questo volume rivela il viaggio incandescente della fotografa dai suoi esordi a Milano negli anni '70 fino alla sua morte nel 2022 nella sua città natale. Mette in risalto, attraverso una selezione di circa 200 stampe originali e moderne, la straordinaria capacità di Letizia Battaglia di mostrare al mondo con passione ardente, in modo diretto, senza nascondere alcun aspetto, da quello più spaventoso a quello più poetico.

Il volume, prodotto dall'Istituto Italiano di Cultura di New Delhi, racconta la relazione tra due grandi discipline del pensiero creativo italiano - letteratura e design - attraverso una selezione di oggetti che spesso non sono solo parte di una scena sullo sfondo, bensì protagonisti delle vicende che si svolgono in racconti e romanzi. Alcuni sono vere e proprie invenzioni, nate dalla mente di scrittori geniali, i quali sono talvolta anche un po' 'designer', progettisti più o meno consapevoli di 'cose' che evocano mondi e immaginari. Altri sono oggetti quotidiani, che tutti insieme definiscono scenari, che funzionano nella narrazione letteraria come veri ritratti che identificano un'atmosfera fisica e psichica al tempo stesso, spesso in maniera molto più efficace di quanto non facciano i soli aggettivi di persona. Talvolta, invece, sono i testi letterari che innescano libere associazioni con oggetti iconici della storia del design, perfetti per dare forma a una descrizione fatta di parole, incarnando fisicamente le immagini mentali che la lettura attiva.

Lucca, città natale del celebre compositore Giacomo Puccini (1858-1924), celebra, in occasione dei cento anni dalla morte, il suo Genio, autore di opere considerate considerate di repertorio per i maggiori teatri del mondo: La bohème (1896), Tosca (1900), Madama Butterfly (1904) e Turandot (1926). Per la prima volta, il catalogo, presenta il rapporto tra il grande compositore italiano e il manifesto pubblicitario: le opere di Giacomo Puccini, infatti, scandiscono alcuni passaggi essenziali del manifesto lirico, che in Italia rappresenta il primo vero manifesto pubblicitario. Oltre 100 manifesti originali, dai manifesti storici a quelli contemporanei - opere fondamentali della grafica pubblicitaria europea -, raccontano la vita di Puccini e la storia d'Italia.

Il volume, presenta un corpus di opere grafiche, matrici, disegni, fotoincisioni dell'artista romano Andrea Lelario (Roma, 1965). Circa seicento disegni realizzati a penna su taccuini - in parte provenienti dal nucleo acquisito dal Gabinetto dei Disegni e della Stampe degli Uffizi e in parte realizzati appositamente per l'occasione -, una serie di incisioni e di fotoincisioni dedicate al Cosmo, alla campagna romana e al mondo onirico appartenente tanto allo spazio siderale quanto alla dimensione interiore. Il mondo tracciato nei disegni e nelle linee incise introduce l'osservatore a un viaggio onirico nell'intimità dell'immaginario e nell'elegia cosmica. Impronte terresti, metamorfiche e metaforiche profondità primordiali, lasciano affiorare un territorio segnico e simbolico dove microcosmo e macrocosmo coincidono.

Il volume presenta l'opera di Claudio Verna (Guardiagrele, 1937), uno dei protagonisti della pittura italiana degli anni '70 che fu esposto per la prima volta durante un'intensa espressione politica e culturale in Italia. In contrasto con la contemporanea Arte Povera, spesso considerata il movimento artistico definitivo nelle principali città italiane durante gli anni '60-'70, Verna mantenne l'importanza della pittura, un mezzo che la maggior parte aveva scartato. Figura di spicco della scuola della 'Pittura Analitica', Verna ha esplorato i fondamenti stessi del medium, dando vita a esplorazioni convincenti e vibranti di forma, colore e spazio. Le sue opere dopo il 1978 mostrano un improvviso cambiamento di tono, passando al gestuale e al dinamico, incarnando le forti affermazioni di Verna secondo cui non esisteva altro medium se non il colore in cui potesse mai esprimersi. Sia nella precisione geometrica delle sue prime opere che nell'audace liberazione del colore in quelle successive, le sue opere trasportano l'osservatore negli occhi policromi di Verna stesso.

Il volume, dedicato a Carlo Bossoli (1815-1884), accompagna la mostra presentata dalla Pinacoteca cantonale Giovanni Züst di Rancate e intende riproporre al pubblico un artista che affonda le proprie radici biografiche nella storia del Cantone Ticino, ma opera anche fuori dalla Svizzera, dapprima in Crimea e poi soprattutto a Milano e a Torino, conquistando immediatamente una straordinaria notorietà e innumerevoli prestigiose commissioni grazie alla qualità della sua sofisticata pittura a tempera. Il taglio monografico del libro ricostruisce, in una successione cronologica, l'opera dell'interprete e rinnovatore della tradizione della veduta, che viaggia e soggiorna tra l'Europa e il Medio Oriente, portando a termine una intensa e variegata produzione artistica.

Il volume monografico è dedicato a Giuseppe Zigaina (Cervignano del Friuli, 1924 - Palmanova, 2015) in occasione del centenario della sua nascita. Pittore, incisore e saggista italiano che si formò a Venezia e, dopo il 1950, fu tra i protagonisti della stagione neorealista del dopoguerra, caratterizzata da un forte impegno di carattere sociale e politico. Mantenendo costante l'impegno ideologico e il fondamentale riferimento ai dati della realtà, la sua ricerca si è volta a indagarne, dopo il 1967, i risvolti psichici e onirici con modi vicini all'informale. Un progressivo cammino verso l'interiorizzazione dell'immagine, con finalità evocative e allusive di sensazioni e sentimenti scaturenti dall'io profondo, che emerge da cicli di opere ben definiti in cui emergono tracce di paesaggi lagunari, ricordi drammatici della violenza della guerra, presenze inquietanti di farfalle notturne, misteriose apparizioni di astronavi indecifrabili, evocazioni della figura paterna, frammenti allusivi di esperienze di vita.

La Crocifissione, oggi conservata al Museo e Real Bosco di Capodimonte a Napoli, un tempo cuspide del polittico realizzato nel 1426 per la chiesa di Santa Maria del Carmine a Pisa, è uno dei capolavori di Masaccio (San Giovanni Valdarno, 1401 - Roma, 1428), l'artista che rivoluziona nel suo breve ma folgorante percorso la storia della pittura italiana.In uno spazio definito dal prezioso fondo oro, Masaccio interpreta il dramma raffigurando un dolore profondamente umano, concentrandosi solo su pochi elementi essenziali: le mani contratte che sporgono dal corpo massiccio della Madonna, avvolto da un ampio manto blu, le mani portate al volto del dolente san Giovanni, ma, soprattutto, le braccia alzate in un incontenibile moto di angoscia di una Maria Maddalena senza volto, raffigurata inginocchiata di schiena. L'esposizione di quest'opera, il fondo oro per eccellenza del primo Rinascimento, vuole essere un omaggio alla memoria del giurista e collezionista Alberto Crespi (1923-2022), che al Museo Diocesano Carlo Maria Martini ha donato la sua preziosa collezione di Fondi Oro.

Il volume accompagna la mostra antologica sul fotografo brasiliano Mario Cravo Neto (Salvador, Bahia, Brasile 1947 - Salvador, Bahia, Brasile 2009), tra le più importanti realizzate in Europa.?La pubblicazione ripercorre tutte le tappe del suo lavoro, dai lavori newyorkesi degli anni '70 fino alla serie Laroye in cui omaggia la spensieratezza, la gioia e l'unicità delle usanze della sua terra. Mario Cravo Neto nasce a Salvador, Bahia, nel 1947. Cresciuto in una famiglia di artisti, il padre Mario Cravo Junior è considerato il più importante scultore brasiliano il giovane Cravo Neto ha iniziato a interessarsi di scultura e fotografia all'età di 17 anni. Adolescente, viaggia con la famiglia in Europa dove scopre musei e luoghi storici e incontra numerosi artisti. Rientrato in Brasile nel 1965 termina gli studi e nel 1968 si iscrive al 'Art Student League' di New York, diretta da Jack Krueger, uno dei precursori del movimento concettuale. Due anni di studio che sono stati fondamentali per la sua formazione di uomo e di artista. Nel 1970, espone per la prima volta alla XII Biennale di San Paolo. A questa prima esperienza, seguiranno numerose mostre personali e collettive in Brasile e all'estero.

Nel più ampio progetto di riedizione degli scritti e delle corrispondenze di Federico Zeri, il volume prefatto dal prof. Adriano Prosperi e postfatto dal prof. Andrea Bacchi, è la riedizione di questo straordinario saggio di storia dell'arte in cui lo studioso analizza la natura dei rapporti tra arti figurative e controriforma, tra arte e religione. A partire dai dipinti di Scipione Pulzone da Gaeta, Zeri illumina la ritrattistica internazionale di corte del secondo Cinquecento in Europa, e mostra gli stretti rapporti esistenti tra la pittura italiana e quella fiamminga.

L'Istituto Villa Adriana e Villa d'Este - VILLÆ presenta una mostra dedicata alle proprie collezioni, arricchita da importanti acquisizioni di arte contemporanea grazie al progetto Artificialia et Mirabilia, vincitore dell'avviso pubblico PAC2021 - Piano per l'Arte Contemporanea. La nuova collezione ha il compito di integrarsi con le collezioni storiche evidenziando la stratificazione culturale dei siti e il rapporto con il paesaggio per promuovere il dialogo costruttivo tra passato e presente e la contaminazione tra luoghi antichi e pensiero contemporaneo, elemento identitario dell'Istituto. Il tempo è il vero protagonista dell'esposizione, avvolgendo gli oggetti e creando su di essi una stratificazione sia fisica, come nel caso dei reperti archeologici, sia simbolica. Le collezioni storiche delle VILLÆ sono quindi state messe in rapporto con le recenti acquisizioni, espandendo la loro narrazione oltre l'esposizione stessa e creando un ponte tra il passato, il presente rappresentato dall'arte contemporanea e il futuro per il quale l'Istituto le preserva. In questa chiave, la mostra e il catalogo curato da Andrea Bruciati danno oggi un nuovo impulso alla conoscenza e alla fruizione delle collezioni, attualizzandole alla luce della sensibilità e della creatività contemporanea.

Il volume indaga e presenta l'opera del movimento preraffaellita ed il suo rapporto con l'arte italiana. L'ampio progetto raccoglie sia i capolavori degli artisti fondatori del movimento, John Everett Millais, William Holman Hunt e Dante Gabriel Rossetti, che degli altri esponenti chiave come Edward Burne-Jones, Ford Madox Brown e Frederic Leighton. Il volume accompagna la mostra, tra le più importanti nel mondo, promossa dalla Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì che si compone di oltre 300 opere, tra cui dipinti, sculture, disegni, stampe, fotografie, mobili, ceramiche, opere in vetro e metallo, tessuti, medaglie, libri illustrati, manoscritti e gioielli.

L'affascinante tradizione dei presepi di carta si diffonde a partire dal XVII secolo in Germania, nel Tirolo e successivamente anche in Italia. Qui si sviluppa soprattutto in Lombardia intorno alla seconda metà del Settecento, con i primi esemplari realizzati da Francesco Londonio (Milano, 1723-1783), pittore che si dedica esclusivamente a tematiche bucoliche, scene di vita contadina e proprio alla produzione di presepi dipinti su carta. Il volume, a corredo della mostra nata dalla collaborazione fra il Museo Diocesano Carlo Maria Martini e le Raccolte Grafiche e le Raccolte Artistiche del Castello Sforzesco, racconta come, grazie alla fortuna dei modelli di Londonio e all'attività di affermati stampatori abbia preso avvio la tradizione, viva ancora oggi, dei presepi da ritagliare, ma anche di quelli a teatrino e pop-up, dei biglietti di auguri e persino dei calendari dell'Avvento, nei quali i presepi e la carta restano i protagonisti.

Con questo volume Amdl Circle propone un suo filone di ricerca progettuale intorno al concetto di muro, dal suo ruolo di naturale e storica protezione e sostegno, al rendersi leggero, disuniforme, trama architettonica, con un stile proprio che trova testimonianza non solo nelle architetture ma anche nel design dei prodotti; non una superficie dura e impenetrabile di separazione, ma un elemento che pone in relazione le funzioni degli ambienti e le emozioni di chi li vive e anima.

Il volume indaga e presenta l'opera di Henry Toulouse Lautrec, artista francese tra i maggiori del post-impressionismo, uno dei più acuti e interessanti disegnatori del suo tempo, soffermandosi sul contesto culturale in cui operava, sull'ambiente parigino di fin de siècle, nel quale artisti realisti, impressionisti e simbolisti si incontravano, condividendo esperienze e momenti di vita quotidiana. Più di 200 opere, di cui 60 realizzate da Toulouse Lautrec, riconducono storicamente l'artista e i suoi colleghi nel più ampio ambito critico e artistico dell'epoca, rivelando affascinanti suggestioni e tangenze. Il volume accompagna la mostra a Palazzo Roverella, che prosegue l'indagine sulle grandi figure artistiche europee del XX secolo. Oltre ai saggi dei curatori il catalogo è arricchito dagli studi di Nicholas Zmelty sulla Grafica, di Johan Naldi su Les Arts Incohérents di Mario Finazzi sugli artisti spagnoli a Parigi tra ottocento e novecento.

Nel 1961, Saul Steinberg (Râmnicu Sa?rat, 1914 - New York, 1999), disegnatore e illustratore rumeno naturalizzato statunitense, tra i più importanti disegnatori del XX secolo, accettò l'invito di Ernesto Rogers di intervenire sull'atrio della milanese Palazzina Mayer e decise per la prima e unica volta nella sua carriera di lavorare sull'intonaco fresco sviluppando il tema del labirinto, ma soprattutto esplicitando i fondamenti della sua propria poetica. Il volume presenta le foto scattate da un giovane Ugo Mulas, che nel 1962 fu incaricato di fotografare l'opera, accompagnate dalle istruzioni scritte che Steinberg gli lasciò. La pubblicazione costituisce l'inedita testimonianza della collaborazione tra Saul Steinberg e Ugo Mulas, una dozzina di rullini scattati dal fotografo con la sua Asselblad che rimasero tuttavia inutilizzati. Nel frattempo i graffiti deperirono e la Palazzina Mayer, venduta alla morte del proprietario, nel 1998 fu ristrutturata senza riguardo alcuno al graffito, che scomparve così con i detriti.

Il volume presenta la ricerca a cura di Clario Di Fabio, Laura Cavazzini e Paola Vitolo, sui metodi e sugli strumenti con cui lo storico formula ipotesi di ricostruzione dei contesti originari, quanto della 'lunga vita' delle opere scultoree. La pubblicazione raccoglie la prima compiuta presentazione delle ricerche condotte nel corso del biennio (2021- 2023), un tema di studio finora mai affrontato attraverso un approccio sistematico di così larga scala.

Il volume - nato dalla collaborazione tra CAMERA  - Centro Italiano per la Fotografia e Fondazione Cassa di Risparmio di Cuneo, curato da Barbara Bergaglio, accompagnato da un testo di Mario Calabresi - presenta 50 immagini di Michele Pellegrino (Chiusa Pesio, 1924), una sintetica antologica dell'intero suo percorso creativo, tra montagne, ritualità, volti e momenti del mondo contadino, che narrano la passione di Pellegrino per la sua terra.