Tra tutti gli elementi materiali i gioielli hanno un potere raro: producono nuovi gesti, muovono oggetti, generano riti. Perché un gioiello avvia sempre una relazione tra chi lo sceglie e chi lo riceve, tra chi lo ha posseduto un tempo e chi lo eredita; ma soprattutto tra chi lo ha immaginato e chi lo porterà sulla propria pelle. Questa è pertanto una storia di gioielli che inventano nuovi riti e riportano ad antiche emozioni; ma anche di vite intrecciate e di piccoli, fugaci riflessi luminosi capaci di aprire un vortice su memorie e sogni. Il libro Due nomadi gold. Dal gioiello poetico al design esperienziale. 25 anni di creazioni Atelier VM, racconta la storia dell'atelier fondato nel 1998 da Marta Caffarelli e Viola Naj Oleari, due designer milanesi che nel loro laboratorio orafo producono oggetti preziosi ed esperienze legate al gioiello; una storia di passione, imprenditoria, creatività e amicizia che si saldano come oro e pietre preziose in un connubio che dà vita ad un marchio oggi sempre più apprezzato e diffuso in tutto il mondo.

Successe così. Una mattina Ugo si svegliò e... Non era più Ugo. O almeno... Non era più lo stesso Ugo di prima. Crescere significa cambiare giorno per giorno e il piccolo Ugo lo sta scoprendo sulla sua pelle! Un giorno si sveglia ghirigoro, un giorno puntinato e un altro ancora si sveglia tutto tratteggiato; e ogni cambiamento influenza il suo umore e il suo comportamento a scuola e con gli amici. Ma Ugo è sempre Ugo, anche se ogni mattina si sente un po' differente... E in fondo che gusto c'è a essere sempre tutti uguali? Un libro sul cambiamento, sull'accettazione della trasformazione e della crescita, sul concetto traballante di 'normalità'. Fino alle ultime pagine gli adulti non si vedono mai per intero, ma solo fino alla vita. Un escamotage che ci regala una sorpresa nel finale della storia, e ci racconta che crescere significa anche scoprire la complessità e la fallibilità dei propri genitori. Età di lettura: da 7 anni.

Questo libro e questo progetto sono un omaggio alla zattera (da intendere qui come categoria astratta e non solo in senso letterale), che è allegoria di un viaggio che ci accomuna e metafora della nostra natura intrepida che spesso tendiamo a dimenticare. Francesco Faccin. La zattera è un oggetto immaginifico, indispensabile, che nella storia dell'uomo ha rappresentato in varie forme la capacità di adattamento, l'attaccamento alla vita o il desiderio di andare altrove. Facendo della zattera un'allegoria della capacità di progettare, Francesco Faccin raccoglie in questo libro dieci storie emblematiche e di ispirazione, che ci ricordano l'importanza dell'intuizione e della capacità di rompere le regole quando necessario. Il viaggio attraverso l'Oceano Pacifico di Thor Heyerdahl nel 1947, le balsas costruite dai cubani per sfuggire al regime di Fidel Castro, le imbarcazioni dei pescatori in Camerun composte interamente di bottiglie di plastica, la mongolfiera con cui un muratore e un meccanico nel 1979 attraversarono il confine della Germania Est. Dieci diverse storie per ricordarci che progettare è una necessità primigenia dell'uomo e quindi un atto che va coltivato come antidoto all'alienazione: 'Progettare per non essere progettati' come insegna Enzo Mari. Zattere fa parte della Collana Visual Essay, una raccolta di libri per chi cerca nuovi spunti visivi per guardare la realtà.

Vetrina fondamentale per scoprire le tendenze e gli artisti dell'illustrazione, la Mostra Illustratori di Bologna Children's Book Fair ha accompagnato per oltre 50 anni l'evoluzione del libro per ragazzi, diventando uno dei più importanti appuntamenti mondiali nel panorama dell'illustrazione per l'infanzia. L'Illustrators Annual 2024 raccoglie le illustrazioni di 78 artisti provenienti da 31 paesi, selezionati per la 58a Mostra Illustratori tra oltre 3500 candidati. Un grande catalogo che offre una visione dell'universo illustrato attraverso le sfaccettature di ogni angolo del mondo, con una selezione di immagini che seguono il fil rouge della creatività e della ricerca di un grande impatto emozionale, scelte dai quattro membri della giuria di quest'anno: Marco Ghidelli (co-fondatore di Raum Italic), Xiaoyan Huang (fondatrice di Everafter), Lee Ho-baek (fondatore della casa editrice Jaimimage e illustratore), Oyvind Torseter (autore e illustratore). La copertina del 2024 è stata realizzata dall'illustratrice Paloma Valdivia, vincitrice del Grand Prix 2023. Ad anni alterni, la copertina viene realizzata dai vincitori dell'H. C. Andersen Award e del Grand Prix della Biennale di Illustrazione di Bratislava, rendendo il volume un meraviglioso oggetto da collezione per tutti gli appassionati. Il volume presenta, oltre a tutti i lavori selezionati, i contributi dei cinque membri della giuria e l'intervento dell'illustratore e fumettista Igort.

Tipolastrocche. Filastrocche tipografiche è un volume sofisticato in cui le filastrocche tradizionali dialogano e si intrecciano con eleganti caratteri tipografici usciti dalla geniale matita di Louise Fili. Un gioco di rimandi e reiterazioni in cui l'autrice, punto di riferimento internazionale nell'ambito del graphic e type design, combina elegantemente rime e lettering, dando vita a nuove composizioni che non mancheranno di affascinare adulti e bambini. Di pagina in pagina vediamo le lettere animarsi, cambiare colore, forma e dimensione; le seguiamo mentre si muovono, cadono, corrono, si piegano e scivolano via, come personaggi pieni di vita. Il lettore ritroverà le più celebri filastrocche come Ladybug, Humpty Dumpty, Tre topolini ciechi e tante altre vecchie conoscenze vestite di nuovi e aggraziatissimi abiti editoriali! Età di lettura: da 5 anni.

Successe così. Una mattina Ugo si svegliò e... Non era più Ugo. O almeno... Non era più lo stesso Ugo di prima. Crescere significa cambiare giorno per giorno e il piccolo Ugo lo sta scoprendo sulla sua pelle! Un giorno si sveglia ghirigoro, un giorno puntinato e un altro ancora si sveglia tutto tratteggiato; e ogni cambiamento influenza il suo umore e il suo comportamento a scuola e con gli amici. Ma Ugo è sempre Ugo, anche se ogni mattina si sente un po' differente... E in fondo che gusto c'è a essere sempre tutti uguali? Un libro sul cambiamento, sull'accettazione della trasformazione e della crescita, sul concetto traballante di 'normalità'. Fino alle ultime pagine gli adulti non si vedono mai per intero, ma solo fino alla vita. Un escamotage che ci regala una sorpresa nel finale della storia, e ci racconta che crescere significa anche scoprire la complessità e la fallibilità dei propri genitori. Età di lettura: da 7 anni.

Parasite 2.0 è uno studio indisciplinato di narrazione spaziale con sede a Milano, un'agenzia di progettazione e ricerca che opera a metà tra architettura, design e scenografia. Collective keywords districa le narrazioni che guidano la loro pratica attraverso una miscela di parole, concetti e immagini. Questo saggio visivo traccia cinque termini chiave - Stigmergy, Artificial Nature, Desert Islands, Sampling e Primitive Future - mentre Parasite 2.0 naviga senza soluzione di continuità, interconnettendo la propria pratica con le ispirazioni visive. Il risultato è un progetto per un nuovo approccio al design fondato sulla multidisciplinarietà e sulla sperimentazione, che dimostra la necessità di strategie di navigazione innovative nel nostro mondo contemporaneo. Collective Keywords fa parte della Collana Visual Essay, una raccolta di libri per chi cerca nuovi spunti visivi per guardare la realtà.

Le storie, le idee, i prodotti, nel racconto di un'azienda che da quarant'anni accompagna l'evoluzione del design della luce. Per qualcuno può essere semplicemente fare luce. Foscarini 1983/2023 è una monografia composta di sei percorsi tematici ciascuno comprensivo di un approfondimento critico e una selezione di lampade, con un regesto dell'intera produzione. 'Sono passati quarant'anni, ma quando accendiamo una nuova lampada è sempre come la prima volta. Perché c'è qualcosa di magico nell'attimo in cui un'idea, diventata un oggetto che illumina, mostra la sua luce. È il fascino ancestrale della nascita della luce - materiale immateriale che plasma il nostro mondo - che ci fa dire, ancora dopo quarant'anni, che la lampada più importante è sempre la prossima. E ci spinge a continuare a coltivare quei corti circuiti umani con progettisti, artisti, artigiani senza i quali nessun nostro progetto prenderebbe forma'.

Le storie, le idee, i prodotti, nel racconto di un'azienda che da quarant'anni accompagna l'evoluzione del design della luce. Per qualcuno può essere semplicemente fare luce. Foscarini 1983/2023 è una monografia composta di sei percorsi tematici ciascuno comprensivo di un approfondimento critico e una selezione di lampade, con un regesto dell'intera produzione. 'Sono passati quarant'anni, ma quando accendiamo una nuova lampada è sempre come la prima volta. Perché c'è qualcosa di magico nell'attimo in cui un'idea, diventata un oggetto che illumina, mostra la sua luce. È il fascino ancestrale della nascita della luce - materiale immateriale che plasma il nostro mondo - che ci fa dire, ancora dopo quarant'anni, che la lampada più importante è sempre la prossima. E ci spinge a continuare a coltivare quei corti circuiti umani con progettisti, artisti, artigiani senza i quali nessun nostro progetto prenderebbe forma'.

'Un piatto ben riuscito è come un'opera d'arte, una miscela perfetta di regole e fantasia'. La Libreria BRAC di Firenze da quindici anni coniuga la buona cucina vegetariana e vegana e l'editoria dedicata ai linguaggi dell'arte contemporanea. Una formula che è espressione delle passioni dei due titolari, Sacha e Melisa: uno chef fantasioso specializzato in cucina vegetariana e vegana innamorato del fumetto e dell'illustrazione e una bibliofila con interessi verso la contemporaneità in tutte le sue forme espressive (arte, teatro, danza, cinema, fotografia). Dalla sua apertura nel 2009 a oggi, la Brac ha organizzato e ospitato circa 1800 incontri e presentazioni di libri, promosso e realizzato diverse rassegne, eventi e mostre. Questo volume raccoglie 80 ricette, nate e servite all'interno della BRAC, affidate alla libera interpretazione di 78 artiste e artisti contemporanei. 'Fra loro' come scrive Pietro Gaglianò 'ci sono tutti gli ospiti di Scripta, assieme agli amici amati, frequentatori assidui della libreria e dei suoi programmi, alle persone che vi sono passate e che rimangono sempre presenti, assieme ad altre che non sono mai state alla Brac ma che, per legami virtuosi o virtuali, per amicizia o per affinità, costituiscono una parte fondante del suo universo di arte, libri e parole.'

'Quidquid latet apparebit' non è tanto un libro di memorie, quanto una sorta di rilettura di documenti ritrovati durante il trasloco del deposito/studio dell'autore alla vigilia del lockdown del 2020. Dal disordine di pagine e pagine emergono documenti di ogni tipo, che a loro volta risvegliano ricordi di ogni tipo. Cercando di conferire un certo ordine a questo insieme caotico nasce così una nuova sequenza di opere, di fatti, di avvenimenti, che ricostruisce una storia 'altra' delle diverse attività di Adriano Altamira, dai primi anni fino al giorno d'oggi. In questa carrellata emergono anche le figure di amici e compagni di viaggio, momenti creativi, situazioni e incontri.

How to [...] on design education raccoglie sei conversazioni tenute nel 2022 presso l'ISIA di Urbino in occasione della XVI edizione del Premio Nazionale delle Arti. Ne emerge un confronto sulla didattica del design in ambito nazionale e internazionale - grazie all'intervento di docenti, studentesse e studenti, designer - con l'intento di integrare posizioni di ricerca, necessità gestionali, richieste e aspettative della comunità educante. 'In un contesto segnato da crisi politiche, ambientali e sociali, il design non può esimersi da un profondo rinnovamento che prenda le mosse dall'acquisizione di consapevolezza in merito alle sue responsabilità, ai suoi limiti, alle distorsioni e discriminazioni cui esso ha partecipato e partecipa. Su questa consapevolezza si fondano nuove pratiche inclusive e sostenibili di cui le conversazioni raccolte in questo volume raccontano'. Jonathan Pierini, progettista grafico, direttore ISIA Urbino 2017/2023. Con gli interventi di: Danah Abdulla, Mahmoud Keshavarz, Jonathan Pierini, Matthias Görlich, Lena Mahr, Markus Miessen, Marco Ferrari, Joseph Grima, Vera Sacchetti, Lisa Baumgarten, Nicola Chemotti, Nina Paim, Silvia Sfligiotti, Patrick Lacey, Alessandro Petti, Marco Tortoioli Ricci, Davide Fornari, Ellen Lupton, Leonardo Sonnoli.

La più classica caffettiera italiana prende vita e si trasforma, attraverso un fantastico lavoro di scomposizione, in un racconto avventuroso. Il pomello diventa un fiammifero, il manico una porta, il filtro una galleria... E così il protagonista, un uomo in cerca della libertà, riesce alla fine ad evadere da una misteriosa prigione e a conquistare il premio di tanta fatica: una pausa-caffè in compagnia di un eroe. Un racconto, per bambini e adulti, nero, denso, eccitante. Massimiliano Tappari è un lettore dello spazio: riesce a trovare personaggi e storie che si nascondono nelle facciate delle case, nei contorni delle foglie, in qualunque piccolo oggetto o grande edificio sia intorno a lui. Durante i laboratori riesce a trasmettere la sua arte ai bambini, che si divertono subito a diventare piccoli lettori dello spazio, ma anche agli adulti (così poco abituati a scoprire il lato fantastico della realtà circostante).

Se diciamo 'menrui' stiamo dicendo 'pasta' in giapponese e, proprio come in Italia, questa parola racchiude un mondo vasto e variegato di tipologie, ricette e occasioni in cui questa pietanza amatissima viene cucinata. In questo libro l'illustratrice Yocci e Aya Yamamoto, fondatrice della Gastronomia Yamamoto, entrambe nate e cresciute in Giappone, ci portano alla scoperta di un piatto che ha secoli di storia e su cui c'è molto da imparare! Una storia affascinante che parla di samurai, inventori, mercanti, e persino astronauti! Soba, yakisoba, udon, kishimen, harusame, hiyamugi, chanpon e le altre tipologie di pasta descritte in queste pagine danno vita a un variegato e gustosissimo arcipelago di ricette, con tantissime combinazioni possibili di ingredienti e di modalità di preparazione. Dopo Il menù di Yocci e Onigiri koro koro, Menrui tsuru tsuru torna ad affascinarci con l'inconfondibile stile leggero, fresco e giocoso di Yocci e con l'esperienza culinaria di Aya Yamamoto; un invito a mettersi ai fornelli e a lasciarsi affascinare da ricette, abitudini culinarie e storia di uno dei cibi più amati in Giappone e non solo, per scoprire che dietro un piatto di noodles c'è molto più di quanto possiamo immaginare!

«Questo taccuino è un invito a un incontro. Un incontro con il mondo che ci circonda, con i luoghi che ci sono cari e con quelli ancora da scoprire. Monica Guerra - pedagogista, professoressa universitaria e autrice che da anni lavora indagando il tema della partecipazione e dell'esplorazione come metodologia di formazione - ci invita a coltivare uno sguardo attento e sensibile, a guardare non solo con gli occhi e a fare dell'incontro con ogni luogo un'esperienza densa di significati. A completare questo libro saremo noi, con i nostri appunti e le nostre osservazioni, tenendo traccia di cosa accade nell'incontro con i luoghi che frequentiamo, facendoci guidare dalle domande e dalle suggestioni dell'autrice. In 'Taccuino per un luogo' troverai luoghi abituali da attraversare con nuove domande, luoghi frequentati da rivalutare (o trasformare), luoghi sconosciuti da scoprire, luoghi amati da custodire. Per un viaggio, quotidiano o straordinario, da raccontare in un modo nuovo.»

'L'Ex-Designer Project Bar rientra in un modello progettuale che combina i tre campi del mio lavoro: interior design, industrial design e food design, raggruppati in base all'applicazione di criteri derivati dai progressi tecnologici che modificano la nostra vita quotidiana e il nostro stile di vita'. Martí Guixé Nel 2015 Martí Guixé, in collaborazione con l'architetto Pau Badia, ha aperto a Barcellona l'Ex-Designer Project Bar, il primo bar costruito interamente con l'utilizzo di stampanti 3D. Documentato fin dall'inizio con le fotografie di Inga Knölke, il libro racconta la storia di un progetto visionario, le avventure dello spazio come bar, la costruzione in 3D pezzo dopo pezzo di bicchieri, sgabelli, banconi, l'origine contorta del nome e la sua trasformazione in 'oggetto' in occasione di una mostra presso il DHub di Barcellona. Chiuso a causa del covid nel 2020, il bar è stato infatti sottoposto a un ordinato processo di 'decostruzione', al fine di preservarlo come un progetto. La struttura autoportante, l'idea progettuale e gli elementi che lo configurano possono essere utilizzati in altri modi e per altri luoghi. Un'occasione per vedere il quotidiano da un'altra prospettiva e un processo sempre in divenire, nello stile a cui ci ha abituato 'l'ex designer' Guixé.

La pittura è un viaggio. Conoscere me stessa attraverso l'esperienza del fare. Certo, ho cercato di capire, ho studiato testi antichi e contemporanei ma è l'esperienza, anche attraverso gli errori, che ci forma nel tempo. La pittura è il mezzo attraverso il quale posso scandagliare la materia. Mentre la forma oggi mi porterebbe altrove, il colore è la frequenza con la quale mi interfaccio, il tramite verso l'essenza del sublime. Dialogo tra Sonia Costantini e Melina Mulas. L'autore e critico d'arte Ernesto L. Francalanci racconta l'artista mantovana Sonia Costantini e la sua pratica, che l'ha portata a privilegiare il colore come valore assoluto, mettendo l'accento sulla leggerezza della pennellata (la piuma) che fa da controcanto alla durezza ammansita della spatola lucente (la lama). Parallelamente, le fotografie di Melina Mulas ne fanno un racconto altrettanto intenso, affiancando le immagini dell'artista a quelle delle opere e del suo studio, tra strumenti di lavoro, studi preparatori e prove colore.

Due anni fa le studentesse e gli studenti del biennio di fotografia dell'ISIA di Urbino sono stati coinvolti in una serie di attività didattiche - residenze, corsi, workshop - sul tema del colonialismo italiano. L'obiettivo era di fare ricerca e riflettere sulla narrativa storica del nostro colonialismo e su come questa abbia lasciato tracce profonde nel contesto contemporaneo. In linea con l'identità dell'Istituto, che è storicamente un luogo in cui si mescolano didattica, progettazione culturale e impegno sociale per costruire professionisti capaci di dare forma alla complessità del reale, il gruppo ha lavorato su un progetto di lungo corso a partire da un articolato sistema di fonti e 'stimoli' costituito da archivi (MUCIV, ICCD, Biblioteca Nazionale, tra i principali), monumenti e comunità nella città di Roma. Dopo due anni, lungo i quali lavori e ricerche hanno attraversato continui momenti di revisione e approfondimento, i progetti sono stati definitivamente formalizzati e hanno trovato struttura - talvolta differente - in questo libro e in una mostra che verrà presentata a luglio 2024 a Villa Romana, a Firenze. [Dal testo introduttivo 'Per una statica della memoria, di Alessandro Carrer]

Due pareti e un tetto che dà riparo. La casa scalda i cuori di chi ci abita e protegge quando piove, è il luogo dove si ritorna sempre volentieri e dove ci si sente 'a casa'. Il libro di Alessandro Sanna ricrea l'atmosfera di tepore e serenità del focolare domestico, sensazione e nostalgia comune. La sagoma della casa, essenziale ma immediata nella sua rappresentazione, si ripete pagina dopo pagina come punto di partenza di una serie di variazioni, suggerite dall'immagine e dalla fantasia. Il nero della casa viene accostato e completato dal tratto rosso, per creare un'illustrazione sempre diversa: la casa diventa di volta in volta una caffettiera, degli alberi o un aquilone... Scritta e disegnata all'indomani del terremoto in Abruzzo, Una casa la mia casa - ora di nuovo disponibile quindici anni dopo la prima edizione - è una poesia dedicata a tutti i bambini del mondo che hanno perso la loro casa. Età di lettura: da 4 anni.

Ragno ogni giorno va allo stagno per incontrare Rana, offrirle la sua compagnia, il suo aiuto per non farsi portare via dal vento, e poi ancora gelati e ottime fette di pizza... ma Rana rifiuta tutto senza nemmeno degnarlo di uno sguardo e respinge tutte le sue offerte con 'NO' di ogni tipo e dimensione. Ragno tutti quei 'NO' li raccoglie, li osserva, li conserva e addirittura li pianta come fossero semi di fiori. Ma un 'NO' resta sempre un 'NO', qualunque cosa tu ne faccia e in qualunque posto della tua casetta tu lo metta. Ragno pensa alla sua adorata Rana e ai suoi irremovibili 'NO' tutto il giorno, tutti i giorni, fino a che... Un fortissimo tornado arriva a rompere tutto, ma anche spazzare via tutti quei 'NO' e a offrire a Ragno un incontro che, tra schiarite nel cielo e ali di farfalla, gli farà dimenticare Rana e i suoi 'NO', dandogli la possibilità di capire che i 'NO' di una Rana, non devono distrarci dal guardarci attorno e cercare nuovi amici con cui scoprire il mondo con entusiasmo, e magari anche condividendo una pizza! Dopo 'Se piangi come una fontana', una nuova storia firmata da Noemi Vola - deliziosamente arricchita dal suo immaginario colorato e pieno di animali irresistibili - che con la consueta delicatezza ci porta nel mondo profondo e complesso dei sentimenti e delle relazioni umane. Età di lettura: da 4 anni.

'Emiliano Ponzi è innanzitutto e soprattutto uno storyteller che crea immagini. Per lui il suo lavoro è soddisfare la propria curiosità, acquisire nuove competenze, esplorare altre possibilità. Vuole condividere il processo piuttosto che il solo prodotto, e questo concetto sta alla base di questo volume'. (Steven Heller). Tornare dal digitale all'analogico, dalla tavoletta grafica alla pittura - il più 'classico' dei supporti nel mondo dell'arte. Un ritorno alle origini che per l'artista e illustratore Emiliano Ponzi è prima di tutto un'evoluzione, una sperimentazione, un nuovo modo di dialogare con se stesso e di esprimere la sua personale visione del mondo. Conosciuto per le sue illustrazioni in digitale per i principali brand internazionali, per le copertine dei libri, per i più importanti magazine e quotidiani, Ponzi si è dedicato negli ultimi anni a trasformare quelle immagini in opere d'arte su tela. 'Work in progress' è il racconto di questo percorso creativo arricchito dalle fotografie del dietro le quinte del lavoro dell'artista e da un suo personale elenco di parole chiave che ne descrivono l'aspetto umano più che quello professionale. Con i contributi di Maria Vittoria Baravelli, Steven Heller e Damiano Gullì.

'47 fotos' inaugura la nuova collana di Corraini Edizioni 'I Quaderni di Spazio Munari'. Piccoli scavi verticali e approfondimenti inediti che a partire delle ricerche messe in mostra a Spazio Munari, servono a vedere il lavoro di Bruno Munari con occhi nuovi. In questo volume, uscito in occasione della mostra 'Fotochiacchierata' a cura del fotografo Jason Fulford, sono raccolte 47 foto - quelle realizzate da Bruno Munari o per suo conto in bianco e nero, quelle di Fulford a colori. Un flusso di immagini affiancate una all'altra che ci parlano di leggerezza, di ironia, della possibilità di guardare la realtà con occhi e prospettive sempre diverse. Fulford, che al centro del suo lavoro mette l'associazione tra immagini come motore di nuovi significati, ci restituisce qui un inaspettato ritratto fotografico di Munari e del suo modo di vedere la fotografia. 'Bruno Munari e io non ci siamo mai incontrati nella vita reale, ma lo considero comunque un amico. Nei suoi libri ho trovato uno spirito affine che sfuma il confine tra lavoro e gioco. Mi sono chiesto se fosse possibile parlare con lui ora, attraverso il medium in cui ci siamo incontrati. Il risultato è una conversazione tra fotografie.' (Jason Fulford)

Il corpo ci permette di scoprire il mondo fuori di noi, ma anche il mondo dentro di noi. È lo strumento attraverso il quale esploriamo e interagiamo con il mondo esterno, e allo stesso tempo ci fornisce informazioni preziose sul nostro mondo interiore, sulle nostre emozioni, sensazioni, pensieri e bisogni. Ma cos'è un corpo? A partire da questa domanda, gli autori vogliono condurre l3 bambin3 a sviluppare una comprensione più profonda di sé, superando visioni stereotipate e antiquate per provare ad andare oltre il binomio di normale/anormale e costruire, invece, una società aperta e accogliente davvero per tutt3. Età di lettura: da 7 anni.

Milano è per me una città disegnata nel cielo da centinaia di cavi e fili che si incrociano, corrono paralleli, si inseguono, girano. Oltre a creare una proiezione astratta della città, questi cavi tengono uniti i palazzi come marionette immobili. Una grande forbice potrebbe tagliare uno di questi cavi e tutto crollerebbe. Milano occupa tutti gli spazi in alto e all'orizzonte ogni spazio viene riempito. Non ci sono vuoti dove immaginare qualcosa d'altro. Paolo Ventura Artista e fotografo, Paolo Ventura utilizza processi ibridi per creare opere al limite tra fotografia e pittura. In Milano: proiezioni astratte, un omaggio alla sua città natale, si ispira alla storia italiana del XX secolo e al cinema neorealista, e utilizzando diversi mezzi - fotografia, pittura, collage - compone una storia visiva dell'architettura di Milano. Il suo processo artistico inizia con una fotografia stampata su più pannelli. Ventura usa la pittura per omettere ed evidenziare le immagini, creando paesaggi urbani spogli, surreali, privi di persone, che evocano meraviglia e nostalgia. Attraverso questi ritratti l'autore ci offre una nuova prospettiva su una città iconica, trasformandola in una metafora visiva della sua creatività e del suo fascino duraturo.

A volte ci sono 'cose' che semplicemente compaiono e non se ne vanno. Non se ne vanno più e anzi, aumentano, si accumulano e non sai dove metterle. Non ci stanno nel vaso dei biscotti, non ci stanno nella borsa della palestra del papà e nemmeno nel carrello della spesa della nonna, non sull'autobus e, ad un certo punto, nemmeno nel fiume! Il piccolo protagonista porta a spasso queste 'cose' che nemmeno lui è ben sicuro di volere e che non fanno che aumentare, ma... proprio quando ormai sembra che queste piccole sfere, che sono gialle come sole o arancioni come albicocche mature, stiano per sopraffarlo, succede l'impensabile. Si guarda attorno con attenzione e vede 'cose' di molti altri colori, azzurro cielo, rosa tenue, verde prato, fuxia e blu che corrono in giro e si mescolano alle sue. Sono le 'cose' che non ci stanno più nemmeno per gli altri bambini che giocano con lui al parco e che, mescolando 'cose' e colori, creano una confusione gioiosa e luminosa. Forse sono sogni, sono preoccupazioni, sono pensieri o desideri, forse sono paure o forse segreti, o forse sono le cose che vorremmo imparare e quelle che già sappiamo. In questo libro delicato, Marta Lonardi ci fornisce uno sfondo quasi onirico e un po' rarefatto in cui riflettere su 'Tutte quelle cose che non ci stanno più' in ognuno di noi. Questa dimensione universale e senza indicazioni di cosa siano esattamente queste 'cose' lo rende un libro adatto al pubblico di ogni età. Età di lettura: da 6 anni.

A volte ci sono 'cose' che semplicemente compaiono e non se ne vanno. Non se ne vanno più e anzi, aumentano, si accumulano e non sai dove metterle. Non ci stanno nel vaso dei biscotti, non ci stanno nella borsa della palestra del papà e nemmeno nel carrello della spesa della nonna, non sull'autobus e, ad un certo punto, nemmeno nel fiume! Il piccolo protagonista porta a spasso queste 'cose' che nemmeno lui è ben sicuro di volere e che non fanno che aumentare, ma... proprio quando ormai sembra che queste piccole sfere, che sono gialle come sole o arancioni come albicocche mature, stiano per sopraffarlo, succede l'impensabile. Si guarda attorno con attenzione e vede 'cose' di molti altri colori, azzurro cielo, rosa tenue, verde prato, fuxia e blu che corrono in giro e si mescolano alle sue. Sono le 'cose' che non ci stanno più nemmeno per gli altri bambini che giocano con lui al parco e che, mescolando 'cose' e colori, creano una confusione gioiosa e luminosa. Forse sono sogni, sono preoccupazioni, sono pensieri o desideri, forse sono paure o forse segreti, o forse sono le cose che vorremmo imparare e quelle che già sappiamo. In questo libro delicato, Marta Lonardi ci fornisce uno sfondo quasi onirico e un po' rarefatto in cui riflettere su 'Tutte quelle cose che non ci stanno più' in ognuno di noi. Questa dimensione universale e senza indicazioni di cosa siano esattamente queste 'cose' lo rende un libro adatto al pubblico di ogni età. Età di lettura: da 6 anni.

A Palce To Stay è un posto dove stare senza una scadenza definita. Cecilia Mentasti ha iniziato a popolarlo chissà quanto tempo fa fino a trasformarlo in un luogo abitato non solo da artisti e artiste ma anche da animali, nello specifico, da cani.

''Nel suo percorso lungo e coerente, Stanze rappresenta un momento speciale, l'esito di un impegno a lunghissimo termine. Per decenni l'artista è andata proponendo ai poeti con cui era in contatto - molti tra i principali del panorama italiano, e non solo - di trascrivere a mano un brano letterario per loro importante. Questi contributi compaiono ora, raccolti nel libro; ognuno di essi è affiancato da un suo disegno realizzato al tratto, raffigurante l'angolo di lettura preferito del poeta. Una volta di più nel lavoro di Gorni, disegno, scrittura e lettura procedono nella stessa direzione, intersecandosi'. Dall'introduzione di Gabi Scardi Cosa può raccontare, di un poeta, il luogo in cui vive e lavora? Meri Gorni ha varcato la soglia di quelle stanza dove poeti e scrittori fanno nascere le loro opere: sono cucine, camere da letto, giardini, a volte il vagone di un treno. Rappresentandole con un disegno, Gorni ci rende partecipi di quelle atmosfere, e grazie alle trascrizioni di poesie fatte a mano dagli stessi autori entriamo anche noi un po' più all'interno del loro mondo segreto.'